歡迎光臨纖維宇宙！專訪桌上行・纖維実験所：持續創造「纖維」與「生活」的共感與對話

編織這件事之於「桌上行・纖維実験所」創辦人葉書聞，就如同喝水、行走般，是自然而然融入在生活裡的一部分。為工作室留一盞光的吊燈、讓室內散發淡雅薰香的擴香棒、款待客人喝茶的杯墊、媽媽上市場買菜的雞蛋籃⋯⋯，屋子裡無處不是纖維工藝的身影。一邊介紹著，她又笑吟吟拿出一個結合籐編和五金、精緻小巧的馬尾釦，說是今年新嘗試的小物。

從小喜歡畫畫的她，求學階段接觸的都是藝術相關內容，就讀南藝大應用藝術研究所時，她選擇了纖維藝術的組別，在編織的世界裡如魚得水。特別是在碩二那年，日本知名籃編藝術家關島壽子（Hisako Sekijima）受邀到學校舉辦工作坊，讓葉書聞從此打開了編織的全新視野。「老師帶著我們上山採集樹皮等自然素材，只教一些很簡單基本的技巧，要我們順應自己對材料的感受和想像來發揮。」不為特地用途而做、帶有實驗性質的創作，運用繞法塑型，讓編織從原本的平面走向立體。就像籃子同時保有內在空間與外在樣貌，葉書聞對於編織創造出來的立體維度驚豔不已，「那算是啟蒙我的一個開端。」

以教學讓大眾認識纖維工藝

那麼，就決定要走向藝術家的創作道路了嗎？葉書聞對此打上問號。她認為大多數人仍將藝術視為高高在上的殿堂，是很有距離感的，她更想做的是透過編織生活物件，讓藝術走進人們的日常。「當生活裡有了這些跟纖維藝術相關的經驗，看似很微小，卻能一點一滴慢慢影響，也許有一天你欣賞藝術作品的時候，開始會有不同的感受。」

首要之事，就是從中找出一個讓大眾容易踏進這個領域的媒介，「以我自己的觀點來看，可以從『教學』切入。」六、七年前創業之初，設計教案的規劃便同步啟動，「要編出一個非常具有代表性的東西，讓人一看到就能聯想到我的品牌。」

有別於坊間常見的籃子、提袋等籐編物件，葉書聞別出心裁地研發籐編吊燈，在當時堪稱首創，「我不要做那種一窩蜂流行、很容易被取代的東西，既然要做，就要做跟別人不一樣的。」說起話來語調溫柔的她，看待自己的專業反而有種冷靜自省的嚴謹態度。因為市場獨特性奏效，引發熱烈迴響，很快地吸引了對籐編有興趣的人來報名課程，累積至今，跟她學過燈飾的學生已逾千名。

不只有創意巧思，為了教學品質的穩定一致，素材挑選也有講究。考量到雖然自己在創作上會使用臺灣的黃藤，但其質地較粗、帶刺，處理工序繁複、需要大量人力，且材料取得不易，她尋尋覓覓，從藤原料最大宗的產地印尼，一路找到日本、韓國，才選定了進口瑪瑙藤等級、手感細緻的藤材。

葉書聞提到，剛開始進行纖維藝術創作時，包含紙、竹、藤等各種材質，都會有機地多方嘗試。最終選擇了藤，她浪漫形容為「宿命般的相遇」，只因為藤的特質輕盈又堅韌，浸水後卻能變得柔軟，就像光譜的兩端，讓她深深著迷，「覺得跟自己的個性滿像的。」

用單一技法表現編織豐富性

在編織上，葉書聞深受藝術家關島壽子影響，「老師給我們的概念是用一個非常簡單的編法，可以創造出各式各樣的可能性，不一定要追求學會很多種編法。」再加上自身學習纖維藝術的背景，更趨向於自由創作，讓自己不會被特定的技法框架局限住。她也把這樣的觀念導入到自己的課程，不管今天要做的是燈飾或提籃，都是同樣一種「平編」技法走天下。葉書聞打趣說學生都沒有提出疑問，「其實這樣是比較『不正常』的，一般來說，還是會編好幾種不同技巧。」

藤的延展性強，透過編織，型塑出各種想像中的模樣。重複性高的編織工序，需要大量時間，新手入門，單堂課四小時的時間可以完成一盞吊燈，而難度更高的籃子，則要耗時九個小時，得從白天一路馬拉松編到日暮西沉。不拆堂上課，背後也有她的深意。

