藝術計劃將於一月十七日至三月十五日舉辦「單色畫Dansaekhwa: Korean Monochrome Painting」展覽，屆時將展出韓國Danseakhwa單色畫派六位核心藝術家朴栖甫、李禹煥、尹亨根、鄭相和、金昌烈及河鐘賢橫跨三十年的創作，展現韓國藝術家在民族認同與西方藝術衝擊中尋找契合自身文化特質的創作實踐。

韓國抽象藝術始於1950年代晚期，政治的動盪與全面現代化的政策，導致年輕藝術家對傳統學院畫派提出質疑，進而捨棄寫實繪畫的具體與表象，運用簡約單色系創作，摸索不同抽象繪畫的表現形式。到了1970年代，強調「回歸自然」的單色畫形式，發展成為韓國戰後最重要的抽象藝術Danseakhwa單色畫風格。

單色繪畫在韓國已有二千年的歷史，是韓國文化的核心。當韓國藝術家從西方引進抽象繪畫，即試圖以西方抽象的表現手法體現韓國傳統的哲學與美學，在作品中融入無為、自然、中庸和觀照等韓國傳統的精神價值，在理論基礎上是與西方極簡抽象藝術有著根本的區別。

單色畫藝術家從自身的歷史、文化和本土材料擷取靈感，每位藝術家皆發展出獨特的表現手法，作品蘊含豐富的本土文化語彙和深厚的手工技法，創作在某種程度已成為一種修行，藝術家重複著無數次同樣的手繪動作，如苦行僧般將精神超脫的狀態鋪陳於畫布空間。即使在形式上有著與西方藝術相似的實踐模式，但本質上則企圖與自身文化脈絡接軌，在西方的抽象藝術語言中注入東方的哲學思想與人文語彙。

此次單色畫展以韓國的審美意識與精神價值對西方的現代藝術思潮進行重新解讀，透過六位藝術家的創作審視韓國現當代藝術的歷史演進。單色畫派不僅將傳統與現代、東方和西方的元素結合起來，同時開闊與西方藝術的接觸，為韓國藝術在國際的發展奠定堅固的根基。

朴栖甫
1931年出生於韓國慶尚北道，1954年畢業於韓國弘益大學美術系，2000年時獲得弘益大學榮譽博士學位，曾在法國巴黎的Sorbonne大學進修。朴栖甫是單色畫派的靈魂人物，並為戰後韓國抽象藝術的發展做出巨大的貢獻。他以“描法”系列作品聞名，將傳統韓紙(Hanji)貼於畫布上，再以鉛筆持續地描繪線條，勾勒出無數線條的組合，一種介於書寫與繪畫風格，而在手不間斷地重複活動中，展現超越藝術形式表象的意志力與自律精神。朴栖甫曾多次舉辦個展，先後在2014年法國巴黎貝浩登畫廊、2012年韓國大邱美術館、2010-2011韓國釜山市立美術館及1991年於韓國果川當代市立美術館舉辦個人回顧展。同時也多次參加過國內外當代藝術大展，包括2014年美國紐約Alexander Gray Associates畫廊、2011-2014年瑞士巴塞爾博覽會、2011-2013年美國紐約Armory博覽會、2009年韓國首爾國立當代美術館、2008年新加坡美術館、2006年法國聖埃蒂安現代美術館、2005年中國北京索卡當代藝術中心、2003年德國柏林東亞藝術博物館及2002年日本東京市立現代美術館。作品被國內外重要的美術館以及私人機構收藏，如韓國首爾國立當代美術館、韓國首爾三星集團美術館、日本東京現代美術館、日本福岡市立美術館及法國FNAC私人收藏。

