藝術計劃將於一月十七日至三月十五日舉辦「單色畫Dansaekhwa: Korean Monochrome Painting」展覽，屆時將展出韓國Danseakhwa單色畫派六位核心藝術家朴栖甫、李禹煥、尹亨根、鄭相和、金昌烈及河鐘賢橫跨三十年的創作，展現韓國藝術家在民族認同與西方藝術衝擊中尋找契合自身文化特質的創作實踐。

韓國抽象藝術始於1950年代晚期，政治的動盪與全面現代化的政策，導致年輕藝術家對傳統學院畫派提出質疑，進而捨棄寫實繪畫的具體與表象，運用簡約單色系創作，摸索不同抽象繪畫的表現形式。到了1970年代，強調「回歸自然」的單色畫形式，發展成為韓國戰後最重要的抽象藝術Danseakhwa單色畫風格。

單色繪畫在韓國已有二千年的歷史，是韓國文化的核心。當韓國藝術家從西方引進抽象繪畫，即試圖以西方抽象的表現手法體現韓國傳統的哲學與美學，在作品中融入無為、自然、中庸和觀照等韓國傳統的精神價值，在理論基礎上是與西方極簡抽象藝術有著根本的區別。

單色畫藝術家從自身的歷史、文化和本土材料擷取靈感，每位藝術家皆發展出獨特的表現手法，作品蘊含豐富的本土文化語彙和深厚的手工技法，創作在某種程度已成為一種修行，藝術家重複著無數次同樣的手繪動作，如苦行僧般將精神超脫的狀態鋪陳於畫布空間。即使在形式上有著與西方藝術相似的實踐模式，但本質上則企圖與自身文化脈絡接軌，在西方的抽象藝術語言中注入東方的哲學思想與人文語彙。

此次單色畫展以韓國的審美意識與精神價值對西方的現代藝術思潮進行重新解讀，透過六位藝術家的創作審視韓國現當代藝術的歷史演進。單色畫派不僅將傳統與現代、東方和西方的元素結合起來，同時開闊與西方藝術的接觸，為韓國藝術在國際的發展奠定堅固的根基。

朴栖甫
1931年出生於韓國慶尚北道，1954年畢業於韓國弘益大學美術系，2000年時獲得弘益大學榮譽博士學位，曾在法國巴黎的Sorbonne大學進修。朴栖甫是單色畫派的靈魂人物，並為戰後韓國抽象藝術的發展做出巨大的貢獻。他以“描法”系列作品聞名，將傳統韓紙(Hanji)貼於畫布上，再以鉛筆持續地描繪線條，勾勒出無數線條的組合，一種介於書寫與繪畫風格，而在手不間斷地重複活動中，展現超越藝術形式表象的意志力與自律精神。朴栖甫曾多次舉辦個展，先後在2014年法國巴黎貝浩登畫廊、2012年韓國大邱美術館、2010-2011韓國釜山市立美術館及1991年於韓國果川當代市立美術館舉辦個人回顧展。同時也多次參加過國內外當代藝術大展，包括2014年美國紐約Alexander Gray Associates畫廊、2011-2014年瑞士巴塞爾博覽會、2011-2013年美國紐約Armory博覽會、2009年韓國首爾國立當代美術館、2008年新加坡美術館、2006年法國聖埃蒂安現代美術館、2005年中國北京索卡當代藝術中心、2003年德國柏林東亞藝術博物館及2002年日本東京市立現代美術館。作品被國內外重要的美術館以及私人機構收藏，如韓國首爾國立當代美術館、韓國首爾三星集團美術館、日本東京現代美術館、日本福岡市立美術館及法國FNAC私人收藏。

鄭相和
1932年出生於韓國慶尚北道，1956年畢業於韓國國立首爾大學美術系，曾在日本和法國定居。鄭相和的繪畫著重創作過程，運用反覆撕貼顏料的手法刻畫出細緻網格狀的形式，藉由「塗抹與剝離」顏料的重覆動作，引領自我探索進入修身的境界。鄭相和曾多次參與韓國、日本和歐洲的展覽，包括2011年法國聖艾提安現代美術館、2007年韓國首爾Leeum三星美術館、2004年韓國首爾市立美術館、1998年韓國釜山現代美術館、1991年韓國慶珠Sun-Jae美術館、1986年日本埼玉現代美術館及1981年美國紐約布魯克林美術館。此外，他還多次參加國外的雙年展，如2008年波蘭波茲南雙年展及2000年韓國第三屆光州雙年展。

