台灣近年出現不少老屋活化的案例，該如何讓老屋重生成為城市最美的風景，也是許多民眾關注的議題。曾多次來訪台灣的日本建築師渡邉義孝，並著有《臺灣日式建築紀行》一書，憑藉著對台灣日式建築的熱愛，以手繪和文字紀錄，留下了豐富且有趣的個人觀察，展現了比台灣人更愛台灣老屋的深情。就讓我們透過渡邊先生的觀察，一起探索台灣日式建築之美。

採訪這天早上，我們與日本建築師渡邉義孝相約在青田茶館，訪談過程中，他不時翻出手繪筆記本向我們說明相關的建築和事件，雖然在剛出版的《臺灣日式建築紀行》中已能看到部分手繪圖，但親眼見到渡邊先生手繪的細膩痕跡，及他所保留的各式車票、郵票，甚至是7-11商店的點數貼紙，仍然令人感到驚奇不已。

「台灣日式建築map」的創建者

這位著迷於台灣日式建築的日本建築師，為「風組‧渡邉設計室」負責人，同時也是日本NPO法人「尾道空屋再生Project」的理事。在他的職業生涯中，參與過日本尾道地區110件老屋的修復計畫，相較於打造新式、大型的建築案，他更鍾情於協助政府及民間單位替頹圮老屋創造新價值。2011年來台參加建築會議後，驚豔於台灣日式建築多元的式樣和完善的保存，於是他展開多次的台灣日式建築觀察之旅。在渡邉先生的台灣日式建築觀察中，相較於大型的日式官方建築，他更喜歡走訪小規模的車站、宿舍、住宅等，為了記錄當下的所見所感，他甚至會坐在建築旁，直接畫下建築外觀、局部細節，鉅細靡遺地寫下他的旅行記錄。觀察台灣日式建築初期，他更運用Google Maps製作公開的「台灣日式建築map」，短時間內就吸引到大量熱愛老屋的網友們在上面標註上千個地標，因而獲得台灣媒體關注。

在台灣重生的日式街景

每年來台兩三次的渡邉先生，認為台灣日式建築帶有特別的異國風情，甚至是懷舊感，若細細觀察它們的設計，可以發現其中大量揉合日本建築和台灣風土個性的特色，對他而言，「讓日本人『懷念的街景』，並不在日本，反而在台灣得以重生。」因為觀察台灣日式建築，也更進一步見證了日本和台灣的牽繫。渡邉先生走訪台灣日式建築的腳步仍未停歇，他也期待能在台灣本島、甚至是離島，繼續與台灣日式建築有著美好的相遇。

渡邉先生隨地坐下手繪建築時，也吸引不少民眾好奇地圍觀。

渡邉義孝建築師所繪的新竹湖口老街日式建築。

Q:您當初開始觀察台灣日式建築的契機？

2011年我在青田七六附近走看時，發現牆的後面有個建築，也就是後來的青田茶館，在好奇心的驅使下，我推開門走進去、用偷窺的方式觀察這個房子，當下我覺得這裡非常美，但屋子實在毀損的太嚴重了，即使我在日本因老屋活化計畫，看過很多破爛的空屋，心裡還是覺得要修復這座建築不太可能。

後來我陸續到剝皮寮等地區，開始發現台灣願意投入經費修復、保存老屋，實在是非常了不起的一件事，於是我開始沉迷於台灣日式建築的魅力，並常常一個人來這裡展開建築之旅。2016年我又再次踏入青田茶館這個地方，這裡脫胎換骨的樣子令我感到非常驚喜，是我目前印象最深刻的建築，同樣也是我展開台灣建築觀察之旅的起點。我不是說客套話，但是今天能在這邊受訪，對我來說實在意義非凡，雖然這裡不是我的家，但我真的很愛這邊，而且我也是現場唯一看過建築最原始面貌的人喔。

