藝術計劃將於一月十七日至三月十五日舉辦「單色畫Dansaekhwa: Korean Monochrome Painting」展覽，屆時將展出韓國Danseakhwa單色畫派六位核心藝術家朴栖甫、李禹煥、尹亨根、鄭相和、金昌烈及河鐘賢橫跨三十年的創作，展現韓國藝術家在民族認同與西方藝術衝擊中尋找契合自身文化特質的創作實踐。

韓國抽象藝術始於1950年代晚期，政治的動盪與全面現代化的政策，導致年輕藝術家對傳統學院畫派提出質疑，進而捨棄寫實繪畫的具體與表象，運用簡約單色系創作，摸索不同抽象繪畫的表現形式。到了1970年代，強調「回歸自然」的單色畫形式，發展成為韓國戰後最重要的抽象藝術Danseakhwa單色畫風格。

單色繪畫在韓國已有二千年的歷史，是韓國文化的核心。當韓國藝術家從西方引進抽象繪畫，即試圖以西方抽象的表現手法體現韓國傳統的哲學與美學，在作品中融入無為、自然、中庸和觀照等韓國傳統的精神價值，在理論基礎上是與西方極簡抽象藝術有著根本的區別。

單色畫藝術家從自身的歷史、文化和本土材料擷取靈感，每位藝術家皆發展出獨特的表現手法，作品蘊含豐富的本土文化語彙和深厚的手工技法，創作在某種程度已成為一種修行，藝術家重複著無數次同樣的手繪動作，如苦行僧般將精神超脫的狀態鋪陳於畫布空間。即使在形式上有著與西方藝術相似的實踐模式，但本質上則企圖與自身文化脈絡接軌，在西方的抽象藝術語言中注入東方的哲學思想與人文語彙。

此次單色畫展以韓國的審美意識與精神價值對西方的現代藝術思潮進行重新解讀，透過六位藝術家的創作審視韓國現當代藝術的歷史演進。單色畫派不僅將傳統與現代、東方和西方的元素結合起來，同時開闊與西方藝術的接觸，為韓國藝術在國際的發展奠定堅固的根基。

朴栖甫
1931年出生於韓國慶尚北道，1954年畢業於韓國弘益大學美術系，2000年時獲得弘益大學榮譽博士學位，曾在法國巴黎的Sorbonne大學進修。朴栖甫是單色畫派的靈魂人物，並為戰後韓國抽象藝術的發展做出巨大的貢獻。他以“描法”系列作品聞名，將傳統韓紙(Hanji)貼於畫布上，再以鉛筆持續地描繪線條，勾勒出無數線條的組合，一種介於書寫與繪畫風格，而在手不間斷地重複活動中，展現超越藝術形式表象的意志力與自律精神。朴栖甫曾多次舉辦個展，先後在2014年法國巴黎貝浩登畫廊、2012年韓國大邱美術館、2010-2011韓國釜山市立美術館及1991年於韓國果川當代市立美術館舉辦個人回顧展。同時也多次參加過國內外當代藝術大展，包括2014年美國紐約Alexander Gray Associates畫廊、2011-2014年瑞士巴塞爾博覽會、2011-2013年美國紐約Armory博覽會、2009年韓國首爾國立當代美術館、2008年新加坡美術館、2006年法國聖埃蒂安現代美術館、2005年中國北京索卡當代藝術中心、2003年德國柏林東亞藝術博物館及2002年日本東京市立現代美術館。作品被國內外重要的美術館以及私人機構收藏，如韓國首爾國立當代美術館、韓國首爾三星集團美術館、日本東京現代美術館、日本福岡市立美術館及法國FNAC私人收藏。

鄭相和
1932年出生於韓國慶尚北道，1956年畢業於韓國國立首爾大學美術系，曾在日本和法國定居。鄭相和的繪畫著重創作過程，運用反覆撕貼顏料的手法刻畫出細緻網格狀的形式，藉由「塗抹與剝離」顏料的重覆動作，引領自我探索進入修身的境界。鄭相和曾多次參與韓國、日本和歐洲的展覽，包括2011年法國聖艾提安現代美術館、2007年韓國首爾Leeum三星美術館、2004年韓國首爾市立美術館、1998年韓國釜山現代美術館、1991年韓國慶珠Sun-Jae美術館、1986年日本埼玉現代美術館及1981年美國紐約布魯克林美術館。此外，他還多次參加國外的雙年展，如2008年波蘭波茲南雙年展及2000年韓國第三屆光州雙年展。