河鐘賢
1935年出生於韓國Sanoheong，1959年畢業於韓國弘益大學美術系，2000年時獲得弘益大學榮譽博士學位。河鐘賢的Conjunction接合系列是他的代表作，運用獨特的背押法，將顏料從畫布背面用手或不同的工具往前推擠，畫面自然出現的紋路構成他平面的創作，此與在畫布正面作畫的常規方式形成強烈的對比。從1990年至1994年，河鐘賢任職弘益大學美術學院院長，1995年擔任第一屆光州雙年展藝術總監，從2001-2006年，他接任首爾美術館館長職位。他曾多次參加國內外藝術展出，曾在2012年韓國果川國立當代美術館、2004年韓國昌原美術館及2003年義大利米蘭當代藝術基金會舉辦個展，並參加1993和1995年義大利威尼斯雙年展及1967和1977年巴西聖保羅雙年展。

尹亨根
1928年出生於韓國美源，1957年畢業於韓國弘益大學美術系，2007於韓國首爾辭世。尹亨根以探討媒材本質的Umber Blue赭藍系列聞名，運用天然麻布的本色和顏料暈染的效果產生不同的色塊，讓顏料與畫布在虛實之間對話，用以呼應大自然陰陽的調息與融合。他曾多次參加國內及國際藝術展出，包括2012年韓國果川國立當代美術館、2002年韓國首爾國立當代美術館、2000年韓國釜山美術館、1997年德國羅伊特林根Konkrete藝術基金會、1996年美國德州瑪法Chinati基金會及1992年英國泰特利物浦美術館，並在1969和1975年參加巴西聖保羅雙年展及1995年代表韓國參加義大利威尼斯雙年展。
 

金昌烈
1929年出生於韓國馬山Pyeongahnnamdo，1950年畢業於首爾國立大學美術學院，1968年由美國紐約學生藝術聯盟學院畢業，1996年獲得法國駐韓大使館頒授藝術與文學騎士勳章。金昌烈在50年代是南韓抽象藝術運動的重要核心人物，自70年代旅居巴黎後，成為西方最具有影響力的韓國藝術家之一。金昌烈的《水滴》系列是他最知名的作品，以超寫實的手法反覆地描繪水滴，將西方的油畫技法與東方對自然的崇敬融合為一。在平實的畫布上，漢字與水滴充滿禪意的結合，作為藝術家經由創作體現個人回歸自然的途徑。他在國內外舉辦過多次回顧個展，包括2012年台灣國立美術館、2005年北京中國國家博物館、2004年韓國首爾現代畫廊、2004年法國巴黎法德波姆國家美術館、1997年法國德拉吉尼昂博物館、1994年韓國Sonje當代美術館、1993年韓國國立當代美術館、1989年美國芝加哥國際藝術博覽會現代畫廊、1989年義大利米蘭納維利奧畫廊、1983年日本東京畫廊、1977年比利時安特衛普畫廊及1975年徳國漢堡美術館。他的作品被國內外重要的美術館及藝術機構收藏，如韓國首爾國立當代美術館、日本東京國立現代美術館、比利時根特Veranneman基金會、美國波士頓美術館、荷蘭鹿特丹波伊曼•凡•布寧根博物館及德國波鴻美術館。

