童話，對於長大成人的我們來說，它也許只是撫慰小孩的天真爛漫宣言，過往曾深信著王子公主相愛便能過著幸福快樂日子、而正義必然戰勝邪惡的我們，隨著年齡漸長了解到真實人生並非故事裡那般單純簡單，才發現童話不過是與現實世界脫離的夢幻際遇。

然而，童話帶給人生的美好記憶，卻不用一筆抹去．臺中國家歌劇院在2017年春天「歌劇院2017台灣國際藝術節」（簡稱：NTT-TIFA）中，特別規劃了四齣以童話故事為背景的戲劇，包括家喻戶曉的《彼得潘》、《小木偶》、改編自安徒生童話的《夜鶯》以及台灣新童話《晴空小侍郎》，期盼觀眾能在四位藝術家導演的帶領下，重拾遺忘的想像與發掘童話的新面貌。

攤開今年臺中國家歌劇院NTT-TIFA表演節目單，七檔節目中即有四檔童話戲劇，不免讓人好奇當初規劃節目題材時，是否有其特殊用意？為此，擁有豐富藝文策展經驗、現任臺中歌劇院藝術總監的王文儀表示，初登場的NTT-TIFA將以雙年展方式運行，今年選擇以家庭親子為主題的藝術演出，目的是讓父母與小孩都能樂在其中，因此「闔家觀賞」順勢成為本屆策展主軸，童話系列也應運而生。

策展過程中，王文儀的團隊也發現之前的TIFA，親子類表演較為鮮少，希望藉由此次在臺中國家歌劇院這個中部新興表演場域，開拓出有別於兩廳院TIFA的目標客群，並持續保有TIFA全球精彩表演匯集的品牌精神。

將「21個21世紀童話」當成長期展演目標的臺中國家歌劇院，在今年首屆NTT-TIFA中一口氣策劃了四部風格迥異的「新童話」戲劇。然而，該如何定義「新」的意涵，王文儀解釋：「新童話會不經意觸碰你的心底，讓那些早已忘懷的感觸和悸動再次油然而生，而且你會發現，我們對於這些情感既不陌生也不感到唐突。」她笑說童話本身有個好處，總可以把人們忘卻的情緒再提煉喚回，然後微笑著再往前走，「希望新童話能讓大家找回遺忘已久的蠢蠢欲動，年輕時對想做的事有一種義無反顧，年長了的成熟世故卻把我們的夢想推得越來越遙遠。新童話，是要提醒大家成熟的年紀，仍然可以實現年輕時的美夢。挑戰算什麼？成熟的人有技術也有方法，能夠成就的事情更多更高遠，只是要再把心境找回來而已，而這次演出的作品之所以優異，也都是因為成熟資深的藝術家出手，他們看待童話，不是追憶，是當下想法的轉化、人生歷練累積的智慧，某種程度，其實代表了他們從事劇場藝術的倔強與堅持，以及趁機繳交一個訴諸大眾的成績單。」

王文儀相信任何年齡層的觀者都能在劇中找到幸福感，孩子們歡樂，大人則會有深深的感觸，不管是嘆息或感慨，肯定都會有滿滿的收穫。這些情緒感受無關國界，最重要的是人與作品間「能在心中與之產生親密連結。」。她補充，「表演藝術最重要的功能是永遠站在一個探索源頭，在其中加諸許多當下在發生的議題，藝術家正是扮演這樣一個穿梭過去、現在、未來以傳遞能量的角色。」。

值得探究的是，四位導演正巧有兩位來自東方、兩位來自西方，兩邊在翻玩童話題材上和對故事陳述、歌舞美學表現上各異其趣，「台灣兒童劇講究整體豐富性，追求豪華歌舞場面及光明歡樂，十分注重演員和觀眾間的關係」，相反地，西方兒童劇場則較著重演員彼此間交流，並不避諱談論死亡或探索黑暗面；例如融入龐克與奇幻元素的《彼得潘》，彷彿帶領觀眾進入一場惡夢，「他們不介意凸顯孩子劣根性一面，在西方社會文化認知上，似乎了解到自己的惡與極限，才能真正展現長處、也不用去羨慕別人；台灣兒童劇則喜歡用歡樂的一面來處理人生的挫折，勇氣是故事中很重要的元素。」。

