編織這件事之於「桌上行・纖維実験所」創辦人葉書聞，就如同喝水、行走般，是自然而然融入在生活裡的一部分。為工作室留一盞光的吊燈、讓室內散發淡雅薰香的擴香棒、款待客人喝茶的杯墊、媽媽上市場買菜的雞蛋籃⋯⋯，屋子裡無處不是纖維工藝的身影。一邊介紹著，她又笑吟吟拿出一個結合籐編和五金、精緻小巧的馬尾釦，說是今年新嘗試的小物。

從小喜歡畫畫的她，求學階段接觸的都是藝術相關內容，就讀南藝大應用藝術研究所時，她選擇了纖維藝術的組別，在編織的世界裡如魚得水。特別是在碩二那年，日本知名籃編藝術家關島壽子（Hisako Sekijima）受邀到學校舉辦工作坊，讓葉書聞從此打開了編織的全新視野。「老師帶著我們上山採集樹皮等自然素材，只教一些很簡單基本的技巧，要我們順應自己對材料的感受和想像來發揮。」不為特地用途而做、帶有實驗性質的創作，運用繞法塑型，讓編織從原本的平面走向立體。就像籃子同時保有內在空間與外在樣貌，葉書聞對於編織創造出來的立體維度驚豔不已，「那算是啟蒙我的一個開端。」

以教學讓大眾認識纖維工藝

那麼，就決定要走向藝術家的創作道路了嗎？葉書聞對此打上問號。她認為大多數人仍將藝術視為高高在上的殿堂，是很有距離感的，她更想做的是透過編織生活物件，讓藝術走進人們的日常。「當生活裡有了這些跟纖維藝術相關的經驗，看似很微小，卻能一點一滴慢慢影響，也許有一天你欣賞藝術作品的時候，開始會有不同的感受。」

首要之事，就是從中找出一個讓大眾容易踏進這個領域的媒介，「以我自己的觀點來看，可以從『教學』切入。」六、七年前創業之初，設計教案的規劃便同步啟動，「要編出一個非常具有代表性的東西，讓人一看到就能聯想到我的品牌。」

有別於坊間常見的籃子、提袋等籐編物件，葉書聞別出心裁地研發籐編吊燈，在當時堪稱首創，「我不要做那種一窩蜂流行、很容易被取代的東西，既然要做，就要做跟別人不一樣的。」說起話來語調溫柔的她，看待自己的專業反而有種冷靜自省的嚴謹態度。因為市場獨特性奏效，引發熱烈迴響，很快地吸引了對籐編有興趣的人來報名課程，累積至今，跟她學過燈飾的學生已逾千名。

不只有創意巧思，為了教學品質的穩定一致，素材挑選也有講究。考量到雖然自己在創作上會使用臺灣的黃藤，但其質地較粗、帶刺，處理工序繁複、需要大量人力，且材料取得不易，她尋尋覓覓，從藤原料最大宗的產地印尼，一路找到日本、韓國，才選定了進口瑪瑙藤等級、手感細緻的藤材。

葉書聞提到，剛開始進行纖維藝術創作時，包含紙、竹、藤等各種材質，都會有機地多方嘗試。最終選擇了藤，她浪漫形容為「宿命般的相遇」，只因為藤的特質輕盈又堅韌，浸水後卻能變得柔軟，就像光譜的兩端，讓她深深著迷，「覺得跟自己的個性滿像的。」

用單一技法表現編織豐富性

在編織上，葉書聞深受藝術家關島壽子影響，「老師給我們的概念是用一個非常簡單的編法，可以創造出各式各樣的可能性，不一定要追求學會很多種編法。」再加上自身學習纖維藝術的背景，更趨向於自由創作，讓自己不會被特定的技法框架局限住。她也把這樣的觀念導入到自己的課程，不管今天要做的是燈飾或提籃，都是同樣一種「平編」技法走天下。葉書聞打趣說學生都沒有提出疑問，「其實這樣是比較『不正常』的，一般來說，還是會編好幾種不同技巧。」

