林懷民與雲門近五萬觀眾壯闊場景!紐約時報全版報導「在台灣,一個舞團的薪火相傳」

雲門舞集在國家兩廳院藝文廣場演出「林懷民舞作精選」

見證一個傳奇時代的完美句點!即將在2020年退休的雲門舞集創辦人林懷民,退休前夕選擇在台北兩廳院廣場舉辦最後一場退休前戶外公演,在大師魅力號召下,即便正處盛夏時間,當天依舊聚集近5萬人齊共享盛舉,為的就是不願錯過大師戶外謝幕大作,而紐約時報(New York Times)亦報導當天盛況,並描述林懷民如何將雲門帶入民眾中,在舞蹈中融入台灣自己的文化。

 

紐約時報在7月31日以全版刊登該報舞評家羅思蓮蘇卡絲(Roslyn Sulcas)1500字的長文「在台灣,一個舞團的薪火相傳」(In Taiwan, a Troupe Passes the Torch)報導林懷民最後一次領導的雲門戶外公演以及舞團的傳承,也大幅刊登四張照片:兩廳院廣場萬千觀眾席地而坐,中場休息集體律動的壯觀場面,林懷民與鄭宗龍的合照,以及「白水」的雙人舞。

 

早在1979年雲門首度赴美演出8週41場,紐約時報就曾全版介紹,其後多次大篇幅推介舞團。2015年以「躍動在世界舞台的台灣」為題的文章蔓延兩頁,其中佔據半版的池上田間演出「稻禾」的壯麗照片,轟動一時。

 

蘇卡絲是應國立台北藝術大學舞蹈系之邀來台學術演講,講課之餘密集採訪。她探訪了淡水雲門劇場,鄭宗龍童年生活的艋舺和龍山寺,與數萬觀眾同在兩廳院廣場席地而坐,觀賞雲門演出,也和萬千觀眾在中場休息時一起律動。

 

蘇卡絲細數台灣民眾與雲門多年累積的強大緊密的連結。她描述演出當日,正午的閃電與雷雨都無法阻止廣場上那些強悍靈魂的等候。「他們在等什麼?不是搖滾盛會,不是足球大賽,讓人意外地,他們在為一場當代舞蹈的表演佔好位子。在台灣,雲門舞集幾乎是當代舞蹈的同意詞⋯林懷民在台灣文化生活中舉足輕重,跟電影明星或流行歌手一樣有名,充滿魅力,異常年輕⋯這是他領導舞團46年後,退休前最後戶外演出。」到了七點半,廣場已經聚集了近五萬人。林懷民走上台時,觀眾熱情鼓掌,尖叫,拉出表達愛意的紅布條,演出的最後,他們亮起手機搖晃,創造了一片燈海。一位坐在舞台附近的觀眾告訴她:「我的父母帶我來,現在我帶我的小孩來。有許多的人都和我一樣。」。

 

北藝大舞蹈系主任林亞婷說,1973年林懷民創辦雲門時,華人社會尚無專業的當代舞團。蘇卡絲引用林懷民的話,說他對自己和他這一代人對台灣歷史和傳統的忽略感到沮喪,決心要去瞭解他的國家。林懷民說「我讀我們的詩,花時間泡在博物館,去看傳統戲曲。我覺得雲門需要和我們自己的國家有所連接。」蘇卡絲認為,這樣的連結也許是雲門在台灣成功的秘密。

 

衛武營文化中心藝術總監簡文彬表示,當時台灣社會對舞蹈沒有認識,「雲門和林懷民從打地基開始,為台灣創造了三代嚮往文化的觀眾,也間接促成後來三個國表藝中心的陸續興建。」;蘇卡絲表示,林懷民融合東西方文化的優雅風格與舞台景觀之美,在七十年代晚期開始海外巡演後,就迅速建立了雲門的國際聲譽。出席戶外公演的文化部藝術發展司司長張惠君,接受採訪時表示:「林懷民是台灣表演藝術的名片⋯他把我們和世界連結在一起。」

 

紐約下一波藝術節前任總監喬瑟夫梅立洛從1995年的「九歌」後,多次邀請雲門訪演。他回覆蘇卡絲的提問時表示:「林懷民編舞風格與結構的成熟度,亞洲舞壇無出其右。」他又說,林懷民是絕佳良師,培植了一整代的編舞家。

 

面對這些讚譽,林懷民很謙虛。他說自己「只是雲門的看守者,不必是舞團的共同體。」鑑於現代舞團常因創辦人離世就垮了,而「鄭宗龍已經可以接受挑戰」林懷民決定2020年交棒鄭宗龍。