鄭相和
1932年出生於韓國慶尚北道，1956年畢業於韓國國立首爾大學美術系，曾在日本和法國定居。鄭相和的繪畫著重創作過程，運用反覆撕貼顏料的手法刻畫出細緻網格狀的形式，藉由「塗抹與剝離」顏料的重覆動作，引領自我探索進入修身的境界。鄭相和曾多次參與韓國、日本和歐洲的展覽，包括2011年法國聖艾提安現代美術館、2007年韓國首爾Leeum三星美術館、2004年韓國首爾市立美術館、1998年韓國釜山現代美術館、1991年韓國慶珠Sun-Jae美術館、1986年日本埼玉現代美術館及1981年美國紐約布魯克林美術館。此外，他還多次參加國外的雙年展，如2008年波蘭波茲南雙年展及2000年韓國第三屆光州雙年展。

河鐘賢
1935年出生於韓國Sanoheong，1959年畢業於韓國弘益大學美術系，2000年時獲得弘益大學榮譽博士學位。河鐘賢的Conjunction接合系列是他的代表作，運用獨特的背押法，將顏料從畫布背面用手或不同的工具往前推擠，畫面自然出現的紋路構成他平面的創作，此與在畫布正面作畫的常規方式形成強烈的對比。從1990年至1994年，河鐘賢任職弘益大學美術學院院長，1995年擔任第一屆光州雙年展藝術總監，從2001-2006年，他接任首爾美術館館長職位。他曾多次參加國內外藝術展出，曾在2012年韓國果川國立當代美術館、2004年韓國昌原美術館及2003年義大利米蘭當代藝術基金會舉辦個展，並參加1993和1995年義大利威尼斯雙年展及1967和1977年巴西聖保羅雙年展。

尹亨根
1928年出生於韓國美源，1957年畢業於韓國弘益大學美術系，2007於韓國首爾辭世。尹亨根以探討媒材本質的Umber Blue赭藍系列聞名，運用天然麻布的本色和顏料暈染的效果產生不同的色塊，讓顏料與畫布在虛實之間對話，用以呼應大自然陰陽的調息與融合。他曾多次參加國內及國際藝術展出，包括2012年韓國果川國立當代美術館、2002年韓國首爾國立當代美術館、2000年韓國釜山美術館、1997年德國羅伊特林根Konkrete藝術基金會、1996年美國德州瑪法Chinati基金會及1992年英國泰特利物浦美術館，並在1969和1975年參加巴西聖保羅雙年展及1995年代表韓國參加義大利威尼斯雙年展。
 

金昌烈
1929年出生於韓國馬山Pyeongahnnamdo，1950年畢業於首爾國立大學美術學院，1968年由美國紐約學生藝術聯盟學院畢業，1996年獲得法國駐韓大使館頒授藝術與文學騎士勳章。金昌烈在50年代是南韓抽象藝術運動的重要核心人物，自70年代旅居巴黎後，成為西方最具有影響力的韓國藝術家之一。金昌烈的《水滴》系列是他最知名的作品，以超寫實的手法反覆地描繪水滴，將西方的油畫技法與東方對自然的崇敬融合為一。在平實的畫布上，漢字與水滴充滿禪意的結合，作為藝術家經由創作體現個人回歸自然的途徑。他在國內外舉辦過多次回顧個展，包括2012年台灣國立美術館、2005年北京中國國家博物館、2004年韓國首爾現代畫廊、2004年法國巴黎法德波姆國家美術館、1997年法國德拉吉尼昂博物館、1994年韓國Sonje當代美術館、1993年韓國國立當代美術館、1989年美國芝加哥國際藝術博覽會現代畫廊、1989年義大利米蘭納維利奧畫廊、1983年日本東京畫廊、1977年比利時安特衛普畫廊及1975年徳國漢堡美術館。他的作品被國內外重要的美術館及藝術機構收藏，如韓國首爾國立當代美術館、日本東京國立現代美術館、比利時根特Veranneman基金會、美國波士頓美術館、荷蘭鹿特丹波伊曼•凡•布寧根博物館及德國波鴻美術館。