期許能將更多好作品呈現給觀眾的王文儀，站在劇院總監及策展人立場，她最希望觀眾在欣賞完表演後，能各自帶著不同層次的心情走出劇院，無論是恍然大悟、想要成為台上角色或者站在反駁立場、完全不同意劇中角色看法，這些都是觀者透過大腦解讀，進而所產生的獨立想法，正是表演藝術者最想感染給觀賞者的獨立思考習慣。

未來，臺中國家歌劇院除了將繼續拓展新童話系列節目，還會專注於音樂劇以及各式自製表演節目，並攜手臺灣、臺中在地團隊合作，慢慢誘發中台灣民眾對表演藝術的興趣。特別的是，之後歌劇院也將推出「微劇場」，嘗試用15分鐘窺見一位大藝術家的養成，期盼每個微小的創意在歌劇院完整支援下，都能從小小秧苗蛻變成茁壯的大樹！

「歌劇院2017台灣國際藝術節」獻上新童話戲劇

四齣新穎童話戲劇，將引領觀眾進入到四位導演所構築，各自有其魅力的異想世界，羅伯威爾森率領柏林劇團演出的《彼得潘》有著叛逆不羈的靈魂，從音樂、動作、走位到燈光等，都展現他獨樹一格的視覺美學；知名法國編導喬埃波默拉《小木偶》則滿溢濃濃父愛，在充滿詩意美學的極簡場面及魔幻情境間，讓觀眾反思好奇、慾望、恐懼、欺瞞、渴望自由等人性議題；改編自安徒生童話的《夜鶯》，這回則由無獨有偶工作室劇團攜手波蘭羅登大眾市立劇院，將本就帶有東方神秘色彩的故事，轉化成東方紙雕偶戲，並藉由操偶人與偶之間的情感靈魂牽制，和類似繪本的畫面傳遞故事真誠本質。至於改編自台灣作家哲也的作品《晴空小侍郎》，在風神寶寶兒童劇團團長陳昭賢堅持下，承襲明華園一貫華麗舞台風格，透過劇場和想像力企圖捕捉人性善良陽光一面。

了解更多相關節目

柏林劇團 《彼得潘》X 羅伯･威爾森

路易霧靄劇團 《小木偶》

無獨有偶工作室劇團 《夜鶯》

風神寶寶兒童劇團 《晴空小侍郎》

Text / Ian Liu

Phot / Cooper Chang、臺中國家歌劇院

如果你是一隻蜘蛛，會如何感受這世界？你可以在展中親手撥弄絲線。托馬斯．薩拉切諾（Tomás Saraceno）在新北市美術館個展《共織宇宙》（Interwoven）開幕之際，分享他的「親蛛症」、他對「大氣世」的暢想，與對人們共創力量的信心。

➣本文選自La Vie 2026／4月號《貓的居家空間指南》，更多精彩內容請點此

蜘蛛網，對 Tomás Saraceno 而言是充滿無限可能的生物建築。2006 年，他在工作室成立蜘蛛學部門，開始與各地的生物學家合作，利用 3D 掃描技術記錄、研究不同物種的蜘蛛如何織網。儘管過了那麼多年，還有太多事情令他感到驚奇， 就像 2024 年在印尼發現、最後以他命名的蜘蛛「Heteropoda saracenoi」。他笑說這些蜘蛛都算是他的「親戚」，「我從來沒見過牠，但我好想去拜訪牠。也許我應該邀請牠來展覽，跟我其他的家人一起。至於牠是『她』、『他』還是『它』——這會是個驚喜。」

作為蜘蛛的一份子

最令 Tomás Saraceno 著迷的發現之一，是蜘蛛網不只是精美建築，更像是外延出蜘蛛本體的神經系統。多數織網蜘蛛幾乎沒有視覺，而是透過絲線的震動來感知世界。約莫 2012 年，他將更多關注投注在「聲響」之上。這次展覽中，部分裝置使用震動器產生低至 6 赫茲的聲響，而人耳捕捉極限最低只到 20 赫茲。「人聽不見，但感受得到震動。」他說明，自己所做的，正是將那些聽不見的蜘蛛世界，透過視覺、觸覺等感官加以具象化，使觀眾得以體察。

「這代表我們在嘗試進入其他物種的『感知宇宙』（Umwelt），這是德國動物學家 Jakob von Uexküll 提出的概念。每一種動物都根據自己的感官，建構出屬於自己的現實。我們現在嘗試做的，就是去感知『我們之外還有其他世界』的那種感覺。」

