以東、西雙方掌握的藝術市場十年交易大數據為基礎，每年由雅昌藝術網與Artprice共同發布，2017年3月出具的「2016年度全球藝術市場報告」公佈，2016年位列全球500強藝術家首位的是中國畫家張大千（ZHANG Daqian）。拍賣總成交額第二至第十名藝術家依序為：PICASSO Pablo（巴勃羅・畢卡索）、齊白石、吳冠中、RICHTER Gerhard（葛哈・利希特）、MONET Claude（克勞德・莫内）、BASQUIAT Jean-Michel（尚・米榭・巴斯奇亞）、WARHOL Andy（安迪・沃荷）、傅抱石、崔如琢。

張大千「巨然晴峰圖」在中國嘉德2016年秋拍以人民幣103,500,000元成交，「瑞士雪山」接著於北京保利2016年秋拍以人民幣164,450,000元拍出，張大千共有5件在拍場上成交破億元人民幣的作品，另外3幅分別為「桃源圖」、「嘉藕圖」和「愛痕湖」。

報告中根據拍賣總成交額（Auction Turnover in US dollar）統計全球前500強藝術家（Top 500 artists by auction revenue in 2016）， 2016年排名第一的張大千作品總成交額將近達到3.55億美元，總成交件數為885件，最佳拍賣紀錄為34,917,720美金。張大千在2015年的排行榜居第12名，該年度第1名為PICASSO Pablo（總成交額6.5億美元，總成交件數2,875件，最佳拍賣紀錄為179,365,000美金）；張大千在2014年的排行榜居第9名，該年度第1名為WARHOL Andy（總成交額5.7億美元，總成交件數1,394件，最高拍賣紀錄73,000,000美金）。此外2016年中國藝術家在全球500強中佔據了超過30%的席次，前十名中國藝術家還包含齊白石（第3名）、吳冠中（第4名）、傅抱石（第9名）、崔如琢（第10名）。500強之中，美國藝術家席次則佔15%。

西方藝術市場的拍賣總成交額衰退，總成交量創歷史新高

中國藝術家於全球500大排行榜的竄起，「2016年度全球藝術市場報告」提到，自2015年第二季開始，全球金融市場開始採取觀望態度，西方拍賣場內的天價作品開始呈現寥寥無幾，2016年只有61件拍品以超過1,000萬美元的價格售出，沒有一件拍品成交金額達到億元門檻。此顯示出在經濟不景氣的大環境下，2009年到2014年間，西方國家藝術市場連續五年呈現增長，2015年更是憑藉高端價位藝術品的異軍突起，有140件成交金額高於1,000萬美元的拍品的榮景已不復見。

西方藝術市場的拍賣總成交額及總成交量的表現開始分歧，雖然2016年的藝術品交易量來到39.8萬件史無前例之高點，但成交額卻衰退逾二成。即便部分大師之作的拍賣出現了停滯，不過這並未妨礙法國畫家莫内以8,150萬美元的《乾草堆》（La Meule）在2016年全球藝術品拍賣百大榜（Top 100 auction performances in 2016）中創下紀錄。

中國2016超美，成最新全球藝術第一大

「2016年度全球藝術市場報告」指出，雖然2016年全球藝術市場公開拍賣成交額124.5億美元，較2015年減少23%，但中國藝術拍賣總額47.9億美元，以38%的市佔率躍居全球第一；美國退居全球第二。報告分析，中國藝術品市場由於近幾年企業收藏的介入，加上拍賣公司致力於發掘從未或多年未在拍場中出現的流傳有序的「精品」、「生貨」，企業有強烈的意願和充分的資金支持他們的文化，使得中國藝術市場得以突破困境，緩慢爬出底部行情。中國近五年以來的領先優勢以及追逐競購的資金帶動全球市場穩定增長。

中國藝術書畫市場精品層出不窮，名家精品更加有投資價值

根據雅昌藝術市場監測中心（AMMA）報告指出，當經濟形勢向好時，「藝術精品」與「藝術普品」呈現同步上漲的趨勢；而當經濟低迷、增長疲軟時，「藝術普品」成交會下跌，而「藝術精品」則逆勢上漲。受整體經濟形勢疲軟的影響，2016年中國總體貨幣政策以穩健中性、鬆緊適度為主，以抑制資產泡沫和防範經濟金融風險。2007 ~2016 年中國藝術品拍賣市場的成交額情況來看，在經歷過2012年以來的調整之後，藏家、市場和拍賣公司等產業參與者都對整個中國藝術品市場恢復理性，市場去除泡沫化初顯成效，2016 年起中國藝術品秋拍市場呈現出了久違的回暖跡象。未來預期藝術品價格體系趨於穩定，中高端拍品市佔率增加之下，帶動新一輪中國藝術市場行情。

2016年，中國藝術家成交額前10

01.張大千（近現代）

02.齊白石（近現代）

03.吳冠中（當代）

04.傅抱石（近現代）

05.崔如琢（當代）

06.黃賓虹（近現代）

07.趙無極（當代）

08.李可染（近現代）

09.吳昌碩（近現代）

10.徐悲鴻（近現代）

依年代大略劃分，以1840年、1940為界，分別可將中國書畫區分為古代、近現代與當代，近現代書畫能人輩出，當道畫家依區域可分為各畫派─北派畫派、西北畫派、南京畫派、海派畫家、嶺南畫派、杭州藝專師徒畫派與渡海三家（包含張大千、溥心畬、黃君璧），為市場主流。

Text、Photo / 非池中藝術網

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

場次及購票資訊請點此