臺灣服裝設計展演！1980年代對傳統反動、啟蒙台灣時尚的美學思潮

觀察國際服裝設計史，不同國家出現的時裝革命運動， 常見到令人驚奇的美學觀點產生， 有人在復興及傳承精緻時裝工藝（Craftmanship），有人挑戰保守時裝美學觀（Anti-Fashion），有人則訴求解放身體自主權（Physical Autonomy）。

在西方，不論美術史或時裝史，每個經典輝煌年代，皆會出現不同時代的「-ism」，某某主義。比方觀念藝術的起源「達達主義」（Dadaism），時裝史上80年代的「自我主義」（me-ism），都對後世造成革命性深遠影響。

但你是否好奇，台灣的服裝設計，是從什麼時候開始的？究竟是從什麼時候開始，在什麼樣的背景，我們開始意識到我們的穿著需要設計，裝飾需求大幅增加？要回答這個問題，我們必須稍微把時間拉回到80年代。

對傳統的反動

80年代，是冷戰的第三階段，當時的人們對於國際敵對氛圍的厭煩達到極致，但這樣衝突的氛圍反而造就了時裝史上最離經叛道的經典盛世，許多劃時代顛覆性作品都是在80年代出現，服裝也是設計師們傳播自己的內心思想的表現。

第一把火點燃於英國的薇薇安‧魏斯伍德（Vivienne Westwood），1981年3月，薇薇安‧魏斯伍德（Vivien Westwood），發表了生平第一場catwalk show「海盜」（Pirate），她將70年代崛起的龐克元素搬上神聖不可侵犯的伸展台，這位非正統服裝科班出身的設計師，在英國引起正反兩極大論戰，衛道人士攻擊她的作品鄙俗、不入流、難登大雅之堂，甚至有人批評她永遠進不了美術館及博物館。

緊接著第二把大火， 則發生在1981年4月的巴黎洲際酒店。同樣非服裝科班出身，自學服裝設計的川久保玲（Rei Kawakubo）和科班出身的山本耀司（Yohji Yamamoto）在當時聯手丟出了一顆時尚原子彈。

兩位當時在歐洲默默無名的日本服裝設計師，在強調女性曲線美為取悅男性而存在的歐洲保守時尚界審美觀，以大量黑色服裝為主色系亮相，代表喪服的黑色、當時被歐洲視為大禁忌。其中川久保玲在服裝上的不對稱、曲面狀出現一堆大小不一的破洞，看在保守人士眼裡，完全無美感可言，這靈感來自日本傳統美學裡不規則及缺陷文化，但招致歐洲保守衛道人士批判為「乞丐裝」，媒體也將其戲稱為「廣島美學」（Hiroshima Chic），諷刺衣服上的許多大洞，看起來就像廣島原子彈爆炸的災難現場，更在秀上被觀眾批評滾回日本。

受到川久保玲與山本耀司的啟發，1987年，比利時皇家藝術學院（Royal Academy of Fine Arts）的校長琳達‧洛帕（Linda Loppa）帶領安特衛普六君子（The Antwerp Six），來到倫敦時裝週，因而點燃第3把大火。由於缺乏經費只能租借破卡車，以簡陋燈光，搭起粗糙的伸展台，但其前衛的設計卻造成時尚界瘋狂，之後開始在90年代崛起歐洲。爾後加入之校友馬丁‧馬吉拉（MartinMargiela）更在日後成為世代領頭羊，反時尚的風格，加上不接受媒體採訪，是時尚界絕無僅有且最難捉摸頭號人物。

誰也沒想到，80年代，接續三波獨立設計師的反時尚浪潮，對於日後的時裝界帶來巨大影響。這些設計師，企圖抵抗過度精緻與傳統思維的美感。在保守的時代提出反動，除了需要勇氣，也需要深厚的美學與服裝工藝基礎。

他們認為，唯有透過堅實的美感與技術，才能經由服裝提出反傳統的時裝美學新觀點。而從社會學的角度來看，出身中產階級的設計師敢於挑戰時裝產業現狀，某種程度也意謂上層的精英時尚（elitist fashion）逐漸衰退。

