就像是為空白畫布耀眼姿態，幾何、抽象還是超寫實的，印花就像是每位創作者的獨特記號，每一筆都充滿想像，充滿無二的象徵。不過「印花」是否就只能單純表現在傳統花布上呢？在台北松山文創園區（松菸）登場的首屆《台灣印花設計節－看不見的孔雀》，則企圖讓印花世界發揚光大，顛覆傳統印象，集結當代藝術家、插畫家、設計師等40位創作者，從平面布料、插畫、影像、產品、包裝到服裝等多元領域，各自揮灑印花豐富風貌！

看不見的孔雀主題喚起好奇心

選在松菸內的台灣設計館05、06展區登場，放眼望去《台灣印花設計節》盡是繽紛讓人眼花撩亂的花樣世界，40位創作者緊扣「看不見的孔雀」主題，呼應「印花設計」的發展脈絡。之所以選擇孔雀作為命題代表，正是因為其在所有動物之中，自身印花特色既顯眼又具代表性，符合了繁複多元的印花樣貌，身上的羽毛直橫交錯，也像布面織紋一樣錯落。出任策展人的「自由人藝術公寓」總監顏寧志表示，本次展覽試圖提出一個概念：即使一隻「隱形的孔雀」站在我們眼前，我們仍能透過想像力感受孔雀的色彩與圖紋，因為這些意象已深深烙印在每個人的腦海裡；這也是印花圖案在這視覺衝擊的年代，所擁有強大的影響力，帶給人們永不褪色的印象。

印花不只是印花

顏寧志本身即跨越時尚、藝術、插畫等多元領域，不僅擁有個人服裝品牌，一手擘畫「台北插畫藝術節」，亦曾擔任臺中國家歌劇院駐館藝術家，是近年極受矚目的策展新銳。顏寧志指出，「印花設計」的特殊之處，在於透過排列與色彩，將一個簡單純粹的元素，創造出令人驚喜的無限花樣世界。而圖紋創作源自於原始部落的圖騰信仰，擁有相當悠久的歷史，具有凝聚集體意識的意涵。然而在現代社會中，「圖騰」的意義已漸趨個人化，也開始轉換成「商標」與「印花」等各種商業應用，體現出不同的價值。

首屆《台灣印花設計節》區分成兩大展區，分別是位於台灣設計館05展區的「邀請展」以及06展區的「徵件展」，藉由來自全球各地的創作好手，讓參訪者發現原來印花可以這樣玩！

邀請展｜7位頂尖創作人爭豔玩創意

位於台灣設計館05展區的「邀請展」，策展人邀請7位不同領域的創作者。每一位在各自的專業領域皆享有高知名度，各自提出獨特見解詮釋「看不見的孔雀」。本屆展覽主視覺是由57(吳騏)量身打造繪製畫作，形塑出一隻華麗雅緻、專注縫紉的孔雀意象，帶給民眾無限的想像空間；再邀請設計師沈彥霖以此插畫發展主視覺，嘗試以不對稱性與重複性的大膽排列組合，加上強烈的螢光色彩，構築出令人印象深刻的視覺設計。

走進展館，映入眼簾的是服裝設計師李嘉泉全新概念性系列，他從五七插畫抽取素材，拆解重組成印花服裝創作，以絕妙配色與訂製服造型，呈現令人驚嘆的精湛工藝。接著6個獨立展區，依序看到當紅插畫家五七、知名藝術家曲家瑞、泰國人氣繪師GONGKAN、印花設計藝術家Eszter(陳純虹)、香港時尚新銳林雅儀(Zlism)、愛馬仕御用壁畫家紀人豪等創作者的印花藝術作品。每一位創作者皆展現創作功力及圖紋創玩技巧，讓觀展貴賓頻頻大呼：原來印花還可以這樣玩！

李嘉泉 x 吳騏 跨界合作6套服裝

將57的奇幻風格畫作拆解，個別抽出做具現化表現，將圖案印花布料結合其他材質，融入服裝語言，使服裝與畫作產生有趣的立體視覺連結。

吳騏「符號」

身為本屆印花節主視覺創作者的「57」吳騏，在展中也帶來名為「符號」的創作。他表示當得知「看不見的孔雀」為主題時，符號便是他認為創作者與孔雀之間的連結， 孔雀有著鮮明的特徵和符號，而藝術家也是在追求屬於自己的符號與風格，透過對日常與環境的觀察，與不同時期的思維與感受，反覆地研究實踐紀錄，淬煉出自己的元素，這次在兩個展間分別展出新的創作與早期的作品，重新檢視定義這些符號。