走在〈關注之網〉、〈如何將宇宙陷入蛛網？〉作品間，暗室中瑩瑩發光的蛛網仿若星系，伴隨低沉轟鳴，我們彷彿身在奧祕的宇宙之中，與之共振。〈算法．韻律〉的巨大黑色蛛網則爬滿整個高挑白色展間，人們能像蜘蛛一樣撥弄絲線、探索空間，對應不同預設演算法產生樂音。作品首展於 2019 年的德國，早在當今 AI 爆發之前，Tomás Saraceno 便想挑戰人們對數位程式的既有思考。

「當我們在建立這些數位演算法的時候，它們往往非常狹隘，是為了某一種特定型態的人類而設計的：白人、父權、異性戀。所有這些預設分類，讓演算法只為特定群體服務。」透過震動與身體共鳴，我們得以體驗蜘蛛獨特的感知方式，在撥弄與共奏之間感受與他人的關係張力。數位演算法與自然規律之間的邊界，也在此悄然模糊了。

屬於所有人的「大氣世」

童年經歷阿根廷「骯髒戰爭」（Dirty War，1976～1983）的政治動盪， Tomás Saraceno 曾隨父母流亡義大利，令他從此敏感於棲居的根本，以及地緣政治強加於人的「邊界」。最初他投身建築，著迷於結構張力，卻也意識到實體建築受限於地權等枷鎖。他分享學建築時，Bernard Rudofsky 著作《沒有建築師的建築》（Architecture Without Architects）對他影響很大。「那是一種鄉土、無名建築。它沒有那些分類，建築是如此深深地嵌入在生命之網裡，以至於它根本不是一門學科。」

他排拒石材的霸權，就像金字塔透過高牆展現紀念性的力量， 用來建立階級、信仰體系與宗教，而現代人則用混凝土、石頭、鋼鐵建造城市；他嚮往另一種無名建築，更融入風土，如同隨游牧民族遷徙的帳篷，經使用後便腐朽、回歸生命的循環之中。「我不是說我們要回到過去，但我們可以找到更好的、更平衡的方式。」

Tomás Saraceno 轉向了藝術。更精確地說，對他而言各領域之間不該存在藩籬。比蜘蛛系列更早，他關注起無形的空氣，因為空氣屬於所有人、充滿想像的可能。受建築激進派（如Archigram）、Yona Friedman「空中城市」（Spatial City）、Buckminster Fuller「Cloud Nine」空中棲地等概念啟發，他想探索空氣與重力的邊界，2002 年開始發展《雲城市》系列，充氣泡沫模型懸浮在空中，設想未來人們棲居雲端之上。

在「熱力學的想像」展間中，更多富有重量感的雕塑懸浮起來了，他藉此將熱能的作用視覺化、實體化。他說：

「有時候我們需要特別去想像：空氣在流動嗎？空氣太難被感受到，太無形了。你感受不到地球正在以 1.5 度、甚至 2 度的幅度暖化。這讓人們更容易理解：就是這麼微小的溫度差距，便可能改變地球上絕大多數生命的處境。」

多年來，他也發展出結合冥想與感官調頻（Attunement）的工作坊，參與者重新專注感受吸氣、吐氣，這件生物如此自然而然的事。「你深吸一口氣，然後一切都不一樣了。你對自己更有覺察，因而理解更多。」

讓我們一同編織生命的絲網

在 Tomás Saraceno 所倡議的「大氣世」（Aerocene）願景中，他進一步勾勒不依賴化石燃料的未來。自 2007 年起推展的〈太陽能飛行博物館〉，由回收塑膠袋製成熱氣球，並試圖僅靠太陽熱能、大氣浮力升空，至今已成為跨越 30 多國的接力計畫，今年 2 月的工作坊，也將台灣回收的塑膠袋與前站首爾的作品縫合在一起。他深信共同參與的力量，「我的很多作品都是屬於所有人的，它們不是我的作品。像這件作品我們都參與其中，我們都擁有它。想法就在那裡，每個人都可以做、都可以建造，都能感受到自己在貢獻某件超越自身的事情。」

從 2017 年起，Tomás Saraceno 關注阿根廷北部大鹽沼及瓜亞塔約克湖（Laguna de Guayatayoc）地區鋰礦開採造成的環境危害。綠能源風潮下、被稱為「白色石油」的鋰，是電動車電池與能源儲存系統的重要材料，而每開採 1 公噸鋰礦便消耗 200 萬公升的地下水。不過他強調：

