用纖維織品勾勒天馬行空想像！台灣織品藝術家鍾瓊儀的無限可能性織品美學

走在古今風韻交錯的大稻埕街廓，我們跟著織品藝術家鍾瓊儀（Eileen）尋找創作的材料。從狹長的老公寓出發，穿過南北乾貨行，最後來到永樂布市。在Eileen眼中，布市裡所有的圖案與材料，都有可能化身日常生活中簡單的美好體驗。

看著母親刺繡的兒時記憶，似乎在Eileen的骨子裡埋下了與織品的緣分。就讀於國立臺南藝術大學材質創作設計系時，因而選擇擁有熟悉感的纖維為創作媒材，從此深掘其無限可能的創造性。曾獲得義大利瓦奇里納獎——國際當代織品纖維藝術競賽首獎，並受邀至義大利作為藝術家身分於當地駐村，目前也是糸島織物mee.textile 的主理人。

織物，可以是觸感的集合

Eileen 從小生長在純樸雲林的芒果園裡，除了採收時期以外，母親在閒暇之際會拾起針線刺繡，讓Eileen 在孩提時代對於織品有了初步認識。大學時期就讀材質創作設計系分組時，選擇金工與纖維作為鑽研與設計的媒材，但相較於需要長時間待在同一空間製作的金工，她對於纖維始終保有熟悉感，可以一個人安靜地完成作品，且不論何時何地都能信手拈來編織出當下的靈感，彷彿更能貼切地記錄生活。

對於Eileen 而言，腦海中的想法才是創作本體，材質只是作品傳遞訊息的媒介。她將織品回溯原點，透過原料纖維本身具有的絲、線狀肌理，試圖發展出更多未曾有過的可能性，像是在紡織線材的時候混搭金屬、棉、麻等，讓纖維跳脫傳統平面的制式思考，這也是她在藝術創作的路途上，不斷努力與挑戰的一大課題。

在2013 年Eileen 嘗試使用羊毛包覆鐵絲，打造出一座小屋般的立體框架，表層噴上桃紅色螢光漆，並任由油漆腐蝕羊毛，營造出類似菜瓜布的僵硬紋理，這項作品靈感來自於搭捷運的時候，看見周圍的人都沉浸在智慧型手機或平板螢幕的世界裡，在當時的環境下彷彿她被獨立在外， 衍生「3C 產品正在啃食這個空間」的巨大衝擊，引發本次創作的起源。

Eileen 的創作，除了形式上的創新，也希望透過創作傳遞觀念，譬如利用蠶絲布轉印影像，擺放於兩張面對面的椅子之間，猶如虛擬和現實轉換間透露出現代人的空虛感，將纖維轉化為三維空間的構成，描述了她對當下景況的確切想法。此件作品也為她拿下義大利第九屆瓦奇里納獎——國際當代織品纖維藝術競賽（Valcel lina Award-International Texile/ Fi lber Art Competition） 當中的首獎， 並獲得文化部的補助，開始踏上糸島織物的品牌創立。

你所不認識的羊毛

從糸島織物的原創商品到大型裝置藝術，Eileen 都喜歡以羊毛為最原始的材料，再行混搭他種材質，跳脫羊毛本身的質感。羊毛作為高蛋白的動物性纖維，觸感相當溫暖，質地蓬鬆且柔軟，可塑性非常高，但卻不容易表現出硬挺的立體感。除了利用羊毛碰到水會收縮的特性，故意將之以水洗或蒸氣處理的手法來增加挺度，Eileen 也做了很多嘗試，表現出羊毛的無限可能性。

像是在手工紡織線材的時候就曾經加入﹁麻﹂料纖維，藉由其乾澀且缺乏彈性的特質，混入羊毛製成織線，用來提高織品的硬度，編織而成的作品也會隱約散發麻料的光澤感。而手工紡織線材的過程也很有趣，現場看著她一邊抓取羊毛，一邊讓旋轉的紡錘不斷地絞入，每次抓取的纖維分量會決定線材的粗細，再視情況加入不同顏色的羊毛、棉、麻或烏干紗等纖維，生產出原創性十足的線材，完成不同藝術創作所要呈現的質感。

每日接觸的生活質地

具有光澤感的蠶絲布、麂皮、烏干紗都是Eileen 相當著迷的材料。半透明的蠶絲布是Eileen 喜歡運用的材料之一，她會將不同的影像轉印在蠶絲布上，藉由半透視的特性製造出影像重疊的景深感，從平面的層層影像堆疊，衍生出3D 立體感。而麂皮表面的光澤則時常用來表現材質差異性，像是與棉或皮革產生對比，具體表現在糸島織物的豐收漁夫包，轉變成生活的物件。

「纖維可以應用與變化的可能性太廣泛了，它可高可低，是藝術也是日常，所以才會這麼有意思。」

不在工作室創作的時候，Eileen可能就在前往授課的路上。在充滿小朋友的班級裡， 她教導孩子們用雙手來回摩擦搓揉羊毛纖維，「告訴他們線就是這樣來的（笑）」，認識原料之餘，藉由單純的天性激發創意，且除此之外，也會請學生帶著舊衣服到課堂上嘗試拆解；把已經完成的織品視為材料，透過拼湊與編織再製造成椅墊。我們問Eileen，織品最吸引妳的地方，是什麼？Eileen 微笑地說：「每天，我們不都會與不同的織品相遇嗎？」織品就是每個人天天都會使用，接觸的材料；它具有太多面貌，時而閃亮具有光澤，時而潤澤輕巧柔軟，如果想要探索織品的無限可能性，何不先從我們每天的衣櫃開始呢？

撰文｜ Finn Ho 

攝影｜ Evan Lin

更多與生活、材料、工藝、文學有關的美感，都在La Vie與臺灣工藝研究發展中心所出版的《觸之美：從手到心的美感體會》

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23