藤的延展性強，透過編織，型塑出各種想像中的模樣。重複性高的編織工序，需要大量時間，新手入門，單堂課四小時的時間可以完成一盞吊燈，而難度更高的籃子，則要耗時九個小時，得從白天一路馬拉松編到日暮西沉。不拆堂上課，背後也有她的深意。

「籐編講究的是一氣呵成的流暢感，」葉書聞說明，起底、彎折、塑型形、簍空到收尾，有著起承轉合的節奏，「可能開始的時候還有點混亂，做了一段時間找到手感，就要順著那個感覺一鼓作氣完成，學員的成就感也會在最後達到高峰。」這也讓她的課程與一般手作課程有所區別——時間長、專注度高，讓每位學員都能夠在課程中確實掌握技法並完成作品，完整感受編織的過程變化。

讓籐編器物成為日常風景

以教學讓更多人認識和喜愛籐編工藝的同時，葉書聞也持續在創作之路上探索，製作適合現代生活的日常器物，每件作品一一體現了她對材質和實用性的細緻思考。

比如造型平扁的「ざる」，傳統可以作為大型果盤或是食材的瀝水盤，編織形成的孔隙，有利於透水、透氣，是食物得以風乾、散熱的關鍵。她吸收前人保存下來的生活智慧，重新賦予美學觀點，編織出一個盛裝小麵包的道具，模樣質樸雅緻。而外型厚實可愛的籐編鍋敷，從原本的平面編織增加了一個彎折的手法，做出有如鳥巢般的包覆感，也讓作品增添一定程度的分量，更能承重，是葉書聞自己都愛不釋手的設計。

小巧的古籐提籃、帽子造型胸針十足童趣，看過的人無不驚呼：「好可愛喔！」起心動念源自對袖珍小物的喜愛，「但如果是市面上的扭蛋、公仔，又覺得擺起來和工作室的整體風格不那麼搭調。」怎麼想都過不了心裡那關，她索性用自己擅長的編織來做，而且意外發現——「很多造型反而是縮小了才更有機會嘗試。」

比如籐編不適合做成大帽子，結構太硬、無法實戴，她用直徑僅有0.8公釐的藤支做出紳士帽、鐘形帽，還可以加上俏皮的蝴蝶結，工藝編法無一省略，展現處處是細節的精巧手藝。

鎖定生活風格客群發展

葉書聞認為，纖維藝術在國內的發展較為弱勢，主要是受限於大眾對於材質本身的價值感認同還不夠，「大家覺得作品不具保值性。」再加上手工編織的單價不低，也增加了推廣的難度。她隨手指向工作室一隅的提籃，除了籐編本體，還車縫了裡襯和皮革手把，近七千元的售價對一般人而言相對較高，「但如果是理解這個材料還有技法的人，就知道它的價值遠遠超出這個價格。」

也因此，創立品牌以來，課程約佔七成比重，其餘才是商品販售與客製化服務。她的主要客群都是對生活風格有所追求的人，更看重藤編作品的美感與實用性。除此之外，葉書聞仍會選擇性地參加一些目標客群相近的手作市集，比如「雜貨女子博」、「森山市集」，將這些市集作為行銷品牌的機會，也能在市集上結識同樣從事纖維創作的設計師，交流經營品牌的心得。

未來無論是實驗創作或教學，「藤」都會是主要的材料，「已經跟它有點密不可分了。」日復一日都在一橫一豎的編織維度中忙碌著，葉書聞也不忘持續從生活裡找創作靈感，她眉眼彎彎笑著說：「希望做出日常裡可以一直使用的道具，如果這些器物大家也剛好喜歡，就太好了！」

文字／張雅琳 

攝影／一J

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」

高橋一生和小朋友玩在一起的畫面會不會太美好！東京國立新美術館即日起呈獻為期11天的「學展」，其中將夾帶兩件從今年首登場的藝術計畫《想像他者的四天》中生成的多人共創畫作，本屆頒獎典禮更將放映導演二宮健於4天工作坊期間所記錄孩子們揮灑創意的珍貴影像。從培養共感力與想像力的角度出發，此項目所回應並試圖溫柔改變的社會現況發人深省。

