2015年4月24日，世界級的建築師—坂茂，為大分縣所設計的大分縣立美術館正式開館，這座美術館的落成，從建築設計到展品規劃，融入在地文化與國際藝術，在在體現提供市民親近藝術、感受生活的概念。而La Vie也邀請長時間在各國工作的坂茂，為讀者推薦他心目中最喜愛的博物館，跟著他的腳步，領略世界級的精彩之作。

美術館在人類文明中肩負著傳承的使命，更是城市經濟發展中重要的創意驅策角色，而典型博物館的封閉型態與民眾之間常產生距離，無法體會藝術的美好；近年來，美術館的典範轉移，也開始將美術館與全民共築橋樑。有鑒於1977年所開館的大分縣立藝術中心已不敷使用，2010年便開始籌備新美術館，並請2014年榮獲普立茲克建築獎的坂茂操刀設計，以開放式的設計手法，融入在地竹工藝意象，讓空間連結生活，使所有民眾得以親近藝術。

大分獨有 建築迷的朝聖藝境

大分縣位於九州的東北部，遍布全縣的火山造就著豐富特殊的溫泉資源，長期孕育著竹工藝與民藝品等傳統文化，如別府竹細工更是國家指定的傳統工藝品、被柳宗悅評為「世界第一民陶」的日田市小鹿田燒，以及別府黃楊細工的雕刻藝品。大分美術館鄰近海邊，在富裕的自然景觀與迥異的文化洗禮下，以「把美術館帶進日常」為定位，希望能讓所有市民享受美術館的舒適空間，縱使不是藝術愛好者也能夠融入。

坂茂極其鮮明的建築語彙，將透明、輕盈、充滿自然與溫暖的建築形式，結合在地傳統工藝與技巧的思考，充分展現於大分美術館中。坂茂認為：「以稅金來建造的公共建築，不應只給特定人士使用。美術館的設計，必須考慮人流動線，設計緊隨其後。」針對大分的街道尺度，三層樓高的長型建築為定案，建築頂層外牆運用大分縣產的杉木與鋼管、取其在地傳統竹編藝術的意象相互交錯；建築門廳的無樑柱設計，透過二層的懸挑結構進行支撐，提供開闊的視覺與尺度；一樓外牆的電動折門設計，可隨需求任意開合，半開放式的手法也廣邀所有市民進入，甚至所有展間牆也是可動式設計，活動牆面可做最適當的調配與展示。

家具椅面鋪設由大分東國地區所生產的七島藺榻榻米，地面選用了日田市產的日田石，整體空間的細節大量融入在地文化與元素。2樓則規劃Cafe Charite、圖書館與教室，坂 茂以代表性的紙管材料作為家具。3樓建築中央開闢圓形天井，自然光均勻地投射在各個角落，提供市民獨特的空間經驗。

五感相遇  體驗地方的創造性與藝術經驗

除了建築設計結合在地元素，裝置藝術、展品內容多來自大分縣立藝術中心所移交的5000件藏品，更結合日本與國際藝術家作品。一樓公共區域可見須藤玲子用織染布料設計的筒狀吊燈，以及須藤玲子與荷蘭鬼才設計師Marcel Wanders攜手合作巨大蛋型裝置「Eurasian Garden Spirits」。另一側則為年輕藝術家MAI MIYAKE的四件裝置藝術如「WORLD could be a safe place CLOCK」、「Still Waters Run Deep」、「Home Sweet Home」、「Where All Gods Have One Name」。

展間室圍繞著公共區域，常設展覽如大分縣的當代藝術展、雕塑展、浮世繪版畫展，以及企劃特展等，例如出身於大分、「進擊的巨人」作者諫山創的巡迴特展，抑或為期三個月的開館紀念展「Modern: Blossoming Garden」，就精選世界各地與日本200件的藝術品如達利、畢卡索、蒙德里安、伊藤若沖、奈良美智、大分畫家宇治山哲平等藝術家，將不同年代與種類的作品混和，傳達在大分的歷史中，東西洋文化與土地所交流碰撞的意義，除了在實質上提供不同的觀賞體驗，也突顯出大分在地的氛圍，並試圖跨越國際，與之交流。

開館半年，大分美術館已被有「文化界奧斯卡」之稱的Leading Culture Destinations 2015選為「最佳新興文化景點」，藉由美術館的成立，也引導當地人流的改變，成功再現城市活力。

