為拓展國內對於國際藝術的視界，國美館於2012年開啟了與塞爾維亞的跨國合作計畫─「航向東方」，此計劃以館對館的形式，由兩地的美術館輪流至對方國家展出。2013年，國美館帶著15位台灣當代藝術家的作品，於塞爾維亞的諾維薩德佛伊弗迪納當代美術館（The Museum of Contemporary Art of Vojvodina in Novi Sad）舉辦《凝視自由：台灣當代藝術展》，讓該地民眾得以進一步了解台灣藝術的多元面貌；今年，來自塞爾維亞15組藝術家之作品在國美館與我們見面，除了得以一窺其表現手法外，也能藉此機會了解對於台灣而言相對陌生的塞國藝術現況。

文｜歐陽辰柔 圖片提供｜國立台灣美術館

「演一齣戲，對當地的戲劇界專業人士來說意味深長，因為這使他們成為正常人，即是說，使他們可以做他們在戰前所做的事情；而不只是成為運水者或人道援助的消極接受者。」─蘇珊‧桑塔格〈在塞拉耶佛等待果陀〉

戰火瀰漫的時代中，藝術往往可以作為一種情緒的出口，也是一種逃避。二十世紀末南斯拉夫開始接連不斷的內亂，塞爾維亞籠罩在恐怖統治的陰影下，社會氣氛嚴峻；外在環境無法安定人心之際，藝術發展也受到嚴重的侷限，許多創作者紛紛移民他鄉，找尋另外一種生活方式，而意外促成了一種「遊牧」式的創作身份。他們浸染於其他歐洲各國與美國的文化，但同時也不停思索關於身份的問題，以及究竟塞爾維亞藝術是何樣貌。

黑暗中的競走
不論是留在國內，或是旅居在外的塞國創作者，面對國家陷入分化危機時，都並未採取挺身而出、激烈批評時政的方式；本次於國美館展出的《壓抑的存在：塞爾維亞當代藝術展》其中一位策展人Svetlana Mladenov在論及展覽時提到：「這些實踐都相當低調、壓抑、保密。這反映在藝術家的不作為、不行動、對外界忽視、自成小世界、菁英主義，以及對自主藝術價值和普世藝術論述的專注。」摒棄高調，轉為個人式的思索，加上1990年代後半期新科技被廣泛運用到藝術領域中，讓塞國的創作者們可以運用影像、燈光、聲音等各式媒介完成作品，因而無法簡單界定此時期的主要流派和藝術發展。但唯有一件事情十分明確，藝術家們不約而同地在政治壓力的邊緣摸索，視黑暗為最後的棲息地，隱匿的作風即便孤寂，卻也唯有此法能找到前行的道路。(節錄)

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藝術家Olafur Eliasson總以靈感源自自然的詩意創作，喚起人們對自然環境的關注，他著手造懸浮太陽、人工瀑布，藉水霧與光線共織七彩光譜，也將冰川碎冰帶至城市，透過藝術實踐拉近人們與大自然間的距離，邀請觀者重新感知周遭環境。

在台灣，北美館迎來Olafur Eliasson國際巡迴大展《你的好奇旅程》。世界另一頭的芬蘭赫爾辛基，也正迎接Olafur Eliasson全新創作《Long Daylight Pavilion》落地，這座名為「長日光亭」的公共藝術裝置，透過高低錯落的鋼柱，描繪出當地夏至太陽運行的軌跡，入夜後則化身海濱燈塔，點亮城市一隅。

城市鄰海地帶，「光之藝術」特區正成形

《Long Daylight Pavilion》設於赫爾辛基沿海地區Kruunuvuorenranta，這裡曾是石油庫及港口的所在地，現正轉型為海濱住宅區。與此同時，赫爾辛基美術館（Helsinki Art Museum）正與市政府聯手推動公共藝術計畫，致力將當代藝術融入城市紋理及大眾生活，而Kruunuvuorenranta被規劃為聚焦「光之藝術」的據點，Olafur Eliasson這回發表的新作即是行動之一，將於當地永久展出。

藝術、建築與天文學相遇，引領人們「逐日」

佇立於鄰海岩岸的《Long Daylight Pavilion》，不僅是一件藝術裝置、一場小型的建築干預，更是一座對大眾開放的「天文設備」。Olafur Eliasson利用24根鋼柱構成環形結構，並根據每年日照最長日（6/21）太陽運行的軌跡，精算鋼柱的高度和安裝位置，其中最短與最長的鋼柱，分別位於裝置北、南兩端，呼應太陽當天在空中的至低與至高點。在這裡，日照軌跡從無法觸及轉化為實體物件，觀者得以直接透過裝置本身的結構，「讀取」太陽行蹤。

