設計人必看的民俗慶典「大溪大禧」!廖小子、陳劭彥、吳孝儒等當代設計師操刀大溪關公遶境激火花!

設計人必看的民俗慶典「大溪大禧」!廖小子、陳劭彥、吳孝儒等當代設計師操刀大溪關公遶境激火花!

當2016年「修龍(相撞)」之名為主題參與倫敦設計雙年展台灣館,同年饒舌歌手李英宏於台北白晝之夜以「台北直直撞」唱翻北門舊城;知名獨立音樂人林生祥以台灣味電影《大佛普拉斯》製作的歌曲《有無》在2017年第54屆金馬獎獲得最佳原創電影歌曲的殊榮;直到甫結束的29屆金曲獎,由台客設計師廖小子為搖滾樂團「拍謝少年」設計的《兄弟沒夢不應該》專輯封面拿下最佳專輯裝禎設計獎,我們應該已經很清楚,生活感十足的台灣本土文化不再是通俗的代名詞,年輕人開始擁抱這種原生的草根性,並以現代化的詮釋讓傳統文化更進一步與時代接軌,重新延續生長。

 

擁抱草根,「大溪大禧」以設計力辦信仰喜事

主流藝文話語權的認可,大眾輿論的熱情肯定,也使這股在地文化能量敢於突破與創新,就連行之有年的信仰儀式,也開始在台灣各地萌生了不同的新意!每年的農曆6月24日,是桃園大溪人最為矚目的慶典,也可說是大溪人的第二個新年。是日,是普濟堂關聖帝君聖誕遶境,鑼鼓喧天,聖轎與陣頭隊伍將走遍整座城鎮的大街小巷,為地方與人民祈福,也屬於大溪人的共同信仰與記憶,成為在地極具特色的文化。

 

而今年的民俗祭典則令人耳目一新!由衍序規劃設計總體策展,以「大溪大禧」之名,在迎接聖誕遶境那天到來之前,展開了為期三週的「前祭」,並以遶境信仰文化為基礎,讓創新思維彰顯傳統文化藝術之美,共同演譯「一場跨越當代設計與民俗信仰的城市祭典」!

 

當代設計與民俗信仰激火花

在前祭之中,衍序規劃設計提出「五社五師」的概念,促成跨領域與跨世代的交流。媒合了5位當代新銳設計師,與來自台灣各地的民藝陣社頭合作,藉由跨界創作人柯智豪的音樂、新科金曲包裝設計師廖小子的平面視覺、時尚設計師陳劭彥的服裝設計、致力發揚東方美學的設計師吳孝儒所參與的道具裝置,以及衍序視覺規劃師余咨穎的品牌設計這五大面向切入,為此次的祭典增添新看點!

 

廖小子 歡喜關公迎慶典

其中,讓威風正氣的關公神像變得平易進人的「歡喜關公」主視覺,可說是設計師廖小子的神來一筆,透過鮮明的紅綠色調,將傳說中關公的赤面青裝意象Q版轉化,手配青龍偃月刀,加上以刀形為設計靈感的圓潤特色字體組成「大溪大禧」,完整了慶典的精神,是畫龍點睛的關鍵!

 

陳劭彥 X 雷電僮仔穿新衣

遶境常見的神僮服飾,則由時尚設計師陳劭彥著手操刀改良。本次,他與全台唯一操有雷電風雨僮仔的農友團合作,為遶境的便利性與忠於歷史文化,保留原服裝結構,更創新地將服裝上的繁複裝飾細節簡化,以四位掌管雷電風雨的天氣神靈職位配對傳統意象色彩,以現代感的漸層呈現,不失原有的份量與大器。

 

吳孝儒 X 霓虹錦旗鬥陣頭

代表參與遶境各社的精緻錦旗與傳統賞旗文化也成為創意的發源地。結合每社練團的拿手技藝陣頭,吳孝儒將霓虹元素融入其中,搭上慶典華麗繽紛的色彩,為社團組織設計出代表神靈圖騰與對應宮廟,塑造信仰招牌裝置的新意!

