巴黎羅浮宮（Louvre）將大規模整修，其中，除將規劃新的入口，也將打造《蒙娜麗莎》的專屬展廳，屆時需購買特別門票才能欣賞這幅名畫。

巴黎知名地標——羅浮宮，為參觀人數最多的博物館之一，然而，這也影響了參觀體驗品質，尤其是大部分的訪客都擠在《蒙娜麗莎》作品前，難以好好欣賞達文西的傑作。而日前（1/28），法國總統馬克宏提出名為「Louvre Nouvelle Renaissance（羅浮宮新文藝復興）」的改造計畫。

「羅浮宮新文藝復興」

在這項計畫中，包含：打造新的入口，以改善玻璃金字塔入口的擁擠情況；在中央廣場（Cour Carrée）下方建造寬敞的地下展覽空間，並設計東西向的通道，讓參觀動線更流暢；修復卡魯塞爾花園（jardins du Carrousel）和杜樂麗花園（Jardin des Tuilerie），使其重新成為巴黎市中心的綠洲；改善館藏的保護、提升參觀的舒適度、優化工作環境，並增加無障礙設施；為《蒙娜麗莎》打造專屬的展覽空間，且需另外購買門票才能進入。

打造新入口、《蒙娜麗莎》展廳

在未來幾個月，法國政府將舉辦國際競圖，並預計於今年底選出最終設計方案，以在2031年前完成改造。而根據法國《Le Monde》報導，該計畫的第一階段，如新入口、《蒙娜麗莎》展廳，以及地下新展間，預計耗資4億歐元，這筆改造資金將全由羅浮宮負擔，資金來源包含門票收入、阿布達比分館的收益以及企業贊助。

非歐盟遊客門票價格將提高

除此之外，未來10年內，盧浮宮也將展開進一步的整修，但在工程期間不會關閉博物館，而這部分的工程預計耗資3億至4億歐元。法國文化部也將投入1000萬歐元，進行前期的評估。另外，2026年起，來自歐盟以外國家的遊客，將需要支付較高的門票價格，以籌措改造資金。

資料來源｜Le Monde、The Art Newspaper

新北市美術館公布2026年度展覽與計畫，包含：「托馬斯．薩拉切諾：共織宇宙」（Tomás Saraceno: Interwoven）與「Undo Planet」（暫定名）兩檔大型展覽，以及從在地出發的「民間／攝影：紀實影像的敘事生成」、「棉線與石頭」、「主題典藏展」、「林克恭個展」等豐富內容。

作為新北市首座公立美術館，新北市美術館於2025年4月正式開館後，持續以研究典藏、展覽策劃、教育推廣、公共參與及永續營運為核心，逐步建構一座立基新北、回應臺灣文化脈絡並與國際對話接軌的現當代美術館。

新美館年度展覽規劃立基於跨地方的視域，透過「城市美學驅動」、「新北暨臺灣藝術史建構」、「當代跨域創作」與「全民藝術推廣」等4大主軸，塑造以城市為方法、以公共性為導向的發展定位。

而迎接2026年開館週年與捷運三鶯線通車，新北市美術館將延續策展規劃的4大主軸，持續推出多元而精彩的藝術計畫。館方將進一步整合既有成果，策展與各項計畫聚焦於城市美學、藝術史研究、當代跨域創作，以及藝術教育與公共參與，並以永續為核心價值，深化國際合作，打造更具影響力的藝術平台。

▻ 新北市美術館2026年度展覽亮點 ◅

以永續為核心，當代跨域實踐與國際合作

為回應全球藝術界對永續議題的關注，以及氣候變遷、城市生態與人類共生等迫切課題，2026 年新美館將推出「托馬斯．薩拉切諾：共織宇宙」（Tomás Saraceno: Interwoven）與「Undo Planet」（暫定名）兩檔大型展覽，進行倡議及批判性反思。

托馬斯．薩拉切諾：共織宇宙

在阿根廷裔藝術家托馬斯．薩拉切諾（Tomás Saraceno）於臺灣的首次大型機構個展「共織宇宙」中，藝術家邀請觀眾進入一場關係的運動。展覽匯聚藝術家二十餘年來以集體研究為驅動的創作實踐，聚焦於與其他生命形式的共生與交織，探討如何在共享的環境中一同感知、思考與棲居。