 

蘇卡絲觀察到43歲的鄭宗龍與林懷民之間身體風格與創作靈感的差異。林懷民是出身文學的知識份子,鄭宗龍的父母經營拖鞋廠,從小學舞。少年時代因吸安進警察局,也曾開過大卡車。鄭宗龍的作品來自於他個人歷史,如作品《十三聲》便是源於他童年在街頭的回憶。但對於舞團的核心主題卻是相同的,鄭宗龍說,他的核心重點是讓舞團與社會繼續保持連結:「開創新的未來,並不意味著要拋棄過去。」。蘇卡絲說,七月的戶外演出的主題是延續,不是改變。演出的終結,林懷民對自己的退休輕描淡寫,對廣場滿滿的觀眾宣示:「雲門舞集會繼續前進。」他說:「明年七月再見!」

 

via 雲門

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史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡

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史上規模最大的David Hockney登陸巴黎路易威登藝術基金會(Fondation Louis Vuitton),匯聚近70年藝術生涯、超過400件作品,從加州時期以泳池為題的一系列作品,到近年以iPhone與iPad創作的數位繪畫,展現David Hockney對於創作與創新的執著不懈。

史上最大規模的David Hockney特展

這場展覽由David Hockney親自參與策劃展覽敘事與空間配置,並與他的伴侶兼工作夥伴Jean-Pierre Gonçalves de Lima共同構思。展覽除了聚焦其過去25年的創作,也同時回顧David Hockney早期的代表性作品,帶領觀眾走進他多元且持續進化的藝術世界。他表示:「《David Hockney 25》是我有史以來規模最大的展覽,連我現在正在創作的畫作也會展出,我想這一定會非常精彩。」

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
《David Hockney 25》展覽現場(圖片來源:Fondation Louis Vuitton)

持續帶來創新與驚喜的藝術旅程

自1960年代初嶄露頭角以來,David Hockney一直是英國當代藝術的重要代表。活躍藝壇至今超過六十年,他的創作生涯豐富且多產,無論媒材或技法皆持續創新,從未停下腳步。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
David Hockney(圖片來源:Fondation Louis Vuitton)

David Hockney著迷於各種風格的藝術語言,並從自身的觀察、記憶與想像中汲取靈感。《David Hockney 25》首先以1950至1970年代的重要創作揭開序幕,像是1960年代David Hockney移居美國洛杉磯,以當地明媚的陽光、泳池與自由氛圍創作出的《更大的水花》與《藝術家的肖像(泳池與兩個人像)》等作品,以及《我父親的肖像》、雙人肖像系列如《克拉克夫婦與貓》等。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)(圖片來源:David Hockney)
史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Christopher Isherwood and Don Bachardy(圖片來源:David Hockney)

1980至1990年代,David Hockney轉而描繪自然景觀,並持續挖掘風景畫的可能性。本展將呈現該時期代表作如《更大的大峽谷》等。

展覽的重點部分,則聚焦David Hockney近25年回到英國,於約克郡、諾曼第與倫敦的創作。在這段時期,他以色彩明亮、視角大膽的自然主題畫作為主,像是描繪春日山楂叢盛開的《五月的白花灌木》,以及巨幅冬景《沃特附近較大的樹》等,都展現了他對季節與光線變化的敏銳觀察。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
May Blossom on the Roman Road(圖片來源:David Hockney)

這些畫作後來也成為David Hockney數位創作的基礎。新冠疫情期間,他以iPhone與iPad捕捉春日與重生意象的景色,透過科技筆觸描繪生活的希望,持續為人們帶來充滿驚喜的作品如《220 for 2020》系列。同時,他也持續以iPad和壓克力媒材為親友繪製肖像,並以傳統畫框裝裱數位畫作,產生時空交錯的視覺效果。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Full Bloom, 27th March 2020, No. 1(圖片來源:David Hockney)

來到展覽的尾聲,則將揭曉David Hockney自2023年7月搬至倫敦後的最新作品,其創作過程深受孟克與布萊克等人啟發,畫中結合天文、歷史、地理等元素。除此之外,David Hockney更將在此帶來他最新的自畫像,為這場規模空前的回顧之旅收尾。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
After Munch: Less is Known than People Think(圖片來源:David Hockney)
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Bigger Trees near Warter or/ou Peinture sur le Motif pour le Nouvel Age Post-Photographique(圖片來源:David Hockney)