李禹煥
於1936年出生於韓國慶南，是一位活躍於韓國、日本和歐美的藝術家。1956年他前往日本大學研讀哲學，在1960-70年代，他不僅被公認為日本前衛反形式主義「物派」(Mono-ha)首要倡導者，也成為韓國單色畫運動(Dansaekhwa)的先驅。2011年六月，李禹煥於紐約的古根漢美術館(Guggenheim Museum)舉辦首次回顧展“創造無限”Marking Infinity，成為繼白南準和蔡國強之後第三名於該館舉辦個人展覽的亞洲藝術家。李禹煥的作品回歸繪畫的基本元素，以點與線體現東方精神，隨著筆觸的延伸、扭動或停頓，與畫布間產生辯證互動，反映出東方文人畫無為的冥想狀態。他的作品頻繁地在國際展出，重要的個展還包括2014年法國巴黎凡爾賽宮、2012年美國休士頓亞洲協會、2008年在德國柏林亞洲藝術博物館、2008年布魯塞爾比利時皇家美術館及2005年日本橫濱美術館。他並在1977年參加德國卡賽爾文獻展及2007年代表韓國參加義大利威尼斯雙年展。他的作品被國際上重要知名的美術館及藝術機構收藏，包括美國紐約現代美術館、英國倫敦泰特現代美術館、法國巴黎龐畢度中心、德國柏林國立美術館及澳洲雪梨新南威爾斯美術館。

圖文資料提供 文化部

梅雨季即將來臨，陰雨綿綿總讓人心情蒙上一層灰，今年不要怪天氣，試著出門「逐日」吧！座標台北敦南林蔭大道上的「敦南之森 Taipei Lumitree」，數位藝術家DAMONXART帶來全新戶外光影作品《陽顏 SUN HUE》，以數位形式重現太陽的恆常存在，為城市注入一抹暖意。

用「錯視」創造永恆全日

從太陽、花瓣、鳳凰、河畔到行星運轉的軌跡，都是DAMONXART的創作題材，其以數位語彙玩轉幾何，加上對鮮豔色彩的靈活運用、對不同材質的探索，建構富科技感、卻仍保有溫度的作品。抽象的畫面乍看陌生，其實都藏有連結生活的靈光。

《陽顏 SUN HUE》以「台北的永晝」為發想，結合時間流動與光影設計，於都市核心地帶創造出一顆不隨天氣與晝夜消逝的「數位太陽」。作品隨著實際時間推移，呈現從晨曦微光、正午烈陽到夕陽西下的色彩與情緒變化，讓觀者即便在陰雨綿綿或夜色低垂的時刻，也能感受到陽光灑落的視覺經驗與心靈慰藉。

出發！一起在梅雨季逐日

作為一場結合科技、自然與情感的公共藝術介入，《陽顏 SUN HUE》不僅重新詮釋「陽光」在城市生活中的角色，也回應人們在季節轉換與環境壓力下，對光與溫度的深層渴望。展演即日起至5月15日展出，每天上午8點到晚上9點於整點播放，每15分鐘輪播一次。

DAMONXART《陽顏 SUN HUE》

展期｜2025年4月15日－5月15日  

地點｜敦南之森 Taipei Lumitree

地址｜臺北市大安區敦化南路二段 19 號  

時間｜每日 08:00 – 21:00（整點播放，每15分鐘輪播一次）

如果遇見未來的自己，你想跟他說些什麼？是分享現在，或好奇丟出對未來世界的提問？再進一步思考——你會認為「他」就是「自己」嗎？

2025大阪世博上百座場館中，由新媒體藝術家落合陽一策劃的主題館——「null²」，是最受觀眾歡迎的目的地之一。除了「科技鏡屋」般的奪目外觀引人駐足，null²所提供的璀璨視覺饗宴、邀觀眾與鏡中「數位分身」互動的新奇體驗，更是震撼。null²延續了落合陽一長期探討的「數位自然」理念，呈現一個數位與物理界線消融的未來世界，邀觀眾一起思考未來「生命」的意義，同時反思科技時下，人類共同面臨的困境與苦痛。