李禹煥
於1936年出生於韓國慶南，是一位活躍於韓國、日本和歐美的藝術家。1956年他前往日本大學研讀哲學，在1960-70年代，他不僅被公認為日本前衛反形式主義「物派」(Mono-ha)首要倡導者，也成為韓國單色畫運動(Dansaekhwa)的先驅。2011年六月，李禹煥於紐約的古根漢美術館(Guggenheim Museum)舉辦首次回顧展“創造無限”Marking Infinity，成為繼白南準和蔡國強之後第三名於該館舉辦個人展覽的亞洲藝術家。李禹煥的作品回歸繪畫的基本元素，以點與線體現東方精神，隨著筆觸的延伸、扭動或停頓，與畫布間產生辯證互動，反映出東方文人畫無為的冥想狀態。他的作品頻繁地在國際展出，重要的個展還包括2014年法國巴黎凡爾賽宮、2012年美國休士頓亞洲協會、2008年在德國柏林亞洲藝術博物館、2008年布魯塞爾比利時皇家美術館及2005年日本橫濱美術館。他並在1977年參加德國卡賽爾文獻展及2007年代表韓國參加義大利威尼斯雙年展。他的作品被國際上重要知名的美術館及藝術機構收藏，包括美國紐約現代美術館、英國倫敦泰特現代美術館、法國巴黎龐畢度中心、德國柏林國立美術館及澳洲雪梨新南威爾斯美術館。

圖文資料提供 文化部

國際影展輪番登場，明星紅毯躍然娛樂版面，比重甚至大過藝術本質——精品品牌為服裝造型等「看得見的藝術」所投入的人力物力自不會少。但在版面之外、大眾視線未及之處，誰又真為藝術傾情？

第82屆威尼斯影展自2025年8月27日開幕至本週末閉幕，為期11天的電影高光時刻受四面八方矚目。每年優秀作品於獎壇上一較高下的同時，各品牌也在紅毯上各獻驚豔之作，與影人共同演繹百變風格。然隨時尚與藝術文化之間愈加深化對話，除經常可見紅毯著裝巧妙呼應劇中造型抑或作品概念，也不乏品牌以自身資源與聲量，進一步從修復經典、贊助新銳等多面向對藝術領域進行挹注——香奈兒無疑是這之中重要而堅實的一大力量，陪伴兼具演員身分的大使及好友華麗登場不在話下，至今承襲香奈兒女士百年前開啟的傳統，攜手影人、影業共同扶持第七藝術發展，多年來創造的豐碩成果細數不盡。因此，本文將始於香奈兒與藝術交相輝映的歷史脈絡，接續整理近期實例揭示電影產業裡的多元參與現況。

1920年與電影結下不解之緣

在世界眾多藝術集散地中，現正匯聚全球目光的威尼斯與香奈兒有何特殊淵源？品牌符碼「獅子」不僅是香奈兒女士的星座，更藏威尼斯城徽「聖馬可飛獅」意象。回溯至一切如日方升的1920年，品牌創辦人嘉柏麗香奈兒（Gabrielle Chanel）在藝術家荷西瑪利亞（José Maria）與米西亞賽特（Misia Sert）夫婦的陪同下，首度探索這座總督之城（City of the Doges）。沒想到，此行成為香奈兒女士日後的靈感泉源，且讓威尼斯深植香奈兒歷史，於諸多創作系列中渲染為底蘊般的存在。

過去數十年間，香奈兒參與服裝創作的電影亦於威尼斯影展多次取得佳績。1961年，亞倫雷奈（Alain Resnais）的法國新浪潮鉅作《去年在馬倫巴》獲金獅獎（後得品牌支持於2018年影展上重映修復版本），主演黛芬賽赫意（Delphine Seyrig）穿著香奈兒女士設計的服裝亮相；1963年，二座金獅獎在身的導演路易馬盧（Louis Malle）執導作品《鬼火》奪評審團特別獎及義大利電影評論獎，演員亞莉珊德拉史都華（Alexandra Stewart）和莉娜史克勒（Léna Skerla）劇中造型同樣包括香奈兒服飾。再至近年，品牌大使蒂妲史雲頓（Tilda Swinton）穿著香奈兒高級訂製服受頒第77屆終身成就金獅獎；影壇新秀安娜瑪麗亞沃特魯梅（Anamaria Vartolomei）則穿著香奈兒操刀的洋裝出演電影《正發生》，而該片最終拿下第78屆金獅獎。

時代更迭，熱情歷久彌新

香奈兒女士 ⇀ 老佛爺 ⇀ 維吉妮維婭，讓時尚透過電影觸及所有女性

香奈兒女士生於電影興起的年代，自職涯早期便因緣際會繫起和這門藝術的深刻連結；電影創作所凝聚的動態感、無畏精神與夢想，更與香奈兒品牌的時尚語彙相互契合。1931年，嘉柏麗香奈兒在美國電影製作人山繆高德溫（Samuel Goldwyn）的邀請下遠赴好萊塢為女演員打造戲服和常服——這段經歷後來化為她創作法片《霧港》造型時的養分，儘管當時觀眾仍較青睞好萊塢式華麗風格，其低調設計並未獲顯著成功。