第75屆學展（Gakuten）推出實驗性影像製作企劃《想像他者的四天（他者を想像する四日間）》，邀來演員高橋一生，協同7名從本屆參展者中選出的國中小學生完成兩幅大型畫布作品，並隨學展其他作品於2025年8月7日至17日在東京國立新美術館公開展出。而由電影導演二宮健同步拍下創作全過程的特別影像，則將於8月9日舉行的得獎者表彰典禮上限定放映，供得獎者及相關人員觀賞，循作品本身和紀錄片兩種途徑見證其中軌跡。

學展是什麼？

藝術教育人士西田信一（Nishida Shinichi）在1950年創立的「學展」，是日本第一個全國性學生油畫比賽；70餘年來由日本學生油畫會興辦，無參賽資格限制，亦接受來自海外的國際作品，現正於全球範圍內致力發掘年輕世代的藝術才能。評選項目涵蓋繪畫、插圖、工藝、攝影、數位創作等多元領域，且從幼稚園到大學的不同年齡層創作者都能報名。比賽核心自歷史案例中承襲而來，堅信「優秀的藝術不受年齡、國籍或名聲所限制」的精神，至今持續將才華橫溢的作品推向世界舞台；近年不僅廣邀各界知名人士擔任評審，大獎作品亦得機會於巴黎展出。

▼ 每屆學展於東京國立新美術館進行公開展出

實驗企劃《想像他者的四天》首登場

高橋一生主導、二宮健側拍，「即興」培養共感力與想像力

作為今年學展首次實施的藝術計畫，《想像他者的四天》旨在培養孩子「想像他者的能力」（意近中文「共感能力」所指涉，可能包括從他人視角看待事物，抑或經由共創形式對他人的表達有所共鳴等）。此理念發想自當代社會中人們「想像他者」能力普遍稀缺的現況，讓參與者透過肢體表達、即興演出、交流對話和揮灑作畫等環節，反覆加深「設想眼前的人、甚至於某個不存在對象」這樣的共感經驗。

在為期四天的工作坊中，高橋一生並非以導演或演出指導的角色參與，而是單純扮演從旁陪伴、覺察和承接孩子內心轉折變化的「伴行者」角色，構建出一個自由且深刻的創作空間，最終引導他們繪出兩幅「想像的藝術」作品。而將此場景具象化的正為導演二宮健，他詳實記錄7位小朋友4日體驗的側拍影片，將打開交織現實和創意的敏銳視角，靜靜喚起觀眾的想像力。

台灣觀眾對高橋一生肯定都不陌生，其別具感染力的演技與親切形象，為此類藝術教育項目盡心力自在想像之中。而擔任共同企劃兼導演的二宮健，早被認為是風格辨識度極高的日本新生代創作者。10多歲開始影像創作，就讀於大阪藝術大學期間即獲得京都國際學生影視節（KISFVF）大獎肯定，現年僅33歲已憑《裸睡美人》、《吉娃娃羅曼死》、《午夜少女戰爭》等多部代表作為觀眾所認識，亦曾在2017年作品中與高橋一生合作。此次他充分發揮個人尤擅長的實驗性手法，大膽而細緻地捕捉了孩子們朝氣蓬勃、充滿生命力的表情和創作歷程。

《想像他者的四天》紀錄片雖不開放一般觀眾觀賞，不過未來10天人正好在東京的讀者們，走過路過國立新美術館倒可逛進展廳，一覽高橋一生和小藝術家們帶來的兩大件畫作及第75屆學展的完整展出。

第75屆學展特別影像企劃《想像他者的四天》

【作品展覽】

• 時間：2025年8月7日至17日
• 地點：國立新美術館2D學展展示室

【影像放映】

• 時間：2025年8月9日
• 地點：國立新美術館講堂（僅限得獎者及相關人員入場）

資料來源：學展