「籐編講究的是一氣呵成的流暢感，」葉書聞說明，起底、彎折、塑型形、簍空到收尾，有著起承轉合的節奏，「可能開始的時候還有點混亂，做了一段時間找到手感，就要順著那個感覺一鼓作氣完成，學員的成就感也會在最後達到高峰。」這也讓她的課程與一般手作課程有所區別——時間長、專注度高，讓每位學員都能夠在課程中確實掌握技法並完成作品，完整感受編織的過程變化。

讓籐編器物成為日常風景

以教學讓更多人認識和喜愛籐編工藝的同時，葉書聞也持續在創作之路上探索，製作適合現代生活的日常器物，每件作品一一體現了她對材質和實用性的細緻思考。

比如造型平扁的「ざる」，傳統可以作為大型果盤或是食材的瀝水盤，編織形成的孔隙，有利於透水、透氣，是食物得以風乾、散熱的關鍵。她吸收前人保存下來的生活智慧，重新賦予美學觀點，編織出一個盛裝小麵包的道具，模樣質樸雅緻。而外型厚實可愛的籐編鍋敷，從原本的平面編織增加了一個彎折的手法，做出有如鳥巢般的包覆感，也讓作品增添一定程度的分量，更能承重，是葉書聞自己都愛不釋手的設計。

小巧的古籐提籃、帽子造型胸針十足童趣，看過的人無不驚呼：「好可愛喔！」起心動念源自對袖珍小物的喜愛，「但如果是市面上的扭蛋、公仔，又覺得擺起來和工作室的整體風格不那麼搭調。」怎麼想都過不了心裡那關，她索性用自己擅長的編織來做，而且意外發現——「很多造型反而是縮小了才更有機會嘗試。」

比如籐編不適合做成大帽子，結構太硬、無法實戴，她用直徑僅有0.8公釐的藤支做出紳士帽、鐘形帽，還可以加上俏皮的蝴蝶結，工藝編法無一省略，展現處處是細節的精巧手藝。

鎖定生活風格客群發展

葉書聞認為，纖維藝術在國內的發展較為弱勢，主要是受限於大眾對於材質本身的價值感認同還不夠，「大家覺得作品不具保值性。」再加上手工編織的單價不低，也增加了推廣的難度。她隨手指向工作室一隅的提籃，除了籐編本體，還車縫了裡襯和皮革手把，近七千元的售價對一般人而言相對較高，「但如果是理解這個材料還有技法的人，就知道它的價值遠遠超出這個價格。」

也因此，創立品牌以來，課程約佔七成比重，其餘才是商品販售與客製化服務。她的主要客群都是對生活風格有所追求的人，更看重藤編作品的美感與實用性。除此之外，葉書聞仍會選擇性地參加一些目標客群相近的手作市集，比如「雜貨女子博」、「森山市集」，將這些市集作為行銷品牌的機會，也能在市集上結識同樣從事纖維創作的設計師，交流經營品牌的心得。

未來無論是實驗創作或教學，「藤」都會是主要的材料，「已經跟它有點密不可分了。」日復一日都在一橫一豎的編織維度中忙碌著，葉書聞也不忘持續從生活裡找創作靈感，她眉眼彎彎笑著說：「希望做出日常裡可以一直使用的道具，如果這些器物大家也剛好喜歡，就太好了！」

文字／張雅琳 

攝影／一J

即日起至2026年10月3日走進台北當代藝廊TAO ART，從旅美設計師吳季剛和美國畫家羅伯特勞森伯格跨時空、跨領域的靈感交會，看時尚與藝術如何並置一地，激盪出有別於獨立存在時的嶄新火花。本篇3段式詳解兩位各擁深遠脈絡且皆打破傳統框架的創意風格，同場邀你共賞吳季剛揚名國際後首度回台辦展所帶來亮點之作。

坐落內湖辦公大樓內的新型態藝術空間TAO ART，現正進行跨越藝術與時尚邊界的開創性展覽《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》。回推策展緣起至2025年，為紀念美國藝術巨擘羅伯特勞森伯格（Robert Rauschenberg）百年冥誕，享譽國際的台裔加拿大時裝設計師吳季剛（Jason Wu）特別聯手羅伯特勞森伯格基金會（Robert Rauschenberg Foundation），向其生涯創作汲取靈感，以構思自創同名品牌Jason Wu 2026春夏系列《拼貼（Collage）》，同時將羅伯特勞森伯格作為戰後美國藝術先驅對圖像、布料與現成物的激進運用提升至全新維度。