「水是很大的議題，但應該停止把它稱為『資源』。它不是一個可以被探索、被占有、被商品化的『資源』。你不會這樣對待你的親人，我不會說我女兒、蜘蛛是種『資源』，他們都是我的家人。」

錄像〈與帕查一同飛入大氣世〉便記錄下當地原住民的抗爭，以及他們一同施放熱氣球，挑戰零燃料、載人飛行世界紀錄的創舉。今年年底，他與 11 個原住民社群攜手打造的地景裝置〈Sanctuary of Water〉也即將落成。5 幢大小不一的鹽結構半圓觀景台，倒映水面形成了完整的圓，呼應安第斯宇宙觀，宣告在此為「水之聖域」。

他說明，「這些族群總是在為其他世代做事，非常掛念那些教導過他們的祖父母，也為未來世代付出很多。他們在這時代的存在本身，以及不把過去、現在、未來切割開來，這種看待時間的方式非常美麗。」他認為，不同的文化、不同的理解方式，是人們持續學習的機會。

有趣的是，現在鋰電池也成為 AI 產業的能源驅動力，而台灣更是當今 AI 與半導體產業鏈的關鍵角色之一，生產晶片過程同樣耗用大量能源與水源。在從展間外廊蔓延至展內的壁畫〈公平雲朵〉中，Tomás Saraceno 邀請新北市多所學校與地方社群，一起繪製雲朵圖樣、想像水循環，與遠在阿根廷守護水資源的人們悄然相連。他說，「我們還來得及去思考這件事，去達到這種團結。也許你心裡的問題是：台灣人跟阿根廷的鋰礦有什麼關係？聽著，目前只有一個地球，沒有 B 星球。」

談到這次在台個展，他命名為《Interwoven》，中文則翻譯為《共織宇宙》。他解釋：

「現在，生命的絲網只被一部分人編織著。其他人失去了自己的絲線，他們試圖找到連結，卻沒有人在乎。這是一個願望、一個希望、一個渴望，希望生命的絲網，能夠由更多的人一起來編織。」

托馬斯．薩拉切諾（Tomás Saraceno） 

阿根廷藝術家，現居柏林。畢業於布宜諾斯艾利斯大學建築系與威尼斯建築大學（IUAV），並於法蘭克福國立造型藝術學院（Städelschule）深造。2005年於柏林創立工作室，創作跨越不同尺度與物種界線，從蜘蛛絲線的微觀振動到漂浮雕塑的空氣靜力學，探索人類、蜘蛛與大氣環境的共生關係。重要計畫包括： 推動無化石燃料飛行的「大氣世基金會」（Aerocene Foundation，2015∼）；以及與馬克斯普朗克研究院等機構合作的「Arachnophilia」（2018∼），研究成果發表於《自然》與《美國國家科學院院刊》。展覽遍及紐約大都會博物館（2012）、巴黎東京宮（2018）、倫敦蛇形畫廊（2023）等重要機構，作品由MoMA、柏林國家美術館等機構典藏。 

托馬斯．薩拉切諾：共織宇宙
日期｜2026.03.21–2026.09.06
地點｜新北市美術館6A、6B展間

更多資訊可至官網查詢

_{文｜吳哲夫　口譯｜錢佳緯
圖片提供｜各單位}

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／4月號《貓的居家空間指南》

2026年巴塞爾藝術展香港展會（Art Basel Hong Kong）將於3月27日至29日展開。La Vie精選3位穩步邁入中堅世代的焦點藝術家，展現他們如何以更成熟語彙解構我們習以為常的生活。現居洛杉磯的藝術家Tala Madani，以她筆下最具代表性的角色「Shit Mom」銳利地譏諷社會對女性與母職的荒謬想像，在怪誕且幽默的視覺語彙中，精準勾勒出當代女性那份充滿張力且疲憊的生存群像。

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身兼女性與母親雙重身分，藝術家Tala Madani近年深有感悟。拿起畫筆，她戲謔且銳利，撕開了當代生活中關於女性、科技與社會期待的層層假面。針對Madani何以在當前藝壇備受矚目，Pilar Corrias藝廊（Pilar Corrias）團隊精準指出：「她質疑了那些我們視為理所當然的事物，將觀眾從舒適圈中拉了出來。她的作品透過怪誕、幽默且犀利的視覺語言，挑戰了性別、權力與表現形式的傳統規範。」