在展覽的空間之中，觀眾將穿梭於微觀與行星的尺度之間，作品以雕塑、裝置、聲音、繪畫與影像構成感知的拓撲——從蜘蛛的感知網絡，到大氣層中熱能與光線的流動——在這持續變動的關係場域裡，逐步察覺交織萬物、連結人類與非人存在的無形絲線。

本展希冀透過藝術家的實踐提出一種視角的轉變：從「以人為中心」（anthropocentric）走向「大氣中心」（Aero(s)cenic）——一種與空氣、光線及多樣生命的節奏相互調和、共生共感的存在狀態。此外，也藉由藝術家的創作，進一步揭示生態議題背後所國際政治與經濟角力，讓永續發展不僅成為一種口號，而是更具批判性的深度反思。

托馬斯．薩拉切諾：共織宇宙

展覽日期：2026.03.21–2026.09.06
展覽地點：新北市美術館 6A、6B展間
藝術家：托馬斯．薩拉切諾

Undo Planet（暫定展名）

由韓國善宰藝術中心總監金宣廷（Sunjung KIM）策劃的「Undo Planet」（暫定名），邀集臺灣及國際藝術家，以跨地域、跨社群的藝術實踐，重新思考氣候危機中的解構與再生可能。「Undo」既指復原，也象徵解構，在當代生態危機中，它成為一種「解開」人與自然、科技與地球既有關係的動作，開啟重新想像生態秩序與世界結構的契機。

展覽涵蓋錄像、裝置、雕塑、聲音與檔案等多重藝術形式，從地質記憶、能源流動、物種消逝到感知的再培養，呈現藝術家如何以感性的方法介入生態議題。本計畫不以末世的視角來理解氣候變遷，而是將其視為人類思辨與實踐新關係的時刻；期望與藝術家及各地社群攜手，探索、發現並分享這些轉化的瞬間；並喚起公共的關注，在危機之中激發對未來共生與再生的想像。

Undo Planet（暫定展名）

展覽日期：2026.12.26–2027.04.18
展覽地點：新北市美術館 3A、3B、4B展間
策展人：金宣廷

以典藏與研究為起點，重寫地方與臺灣藝術史

新北市豐富多元的人文歷史與常民生活，長期形塑出獨特而多層次的視覺文化樣貌。館方將延續近年以民間藝術與常民文化為核心的調查研究，並據此策畫相關展覽。 

棉線與石頭

「如果記憶／技藝有形狀——它將如何成形、延展、留存，又如何瓦解？」本展從新北市的紡織與礦業歷史出發，以「進行中的博物館」為想像，探問來自不同地緣政治與時空背景的族群與物件，如何循環出相似又相異的文化敘事。

從新石器時代的石製紡輪到日殖時期的鳳梨織布，從美援臺灣的舊毛衣到紡織廠的藍色制服；從波蘭街頭的社運旗幟到敘利亞邊境的山羊毛毯⋯⋯，這些來自民間、跨越時空的「博物」，透過物件、影像、檔案、繪畫與空間裝置等形式，共構出另一種理解物質與非物質文化的藝術認識論。

當展覽作為思辨之所，展示成為關係的起點。依循一縷彩線、拾起一塊碎石，這些跳脫典藏系譜的「棉線與石頭」，將踏尋殖民工業、勞動與地方經驗所留下的抵抗軌跡，在現代性的時差之中，考古當代生活的光明與暗面。

棉線與石頭

展覽日期：2026.02.07–2026.06.14
展覽地點：新北市美術館 3A、3B、4B展間
策展人：鄒婷、王韓芳
參展藝術家：吳耿禎、奇倫．卡里普爾、法醫建築、邱承宏、高雅婷、張思敏、陳豪毅、斯拉夫人與韃靼人、黃博志 、雷揚．塔貝特、jiandyin、Nii Nami（泥椅）

民間／攝影：紀實影像的敘事生成

「民間／攝影：紀實影像的敘事生成」以臺灣攝影史的研究視角，重新探討「民間」作為視覺圖像與影像實踐的核心意義。攝影自日治時代起，即深度介入臺灣民眾的生活、習俗與社會現場，本展以此為出發點，關注攝影家如何在不同歷史條件下，以鏡頭書寫在地的民間現場與時代氣息。

展覽涵蓋從攝影作品、影像檔案、報刊圖像、調查紀錄、田野報導、現代實驗等多重面向，探討攝影從民俗慣習的記載陳述，逐步轉化為對「民間」現場的多重想像與實踐組構，從而推進紀實概念在臺灣的逐步生成與擴充延展。