此次展覽除呈現該系列服裝作品外，亦展出來自紐約、包含直接啟發吳季剛設計之重要作品在內的羅伯特勞森伯格基金會私人典藏；利用時尚與藝術的並置，全展不僅回望羅伯特勞森伯格對藝術史的深遠影響，更進一步重繪藝術文化的未來可能樣貌。

#01 解構拼貼宇宙：

當吳式優雅，遇上勞森伯格式叛逆

當年憑藉美國前第一夫人蜜雪兒歐巴馬（Michelle Obama）身穿其設計禮服出席前總統歐巴馬就職典禮一戰成名，吳季剛至今以精緻、優雅且充滿女性力量的現代美學風格聞名於世，並陸續為全球多位最具影響力女性與文化指標人物量身打造衣著。始終視各領域視覺藝術為豐沛靈感泉源的他，諸如曾於原創作品內帶入台灣書法藝術家董陽孜行雲流水的筆墨線條，或在上述與羅伯特勞森伯格基金會共同開發的《拼貼》系列中開展跨界對話，比比皆是實例。

且因投身後者這一別具指標性的合作案，吳季剛深入研究羅伯特勞森伯格的藝術宇宙，尤聚焦發想於1970年代的兩代表性系列《白霜（Hoarfrost）》和《機場套裝（Airport Suite）》，讓作品上大膽展示的拼貼藝術、集合藝術（Assemblage，即「立體」拼貼藝術），以及對布料媒材的創新實驗，巧被轉譯為當代時裝設計語言——並非單純挪用藝術家所作圖像，而是內化他當時對材質的敏銳感知後，透過解構、拼接與堆疊等手段重新詮釋其創作精神。

#02 串聯美術館與伸展台：

審慎考據後，兼行「具體物件移植」與「抽象心法重現」

▶ 先看兩大系列各蘊含哪些獨特技法與元素

1974至1976年誕生的溶劑轉印系列《白霜》，由羅伯特勞森伯格自行發展出的獨特技法創作而成。他首先轉印內容涵蓋政治人物、體育賽事、消費商品、科學圖表及生活片段的報紙和週刊雜誌（如《新聞週刊》、《時代雜誌》等）圖樣至半透明的絲綢和雪紡布料上，再將未經裝框拉平的織品僅以圖釘鬆散地懸掛於牆面，隨周圍氣流飄動。層層疊疊的輕盈效果，使圖像不斷游移清晰與模糊間，構出如從冬日霜窗凝視世界般夢幻而神祕的視覺深度。原本來自大眾媒體的政治或商業符號，也在柔軟氛圍中被轉化為記憶碎片似的溫和存在。而吳季剛除重現轉印質地於《拼貼》系列，更藉布料毛邊自然流露的粗糙感與未完成感，精準呼應原作系列所蘊含的材料精神與詩意狀態。

1974年誕生的紡織版畫系列《機場套裝》，則融匯自帶肌理的材質，凸顯工業符號意象。作為羅伯特勞森伯格的首個凹版印刷企劃，該系列彼時可謂對材料與印刷技術使用邊界有所動搖：他摺疊異質布料，並在其表層和裡層同時進行印刷；如此一來，布料便能在被展開或縫合後，形成極具延展性的影像結構。藝術家且突破繪畫與物件製作的傳統界限，盡把瓶蓋、鈕扣、直尺等日常拾得物直接縫進布料載體，打造兼具繪畫、拼貼與雕塑特徵的作品。這些物件所保留看似平凡的痕跡，卻成作品敘事中不可或缺的元素，映現羅伯特勞森伯格不斷思考藝術與生活之間關係的創作實踐。

▶ 再看設計師怎麼將它們轉化到服裝作品上

本展示眾之Jason Wu 2026春夏系列作品〈Cat Paws〉即揉合瓶蓋和鈕扣元素，善用材料肌理的交互作用促成富動態感的視覺節奏；〈Sheephead〉另於構圖上引入與測量、秩序及工業生產相關的直尺工具，讓現成物與印刷表面展開有趣對話。從物件拼貼、層次堆疊到材質轉化，吳季剛對羅伯特勞森伯格縝密的研究工作貫穿設計各階段，藉其材質敏銳度深刻形塑每件服裝從廓形剪裁、布料開發到表面處理的所有細節；最終呈現遂在維持Jason Wu品牌一貫精緻優雅風格的同時，注滿前所未有的實驗精神。

