台灣雕塑展《此地－他方》在柏林！3C建構古文明、佛像打瞌睡，看藝術家如何「轉渡時空」

由朱銘美術館主辦的《此地－他方：八種時空轉渡之術》，為首度在德國呈現的台灣當代雕塑展，即日起至2025年3月2日於柏林貝塔寧藝術園區展出。

《此地－他方》呈現臺灣當代藝術家們於「此地」及「他方」之間的游移探索，關注兩者交相作用中屢屢變動、常經改寫並重新詮釋的今昔記憶與未來歷史。本展匯聚8位臺灣藝術家：張乃文、康雅筑、林書楷、林育正、劉千瑋、劉柏村、涂維政、吳孟璋，展出作品囊括鋼鐵、石雕、織線、布料、現成物或拾得物等多元媒材，構成8種獨到的「時空轉渡之術」，讓觀眾得以立足現時此地，碰觸到既真實又虛構的彼時他方，嘗試「歷史性地思考當下」。

用地方記憶、歷史文化構成「時空轉渡之術」

「不論是神話中的超自然領域或空間感知上的異鄉，『他方』都與遙想世界相關。而我們所在的當下此地，莫不來自層疊累積的過往，似熟悉又陌生的歷史、說清晰也模糊的記憶，甚或是將至而不（能）及的未來，亦可謂是一處揉合現時想像的『他方』。『此地』與『他方』看似截然不同，但卻並非完全對立無關，而常像是兩面相互映照的鏡子，甚至交纏糾葛、矛盾衝突，隨而相互定義、彼此鍛造。」——《此地－他方》策展人劉俊蘭

《此地－他方》參展藝術家們運用各自偏好的媒料或場景佈署，奠基於自身感知或個人記憶，構成八種獨到的「時空轉渡之術」，為集體歷史、社會或時代，留下印記、做出回應，作品涵蓋「現代化的想望或廢墟」、「科技發展的歷史未來」、「全球化與地方文化傳統」等三大面向。展覽試圖以特定地區的時空記憶、殊異的歷史文化建構的「他方」，作為促進共感和理解時代複雜問題的方法。

《此地－他方》8位藝術家作品一次看

▍張乃文〈頓首〉

向來擅長挪用、拆解與重構傳統文化符碼的張乃文，在〈頓首〉中提出了他對當下世態的深刻洞察與對未來發展的省思。本應遍照光明的大日如來佛，卻緊閉雙眼、打起瞌睡，以跏趺坐於現代生活中常見的鮮紅油桶上，對比鮮明地讓「凡常人性和現代世俗社會」與「崇高神性和他方理想世界」產生碰撞，嘲諷今日世界的精神失落。

▍涂維政〈BM2號石〉

在人造石浮雕〈BM2號石〉中，涂維政將畫像石、石碑、石刻等不同古文明的意象，結合資訊產物如電腦、3C通訊器材等，製作具有歷史感的「擬古物」，藉此建構新的聖像及神話系統，隱喻資訊科技成為當代神話與宗教；至此，「歷史之物」也因而成了連結過去、當下與未來的超時空之門。

▍吳孟璋〈滄〉

當代都市中模組化的石版建材，見證了資本社會的快速建設與發展。藝術家吳孟璋的作品，以少量的人為介入來保存石版建材本身的語言——切鑿崩落的斷面痕跡，與精細打磨的光滑平面形成鮮明對比，有如建築斷片、像是文明遺構的殘跡，隱含了現代化之下人工與自然間的張力。

▍林育正〈理型演算－梯形倆斜式〉

林育正大量收集台灣都市建築物件，如公共水道孔蓋、管線、牆柱、門把、開關、磚等，並以水泥翻模、加上自製零件組構為動力雕塑。種種現代都會碎片的挖掘與組裝、建構工程中常見的鷹架，都結合了他多年的城市漫遊與路上觀察，猶如「現代考古」一般，翻出了現代城市駁雜粗糙的赤裸內裡與根本質地。

▍劉千瑋〈禁山14號II〉

劉千瑋的〈禁山14號II〉，以家族經歷四代變遷、年久失修的鄉村老屋作為創作的對象及材料，他收集老屋的土磚、屋瓦等部件，將其逐一分類、移地組構、重新詮釋，既指向個人與家族的過往，也涉及現代化過程中的鄉村縮影、地方的集體歷史。