河鐘賢
1935年出生於韓國Sanoheong，1959年畢業於韓國弘益大學美術系，2000年時獲得弘益大學榮譽博士學位。河鐘賢的Conjunction接合系列是他的代表作，運用獨特的背押法，將顏料從畫布背面用手或不同的工具往前推擠，畫面自然出現的紋路構成他平面的創作，此與在畫布正面作畫的常規方式形成強烈的對比。從1990年至1994年，河鐘賢任職弘益大學美術學院院長，1995年擔任第一屆光州雙年展藝術總監，從2001-2006年，他接任首爾美術館館長職位。他曾多次參加國內外藝術展出，曾在2012年韓國果川國立當代美術館、2004年韓國昌原美術館及2003年義大利米蘭當代藝術基金會舉辦個展，並參加1993和1995年義大利威尼斯雙年展及1967和1977年巴西聖保羅雙年展。

尹亨根
1928年出生於韓國美源，1957年畢業於韓國弘益大學美術系，2007於韓國首爾辭世。尹亨根以探討媒材本質的Umber Blue赭藍系列聞名，運用天然麻布的本色和顏料暈染的效果產生不同的色塊，讓顏料與畫布在虛實之間對話，用以呼應大自然陰陽的調息與融合。他曾多次參加國內及國際藝術展出，包括2012年韓國果川國立當代美術館、2002年韓國首爾國立當代美術館、2000年韓國釜山美術館、1997年德國羅伊特林根Konkrete藝術基金會、1996年美國德州瑪法Chinati基金會及1992年英國泰特利物浦美術館，並在1969和1975年參加巴西聖保羅雙年展及1995年代表韓國參加義大利威尼斯雙年展。
 

金昌烈
1929年出生於韓國馬山Pyeongahnnamdo，1950年畢業於首爾國立大學美術學院，1968年由美國紐約學生藝術聯盟學院畢業，1996年獲得法國駐韓大使館頒授藝術與文學騎士勳章。金昌烈在50年代是南韓抽象藝術運動的重要核心人物，自70年代旅居巴黎後，成為西方最具有影響力的韓國藝術家之一。金昌烈的《水滴》系列是他最知名的作品，以超寫實的手法反覆地描繪水滴，將西方的油畫技法與東方對自然的崇敬融合為一。在平實的畫布上，漢字與水滴充滿禪意的結合，作為藝術家經由創作體現個人回歸自然的途徑。他在國內外舉辦過多次回顧個展，包括2012年台灣國立美術館、2005年北京中國國家博物館、2004年韓國首爾現代畫廊、2004年法國巴黎法德波姆國家美術館、1997年法國德拉吉尼昂博物館、1994年韓國Sonje當代美術館、1993年韓國國立當代美術館、1989年美國芝加哥國際藝術博覽會現代畫廊、1989年義大利米蘭納維利奧畫廊、1983年日本東京畫廊、1977年比利時安特衛普畫廊及1975年徳國漢堡美術館。他的作品被國內外重要的美術館及藝術機構收藏，如韓國首爾國立當代美術館、日本東京國立現代美術館、比利時根特Veranneman基金會、美國波士頓美術館、荷蘭鹿特丹波伊曼•凡•布寧根博物館及德國波鴻美術館。

李禹煥
於1936年出生於韓國慶南，是一位活躍於韓國、日本和歐美的藝術家。1956年他前往日本大學研讀哲學，在1960-70年代，他不僅被公認為日本前衛反形式主義「物派」(Mono-ha)首要倡導者，也成為韓國單色畫運動(Dansaekhwa)的先驅。2011年六月，李禹煥於紐約的古根漢美術館(Guggenheim Museum)舉辦首次回顧展“創造無限”Marking Infinity，成為繼白南準和蔡國強之後第三名於該館舉辦個人展覽的亞洲藝術家。李禹煥的作品回歸繪畫的基本元素，以點與線體現東方精神，隨著筆觸的延伸、扭動或停頓，與畫布間產生辯證互動，反映出東方文人畫無為的冥想狀態。他的作品頻繁地在國際展出，重要的個展還包括2014年法國巴黎凡爾賽宮、2012年美國休士頓亞洲協會、2008年在德國柏林亞洲藝術博物館、2008年布魯塞爾比利時皇家美術館及2005年日本橫濱美術館。他並在1977年參加德國卡賽爾文獻展及2007年代表韓國參加義大利威尼斯雙年展。他的作品被國際上重要知名的美術館及藝術機構收藏，包括美國紐約現代美術館、英國倫敦泰特現代美術館、法國巴黎龐畢度中心、德國柏林國立美術館及澳洲雪梨新南威爾斯美術館。