日夜不同的光影律動

白天，隨著日照移動，鋼柱的陰影悄悄流轉，象徵著時間流動。夜晚，鋼柱亮起燈，當光線透過菱形玻璃流瀉而出，將形成一圈微微傾斜的光環，如星辰閃爍。若從遠方赫爾辛基市中心看過來，裝置就像是座海上燈塔，為晚歸的人們指引方向，也替城市樹立獨特的視覺標誌。《Long Daylight Pavilion》雖是件靜態裝置作品，卻引導著人們與天體運行的節奏建立聯繫，延續Olafur Eliasson一貫的創作語彙，以寧謐不張揚的姿態，邀請人們靜心感受天地萬物。

資料來源｜Helsinki Art Museum

來自瑞典的Acne Studios，從不只是「時尚品牌」。Acne從不侷限於時裝，而是持續探索藝術、設計及工藝，橫跨家具、出版、策展、服飾等領域的「創意團體」。想全面了解Acne，必須拜讀其自創刊物《Acne Paper》。從15世紀的古掛毯到LGBTQ文化，從大師繪畫到街頭攝影，從戲劇到雕塑，從舞蹈到冥想——只要關於文化，只要有趣，《Acne Paper》無一不包。

2025年適逢《Acne Paper》發行20週年，Acne將紙上策展的能量擴展至實體空間，於巴黎開設首座常設藝廊「Acne Paper Palais Royal」，匯聚展覽、藝術家講座、書籍出版等多元活動，構築一創意與思想碰撞的交流平台。

「誤打誤撞」闖進時尚殿堂

1996年，Acne由一群創意工作者在斯德哥爾摩創立，成員們各活躍於平面設計、家具設計、電影與廣告製作等領域。當時Acne雖有進軍時尚界的想法，旗下也的確設有時尚部門（也就是現在的Acne Studios），但從未想過規模會擴張至當今如此之大，版圖擴及全球。

Acne踏入時尚圈的緣由說來有趣。1997年，創辦人Jonny Johansson製作了100條以紅色縫線為特色的原色牛仔褲，將其分送給身邊的名人親友，沒想到褲款優秀的版型、低調卻帶巧思的設計，意外登上諸多時尚、生活風格媒體版面，於是Acne趁勝追擊擴展產品線，自此開啟Acne Studios一步步登上時尚殿堂的旅程，陸續發展出Acne Pink霧粉代表色、無表情Logo、羊毛圍巾等經典識別與人氣單品。

時尚品牌跨足出版先驅，《Acne Paper》聚焦探索文化

2005年起，Acne Studios發行自製刊物《Acne Paper》，以「文化」為母題，透過時尚視覺、專家訪談、藝術專題等方法，探索由古至今的文化場景。如2025最新刊〈Golden〉探索「黃金」之於不同時代的文化意義，從古文明到當代前衛藝術，在動盪時代藉黃金的恆定特質展開視覺與文字敘事。《Acne Paper》每期印刷及裝幀都砸重本製作，內容紮實、零廣告，作為時尚品牌出版刊物的先驅，主動掌握話語權，也更加確立品牌與藝文聯繫的形象。

Acne首間藝廊進駐巴黎皇家宮殿

位於巴黎皇家宮殿（Palais Royal）拱廊下的「Acne Paper Palais Royal」，策展內容延續《Acne Paper》的精神，涵蓋攝影、電影、藝術、設計等廣泛的創意領域，參與者從大師到新銳、藝術家到思想家，活動形式則橫跨講座、雜誌發表、簽書會、跨域展覽等，宣告Acne Studios不只是時尚品牌、更是「文化推動者」的定位。

藝廊開幕首展迎來荷蘭藝術家Paul Kooiker個展《2025》，收錄他為阿姆斯特丹Gerrit Rietveld藝術學院國際學生拍攝的肖像，有別於傳統學校拍「畢業照」等肖像紀念學生成長的重要時刻，這一系列影像聚焦於動盪時代下不確定的青春、令人不安的「成長痛」。「Acne Paper Palais Royal」預計於2025年6月26日正式開幕，藝文迷務必收進巴黎必訪清單！

資料來源｜Acne Studios