本展以策展為研究方法，嘗試在影像、歷史與知識生產之間組構新的思考路徑，將「民間」的概念與問題意識轉化為影像運作的重要場域，使攝影不僅作為再現的技術與媒介，更成為理解臺灣視覺文化與時代精神的關鍵切口。

民間／攝影：紀實影像的敘事生成

展覽日期：2026.07.18–2026.11.15
展覽地點：新北市美術館3A、3B、4B展間
策展人：張世倫
參展藝術家（暫定）：松山虔三、張才、黃則修、張照堂、黃永松、姚孟嘉、林柏樑

主題典藏展

本次主題典藏展將以新美館開館至今與「民間藝術」主題相關的藏品為基礎展開策劃。展覽同樣從「視覺文化」的角度出發，與「民間．攝影」展形成呼應，關注藝術家如何以影像、符號與生活場景描繪地方文化的面貌。透過這些以日常經驗為核心的典藏作品，展覽希冀貼近人們的生命經驗，從民間視角重新理解地方生活的多樣表情，並開展美術館典藏作為文化敘事與公共記憶的另一種可能。

主題典藏展

展覽日期：2026.5.9–2026.8.2
展覽地點：新北市美術館  4A展間
參展藝術家（暫定）：陳銀輝、王振泰、吳望如、胡笳、郭東榮、廖修平、袁金塔、蘇匯宇、李俊陽、李錫奇、彭弘智、沈昭良

林克恭個展

藝術家林克恭（1901–1992）出生於板橋，為林本源家族第六代成員，自小家學薰陶，1916年至香港接受英式教育，後留學英國、法國和瑞士，是當時少數接受完整西方美術教育之臺灣藝術家。旅居歐洲12年後，林克恭攜家人返回亞洲，於戰時輾轉於廈門、香港、澳洲、臺灣等地。自1949年起定居臺灣，並投入藝術教育工作，退休後於1974年依親移居美國，直至1992年去世。 

林克恭的藝術創作以油畫和水彩為主要媒材，以色、線、形的演變為線索，跨越抽象與具象，運用理性邏輯轉化風景、肖像、建築、人體等主題，並形構出個人化的視覺語言，在臺灣現代藝術史發展的脈絡中獨樹一格。林克恭視抽象為一種藝術自身表達的自由化，而具象則連結觀者經驗以產生共鳴，兩者之間的轉換及融合，正是形塑其藝術風格的關鍵所在。

本展為新北重要前輩藝術家林克恭之首次大型研究型策展，將藉由林氏家族大量捐贈作品與豐富文獻，呈現其藝術發展歷程與國際交流貢獻，為新北暨臺灣藝術史的建構進行補遺，並進一步探討典藏與研究作為重現公共記憶與文化敘事之關鍵角色。

林克恭個展

展覽日期：2026.10.17–2027.02.14
展覽地點：新北市美術館 6樓展間
藝術家：林克恭

以跨域為路徑，連結創作實驗與全民藝術推廣

新美館基於鼓勵跨域藝術創作實驗之理念，特別規劃 4A 展間作為計畫空間（Project Space）。推出「如果這都不算 Ai，我有什麼好 Bi」，以及「冥王星在天蠍座」，透過影像、聲音與裝置等多元形式，展現新世代藝術工作者於語言、科技與世代經驗之間的多重探索。在全民藝術推廣與教育實踐上，B1「探索基地」作為強調自主學習的公共場域，2026 年將推出教育型展覽「發生什麼事？」。

如果這都不算Ai，我有什麼好Bi

由藝術團體「其實你不懂我的心」（馮志銘、倪祥、簡志峰、邱子晏）共創的「如果這都不算 Ai，我有什麼好 Bi」，展覽標題改寫自大眾朗朗上口的歌詞「如果這都不算愛，我有什麼好悲哀。」相對於「Ai」指涉的人工智慧（A.I.），藝術家則以「Bi」反問何謂人工智慧；在發音上，前者對應了中文裡的「愛」；後者則連結臺語中的「悲哀」（pi-ai）。

展覽從廣告宣傳上容易混用的兩個地名——臺灣的北海岸與日本的北海道做為出發點，對照個人記憶與集體經驗，並實際走訪兩地所產生的認知差異。藝術家以冷笑話、惡趣味的語言遊戲，讓作品的意義在展覽中持續地產生可被誤讀的空間，藉以產生新的理解角度。