▍林書楷〈積木城市語錄〉

林書楷的「陽台城市文明」系列，源自其舊宅被拆毀時，他對現代城市發展的虛幻與變動無常的震撼感知。他運用家族產業的傳統鑄造模具，建構出一個具備城市印象的烏托邦世界，藉此讓現代化發展與傳統工業、知識傳承、家族記憶形成有機辯證又交相融合，也讓虛構與真實、記憶與當下得以交織與穿越。

▍劉柏村 〈金剛登天〉

劉柏村的鋼鐵雕塑，關注天地演化與現代文明進展，交織著宇宙歷史概念的宏大敘事和個體微渺存在的思索。在〈金剛登天〉中，他將極力「登天」的無數小金剛以疊羅漢的方式呈現，既隱喻自我超越的意欲、崇高的精神追求，同時引發人類與世界關係、存在景況與文明烏托邦的反思。

▍康雅筑 〈手提箱、履旅縷之介〉

投入研究傳統紡織技術、材料和紋樣，頻繁旅行、經常於各地駐村創作的康雅筑，以收集的布料物件、特別是經緯線材的編織，編結出個人生命行旅的記憶軌跡，也牽引出不同的文化、歷史和故事。她將旅程作為踏查、溯源和連結的行動，挖掘地方、探究脈絡、見證在地物質文化，同時激發關注身份、性別或勞動等全球化移動的複雜問題，作品中種種的步履、旅程、線縷，都交織著「此地」與「他方」纏繞的多重意義。

首度在德國呈現的台灣當代雕塑展

朱銘美術館自1999年開館以來，便繼承台灣雕塑家朱銘之志，定期策劃不同主題的雕塑展覽、論壇、工作坊等，致力推廣雕塑藝術及教育。2023年，館方進一步成立「臺灣當代雕塑研究中心」，以現、當代雕塑為關注核心，逐步建構台灣雕塑發展的主體性；近年更加強串連國際的力道，與海外美術館、學術機構、藝術展會及策展人，展開聯繫並建立夥伴關係，期待在國際雕塑領域中為臺灣開啟一扇出入大門，《此地－他方：八種時空轉渡之術》即是成果之一。

策展人劉俊蘭表示：「《此地－他方》回應了已故奈及利亞策展人恩威佐（Okwui Enwezor）提議的『歷史性地思考當下』（thinking historically in the present），在歐陸當代藝術重鎮之一的柏林市中心，增添了一個獨特的接觸區，拉近意義多重的『他方』與『此地』之間的距離，也對照思索彼此的差異與相互的關係。」

《此地－他方：八種時空轉渡之術》

展期｜即日起至2025.03.02

展場｜德國柏林貝塔寧藝術園區

以塗鴉與街頭藝術為主角，agnès b.於臺南市美術館呈獻《agnès b. on aime le graff !! 我們愛塗鴉藝術特展》。展覽由品牌創辦人Agnès女士親自策劃，集結她40多年來持續關注、收藏的街頭藝術作品，亦穿插一系列與塗鴉創作者合作的時裝，展現塗鴉不羈線條與濃烈色彩中湧動的街頭能量。

Agnès女士與街頭藝術的不解之緣

在你眼裡，塗鴉是蠻橫闖進城景的入侵者，還是豐富街道樣貌的藝術創作？關於此，我們這一代最具代表性的時尚品牌經營者之一Agnès Troublé這麼說：「我所珍視並不斷重申的是，塗鴉不是污染。相反，它是一門豐富的藝術，它美化了生活，也美化了城市。」

Agnès女士身兼agnès b.創辦人和服裝設計師，穿梭於時尚與藝術領域，收藏、贊助也創作藝術。1975年，她在巴黎中央市場選中一間肉鋪，將其改造為agnès b.旗下第一間服裝店，那時，她便將品牌空間打造為時尚、音樂與塗鴉自由交會的創意場域。

1980年代初期，街頭藝術正於法國街頭萌芽，她看見塗鴉文化蘊藏的創作能量及時代精神，40多年來不僅持續關注、亦收藏和贊助不少街頭藝術家的作品，透過實際行動支持創作者。