曲家瑞「花花世界」

擅於描繪人物畫像的曲家瑞，此次則帶來「花花世界」作品，以兔子、小狗與彩虹小馬為畫中主角，探討內心的小孩尋找歸屬感，過程中她揮灑許多顏料創作，更多次推翻腦中原先的構想，繽紛色彩是充滿爆發力的創作。

泰國藝術家Gongkan「陰陽，光明與黑暗」

有沒有某些時刻你想找個洞鑽下去，自此躲藏起來？對泰國新銳藝術家Gongkan來說，黑暗和光明來來去去，有一刻我們可以感受到光線，只是眨眼間我們就在黑暗中。這是人生中的陰陽，生命的平衡，而這點也反應在其最為代表的創作「Teleport」中。此次印花節中亮相的「陰陽，光明與黑暗」，同樣以他著名的瞬間移動風格為主，同時擁抱黑暗也欣賞光明。

陳純虹「The Funny Mind」

此次陳純虹所帶來的系列印花創作「The Funny Mind」，靈感來自於創作者面對寵物狗的心理治療和行為矯正的自身經歷，研究動物心理書籍的啟發以及自身對寵物看人類事物反應的想像為出發，設計用抽象元素以及形狀化牠們腦中運作的思考模式。印花設計包括「古怪頭腦」、「壞掉的杏仁核」、「似懂非懂」、「直覺」以及「機能主義」，視覺傳達以歡樂、現代、詭異及矛盾的設計和配色，正如也許在你我生活中正在享受和困惑人類生活的寵物朋友們。同樣亮相展區的還有陳純虹個人創作「印花無所不在」，觀看她從生活日常觀察到進一步描繪成創作的歷程ㄡ

林雅儀「insight」 

來自香港，擁有插畫家與時尚設計師身分的林雅儀，此次將外星人元素應用在服飾上，展出主題為「insight」的ZL by Zlism 2019秋冬系列。

紀人豪 壁畫創作

身為當前炙手可熱的台灣新銳藝術家，紀人豪再次發揮現地繪製壁畫功力，以鳥靈與人類的愛情故事作為靈感，看似淡雅色彩卻有立體浮雕效果。

徵件展│國內最大規模印花展演 33位老將新銳聯袂展出

為了讓觀眾一次飽覽當代印花創作能量，台灣設計館06展區則作為徵件舞台，邀集主題內容符合「動物」、「圖騰印記」的印花創作。由於不限年齡、國籍、媒材及藝術形式，吸引了來自日本、港澳、馬來西亞等地上百位創作者投件。最後從數百件送審作品中，精選出33位優秀創作者參展。

展出作品打破形式界線，從藝術創作、織品面料、產品素材到影像設計，包羅各種面向。而參展者從畢業不久的潛力新秀，到卓越的資深設計師，展現不同創作階段的思考風貌。其中最資深的參展者為90歲藝術家曾鳳麗，其創作歷程充滿傳奇色彩；另有傳承百年布莊的文創品牌「源錦興」，亦特地從台南參與展出。徵件展呈現印花技法多元，是國內最具規模的印花展演平台，帶給民眾一個既有台灣特色又富有國際觀的視覺饗宴。

「台灣印花設計節-看不見的孔雀」

時間│108/6/11~9/22 每週二至週日9:30 - 17:30 

地點│台灣設計館05/06展區(松山文創園區 松菸口) 

售票│150元(全票)/100元(學生、團體票) 

https://www.songyancourt.com/tdm/

https://www.facebook.com/TDMuseum

via/ 台灣創意設計中心

當經典邁向當代，設計語彙也被重新打開。麥卡倫攜手美國平面設計大師 David Carson，為經典雪莉桶與雙雪莉桶系列換上全新包裝，並以此為靈感，打造《雪莉新裝360體驗》沉浸式展覽。《La Vie》邀請設計師顏伯駿進場體驗，從創作者的視角觀看、詮釋與拍攝，記錄設計如何在場域中被感知，也重新打開人們對麥卡倫的閱讀方式。