Text / Celia

Photo /  Hiroyuki Hirai、Didier Boy de la Tour
via / 坂茂建築設計、Kimbell Art Museum、Louisiana Museum of Modern Art

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」

高橋一生和小朋友玩在一起的畫面會不會太美好！東京國立新美術館即日起呈獻為期11天的「學展」，其中將夾帶兩件從今年首登場的藝術計畫《想像他者的四天》中生成的多人共創畫作，本屆頒獎典禮更將放映導演二宮健於4天工作坊期間所記錄孩子們揮灑創意的珍貴影像。從培養共感力與想像力的角度出發，此項目所回應並試圖溫柔改變的社會現況發人深省。

第75屆學展（Gakuten）推出實驗性影像製作企劃《想像他者的四天（他者を想像する四日間）》，邀來演員高橋一生，協同7名從本屆參展者中選出的國中小學生完成兩幅大型畫布作品，並隨學展其他作品於2025年8月7日至17日在東京國立新美術館公開展出。而由電影導演二宮健同步拍下創作全過程的特別影像，則將於8月9日舉行的得獎者表彰典禮上限定放映，供得獎者及相關人員觀賞，循作品本身和紀錄片兩種途徑見證其中軌跡。

學展是什麼？

藝術教育人士西田信一（Nishida Shinichi）在1950年創立的「學展」，是日本第一個全國性學生油畫比賽；70餘年來由日本學生油畫會興辦，無參賽資格限制，亦接受來自海外的國際作品，現正於全球範圍內致力發掘年輕世代的藝術才能。評選項目涵蓋繪畫、插圖、工藝、攝影、數位創作等多元領域，且從幼稚園到大學的不同年齡層創作者都能報名。比賽核心自歷史案例中承襲而來，堅信「優秀的藝術不受年齡、國籍或名聲所限制」的精神，至今持續將才華橫溢的作品推向世界舞台；近年不僅廣邀各界知名人士擔任評審，大獎作品亦得機會於巴黎展出。

▼ 每屆學展於東京國立新美術館進行公開展出

實驗企劃《想像他者的四天》首登場

高橋一生主導、二宮健側拍，「即興」培養共感力與想像力

作為今年學展首次實施的藝術計畫，《想像他者的四天》旨在培養孩子「想像他者的能力」（意近中文「共感能力」所指涉，可能包括從他人視角看待事物，抑或經由共創形式對他人的表達有所共鳴等）。此理念發想自當代社會中人們「想像他者」能力普遍稀缺的現況，讓參與者透過肢體表達、即興演出、交流對話和揮灑作畫等環節，反覆加深「設想眼前的人、甚至於某個不存在對象」這樣的共感經驗。

在為期四天的工作坊中，高橋一生並非以導演或演出指導的角色參與，而是單純扮演從旁陪伴、覺察和承接孩子內心轉折變化的「伴行者」角色，構建出一個自由且深刻的創作空間，最終引導他們繪出兩幅「想像的藝術」作品。而將此場景具象化的正為導演二宮健，他詳實記錄7位小朋友4日體驗的側拍影片，將打開交織現實和創意的敏銳視角，靜靜喚起觀眾的想像力。

台灣觀眾對高橋一生肯定都不陌生，其別具感染力的演技與親切形象，為此類藝術教育項目盡心力自在想像之中。而擔任共同企劃兼導演的二宮健，早被認為是風格辨識度極高的日本新生代創作者。10多歲開始影像創作，就讀於大阪藝術大學期間即獲得京都國際學生影視節（KISFVF）大獎肯定，現年僅33歲已憑《裸睡美人》、《吉娃娃羅曼死》、《午夜少女戰爭》等多部代表作為觀眾所認識，亦曾在2017年作品中與高橋一生合作。此次他充分發揮個人尤擅長的實驗性手法，大膽而細緻地捕捉了孩子們朝氣蓬勃、充滿生命力的表情和創作歷程。

《想像他者的四天》紀錄片雖不開放一般觀眾觀賞，不過未來10天人正好在東京的讀者們，走過路過國立新美術館倒可逛進展廳，一覽高橋一生和小藝術家們帶來的兩大件畫作及第75屆學展的完整展出。

第75屆學展特別影像企劃《想像他者的四天》

【作品展覽】

• 時間：2025年8月7日至17日
• 地點：國立新美術館2D學展展示室

【影像放映】

• 時間：2025年8月9日
• 地點：國立新美術館講堂（僅限得獎者及相關人員入場）

資料來源：學展