匯集塗鴉大師真跡

此次Agnès女士親自策劃《agnès b. on aime le graff !! 我們愛塗鴉藝術特展》，她從自己從1984年起累積的5,000多件藝術藏品中，精選33件街頭藝術真跡，其中包含23組當代代表性藝術家之作，如Futura 2000、Katre、JonOne、Jim Joe等。

展品共同述說著20世紀末的城市文化發展軌跡，也映照出街頭藝術突破既有界線，從街頭走向當代藝術及時尚領域，成為當代重要藝文表現形式的過程。

展覽以多元媒材呈現塗鴉藝術的豐富樣貌。其中，來自巴黎Molitor游泳池的3扇舊門扉，原為Agnès女士於游泳池拆除前特別保存的歷史物件，後邀請Philippe Baudelocque、Futura 2000、Katre於其上創作，讓藝術、歷史與時尚交織共存。

另一重點作品為Futura 2000的大型自畫像《Self-Portrait》（1985），這件Agnès女士私心最喜愛的收藏之一，展現了這位傳奇塗鴉大師精準的塗鴉噴漆技巧，及充滿流動感的抽象表現風格。

當思想躍於紙上：藝術期刊《反諷點報》特別展出

展場同步展出agnès b.專屬藝術期刊《反諷點報（Point d’Ironie）》，其名稱源自19世紀象徵諷刺與獨立思辨的標點符號。這份刊物由Agnès女士與藝術家Christian Boltanski及Hans Ulrich Obrist共同發起，以紙本作為藝術表現媒介，每期皆邀請不同藝術家自由創作，讓刊物本身成為一件獨一無二的藝術作品。其中一期由Agnès女士蒐集來自羅馬、威尼斯、倫敦、香港及東京等城市的塗鴉影像，並親自進行排版設計，為此次展品之一。

街頭藝術融入時裝設計語彙

身兼服裝設計師、藝術藏家身份，Agnès女士亦藉由與塗鴉藝術家合作，將街頭創作與攝影影像轉化為服裝語彙。本展帶來agnès b.與街頭藝術家合作的37件時裝作品，含括15件經典Photoprints服裝和22件藝術家T-shirt。藉此，觀眾將能看見藝術不只存在於畫框內、展牆上，也能是穿梭城市中的「行走藝術品」。

展場限定！塗鴉藝術家KRINK創作T-shirt

agnès b.也特別攜手街頭藝術家Craig Costello（KRINK，KR）推出展場限定T-shirt。以噴濺與潑灑筆觸聞名的KR，創作橫跨雕塑、攝影、設計和繪畫，並以獨家研發的KRINK墨水聞名於街頭藝術界；他鮮明的視覺語彙和實驗精神，為塗鴉創作帶來獨樹一幟的美學表現。

此次展覽限定Tee正面呈現藝術家代表作，背面則集結本次展覽的亞洲巡迴站點——東京PARCO MUSEUM、臺南市美術館——的標誌，將街頭藝術精神延伸至日常穿搭。

台灣藝術家現場創作展演同步展開

延續Agnès女士「藝術共享」的理念，臺南市美術館同步策劃「跨時空對話：從巴黎街頭到府城巷弄」現場創作展演計畫，邀請台灣塗鴉與街頭藝術家CREEPY MOUSE、黑雞先生Mr.OGAY、陳云、蔡濰任等人進駐創作，串連1980年代巴黎塗鴉文化與台灣當代在地視角，開啟一場跨越時空與地域的藝術對話。

《agnès b. on aime le graff !! 我們愛塗鴉藝術特展》

展期｜2026.06.25－09.20

地點｜臺南市美術館1館 J展覽室

6月起在倫敦 Tate Modern（泰特現代美術館）展出的《Frida: The Making of an Icon》（芙烈達卡蘿：偶像的誕生），從逾百件她與後輩藝術家的作品，回顧芙烈達的創作歷程，梳理其如何成為至今仍深刻影響全球文化的時代 Icon。

提起芙烈達・卡蘿（Frida Kahlo），人們或許還未聽過她的故事，卻能一眼認得她筆下那些濃密連眉，身穿墨西哥傳統服飾與鮮艷花冠，唯妙唯肖的自畫像。即使未曾走進美術館，也可能在咖啡館牆面、帆布袋、文創設計，甚至城市街頭的塗鴉壁畫中與她相遇。如今，芙烈達早已超越藝術家的身份，成為全球流行文化中最具辨識度的女性形象之一。