Q:「台灣日式建築map」記錄了大量的資料，您如何選擇想親自走訪的建築？ 

來台灣看過不少日式建築後，我開始利用Google Maps製作「台灣日式建築map」，一開始只設定一種分類標籤，但後來網路上愛好台灣日式建築的人，也開始做起水庫、鐵道等分類，現在已經累積了1,800多個地點。之後我就開始Google這些建築的照片，如果有自己很喜歡的，就會親自到現場去看。另外，我也會每天閱讀FB社團「台灣日式宿舍群 近來可好」上的台灣建築資訊，再決定是否要去現場看看。當社團上PO出像陳茂通宅‧紅葉園拆除事件、旗山舊火車站翻新事件等新聞，或大家對特定建築有不同看法時，我也會想親自到現場了解狀況。

Q:您從什麼時候開始手繪建築？

1994年我進了一間建築事務所工作，那時的老闆、同時也是我的建築啟蒙老師鈴木喜一，是一個非常喜歡旅行的人。他告訴我要學習手繪建築，並且要提高文章表達能力，因為相較於人人都可以學習繪製的建築平面圖，用手繪理解建築物、用文章表達對建築的感受，會成為自己專屬的特別能力。在那裡工作的兩年，因為我沒有上大學，所以是無給職的義工，但老闆給了我一項工作，至今仍深深影響著我，那就是一年有3個月要去旅行，而且旅費由公司支付。但是要拿到旅費的條件是，出國的每天都要畫圖、寫文章。因為這份工作，我去了歐洲、亞洲、及亞塞拜然等非主流的國家，在沒受過專業建築訓練的狀況下，要畫圖和寫文章實在很困難，但我也在那一段時間開始訓練自己觀察、感受建築的能力。出國的三個月內，每天都要練習這些事情，到了最後一天我不確定我是否做的比較好，但至少我確定我愛上了這件事。所以書的呈現也是這樣練習出來的。

Q:觀察台灣日式建築的過程中，碰到最大的困難？

要悄悄進入老屋是最大的困難。在日本偷偷進入老屋，因為有法律上的問題，所以會帶來非常大的麻煩。但在台灣這件事會造成的麻煩沒那麼大。另外，在看這些老屋時，我會想聽聽當地人的分享，但是因為語言上的隔閡，常常沒辦法深入了解，特別是有台灣人很熱情地想跟我講話時，我因為聽不懂就會很痛苦。但我想補充的是，在台灣不管到哪裡大家都對我都非常親切、熱情，所以從來都沒有令我感到不舒服的狀況。

Q:觀察了這麼多台灣日式建築後，有什麼想和台灣人分享的嗎？

我覺得日式建築不等於日本建築，日式建築是從日本飄洋過海到台灣所開出的美麗花朵，我希望大家可以知道這件事。另外，我覺得大家可以認識更多建築的專有名詞，像是磨石子、雨淋板等，如果你知道它是什麼的話，在路上散步可能會有趣一百倍。我在日本也常常跟大家分享，如果你知道這些名詞，你就會發現它的好，並且愛上它，這是了解建築的第一步。這件事很重要的原因是，當我們面臨老建築是否要拆掉時，建築師站出來反對沒有用，當市民因為了解老屋的價值，而有留下老屋的共識，反對的聲浪才會有基礎。這也是為什麼我特地在書中整理出建築專有名詞的原因。

渡邉義孝

日本一級建築師，風組‧渡邉設計室負責人，NPO法人「尾道空屋再生Project」理事。活躍在文化資產界，致力於歷史建築調查與老屋活化。自2011年起多次來台，考察台灣各地近代日式建築，數量多達數千處，並以手繪筆記的方式記錄建築特色。在日本著有《小鎮再造的空屋活用術》、《認識亞塞拜然的六十七章》等書。《臺灣日式建築紀行》為首次與日本以外出版社共同企畫的海外首發著作。

https://www.facebook.com/yoshitaka.watanabe

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文｜陳岱華 

攝影｜張藝霖 

圖片提供｜時報文化出版、渡邉義孝

【完整內容請見《LaVie》2019年2月號】

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」

高橋一生和小朋友玩在一起的畫面會不會太美好！東京國立新美術館即日起呈獻為期11天的「學展」，其中將夾帶兩件從今年首登場的藝術計畫《想像他者的四天》中生成的多人共創畫作，本屆頒獎典禮更將放映導演二宮健於4天工作坊期間所記錄孩子們揮灑創意的珍貴影像。從培養共感力與想像力的角度出發，此項目所回應並試圖溫柔改變的社會現況發人深省。

