編織這件事之於「桌上行・纖維実験所」創辦人葉書聞，就如同喝水、行走般，是自然而然融入在生活裡的一部分。為工作室留一盞光的吊燈、讓室內散發淡雅薰香的擴香棒、款待客人喝茶的杯墊、媽媽上市場買菜的雞蛋籃⋯⋯，屋子裡無處不是纖維工藝的身影。一邊介紹著，她又笑吟吟拿出一個結合籐編和五金、精緻小巧的馬尾釦，說是今年新嘗試的小物。

從小喜歡畫畫的她，求學階段接觸的都是藝術相關內容，就讀南藝大應用藝術研究所時，她選擇了纖維藝術的組別，在編織的世界裡如魚得水。特別是在碩二那年，日本知名籃編藝術家關島壽子（Hisako Sekijima）受邀到學校舉辦工作坊，讓葉書聞從此打開了編織的全新視野。「老師帶著我們上山採集樹皮等自然素材，只教一些很簡單基本的技巧，要我們順應自己對材料的感受和想像來發揮。」不為特地用途而做、帶有實驗性質的創作，運用繞法塑型，讓編織從原本的平面走向立體。就像籃子同時保有內在空間與外在樣貌，葉書聞對於編織創造出來的立體維度驚豔不已，「那算是啟蒙我的一個開端。」

以教學讓大眾認識纖維工藝

那麼，就決定要走向藝術家的創作道路了嗎？葉書聞對此打上問號。她認為大多數人仍將藝術視為高高在上的殿堂，是很有距離感的，她更想做的是透過編織生活物件，讓藝術走進人們的日常。「當生活裡有了這些跟纖維藝術相關的經驗，看似很微小，卻能一點一滴慢慢影響，也許有一天你欣賞藝術作品的時候，開始會有不同的感受。」

首要之事，就是從中找出一個讓大眾容易踏進這個領域的媒介，「以我自己的觀點來看，可以從『教學』切入。」六、七年前創業之初，設計教案的規劃便同步啟動，「要編出一個非常具有代表性的東西，讓人一看到就能聯想到我的品牌。」

有別於坊間常見的籃子、提袋等籐編物件，葉書聞別出心裁地研發籐編吊燈，在當時堪稱首創，「我不要做那種一窩蜂流行、很容易被取代的東西，既然要做，就要做跟別人不一樣的。」說起話來語調溫柔的她，看待自己的專業反而有種冷靜自省的嚴謹態度。因為市場獨特性奏效，引發熱烈迴響，很快地吸引了對籐編有興趣的人來報名課程，累積至今，跟她學過燈飾的學生已逾千名。

不只有創意巧思，為了教學品質的穩定一致，素材挑選也有講究。考量到雖然自己在創作上會使用臺灣的黃藤，但其質地較粗、帶刺，處理工序繁複、需要大量人力，且材料取得不易，她尋尋覓覓，從藤原料最大宗的產地印尼，一路找到日本、韓國，才選定了進口瑪瑙藤等級、手感細緻的藤材。

葉書聞提到，剛開始進行纖維藝術創作時，包含紙、竹、藤等各種材質，都會有機地多方嘗試。最終選擇了藤，她浪漫形容為「宿命般的相遇」，只因為藤的特質輕盈又堅韌，浸水後卻能變得柔軟，就像光譜的兩端，讓她深深著迷，「覺得跟自己的個性滿像的。」

用單一技法表現編織豐富性

在編織上，葉書聞深受藝術家關島壽子影響，「老師給我們的概念是用一個非常簡單的編法，可以創造出各式各樣的可能性，不一定要追求學會很多種編法。」再加上自身學習纖維藝術的背景，更趨向於自由創作，讓自己不會被特定的技法框架局限住。她也把這樣的觀念導入到自己的課程，不管今天要做的是燈飾或提籃，都是同樣一種「平編」技法走天下。葉書聞打趣說學生都沒有提出疑問，「其實這樣是比較『不正常』的，一般來說，還是會編好幾種不同技巧。」

藤的延展性強，透過編織，型塑出各種想像中的模樣。重複性高的編織工序，需要大量時間，新手入門，單堂課四小時的時間可以完成一盞吊燈，而難度更高的籃子，則要耗時九個小時，得從白天一路馬拉松編到日暮西沉。不拆堂上課，背後也有她的深意。

「籐編講究的是一氣呵成的流暢感，」葉書聞說明，起底、彎折、塑型形、簍空到收尾，有著起承轉合的節奏，「可能開始的時候還有點混亂，做了一段時間找到手感，就要順著那個感覺一鼓作氣完成，學員的成就感也會在最後達到高峰。」這也讓她的課程與一般手作課程有所區別——時間長、專注度高，讓每位學員都能夠在課程中確實掌握技法並完成作品，完整感受編織的過程變化。

讓籐編器物成為日常風景

以教學讓更多人認識和喜愛籐編工藝的同時，葉書聞也持續在創作之路上探索，製作適合現代生活的日常器物，每件作品一一體現了她對材質和實用性的細緻思考。

比如造型平扁的「ざる」，傳統可以作為大型果盤或是食材的瀝水盤，編織形成的孔隙，有利於透水、透氣，是食物得以風乾、散熱的關鍵。她吸收前人保存下來的生活智慧，重新賦予美學觀點，編織出一個盛裝小麵包的道具，模樣質樸雅緻。而外型厚實可愛的籐編鍋敷，從原本的平面編織增加了一個彎折的手法，做出有如鳥巢般的包覆感，也讓作品增添一定程度的分量，更能承重，是葉書聞自己都愛不釋手的設計。

小巧的古籐提籃、帽子造型胸針十足童趣，看過的人無不驚呼：「好可愛喔！」起心動念源自對袖珍小物的喜愛，「但如果是市面上的扭蛋、公仔，又覺得擺起來和工作室的整體風格不那麼搭調。」怎麼想都過不了心裡那關，她索性用自己擅長的編織來做，而且意外發現——「很多造型反而是縮小了才更有機會嘗試。」

比如籐編不適合做成大帽子，結構太硬、無法實戴，她用直徑僅有0.8公釐的藤支做出紳士帽、鐘形帽，還可以加上俏皮的蝴蝶結，工藝編法無一省略，展現處處是細節的精巧手藝。

鎖定生活風格客群發展

葉書聞認為，纖維藝術在國內的發展較為弱勢，主要是受限於大眾對於材質本身的價值感認同還不夠，「大家覺得作品不具保值性。」再加上手工編織的單價不低，也增加了推廣的難度。她隨手指向工作室一隅的提籃，除了籐編本體，還車縫了裡襯和皮革手把，近七千元的售價對一般人而言相對較高，「但如果是理解這個材料還有技法的人，就知道它的價值遠遠超出這個價格。」

也因此，創立品牌以來，課程約佔七成比重，其餘才是商品販售與客製化服務。她的主要客群都是對生活風格有所追求的人，更看重藤編作品的美感與實用性。除此之外，葉書聞仍會選擇性地參加一些目標客群相近的手作市集，比如「雜貨女子博」、「森山市集」，將這些市集作為行銷品牌的機會，也能在市集上結識同樣從事纖維創作的設計師，交流經營品牌的心得。

未來無論是實驗創作或教學，「藤」都會是主要的材料，「已經跟它有點密不可分了。」日復一日都在一橫一豎的編織維度中忙碌著，葉書聞也不忘持續從生活裡找創作靈感，她眉眼彎彎笑著說：「希望做出日常裡可以一直使用的道具，如果這些器物大家也剛好喜歡，就太好了！」

文字／張雅琳 

攝影／一J

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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