麥卡倫（The Macallan）自 1824 年創立以來，便以雪莉桶釀酒工藝聞名，攜手美國 Coopers Oak 橡木林場並收購西班牙 Vasyma 製桶廠，打造自家雪莉橡木桶供應鏈，新酒與頂級雪莉橡木桶交融下，酒液逐步發展出細膩而層層遞進的風味表現，形塑出麥卡倫引以為傲的風格標誌。到了今年的麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，這份經典被轉譯為更當代的語言，從 David Carson 操刀的包裝視覺，到延伸出的沉浸展覽空間，品牌首度以「設計」為對話開場，讓人重新感受經典麥卡倫背後的文化溫度與情緒層次。

從包裝到場域，設計成為對話的路徑

設計師顏伯駿說，「真正的顛覆不是推翻，是讓原本的秩序容納新的語法；真正的敬意，也不是膜拜，是讓傳承有再被閱讀的可能。David Carson 把麥卡倫的典雅與他一貫的直覺性並置，創造出一種介於經典與自由之間的張力區！」而展覽以「3、6、0」為名，分別對應三大酒款（經典雪莉桶、雙雪莉桶、臻彩系列）、六大標柱（最高品質的橡木桶、雪莉酒潤桶工藝、渾然天成的自然酒色、精緻小巧的蒸餾器、麥卡倫莊園與百年傳承的釀酒智慧），層層拆解麥卡倫的文化底蘊，讓觀者用身體進入設計邏輯的邊界。這不只是關於視覺的閱讀，而是關於場域如何讓設計變得立體。

拆解與再閱讀

踏入麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，就像翻開一本逐頁拆解的讀本，設計邏輯在錯落與重構中緩緩展開。入口以象徵雪莉桶紋理的弧形木牆作為開場，引導觀者穿越時間年輪，走入麥卡倫的傳奇時光；緊接著，步入「感官走廊」，幽深的紅光映照著品牌走過兩世紀的重要節點與關鍵人物，走廊盡頭的螢幕，播放著來自赫雷斯的桶匠訪談與雪莉酒介紹，搭配曲面解構符號與牆面上的「瓦德比諾 Valdespino」雪莉酒，讓觀者穿越至雪莉桶誕生的原鄉脈絡。

進入展覽核心，視線被瓶身、照片、圖騰與色塊組構的裝置吸引，一如漫遊 David Carson 拼貼而成的意識流場景；麥卡倫的六大標柱，從百年傳承的釀酒智慧到麥卡倫莊園，在此被重新拆解並串連為動態時間軸，引導觀者參與一場關於橡木、潤桶與陳年的演化歷程。

琥珀色燈束切入瓶型輪廓，讓酒液的層次與情緒感受浮現眼前；而鏡面牆體則轉化為反射與凝視的界面，邀請每個人將自我置入麥卡倫敘事中，成為風味旅程的一部分。「這些空間其實都不是直白翻譯 David Carson 的設計，」顏伯駿說，「它們是把 David Carson 那種打破線性、重組敘事的感覺變成立體的，每一站都是一種推進！」他特別提及場內大量出現的紅色光影與陰影重疊：「紅色不只是裝飾，它其實像是一種引導，讓你走進麥卡倫情緒的內裡。」

與經典重新相遇

顏伯駿說：「麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》是一個開放的命題，而不是一個被定義的結論。

你可以從工藝進入，也可以從感覺進入；從歷史進入，也可以從視覺進入。品牌若能容納多重入口，代表它願意承擔多重解釋。」對他而言，成熟的品牌不怕被讀錯，它只怕失去被閱讀的慾望 —— 而這一次，麥卡倫選擇以全新的方式，重新開啟這場深層對話。

誠如顏伯駿所說，「當觀看被重新訓練，品牌不必提高音量，只需要說對語言。」在展場尾聲，麥卡倫以一連串能「被參與」的設計細節，打開更多與經典重新連結的方式。

於展場來一杯層次豐富、尾韻帶有甜味的雙雪莉桶純飲，或選擇清爽果香的Highball，週末你可以點上由「2025亞洲最佳酒吧」The Public House 與 Maltail打造、以經典麥卡倫雪莉桶風味為靈感的限定特調；玩一場藏有互動攝影驚喜的盲盒遊戲；寄出一封寫滿真摯話語的明信片；現場購買麥卡倫經典酒款，還能享受質感緞帶包裝的儀式感，讓這些互動與走逛片刻，與麥卡倫威士忌一樣，在記憶中慢慢熟成。

基隆美術館2025年度大展《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》，由藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」擔綱策展人，邀集台灣、日本、泰國、英國及法國等10位藝術家，透過經典舊作與全新委託創作交織共28組創作，試圖回應當代最為迫切的提問：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？