第75屆學展（Gakuten）推出實驗性影像製作企劃《想像他者的四天（他者を想像する四日間）》，邀來演員高橋一生，協同7名從本屆參展者中選出的國中小學生完成兩幅大型畫布作品，並隨學展其他作品於2025年8月7日至17日在東京國立新美術館公開展出。而由電影導演二宮健同步拍下創作全過程的特別影像，則將於8月9日舉行的得獎者表彰典禮上限定放映，供得獎者及相關人員觀賞，循作品本身和紀錄片兩種途徑見證其中軌跡。

學展是什麼？

藝術教育人士西田信一（Nishida Shinichi）在1950年創立的「學展」，是日本第一個全國性學生油畫比賽；70餘年來由日本學生油畫會興辦，無參賽資格限制，亦接受來自海外的國際作品，現正於全球範圍內致力發掘年輕世代的藝術才能。評選項目涵蓋繪畫、插圖、工藝、攝影、數位創作等多元領域，且從幼稚園到大學的不同年齡層創作者都能報名。比賽核心自歷史案例中承襲而來，堅信「優秀的藝術不受年齡、國籍或名聲所限制」的精神，至今持續將才華橫溢的作品推向世界舞台；近年不僅廣邀各界知名人士擔任評審，大獎作品亦得機會於巴黎展出。

▼ 每屆學展於東京國立新美術館進行公開展出

實驗企劃《想像他者的四天》首登場

高橋一生主導、二宮健側拍，「即興」培養共感力與想像力

作為今年學展首次實施的藝術計畫，《想像他者的四天》旨在培養孩子「想像他者的能力」（意近中文「共感能力」所指涉，可能包括從他人視角看待事物，抑或經由共創形式對他人的表達有所共鳴等）。此理念發想自當代社會中人們「想像他者」能力普遍稀缺的現況，讓參與者透過肢體表達、即興演出、交流對話和揮灑作畫等環節，反覆加深「設想眼前的人、甚至於某個不存在對象」這樣的共感經驗。

在為期四天的工作坊中，高橋一生並非以導演或演出指導的角色參與，而是單純扮演從旁陪伴、覺察和承接孩子內心轉折變化的「伴行者」角色，構建出一個自由且深刻的創作空間，最終引導他們繪出兩幅「想像的藝術」作品。而將此場景具象化的正為導演二宮健，他詳實記錄7位小朋友4日體驗的側拍影片，將打開交織現實和創意的敏銳視角，靜靜喚起觀眾的想像力。

台灣觀眾對高橋一生肯定都不陌生，其別具感染力的演技與親切形象，為此類藝術教育項目盡心力自在想像之中。而擔任共同企劃兼導演的二宮健，早被認為是風格辨識度極高的日本新生代創作者。10多歲開始影像創作，就讀於大阪藝術大學期間即獲得京都國際學生影視節（KISFVF）大獎肯定，現年僅33歲已憑《裸睡美人》、《吉娃娃羅曼死》、《午夜少女戰爭》等多部代表作為觀眾所認識，亦曾在2017年作品中與高橋一生合作。此次他充分發揮個人尤擅長的實驗性手法，大膽而細緻地捕捉了孩子們朝氣蓬勃、充滿生命力的表情和創作歷程。

《想像他者的四天》紀錄片雖不開放一般觀眾觀賞，不過未來10天人正好在東京的讀者們，走過路過國立新美術館倒可逛進展廳，一覽高橋一生和小藝術家們帶來的兩大件畫作及第75屆學展的完整展出。

第75屆學展特別影像企劃《想像他者的四天》

【作品展覽】

• 時間：2025年8月7日至17日
• 地點：國立新美術館2D學展展示室

【影像放映】

• 時間：2025年8月9日
• 地點：國立新美術館講堂（僅限得獎者及相關人員入場）

資料來源：學展