展覽從單一主題擴延發散討論，回應如科技／人工、盜版／山寨、觀光／消費、勞動／藝術等議題，並藉由調度影像、燈光與聲音等元素，邀請觀眾在多重敘事的影像景觀裡，思考介於真實與虛構的身體經驗。

如果這都不算Ai，我有什麼好Bi

展覽日期：2026.01.17–2026.04.12
展覽地點：4A展間
參展藝術家：其實你不懂我的心、馮志銘、倪祥、簡志峰、邱子晏

冥王星在天蠍座

「冥王星在天蠍座」以1983至1995年間出生世代的生命處境為線索——這是冥王星位於天蠍座的時期，象徵毀滅與重生的能量。這個世代誕生於全球資本極端化、教育競逐與社會動盪的年代，經歷九〇年代的危機與轉折，體現了持續逃逸與重構的生命姿態。

展覽以錄像、聲音、燈光與物件建構出一場關於「旅行」的隱喻之旅——一種身體的逃逸與感知的再調頻。藝術家劉玗與吳思嶔回望自身成長的時代，在現實裂縫中開啟對自由與虛無的想像，作品如同被拆解的旅行日誌，散置於展場的場景、聲響與影像之間，化為片段的時間切片。

這場旅程反映了藝術家對於時代的反思與內省。藝術家藉由重訪那些被忽略或遺忘的瞬間，思考世代共同的處境與心境，並以感性的方式回應在快速變動的世界中，人們如何尋找自己的位置與節奏。

冥王星在天蠍座

展覽日期：2026.08.29–2026.11.22 
展覽地點：4A展間
參展藝術家：劉玗、吳思嶔

發生什麼事？

「發生什麼事？」從藝術家對世界的敏銳觀察出發，探問藝術在當代生活中的角色與價值。創作題材多來自最貼近的日常：身處突發變故下的日常、制度中的期待與規訓、人與自然之間難以畫下的邊界、逐漸消逝的地景，以及全球局勢與戰爭帶來的變動；也包含藝術家向內的自我探詢。這些經驗被轉化為作品，成為理解世界與回應現實的方式。

展覽以「藝術創作是什麼？」、「我們為何需要創作？」為起點，邀集不想睡遊戲社、野孩子肢體劇場、傅琬婷、劉文瑄、蔡咅璟、鄭婉蒨6組創作者，以影像、聲音、身體行動、物件與場域裝置呈現他們面對世界的方式。「發生」亦同時指向「發聲」：作品並非終點，而是創作過程的紀錄。

本展期望透過作品與觀眾的互動開啟對話，使人重新喚起對世界的好奇，並意識到每個人都在以自己的方式發聲。「發生什麼事？」邀請觀眾在藝術的現場傾聽世界，也傾聽自己。

發生什麼事？

展覽日期：2026.05.16–2026.11.08
展覽地點：探索基地 L1、L2、L3、L4
參展藝術家：不想睡遊戲社、野孩子肢體劇場 、傅琬婷、劉文瑄、蔡咅璟、鄭琬蒨

_{資料提供｜新美館、文字整理｜Adela Cheng}

臺北市立美術館（北美館）宣布2026年度亮點計畫，展覽規畫囊括重量級國際合作展「坂本龍一｜觀音．聽時」、「超現實主義：對話中的世界」，館方策劃兩檔主題展、以及中生代與新世代藝術家個展等，另也將於義大利呈現威尼斯國際美術雙年展台灣館「鬱卒的平面：李亦凡」。

兩檔國際合作展，擴展藝術感知的光譜

「坂本龍一｜觀音．聽時」回顧已故作曲家與藝術家坂本龍一（Ryuichi Sakamoto, 1952–2023）自 2000 年代以來的開創性實踐，揭示他如何跨越聲音、影像、光與科技的媒介界線，形塑當代感知經驗的新語彙。展覽含括7件大型裝置作品，並精選相關檔案資料，展示他與多位藝術家的長期合作，包括高谷史郎（Shiro Takatani）、阿比查邦・韋拉斯塔古（Apichatpong Weerasethakul）、Zakkubalan、卡斯滕・尼古拉（Carsten Nicolai）與真鍋大度（Daito Manabe）等。本展聚焦他如何將音樂拓展為可在空間中被「看見」與「感知」的立體經驗，也呼應其晚近對「裝置音樂」的探索不輟，邀請觀眾重新理解坂本龍一在音樂、科技與視覺文化之間的跨領域影響力。他不僅拓寬當代聲響的可能，更以其藝術實踐提出重新思考與聆聽世界的方式。