 

用色彩聲光照亮山城古厝

活動將從【七月十四日大囍臨門祭】揭開慶典序幕,集結廟會、光影、音樂、市集、劇場等,從「與神同巡」邁入「神嬉舞夜」,展開一系列的新型態城市祭典。

 

除了設計的媒合之外,更有「大囍臨門祭」的展演活動,七月十四日當天將串聯普濟堂、李騰芳古宅等場域,午後的大溪超強聯盟的遶境遊行,重新組合百年遶境傳統,加入日本四國Hyoge祭跨海來台共同出演,用新型態的展演形式「與神同巡」,入夜後則由三金音樂人柯智豪領軍,結合三牲獻藝、拍謝少年與小事製作攜手「神嬉舞夜」演出,為了向傳統致敬,也邀請大溪神將團與高齡80歲的大溪北管界耆老一同逗陣表演交流,延續傳承百年的信仰,進行一場顛覆性的夜晚聲光派對。

 

讓傳統信仰工藝與當代設計走在一起,重新詮釋的民間的活力與精神,從宗教慶典盛事跨領域的參與做為革新的起始,帶領更多古典文化走上現代之路!從7月14日的遊行演出,到8月4日的關聖帝君的遶境重頭戲,歡迎一同參與關老爺慶生派對的當代詮釋!

Text / Diane Tang

via / 衍序規劃設計

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水景映照天空,陶瓷碰撞譜出流動樂章!隨巴黎證券交易所藝術裝置《clinamen》墜入沁涼白日夢

巴黎證券交易所藝術裝置《clinamen》:水景映照天空,瓷碗碰撞譜出流動樂章

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中,被壯麗的歷史壁畫環繞,眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響,自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗,現正於「巴黎證券交易所(Bourse de Commerce)」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》,將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景,邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域,投入一場冥想。

巴黎證券交易所藝術裝置《clinamen》:水景映照天空,陶瓷碰撞譜出流動樂章
(圖片來源:Bourse de Commerce)

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來,巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點,現則是「皮諾私人美術館(Pinault Collection)」的所在地。2017年,建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造,日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模,與建築本身的富麗巴洛克式風格結合,揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳,自開幕以來即是藝術家的實驗場,過去韓國藝術家金守子(Kim Soo-ja)曾在地面鋪上巨型鏡面,邀訪客漫步鏡上,以嶄新視角觀看建築。

巴黎證券交易所藝術裝置《clinamen》:水景映照天空,陶瓷碰撞譜出流動樂章
(圖片來源:Bourse de Commerce)

水鏡映照天空,瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下,法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》,這件作品延續他慣常的創作語彙,遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央,藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池,藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗,它們隨水波緩緩漂移,當偶遇相撞時,便會發生清脆聲響,此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說,聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂,可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」,讓其跳脫傳統音樂的框架,轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統,不需人為干預,自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》,可說是這場藝術實驗的集大成之作。

巴黎證券交易所藝術裝置《clinamen》:水景映照天空,陶瓷碰撞譜出流動樂章
(圖片來源:Bourse de Commerce)
巴黎證券交易所藝術裝置《clinamen》:水景映照天空,陶瓷碰撞譜出流動樂章
(圖片來源:Bourse de Commerce)

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館(National Gallery of Victoria)、龐畢度中心梅斯分館(Centre Pompidou-Metz)展出,來到巴黎後,作品以空前的巨大規模呈現,其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求,而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示,每一座展場都像一個「模具」,他將自身裝置技術與美學灌注其中,孵化出每個場域專屬的限地版本。

巴黎證券交易所藝術裝置《clinamen》:水景映照天空,陶瓷碰撞譜出流動樂章
(圖片來源:Bourse de Commerce)

慢下腳步,感受「不確定」的詩意

clinamen》一名源自伊比鳩魯學派(Epicureanism)的哲學思想,其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說,它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」,也探索著事件發生、物件排列(即水波推動瓷碗導致碰撞出聲)的千萬種可能。在無數可能中,觀眾無法預測將遇見哪一種,也難以預想瓷碗碰撞的音色,這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