80年代重要服裝設計師的共同點就是透過時裝的語彙將「批判與諷刺」轉化為個人的美學觀。或許傳統派覺得反骨刺眼，但換個角度來看，它們的作品就是對於系統體制與固有美學的挑戰。

日本服裝設計圈的團結

為了建立二次大戰後的日本時裝產業運作，1985年7月，當年48歲的三宅一生邀請44歲的川久保玲、42歲的山本寬齋（Kansai Yamamoto）、60歲的森英惠、43歲的山本耀司，與52歲的松田光弘（Mitsuhiro Matsuda），6人成立了東京時裝設計師協會（Council of Fashion Designers ,Tokyo；簡稱CFD Tokyo），這也是影響日本時裝史的重要事件。六位平均年齡四十八歲的服裝設計師，為了撐起日本時裝產業，不吝分享經驗，日本服裝設計師為產業堆砌起的團結與使命感，值得臺灣學習。

而70~80年代，獨立服裝設計師的崛起，以及日本時裝界的團結，就是直接影響臺灣第一代獨立時裝設計師興起的時空環境背景。

文章未完，點選下方頁次繼續閱讀

1 2 3

文｜莊國琳

SHAO YEN前共同創辦人，曾擔任旅英設計師陳劭彥經紀人。

時尚專欄作家，長年觀察並書寫藝術與時尚界的產業發展脈動。

盧淑芬 × 莊國琳｜穿上時代的樣子，台灣服裝設計的過去與未來

時間：2021/11/14 (日) 14:00-15:30

票價：免費Zoom線上講座

報名：  https://bit.ly/3myh3KZ

CHANEL 2026 秋冬系列由 Matthieu Blazy 延續與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」意象出發，重新拆解經典套裝、低腰輪廓與斜紋軟呢，並透過 Lurex 金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾工藝，在務實與幻想之間重新思考香奈兒式自由。

CHANEL仍在變動之中？

繼3月於巴黎大皇宮首度亮相，CHANEL 2026秋冬系列近日上市，也讓人得以近距離觀看 Matthieu Blazy 如何處理這個百年時裝屋最熟悉的設計語彙。從重新調整比例的斜紋軟呢套裝、1920年代低腰輪廓，到Lurex金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾交織出的材質變化，許多在伸展台上首先以輪廓留下印象的造型，近看更能發現藏在結構與工藝中的細節。

這也是 Matthieu Blazy 加入 CHANEL 後的第二個高級成衣系列，本季延續他與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」的比喻展開：一端是貼近日常生活的務實與安定，一端則是屬於夜晚的輕盈與幻想。兩種看似相反的狀態，共同構成他眼中的CHANEL。

未完待續的「施工現場」

回到今年3月的巴黎大秀，巴黎大皇宮（Grand Palais）內架起巨型起重機，紅、黃、藍色結構懸於空間之中，映照著帶有虹彩光澤的伸展台，彷彿是仍在施工、等待下一步發生的現場。這份「未完成感」也呼應 Matthieu Blazy 進入 CHANEL 後的工作方式。

斜紋軟呢套裝、山茶花、鍊帶、菱格紋等，CHANEL 擁有一套幾乎不需標誌就能被辨認的視覺語言。Matthieu 這一季沒有迴避這些經典，而是從輪廓、材質與比例著手，逐一檢視它們放在今天還能如何發展，即使已有百年歷史，CHANEL 依然是一棟持續施工的建築。

由白晝緩緩走入夜晚

Gabrielle Chanel 曾將時尚比作白日裡的毛毛蟲與夜晚旋舞的蝴蝶：「我既要有沉穩落地的裙擺，也要有隨風飛揚的裙角。」Matthieu 則曾用「悖論」形容 CHANEL。在他眼中，CHANEL可以務實，也可以充滿幻想；可以理性，同時保有誘惑力。看似相反的性格，其實從 Gabrielle Chanel 的年代便已存在。她從男裝與勞動者服飾汲取靈感，讓女性時裝擁有更符合生活的機能，另一方面也深知珠寶、晚裝與精緻工藝如何改變一個人的姿態。