坂本龍一｜觀音．聽時
2026.10.31－2027.03.14【一樓1A、1B展覽室】

「超現實主義：對話中的世界」由德國圖賓根文化交流協會（Institut für Kulturaustausch, Tübingen, IKA）策劃，梳理超現實主義的發展脈絡及其橫跨百年的深遠迴響。《超現實主義宣言》於 1924 年出版，奠定了一場劃時代的文化革命運動，其思想與實踐至今仍影響當代藝術與社會。展覽將呈現超現實主義先鋒派作品，並創造其與當代後繼者的對話與共鳴，分為4個子題：「集體夢想」（The Collective Dream）、「魔幻蛻變」（The Magical Metamorphosis）、「玩世不恭」（The Playfully Irrational）、「渴望之物」（The Desired Object）。展件囊括馬克思．恩斯特（Max Ernst），薩爾瓦多．達利（Salvador Dalí）、賀內．馬格利特（René Magritte），克勞德．卡翁（Claude Cahun），曼．雷（Man Ray）、辛蒂．雪曼（Cindy Sherman）、大衛．林區（David Lynch）等重量級超現實主義藝術家之作，包含繪畫、裝置、攝影、錄像、電影等共約120餘件展品。

超現實主義：對話中的世界
2026.4.25－2026.8.30【地下樓D、E、F展覽室】

兩檔主題策劃展，探討人與物質、世界的依存關係

「物質世界」（暫名）由館內策展人馮馨策劃，展覽從人與物質的雙向關係出發，探索人類從農業跨度至工商社會的進程中，如何透過發明物件、規模生產帶來生活與社會型態改變，而物質又如何反向介入與形塑人們體驗與感知世界的方式。展覽以藝術家創作中物質與生活各面向的關係為核心，將從四個方向循序探討：當代社會中物質的生產、銷售、過剩與殘餘；物的組合與再現如何構成實體空間的特質、反映社會環境變遷；藝術家如何翻轉物件既有功能，透過錯置與拼接展開物的奇想；最後討論外在物質作為映射內心狀態與哲思的載體。展覽以北美館的典藏品為基礎，其中多為90年代以降之作；另也將委託藝術家李傑、湯雅雯帶來新作。

物質世界（暫名）
2026.4.25－2026.8.16【二樓2A、2B展覽室】

「共感：存在的節奏」由館內策展人余思穎策劃。展覽概念源自法國哲學家布魯諾．拉圖（Bruno Latour）的「臨界區」（Critical Zone），亦即將地球表層視為自然、科技、政治及文化實踐產生交互作用的場域。在此框架下，人與物、主體與客體並非二元對立，而是在技術、感知、物質行動中共同生成；因此「共感」不只是情感投射，更是理解自身與萬物彼此牽動的引力。而在人工智慧演算法主導的時代，雖然帶來更全面且快速的資料處理效率、卻也使現實越加受科技操控，進而加深人們隔閡與對立。本展期能邀請觀眾從共感與同理心出發，探索人、物與科技的共生關係，建構共享與互助的未來價值。展出藝術家／團隊包含周東彥（狠劇場）、陽春麵研究舍、蔡咅璟、吳其育；山城知佳子（Yamashiro Chikako）；席琳．克拉內（Céline Clanet）、桑加．鮑梅爾（Sonja Bäumel）等。

共感：存在的節奏
2026.05.09－2026.09.20【一樓1A、1B展覽室】

臺灣中生代藝術家個展，呈現完整創作發展歷程

「王雅慧：回顧展」（暫名）由館內策展人雷逸婷、林宣君共同策劃。王雅慧（1973-2023）出生於臺北，1998年畢業於師大美術系西畫組，2004年畢業於國立臺北藝術大學科技藝術研究所。她於2002年以《墜》獲臺北美術獎，2002、2010與2023年分別以《縫隙》、《藝術家影院—暗之面》、《訪客》參展台北雙年展，2005年獲國巨科技藝術獎。王雅慧擅長將觀察生活空間與日常經驗的細微感受，經由低科技技術或是手工道具，以影像建構想像中的場景。作品虛擬又如實，在抽象與具象、物質與非物質、立體與平面、真實與錯覺、空間與時間的框架中，以詩意的手法，擴延觀者對於微塵乃至萬物的感知。本展將精選王雅慧各階段代表作，展出錄像裝置、機械動力雕塑、攝影，連同習作，創作筆記、素描手稿、以及紀錄影片等，為藝術家二十餘年創作歷程最完整作品展出。