以「Shit Mom」撕開聖母畫作的純潔光環

近年，Madani筆下最具代表性的角色「Shit Mom」——一個完全由糞便構成、形態流動且汙穢的人物，誕生於極其私密的肉身經驗。2019年，在第2個孩子出生後，她發現自己難以在藝術史上那些神聖純潔、充滿母愛光輝的傳統母嬰畫作中尋得共鳴。對她而言，母職的現實並非總是潔白無瑕，而是充滿了疲憊、汙穢與失控。

她轉而以棕色油彩繪出「Shit Mom」，直接投射了母職現實中的混亂，藉此反擊社會對女性身體與母職必須保持潔淨、受控且道德完好的期盼。Pilar Corrias藝廊團隊補充：「Shit Mom反覆出現在Madani的作品中；這個角色挑戰了社會對女性那種難以企及的期待。我們能從她在攀爬時的掙扎、崩潰的瞬間，甚至是帶著快意從樓梯扶手溜下來的模樣中看見這點。」

以黑色幽默翻轉女性的生存張力

在近期個展《Daughter B.W.A.S.M.》（意為Born Without A Shit Mom）中，Madani進一步將這份母職觀察延伸至科技語境。她參考了Francis Picabia在1916年將機器女性化的經典畫作，將追求極致精準的AI機器女兒與「Shit Mom」並置。這種對比揭示了當代社會的一個弔詭現象：我們對AI機器人那種「後人類式完美軀殼」的期盼，竟與父母投射在孩子身上的完美期望如出一轍。在追求精密算法的數位時代裡，母職中那份不可控的脆弱顯得如此格格不入，卻又無比真實。

此次來到巴塞爾藝術展香港展會（Art Basel Hong Kong）的畫作〈Shit Mom Ascending a Staircase (Motion Study)〉，展現了她對藝術史脈絡的熟稔與翻轉。作品向攝影先驅Eadweard Muybridge的動態研究致敬，讓Shit Mom笨拙地模仿女性優雅姿態，卻在移動中不斷失足崩解。而動畫作品《S.M. Ascends》則反轉了藝術史中「裸女下樓」的經典軌跡，讓角色在無止境的樓梯中，進行薛西弗斯式且徒勞的攀爬。

Pilar Corrias藝廊團隊分析：「反覆出現的樓梯符號致敬了藝術史的脈絡——從Marcel Duchamp、Gerhard Richter到Eadweard Muybridge的動態研究；同時，這也反映了一種當代焦慮，隱喻著對抱負、進步與不斷攀升之壓力的追求。然而，在Madani手中，連這種『向上攀升』都變得不穩定且充滿不安，甚至帶有一種黑色幽默。」透過這些作品，Madani精確勾勒出當代女性在追求社會理想與回歸肉身本能之間，那種充滿張力、疲憊且略帶荒謬的生存樣貌。

Tala Madani

1981年生於伊朗德黑蘭，現居美國洛杉磯。擁有耶魯大學藝術學院繪畫與版畫碩士學位。其創作以繪畫與動畫為主，常以充滿黑色幽默與怪誕感的筆觸，解構權力結構、男性特質及當代社會的集體行為。作品風格遊走於具象與抽象之間，展現出高度的敘事張力。曾於洛杉磯當代藝術博物館（MOCA）、倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）及斯德哥爾摩現代美術館舉辦個展。作品亦被紐約現代藝術博物館（MoMA）、古根漢美術館及泰特現代藝術館等重要機構收藏。

2026《Art Basel Hong Kong》

地點｜香港會議展覽中心（香港灣仔博覽道1號）

時間｜
貴賓預展（憑邀出席）
3月25日（三）12:00-20:00
3月26日（四）12:00-20:00
3月27日（五）12:00-14:00
3月28日（六）12:00-14:00
3月29日（日）11:00-12:00

開幕之夜
3月26日（四）16:00-20:00

公眾開放日
3月27日（五）14:00-20:00
3月28日（六）14:00-20:00
3月29日（日）12:00-18:00

＊參展藝術家及藝廊的完整名單：artbasel.com/hongkong/encounters

_{文｜吳哲夫　圖片提供｜各單位}

_{＊ 編按：本文原載於《La Vie》2026年3月號，網路版經編輯部重新整編與擴充}

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／3月號《平衡的設計哲思》