從生命創傷，到創作語言

1907 年出生於墨西哥的芙烈達，18 歲時因一場嚴重車禍改變了人生。長達數月的臥床休養，讓她開始在病床上作畫，也開啟往後以自身經驗為核心的創作道路。她曾說：「我畫自畫像，是因為我經常獨自一人；我是最了解自己的人。(“I paint myself because I am so often alone and because I am the subject I know best.” ——Frida Kahlo)」

身體的疼痛，流產的傷痛，與壁畫家迪亞哥・里維拉（Diego Rivera）複雜的婚姻，以及對墨西哥民族文化與政治信念的認同，都成為她作品中反覆出現的主題。

《兩個芙烈達》呈現兩個並肩而坐的自己，一位穿著歐洲白色洋裝，一位身披墨西哥傳統服飾，兩顆心臟以血管相連，映照她在文化認同與情感之間的拉扯；《破碎的圓柱》則將自己的身體化作龜裂的大地，一根殘破石柱支撐著軀幹，毫不掩飾長年病痛帶來的折磨。芙烈達並未美化苦難，而是將生命經驗轉化為強烈而坦率的視覺語言。

Tate Modern：觀看藝術家，也觀看「Icon」的誕生

《Frida: The Making of an Icon》展覽由 Tate Modern 與休士頓美術館（Museum of Fine Arts, Houston）共同策劃，展出超過30件作品和其珍視的服飾、珠寶、照片和紀念物品，從芙烈達如何透過繪畫和建構自我形象，呈現她對於墨西哥文化認同、女性意識、酷兒身份與殘障經驗的回應。

展出作品包括《身穿天鵝絨連身裙的自畫像》（1926）、《鬆散頭髮的自畫像》（1938）等代表作，同時，展覽也透過迪亞哥・里維拉（Diego Rivera）、瑪麗亞・伊斯奎耶多（María Izquierdo）等「墨西哥文藝復興」藝術家的作品，闡明塑造其創作脈絡的藝術與思想交流。

展覽也將芙烈達與琪琪・史密斯（Kiki Smith）、朱迪・芝加哥（Judy Smith）、森村泰昌（Yasumasa Morimura）等藝術家的作品並置，旨在致敬芙烈達對於墨西哥、美洲及歐洲各地女性藝術家的深遠影響，以及呈現當代藝術家如何借用她的形象，探討種族、性別、性取向、殘障等議題。

當一位藝術家成為商品

隨著愈來愈多涵蓋了芙烈達的藝術創作個人特質的商業化物品出現，「芙烈達熱」（Fridamania）成為近年藝術界持續討論的現象。展覽也以此為壓軸，匯集了逾200件出自同時代藝術家及受其啟發的後輩藝術家之手的作品和商品，探究「粉絲文化」這一引人入勝的現象，以此致敬並頌揚她所產生的深遠影響。

展物包括T恤、芭比娃娃、龍舌蘭酒、香水等各式商品；1983 年出版、後來被譯為25種以上語言的傳記《芙烈達：芙烈達・卡蘿傳》（Frida: A Biography of Frida Kahlo），也進一步推動她走入大眾文化。

芙烈達曾批判資本主義，但今日，她的形象卻成為全球授權商品的重要 IP。此展覽也邀請觀眾重新思考：當一位藝術家成為全球文化符號，她的生命故事是否也可能在一次次複製與再生中，被重新理解，甚至逐漸被簡化？

從美術館延伸至倫敦街頭

走出 Tate Modern，芙烈達的身影並未消失。六幅由新銳藝術家創作的大型公共壁畫近期在班克賽德（Bankside）一帶亮相。作品形式多樣，重新詮釋了她堅毅而自由的精神，而她所象徵的女性力量、身體自主、文化認同與反叛精神，至今也持續啟發世界各地的藝術家。

《Frida: The Making of an Icon》

時間：即日起至2027年1月3日

地點：Tate Modern, Bankside, London, Greater London, SE1 9TG 

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資料來源｜Tate Modern