巴黎證券交易所藝術裝置《clinamen》:水景映照天空,陶瓷碰撞譜出流動樂章
(圖片來源:Bourse de Commerce)

也正因《clinamen》難以預測,觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界,Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來,在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌,及水色和天光交織之間,暫時成為作品的一部分,悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢,暫離喧鬧世界。

巴黎證券交易所藝術裝置《clinamen》:水景映照天空,陶瓷碰撞譜出流動樂章
(圖片來源:Bourse de Commerce)

資料來源|Bourse de Commerce

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北藝中心超級大劇場首演!入境只存在6小時的《共和國》:沈浸銳舞派對,反思週休二日、朝九晚五等生活制度

北藝中心超級大劇場首演!《共和國》藉6小時銳舞派對反思當代工作與生活模式

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放!首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基(Łukasz Twarkowski)作品《共和國》(Respublika),結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧,透過一場長達6小時的狂歡派對,質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式,並邀觀眾打破場體制設限,沈浸體驗銳舞(Rave)文化,從中思索參與、工作、自由的可能。

北藝中心超級大劇場首演!《共和國》藉6小時銳舞派對反思當代工作與生活模式
(圖片提供:臺北表演藝術中心)
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(圖片提供:臺北表演藝術中心)

真正的自由,存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台,邀觀眾穿梭其中自由參與、探索,不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示:「我感到真正的自由,是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心,也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

北藝中心超級大劇場首演!《共和國》藉6小時銳舞派對反思當代工作與生活模式
(圖片提供:臺北表演藝術中心)
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(圖片提供:臺北表演藝術中心)

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗:如果一群人忘記工作一整年的話,會發生什麼事?」塔沃柯夫斯基這道提問,開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國(The Pavlov Republic)」,其誕生於18世紀末,由波蘭神父與800名農民共同創建,他們曾短暫實現自治社群的理想,擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

北藝中心超級大劇場首演!《共和國》藉6小時銳舞派對反思當代工作與生活模式
(圖片提供:臺北表演藝術中心)

儘管保拉瓦共和國未能久留,但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下,《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線,質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

北藝中心超級大劇場首演!《共和國》藉6小時銳舞派對反思當代工作與生活模式
(圖片提供:臺北表演藝術中心)

從森林到劇場,從社會實驗到藝術實踐

2019年,塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家,一同走入立陶宛森林,在房車與移動住宅共居、一同創作,模糊了生活、工作、排練的邊界,同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員,如每日舉辦電子音樂派對,讓「銳舞」成為新的信仰,且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼?當許多人害怕沒有生產力的同時,這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告:「我應得的,我需要它,剩下的都不重要。」

北藝中心超級大劇場首演!《共和國》藉6小時銳舞派對反思當代工作與生活模式
(圖片提供:臺北表演藝術中心)

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演,《共和國》由3個部份組成:一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看,迷失在街道之中;一小時過去,表演揭幕,整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像,觀眾像是置身電影片場,能同時看到螢幕和現場正發生的事,織就多層次敘事;當牆壁逐漸被拆除,第三部份便剩下純粹的狂歡,演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

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(圖片提供:臺北表演藝術中心)

不只是配樂,Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂,更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律,是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後,地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中,象徵自由的重新誕生。

北藝中心超級大劇場首演!《共和國》藉6小時銳舞派對反思當代工作與生活模式
(圖片提供:臺北表演藝術中心)

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發,對他來說,電子音樂有「昇華人性」的作用,「如果我需要建立某種暫時自治區,那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞,成為群體,分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意,讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式,也是一次個人心靈的逃逸旅程。

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(圖片提供:臺北表演藝術中心)

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架,塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」,藉由視覺、聲音與身體交織,建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說,劇場算得上是最官能的藝術形式之一,包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂,一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代,《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出,而是一個暫存的微型國度,一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演!《共和國》藉6小時銳舞派對反思當代工作與生活模式
(圖片提供:臺北表演藝術中心)

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間|2025.06.04-06.07

場次及購票資訊請點此

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