王雅慧：回顧展（暫名）
2026.09.12－2027.01.03【二樓2A、2B展覽室】

北美館旗艦展覽：台北雙年展與威尼斯雙年展台灣館

第14屆台北雙年展「地平線上的低吟」自開展以來即廣受大眾歡迎，更獲國際權威藝術媒體《Frieze》列為2025年全球十大推薦展覽之一。展覽由柏林漢堡車站當代美術館（Hamburger Bahnhof – National Gallery of Contemporary Art）雙館長山姆．巴塔維爾（Sam Bardaouil）和提爾．法爾拉特（Till Fellrath）策劃，從臺灣層疊的歷史切入、以「思慕」為核心概念，邀集來自不同文化背景的藝術家，透過作品召喚迴盪於個人記憶和集體意識中的想望與連結；而展間設計採用紡織隔幕打造通透綿延的視覺與體感經驗，更創造作品之間柔軟的對話空間，邀請觀者在沉浸式場域重新建構自身與世界的關係。展期將持續至3月29日，閉幕週藝術家麗娜．拉蓓利代（Lina Lapelytė）將帶來「走音合唱團」的表演，進一步拓展她對集體之聲的探索。

第14屆台北雙年展：地平線上的低吟
2025.11.01－2026.03.29【地下樓、一樓、二樓】

5月將於威尼斯登場的「第61屆威尼斯國際美術雙年展」台灣館，由藝術家李亦凡代表參展，美國丹佛美術館（Denver Art Museum）現代與當代拉丁美洲藝術部門主任哈法艾爾・馮希卡（Raphael Fonseca）擔任策展人。以「鬱卒的平面（Screen Melancholy）」為題，展覽回應當代人在數位軟體形塑的世界中，因感知扁平化而產生的焦慮與鬱悶。李亦凡將延續對影像生成技術與即興敘事的探究，以其獨具個人特色的創作手法，挑戰慣常的觀看模式。面對資訊與影像過剩且迅速代謝的時代，他提出對感知、主觀意識以及人類如何在未來表達自我的思考，激發臺灣當代藝術在全球數位語境中的共鳴。

第61屆威尼斯雙年展台灣館｜鬱卒的平面：李亦凡
2026.05.09－2026.11.22【義大利威尼斯 普里奇歐尼宮】

深耕典藏與研究，拓展新型態藝術潛能

北美館典藏大量前輩藝術家作品，歷來投入相關研究、修復作業不輟，今年則將協辦國立臺灣美術館之展覽「虹霓色彩樂詩：廖繼春的藝術世界」，特別出借35件廖繼春典藏作品，包含其於1928年創作、曾入選日本第九回帝國美術展覽會的重要代表作《有香蕉樹的院子》。本次展覽合作，將使觀眾得以更完整認識廖氏創作的發展軌跡，也彰顯兩館在推動臺灣美術史研究與公眾推廣上之努力。

北美館於2024年啟動的「北美館開放網絡計畫TFAM Net.Open」，自去年9月推出線上展覽「消失的反動」，由墨西哥籍獨立策展人及新媒體研究學者多琳・理奧斯（Doreen A. Ríos）策劃，邀請四位國內外藝術家創作網路藝術作品，思考當代藝術如何挑戰數位世界對資訊累積的信條，探問我們如何在數位工具塑造的環境中，理解存在與記憶的消逝。展覽以動態展演形式呈現，其中藝術家創作與相關延伸討論將於網站上不斷更新，今年預計舉辦5場次不同主題的線上與實體活動，延伸討論展覽的核心概念與社會現象，邀請使用者以數位介面及工具參與及互動。

北美館開放網絡計畫TFAM Net.Open｜消失的反動
2025.09.19－2026.12.31【「北美館開放網絡計畫」線上展】

https://tfam-netopen.xyz/vanishing-acts/

_{資料提供｜北美館、文字整理｜Adela Cheng}