有機演化的「活建築」

null²場館建築由活躍於日本、台灣兩地的NOIZ Architecrts創辦人豐田啟介設計。作為一座透過感測器、人工智慧技術驅動，結合鏡面顯影、映照、對話周圍人事物的「活建築」，null²彷彿超未來裝置穿越時空降落在二〇二五；外觀不規則堆疊的鏡面方塊，及方塊邊緣向中心凹陷為圓，令人想起東京代謝派建築名作——由黑川紀章設計的東京中銀膠囊塔。

特殊鏡面膜 X 電腦科學，成就非凡的藝術互動體驗

「鏡子」是null²的核心，貫穿建築、作品概念與視覺呈現。展館以「實體」與「數位」兩種不同型態的鏡子構築，豐田啟介採用一種特殊的鏡面膜，讓場館外部得以反射中人們扭曲變形的樣貌。更有趣的是，這種材料既可以作為建築或裝置的表面，也可以變換為新媒體藝術的畫布。

展館內，鏡面膜結合落合陽一團隊的區塊鏈、人工智慧（AI）技術，透過互動式鏡子掃描觀眾的身體、捕捉現場的視覺與聲音資料，並將其數位化，為觀眾生成一個具備自主性的「鏡中分身」。這些分身存在也活動於空間中，與另一個「自己」互動，挑戰著人們對「身份」與「生命」的認知——當兩個你同時在場，誰才是本體？誰才是分身？

靈感源自佛家心經，挑戰人類至上觀點

null²視覺璀璨、所用技術走在科技前沿，但回看落合陽一的創作靈感，竟意外地「祥和」並充滿哲思——源自佛教經典《般若波羅蜜多心經》的名句：「色即是空，空即是色」。近十年來，落合陽一致力建構「數位自然（Digital Nature）」，透過創作消融「有形與無形」、「有機與人工」、「自我與他者」之間的界線，試圖重新定義自然，挑戰當今人類至上的世界觀，並逐步靠近他對藝術的終極追求——科技與生態匯聚成一個「會呼吸的系統」的瞬間，而null²正是其中一項實踐。

落合陽一曾表示，無論是日本或西方繪畫，自古以來都從自然環境中取材，創作出適合在地消費的作品，這種通俗的、民間的藝術與製作過程，至今都未曾改變。而新媒體藝術對他來說，是「數位自然中的在地藝術」（Vernacular Art of Digital Nature），因此在創作過程中，他不只著重電腦科技的藝術表現形式，也延伸至學術研究、社會實踐等層面。

視覺衝擊之後，一起反思科技時代的苦痛

null²也延伸了「數位自然中的在地藝術」的理念，落合陽一強調它並不是單純的數位聲光裝置，而是一件「大規模的社會雕塑」，也是一座「有機變化的活建築」，其鏡面不只映照出周圍環境，也揭示了社會中潛藏的不安、夢想與傷痕。在此，落合陽一點出人們在科技時代所承受的痛苦——環境崩壞、社會分裂、身份迷失，都是人類共同面臨的困境。我們該何去何從？他拋出一個極端卻引人省思的觀點：人類該學會退後，讓世界自行刻畫自己的倒影。

未來社會將是如何？界線消弭的「新自然」

面對2025大阪世博的命題——「設計一個充滿生命光輝的未來社會」，null²試圖突破世界博覽會反映國族榮耀、彰顯企業實力、重視集體性的傳統，傳達新時代開篇的宣言：「個體的聲音，正在重塑我們的社會。」

藉由將藝術、科技與社會願景合而為一，null²建構對未來社會的想像——社會本身成為一種具備自我意識的人工生命（就像null²鏡中的數位分身們那樣），在那裡人類學會與萬物共存，且數位與物理的界線融為一體，造就新的「自然」。為到達彼方，人類或許該退居一旁、而非總是將自己置於中心，用更謙卑的姿態存在於萬物生命交織的世界中。

2025大阪世博「null²」

展期｜2025年4月13日～10月13日