2013年9月，天作之合劇場創團鉅獻─音樂劇《天堂邊緣》，喚醒戲迷深藏心中的悸動；在觀眾的口耳相傳與強烈要求下，本次經典再現將於今年12月19日~2015年1月4日，在新北市藝文中心演出十二場，再度締造劇場心感動。

由作曲冉天豪、編劇王友輝、導演楊士平三大巨頭重新詮釋人與人之間的情感層面，本次演出齊聚國內重量級音樂劇演員程伯仁、張世珮、江翊睿、黃浩詠，更特別邀請影視歌三棲歌手趙詠華擔綱劇中女主角，一人分飾嗆辣時尚與溫柔可人這兩種不同性格的女性角色，為其從影以來的演技大突破！希望能將這一份面臨困境的勇氣與支持力量，透過本劇重新溫暖每個人的心房！

超越感動、進駐心房(回顧去年盛況及觀眾迴響)
「去年在強颱環伺下，觀眾在風雨無阻的約定當中前來看《天堂邊緣》，看到現場座無虛席的觀眾，那份無法用言語形容的感動，是我們這些做了十多年的幕後團隊，永難忘懷的美好畫面」，製作人廖又臻感性的表示。

藝術總監冉天豪說：「我永遠記得有一位高中生，在看完《天堂邊緣》後，告訴我們因為劇中秀燕媽媽的角色(張世珮飾演)，讓她和長年無法溝通的媽媽和解；有一位對於歌唱未來感到徬徨的觀眾，在看到劇中角色何智(江翊睿飾演)勇敢的面對自己懼怕的天賦，讓他決定重拾歌唱這件事；還有無法開口說愛的觀眾，受到劇中菲菲角色(本次由趙詠華飾演)的鼓勵，決定對心儀的對象說愛。《天堂邊緣》真的成為了在我們人生中，最重要的三個生命課題。每次接到這些觀後感，我心中都有說不出的感動與鼓勵。」

再一次擁抱10年經典《天堂邊緣》
「當十年前大眾對音樂劇還不熟悉的時候，《天堂邊緣》琅琅上口的劇中歌曲即受到熱烈的好評與迴響，雋永並富有人生哲理的歌詞，連三歲小朋友只聽一次也會唱，因此不斷傳唱成為經典，是我們覺得它堪稱為台灣絕不可錯過的音樂劇指標。」冉天豪表示。

「天作之合劇場以製作"溫暖都會人心"的音樂劇為主，去年創團首演《天堂邊緣》，充份感到現代社會對於"內心情感表達"，仍需透過進駐心房的音樂劇，為每個人找到內心情感的出口」，廖又臻說：「天堂邊緣是一齣會讓人想一看再看、每一次看都能重新發掘新面貌、每一次看都會發現更深的體悟的音樂劇；它帶給觀眾的，不只是Have a good night的娛樂性，更多的是珍惜當下的提醒。」

探討人生"珍惜當下"課題(天堂邊緣核心主軸)
「邁入第十年的《天堂邊緣》，這次我想回到十年前原著的樣貌，重新深刻被看見」，導演楊士平表示，「隨著時代的改變，我們這次還是會有新的調整，但是會根據王友輝老師想傳達親情、愛情、友情三個課題，帶出有勇氣的人生，因此會著墨在＂人物關係＂情感互動的部份。」

楊士平導演專注的談到：「男主角震宇(程伯仁飾演)其實就是每個"我們"的化身，他面臨到的人生狀況，提醒我們不要過度擔憂而把自己的心封閉起來，形成了無形的枷鎖，這個枷鎖使得我們在生活的所有面向，無法學習"珍惜當下"，不管是面對親情、友情、愛情，總是一再找藉口、一再錯過。只要放開心去接納別人，人是永遠不會寂寞的！」

十年來最強音樂劇陣容

本次特別邀請演視歌三棲美聲天籟趙詠華加入演出陣容，齊聚國內重量級音樂劇演員程伯仁、張世珮、江翊睿、黃浩詠共同演出！多年來鍾情於音樂劇的趙詠華，對於《天堂邊緣》菲菲一角，更是有著濃厚的情感。

「與天作之合的相遇，是一次很奇妙的機緣，多年來我一直都熱愛音樂劇，參與2008年天作之合舉辦的〈天作之合與趙詠華〉音樂劇沙龍音樂會，就和音樂劇天后洪瑞襄約定，一定要一起演出音樂劇圓劇場夢，即使現在瑞襄離開了我們，但我還是很重視這個約定。十年前瑞襄正是飾演菲菲與女朋友這兩個角色，當時就聽她們說過這是個一人分飾兩角、高難度的演出，而且最難的是這些歌曲，完全是針對瑞襄在音樂劇上的成績量身訂作的，因此今年接到這個角色時，既興奮又緊張。」趙詠華表示。

趙詠華對一人分飾兩角的挑戰充滿期待。「這二個角色都是我個性的一部份，因此要切割的特別清楚，情緒轉換要做到很快，才能突顯出二個完全不同的角色樣貎，這是一項非常大的挑戰！我很期待觀眾看到我所飾演的角色，而不是趙詠華個人。」

為因應時代改變，原著中的即時通場景搖身一變成為時下流行的臉書之歌，而場景上的燈光音效與舞台背景，更是以十年前所沒有的多媒體技術展現！天作之合劇場更將劇情呼應人生當下功課的清潔婦，和全球品牌好神拖趣味合作，觀眾一走進劇場，就如同置身男主角的《天堂邊緣》場景中，與真實生活合而為一。

城市的中心、天堂的邊緣

《天堂邊緣》故事以三個上不了天堂的靈魂與一位男孩為中心展開，三個生前帶有遺憾而徘徊人間的靈魂，被困在這位男孩身邊，28年後天使才告知他們唯一離開人間的方法，便是藉由守護多年的男孩，來為他們完成生前的心願。期待藉由堅強的製作與演員陣容，將繁忙都會人的內心真實呈現，讓都會人都能從中擁有更多的勇氣，來面對生活中的難題。

音樂劇《天堂邊緣》製作介紹

原為兩廳院中文音樂劇實驗計畫的《天堂邊緣》，以跨劇團形式召集了國內分屬不同劇團的頂尖創作者與演員，共組成夢幻團隊打造原創華文音樂劇，2004年首演便贏得廣大好評與迴響。當時造成場場爆滿的盛況，許多資深戲迷至今仍記憶猶新。這齣實驗性作品的成功，正因為其戲劇直指都會人心，音樂讓人琅琅上口，堪稱中文音樂劇的典範作。儘管直至2013年才由原班人馬組成的團隊─天作之合劇場重新推出，但劇中不少雋詠歌曲的傳唱反而讓這齣戲在十年間累積了廣大的戲迷，2013年經典重現時仍是場場爆滿、一票難求，看過戲的觀眾更是好評回饋不絕。2014年全新版本的《天堂邊緣》，再次集結台灣最高水準的表演團隊，更加入知名歌手趙詠華同台飆戲，勢必將再次引起一波《天堂邊緣》的感動暖流。

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演出時間/地點

2014年12月19日~2015年01月04日

新北市藝文中心（新北市板橋區莊敬路62號1樓）

購票資訊

官方網站、兩廳院售票系統

圖片資料提供/天作之合劇場

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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