我們所見，真源自我們所選嗎？

在社群媒體演算法驅動下，我們以為自己在選擇觀看，但事實上，我們所見有時並非源自所盼。如今，觀看已是表演、身分再造的一部分，更是個體與群體的角力場。策展人法咪咪表示，展名「WE ARE ME」指向集體與個體的共生與矛盾：在數位影像分享時代，「自我」的樣貌逐漸在群體的凝視中成為「我們」；副標「我（們）到此一遊」則回應大眾文化中「到此即表態」、「觀看即表演」的社群奇觀。

這場展覽就是對上述現象的回應，探索著在影像泛濫、人人都能自稱創作者的時代，藝術被觀看的各式嶄新可能；同時剖析「我」與「我們」的界線，是如何被生成、被消解。再回望展名暗藏的巧思：當「WE」置於鏡面，反射出的既是「ME」，亦是無數被轉譯的身份，暗示著觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。

從兒童純真視角切入主題

首度於台灣美術館機構展出的英國當代藝術家瑞安·甘德（Ryan Gander），是威尼斯雙年展、卡塞爾文件展、雪梨雙年展等國際大展常客。他擅長以幽默視角轉譯日常物件，此次帶來裝置作品《同理心是一種超能力嗎？》，將稚真問句 “Is empathy a superpower?” 印於巨型黑色氣球，並置放於展場通道，迫使觀眾直面這道純真提問。

泰國藝術家納溫·努通（Nawin Nuthong）以融合神話、兒童文化與政治隱喻見長，此次為展覽及基隆城打造新作《4−6位紙鈔上的孩子》，以台灣千元鈔票的隱藏人物為切口，結合基隆在地廟宇觀察，於作品中交織遊戲、童趣與批判性。

科技如何影響人類的情感和行為？

曾獲威尼斯雙年展銀獅獎殊榮的重量級藝術家卡蜜兒·安侯（Camille Henrot），攜成名作《極度疲憊》首度來台展出。這件被視為後網路藝術（Post-Internet Art）始祖的作品，以電腦桌面為舞台，重組網路素材、美國博物館及研究機構組織「史密森學會」典藏，揭示資訊過載如何影響我們的感知與學習知識的方式。

同樣回應科技社會與人類情感行為的關聯，台灣藝術家鄭先喻作品《這可能是你》揭露演算法下的身份幻象，作品不斷輸出演算法生成的個資檔案，擾動個人隱私與真實身分的邊界；日本藝術家山內祥太（Shota Yamauchi）的新作《Being… Us?》，則透過AI光影生成後人類幻影，挑戰對「生命」的既有定義。

日本藝術家YANG02則進一步探索科技時代的社會與倫理議題，他曾透過《永久的暫時性》一作，運用無價值判斷的自動導引車（AGV）將隱蔽幕後的佈展過程公開，藉此反思便利性背後的資本機制。此次則帶來新作《慢速迷你4DW——逃離現代價值觀》，將原先的高速競賽改造成「慢速競賽」，使觀眾體驗「放慢」蘊藏的價值，挑戰現代社會對效率的迷思。

深入感知，將記憶與時間具象化

台灣藝術家陳怡潔以轉化動漫人物的色彩聞名，新作《連合島漫遊》將觀眾最具情感連結的動漫角色，轉化為多格抽象圓盤，呈現網路世代共享記憶的軌跡。

陳松志的《無題-KEE》則讓觀者走在鋪滿銀色亮粉的地毯上——當足跡化為記憶殘留，時間即隨著身體的移動被具象化。

聶永真設計主視覺！以「觀眾凝視白牆」暗喻觀看的多種解讀

本展由聶永真操刀的主視覺設計也值得一看！畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——究竟注視的是藝術，還是透過藝術映射出的自己？展覽也由此發展出一組明信片套卡，觀眾可於展覽中取閱、蒐集；離開展場後，這些明信片將成為展覽的物理延伸，承載著關於「我（們）到此一遊」的某種見證。

《We Are Me－我（們）到此一遊》

展期｜2025.10.30－2026.02.01

開放時間｜週二至週日 9:00－17:00，週一固定休館，國定假日除外

展覽地點｜基隆美術館1樓、M樓（基隆市中正區信一路181號）

參展藝術家｜陳怡潔、陳松志、鄭先喻、瑞安．甘德（Ryan Gander）、卡蜜兒．安侯（Camille Henrot）、謝佑承、納溫．努通、山內翔太（Shota Yamauchi）、yang02（依英文姓氏字母順序）