#03 引領觀眾近賞戰後藝術：

三方攜手並置典藏作與現當代新作，吳季剛台灣首展意義非凡

1925年出生、2008年逝世的美國當代藝術家羅伯特勞森伯格，一生傾力顛覆傳統流派對藝術的既定認知，挑戰繪畫的平面性與雕塑的三維界線；以使各式日常拾得物如塑膠、紙板乃至回收品躍然畫布的創作手法著稱，進而於1954至1964年間祭出著名的「融合繪畫（Combines）」、1964年獲威尼斯雙年展國際繪畫大獎。身兼運用絲網印刷和溶劑轉印技術的重要先驅，他亦透過重新拼組大眾媒體影像，反映二戰後由電視主導的資訊時代。設有勞森伯格海外文化交流組織（Rauschenberg Overseas Culture Interchange, ROCI），於冷戰後期率領團隊走訪全球11個國家，蒐集在地材料、與當地工匠合作並舉辦展覽，再再藉由行動證明藝術是一種得以跨越政治分歧的通用語言。

談及本次展覽，吳季剛表示，「我非常興奮能將2026春季系列帶回台灣，並讓觀眾重新認識羅伯特勞森伯格的精彩創作。同時，這也是我的設計作品首次與其靈感來源的原作並置展出，使人能夠更直觀地理解『轉譯』的過程。」甚稱《拼貼》不僅是對羅伯特勞森伯格的致敬，也是他的自我反思——「作為一名移民者，我是如何收集看似分散的文化與視覺參照，並將它們重新編織進我的創作之中。」

羅伯特勞森伯格基金會執行長Courtney J. Martin則說明，羅伯特勞森伯格的創作實踐奠基於創作者面對『藝術可能性』的廣闊理解，「他對紡織材料與現成影像的運用，挑戰了純藝術與日常生活之間的階級藩籬，並為新型態的表達方式開啟空間，至今仍在跨領域創作中持續產生共鳴。」恰如吳季剛與以上可見所有作品的對話，正體現不二創造力與實驗精神，證明羅伯特勞森伯格過去的創作之於今天的藝術家與設計師而言，仍是充滿生命力的源泉。

羅伯特勞森伯格基金會（Robert Rauschenberg Foundation）

立足於羅伯特勞森伯格的傳奇資產，強調其生前信念「藝術家能推動社會變革」，並讚頌創新甚或未經檢驗的全新思考方式，一如羅伯特勞森伯格始終致力在藝術與生活的縫隙中展開行動。

TAO ART

由藏家陳薇捷（Vicky Chen）與父親共同創立於2020年。結合收藏和展示功能的空間，由日本建築大師青木淳以「都市園林」為概念，打造出融合古典、經典與當代藝術的新型態場域，並藉由白立方、茶室、起居室等空間，體現藝術融入日常的可能性，進而以生活化方式將藝術介紹給觀者。一方面支持台灣當代藝術躍上國際，一方面亦將國際資源引入台灣。現透過定期舉辦展覽、座談及交流會，目標成為台灣與國際接軌的平台。

吳季剛台灣首展《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》

• 時間：即日起至2026年10月3日11:00-19:00，每週日、一休館
• 地點：TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）

Longchamp x Caroline Hélain首發膠囊系列重磅登場！延續2026秋冬系列品牌創意團隊所發想的「Creative Curiosity」概念，此次全新聯名服飾、配件及包袋特別攜手比利時藝術家Caroline Hélain，以9幅採用手裁布料層疊而成的岩礦地景，激發人們的探索欲與創意好奇心。隨本篇認識這位創作遊走於具象與抽象之間詩意地帶的當代視覺藝術家，同場看該系列從T恤、絲巾、托特包到旅行包等「自然系」單品設計亮點。

永續與創新，無疑是當代設計兩項不容忽視的重中之重。向來秉持真誠活力與樂觀精神的Longchamp，自1948年憑製作皮革煙斗起家至今，已然發展成為產品涵蓋旅行配件、包袋、服飾、眼鏡及鞋履等豐富類型的全方位生活風格品牌。2026年，Longchamp進一步將其社會責任與環境承諾制度化，透過取得B Corp™企業認證，嶄露不懈推動永續生產的決心。