同自此時起，香奈兒女士以跨領域藝術家「贊助者」之姿揚名，最為人所知的莫過於與她擁有摯友情誼的法國詩人尚考克多（Jean Cocteau），以及當時還是新進、經她向知名導演尚雷諾瓦（Jean Renoir）引薦而逐步打開電影生涯的盧契諾維斯康堤（Luchino Visconti）等。

而後，在時任創意總監卡爾拉格斐（Karl Lagerfeld）和維吉妮維婭（Virginie Viard）接續推動下，香奈兒愈發加大對電影的投入力度，始終與合作藝術家保持長期關係、全程支持其職涯發展，同時積極推動和當代影視從業者的穩定交流，對象涵蓋國際巨星到跨文化的新銳演員及導演。亦透過戲服設計、製作支持乃至電影發行層面的協力，確保每項創作計畫皆能獲得充分的自由與獨立性，絲毫不使資源成為干預藝術的手段；對世界影展、指標性典禮、藝術與文化相關機構不遺餘力的支援，必然是難能可貴的一番美談。以下列舉4個推行中或甫完成的項目。

#01 贊助安德烈巴贊獎

法國電影月刊《電影筆記》（Les Cahiers du Cinéma）於2022年設立的「安德烈巴贊獎（André Bazin Prize）」現由香奈兒贊助舉辦。該獎項旨在表彰當年度於法國獻映首部長片的新興電影人，並提供獲獎者20,000歐元獎金；評審團則由雜誌編輯團隊預選一名電影評論家、一名文化界人士，另邀業內導演、演員和技術人員各一名組成。

#02 攜手名導是枝裕和推Tokyo Lights

秉承嘉柏麗香奈兒的先鋒理念與堅定承諾，香奈兒與品牌好友、國際名導是枝裕和聯手推動「香奈兒與電影 – Tokyo Lights」人才培育企劃，致力扶持日本新生代電影導演。

#03 修復馬賽卡內《霧港》

正值2025年各國新片於影展首映之際，香奈兒轉頭修復嘉柏麗香奈兒短暫與好萊塢片廠合作後，參與的首批法國電影——20世紀法片經典、詩意寫實導演馬賽卡內（Marcel Carné）的1938年電影《霧港》；當時年僅17歲的蜜雪兒摩根（Michèle Morgan）委託香奈兒女士為其角色設計服裝，香奈兒女士即提出以貝蕾帽搭配雨衣、勾勒簡約輪廓的大膽構想。

全計畫由香奈兒贊助的映歐嘉納影業（Studiocanal）和法國電影園（la Cinémathèque française）主導，加上法國國家電影中心的協助，使用1938年的原始電影負片及標準硝酸底片進行修復。

#04 支持雙年展電影學院

雙年展電影學院（Biennale College Cinema）2012年由威尼斯雙年展發起，主要著眼於培育義大利本地及世界各地年輕電影創作者，每年皆為10逾位青年導演的創作計畫提供劇本編寫、發行策略、財務規畫及製作時程等專業指導，可謂影壇明日之星的絕佳鋪墊。2024至2025年度遴選的12項計畫中有4部作品已經完成，並將作為威尼斯影展官方節目的一部分展示，贊助大使即為香奈兒品牌好友、導演暨編劇奧黛麗迪萬（Audrey Diwan）。

當年香奈兒女士對散發著巴洛克浪漫風情的威尼斯一見傾心，如今品牌重返創辦人深愛的城市，與雙年展電影學院展開首次合作，憑滿腔熱情繼續傳承知識、滋養創意能量。

嘉柏麗香奈兒與電影世界邂逅一世紀後，香奈兒仍傾力保存過去、發揚現在、展望未來，這份情意遠超越「贊助換取曝光」範疇，悄然為不可兌現、無以計價的藝術產業繪出令人安心的前景。

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」