David Hockney 25

展覽日期|2025.4.9 - 2025.8.31
展覽地點|Fondation Louis Vuitton

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讓自我如幻夢般流動!Ana Karkar個展《Pipe Dream》登台:以變形女體,挑戰對情色和親密的既定想像

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像

台北藝廊TAO ART與巴黎瑪戈畫廊(Galerie Marguo)攜手合作,推出法裔美籍藝術家安娜・卡卡(Ana Karkar)在台灣的首度個展《Pipe Dream》。女體和女性意識,幾乎從未缺席卡卡的繪畫作品中,她們總以彷彿在「變形」中的姿態面世,情緒張力飽滿,洋溢持續蛻變、解放與創造的生命力,帶觀者墜入鴉片幻覺般的夢境,穿越現實與幻想的邊界。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)
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(圖片提供:TAO ART)

狂想般的視覺語言,包裹對「自我」的見解

東西方神話、實驗電影、克林姆等維也納分離派畫家……滋養著卡卡的創作養分,引領她發展出近似「狂想」的視覺語言。她用極具流動性的筆觸描繪女體、勾勒女性意識,像是種反叛,挑戰人們對情色與親密的既定想像;也是份宣言——自我沒有固定的形式、沒有清晰的邊界,而是如花般層層綻放,在關係中不斷展開、變形與再生。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)

在卡卡的藝術宇宙裡,身體是承載慾望、私密記憶與心靈轉化的容器,神聖又脆弱,蘊含著人類存在的神秘想像。她透過畫作揭開一場深層的心靈召喚,引領觀者在幻象與現實之間,重新凝視身體與存在的關係,想像蛻變的可能。

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(圖片提供:TAO ART)

《Pipe Dream》探索女性形態與意識的流動

此次個展《Pipe Dream》展出的最新作品,持續探索女性形態與意識的流動性。如〈Emergence畫中濃綠與青藍色調,喚起水與生命誕生的意象,與火的元素形成對比,象徵重生與轉化的力量。畫中的赤裸女體形象,神秘而無法被定義;她內心彷彿燃燒著渴望,只為蛻變成那最真實、最自由的自己。

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(圖片提供:TAO ART)

另一邊,〈Scales畫中女人的臉龐被飄逸頭髮所環繞,形態如火焰、煙霧或盤旋的蛇,白與紫的色彩對比空靈而神秘,營造近乎神話般的場景。

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(圖片提供:TAO ART)

藝術風格受維也納分離派、實驗電影啟發

卡卡的創作深受維也納分離派的影響,也受到地下電影與實驗電影的啟發。她筆下的裸體畫作中,糾纏扭曲的身體構成一場如死亡之舞般的景象,強烈筆觸令人聯想到埃貢·席勒(Egon Schiele);激情而自由的氛圍、裝飾性與感官性兼具的視覺語彙,則呼應了克林姆(Gustav Klimt)的《吻》。畫中的敘事風格靈感來自多位導演,從寺山修司、布萊恩·狄帕瑪(Brian De Palma)到達利歐·阿基多(Dario Argento),以及眾多當代攝影師與她私人收藏的情慾圖像。

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(圖片提供:TAO ART)

不論是技術上的探索還是角色的奔放張狂,都讓卡卡的繪畫像是一種「解放性的表達行動」,延續了舊金山迷幻藝術對維也納分離派的再詮釋。這樣鮮明的個人風格,根植於卡卡的生活背景,她出生並成長於舊金山,從舊金山藝術學院、巴黎索邦大學、巴黎國立高等美術學院畢業後,曾進入Louis Vuitton總部工作,於影像製作和數位媒體部門任職7年,現定居於巴黎。舊金山與巴黎的人文風貌、科班出身及工作經歷,皆深深影響她的創作。

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(圖片提供:TAO ART)

在畫中創造「心裡空間」

瑪戈畫廊共同創辦人Vanessa Guo認為,「卡卡畫的不是單純的身體,而是一種不斷變化的狀態——她的每一幅畫都像是一場關於慾望、轉變,還有被看見時那種既興奮又不安的夢。她用一種流動的女性視角,創造了一個心理空間,在那裡,身體不再是固定的,而是不斷變化、彼此交織,充滿了慾望、神話和記憶的張力。」

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)

Ana Karkar台灣首展《Pipe Dream

展期|2025.05.0707.12

開放時間|週二至週六 11:0019:00

地點|TAO ART(台北市內湖區洲子街79-18樓)