與此同時，針對自家商品設計與時下藝術脈動的結合，Longchamp亦不遺餘力；舉凡數度攜手多元藝術家推出聯名系列、連年攜各式挑戰工藝邊界的創意家具進軍米蘭設計週，比比皆是實例。本季，品牌懷抱感性與好奇心，首度與比利時視覺藝術家Caroline Hélain展開合作，轉化藝術家所縫製細膩且富有層次的獨特地景為服裝與皮件圖樣，從而以滿含詩意的跨領域對話再次印證：作為Longchamp成立70餘年來的創作核心，廣義「藝術」及其多元表現形式始終扮演品牌旗下一切設計的關鍵角色，深度聯繫著創意團隊對長遠未來的嚮往心情，以及品牌受眾對嶄新視野的開放態度。

▼ Longchamp日前落地台北的2026秋冬系列發表會，於現場構築一座沉浸式畫廊展陳單品

在藝術與實驗之間——認識藝術家Caroline Hélain：

以手裁布料為基礎，描繪光影下別具生命力的自然形態

視覺藝術家Caroline Hélain現居比利時布魯塞爾，兼於布魯塞爾藝術學院進行研究工作，藉交流與實驗持續拓展藝術視野。大都汲取靈感自植物與自然景觀，其作品發跡於手工裁剪和塑形的布料，並經不同材質與色調層層拼接構成，各細節組成脈絡可謂遊走在觀察與記憶、具象與抽象地帶。尤其擅長以細膩視角感知周遭的她，且多運用風景、材質與視覺感官的連結，重新詮釋記憶中的景象；從色彩相互映襯的節奏、線條交織產生的律動、各層布料擁有的共鳴，乃至自由縫製所勾勒出的線條語彙，全是成就Caroline Hélain標誌性風格的有形與無形符碼。除從事個人創作外，她也通過工作室及文化機構舉辦的工作坊，分享自身於縫紉和刺繡領域的專業知識與實務經驗。

針對此次聯名，Caroline Hélain表示，「我的藝術創作存在於具象與抽象之間。與Longchamp的合作，讓我有機會將作品中的自然景致化為可穿戴作品。我所描繪的地平線能隨身形流動，以環繞整體輪廓，這對我而言別具深刻意義。」細賞她精心打造的系列單品，時有一座沙丘、一片峭壁，抑或一道天際線浮現，恰似幀幀被解構後重新拼湊的風景畫。

專屬創作躍然多元單品，邀你穿戴探索未知風景

Caroline Hélain共為Longchamp 2026冬季系列構思9幅專屬地景，各幅作品一方面以細緻的織紋肌理和色彩層次堆疊與品牌單品本身線條有所呼應的柔和意象，另方面而言亦借力於Longchamp精湛製衣與鞣革手法的二度演繹，躍然服飾配件之上。

首先，Daylong系列皮革包袋善用多層次拼接再現藝術家的地景創作，並由Longchamp工坊匠人悉心縫製，盡展品牌工藝底蘊。包型部分提供迷你包與旅行包兩種，邀人們踏上探索未知風景的旅程。

再者，鮮明的色彩構圖同步渡上毛衣與長洋裝，使多款服飾彷彿點綴流動壁畫般自帶生命力。其中最具代表性與辨識度的無袖背心，揉合皮革與初剪羊毛圈紗材質，描繪沙丘和模糊天際線交會的壯麗景觀，實踐藝術與工藝的精妙平衡。

最後，Longchamp遊牧風格衣櫥內所收藏的絲巾、喀什米爾方巾、口袋飾以地景圖樣的T恤，和Le Pliage系列棉質帆布托特包等單品，無一不讓人一眼即識Caroline Hélain的創作。色彩部分選用橄欖綠、薊花紫、焦糖褐與芭蕾粉等富有礦石質地的大地色為主調，帶出自然沉靜的秋冬氛圍。

「每一季，我都熱衷於發掘不同領域的創意人才。我初次看到Caroline Hélain的作品時，不僅被她細膩的藝術感知所吸引，也深深著迷於她精湛的創作技法。這兩種特質恰好呼應Longchamp一直以來重視的創意探索精神與工藝底蘊，因此便順理成章地促成此次合作。」——Longchamp創意總監Sophie Delafontaine