圖文資料提供 文化部

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」

高橋一生和小朋友玩在一起的畫面會不會太美好！東京國立新美術館即日起呈獻為期11天的「學展」，其中將夾帶兩件從今年首登場的藝術計畫《想像他者的四天》中生成的多人共創畫作，本屆頒獎典禮更將放映導演二宮健於4天工作坊期間所記錄孩子們揮灑創意的珍貴影像。從培養共感力與想像力的角度出發，此項目所回應並試圖溫柔改變的社會現況發人深省。

第75屆學展（Gakuten）推出實驗性影像製作企劃《想像他者的四天（他者を想像する四日間）》，邀來演員高橋一生，協同7名從本屆參展者中選出的國中小學生完成兩幅大型畫布作品，並隨學展其他作品於2025年8月7日至17日在東京國立新美術館公開展出。而由電影導演二宮健同步拍下創作全過程的特別影像，則將於8月9日舉行的得獎者表彰典禮上限定放映，供得獎者及相關人員觀賞，循作品本身和紀錄片兩種途徑見證其中軌跡。

學展是什麼？

藝術教育人士西田信一（Nishida Shinichi）在1950年創立的「學展」，是日本第一個全國性學生油畫比賽；70餘年來由日本學生油畫會興辦，無參賽資格限制，亦接受來自海外的國際作品，現正於全球範圍內致力發掘年輕世代的藝術才能。評選項目涵蓋繪畫、插圖、工藝、攝影、數位創作等多元領域，且從幼稚園到大學的不同年齡層創作者都能報名。比賽核心自歷史案例中承襲而來，堅信「優秀的藝術不受年齡、國籍或名聲所限制」的精神，至今持續將才華橫溢的作品推向世界舞台；近年不僅廣邀各界知名人士擔任評審，大獎作品亦得機會於巴黎展出。

▼ 每屆學展於東京國立新美術館進行公開展出

實驗企劃《想像他者的四天》首登場

高橋一生主導、二宮健側拍，「即興」培養共感力與想像力

作為今年學展首次實施的藝術計畫，《想像他者的四天》旨在培養孩子「想像他者的能力」（意近中文「共感能力」所指涉，可能包括從他人視角看待事物，抑或經由共創形式對他人的表達有所共鳴等）。此理念發想自當代社會中人們「想像他者」能力普遍稀缺的現況，讓參與者透過肢體表達、即興演出、交流對話和揮灑作畫等環節，反覆加深「設想眼前的人、甚至於某個不存在對象」這樣的共感經驗。

在為期四天的工作坊中，高橋一生並非以導演或演出指導的角色參與，而是單純扮演從旁陪伴、覺察和承接孩子內心轉折變化的「伴行者」角色，構建出一個自由且深刻的創作空間，最終引導他們繪出兩幅「想像的藝術」作品。而將此場景具象化的正為導演二宮健，他詳實記錄7位小朋友4日體驗的側拍影片，將打開交織現實和創意的敏銳視角，靜靜喚起觀眾的想像力。

台灣觀眾對高橋一生肯定都不陌生，其別具感染力的演技與親切形象，為此類藝術教育項目盡心力自在想像之中。而擔任共同企劃兼導演的二宮健，早被認為是風格辨識度極高的日本新生代創作者。10多歲開始影像創作，就讀於大阪藝術大學期間即獲得京都國際學生影視節（KISFVF）大獎肯定，現年僅33歲已憑《裸睡美人》、《吉娃娃羅曼死》、《午夜少女戰爭》等多部代表作為觀眾所認識，亦曾在2017年作品中與高橋一生合作。此次他充分發揮個人尤擅長的實驗性手法，大膽而細緻地捕捉了孩子們朝氣蓬勃、充滿生命力的表情和創作歷程。

《想像他者的四天》紀錄片雖不開放一般觀眾觀賞，不過未來10天人正好在東京的讀者們，走過路過國立新美術館倒可逛進展廳，一覽高橋一生和小藝術家們帶來的兩大件畫作及第75屆學展的完整展出。

第75屆學展特別影像企劃《想像他者的四天》

【作品展覽】

• 時間：2025年8月7日至17日
• 地點：國立新美術館2D學展展示室

【影像放映】

• 時間：2025年8月9日
• 地點：國立新美術館講堂（僅限得獎者及相關人員入場）

資料來源：學展