2026秋冬系列將這兩面放在同條時間軸上，前段造型較為沉穩，隨著系列推進，質地愈來愈輕，色彩與光澤逐漸浮現，服裝也由白晝慢慢走進夜晚。

腰線下移　打破拘謹

備受矚目的，也包括 CHANEL 經典套裝中，熟悉的比例開始移動。Matthieu 讓造型從1920、1930年代流轉至1950、1960年代，再回到當下。大幅下移的腰線，腰帶落至臀部甚至更低的位置，上半身因此被刻意拉長，讓人想起1920年代盛行的 drop-waist 低腰洋裝。

從針織、長版上衣，到裙裝與套裝，低腰線搭配鬆弛剪裁後，也改變了傳統 CHANEL 套裝較端正的身體輪廓。斜紋軟呢圈圈紗被做成工裝襯衫，壓實處理的斜紋軟呢化為帶有男性氣息的布勞森外套，羅紋針織及1920年代風格的真絲針織更軟化原有結構。

探索材質　工藝賦予輕盈

本季除了經典斜紋軟呢，也加入合成纖維、Lurex 金銀絲、矽膠與天然薄紗。不同纖維彼此混合，使人熟悉的 tweed 表面出現透明、虹彩與閃爍效果，有些乍看仍保留傳統斜紋軟呢的紋理，靠近後才發現材質構成已經完全不同。這種「眼睛以為看到的材質，觸摸後卻是另一回事」的趣味性，也是 Matthieu 作品中相當迷人的部分。

CHANEL 同時為系列研發新的珠飾工藝，使細密珠飾加入針織套裝後，仍能保持輕盈與活動性。看似繁複、帶有重量的服裝，實際穿上身卻能自由移動；工藝的存在不只是增加華麗程度，也改變衣服與身體之間的關係。

包款迎來全新進化

後半場便逐漸進入蝴蝶的世界，大衣與禮服開始出現如絲緞般流動的虹彩，長度由及膝延伸至曳地；剪裁保持簡潔，表面卻隨著光線與身體動作產生細微變化。華麗並沒有帶來厚重感，長裙和外套反而隨步伐自然擺動。

「蝴蝶」存在於衣服的重量、動態與光澤中——人開始移動，蝴蝶才真正出現。包款則留下更多 Gabrielle Chanel 的個人記憶，米色麂皮口蓋包上的菱格紋，可追溯至她巴黎寓所中的沙發；系列另有鎖扣包，以及覆上虹彩琺瑯光澤的石榴晚宴包。歷史細節從室內家具、個人生活與品牌檔案被取出，再換成新的尺度與材質。

百年前，Gabrielle Chanel 曾從當時女性衣櫥以外的世界尋找材料與靈感；到了 Matthieu Blazy 手中，品牌自身歷史成為一座可以再次進入的素材庫。因此，巴黎秀場那幾座仍在工作的起重機，揭示CHANEL還沒有「完成」，最新版本仍在建造之中。

愛馬仕高雄漢神專門店迎來全新面貌，1996年進駐高雄至今，30年後由巴黎建築事務所RDAI重新操刀，以高雄港為設計線索，將磚砌建築、潮汐、貨櫃與港灣夕照轉化為材質、動線及色彩。從橡木貨櫃樓梯到海洋藍漸變夕陽橘的地毯，一覽店內值得細看的設計巧思。

1996年設立至今，這處品牌在高雄的重要據點經歷擴建與改裝，如今橫跨1樓與地下1樓，由長年與愛馬仕合作的巴黎建築事務所RDAI操刀，以高雄港灣風貌與城市建築為線索，重新構築空間。

沒有直接搬入船舶、浪花等具象港都符號，RDAI反而從城市中抽取磚牆、貨櫃、海水與夕照等元素，轉化為材料、動線和色彩。港口意象因此不只存在於視覺裝飾，而散落在兩層空間的行走經驗中。

從磚砌立面開始，捕捉高雄城市質地

走近店鋪，首先映入眼簾的是貫穿外立面與室內牆面的磚砌元素，靈感取自高雄歷史建築「打狗英雄領事館」，磚牆並非平整排列，而藉由深淺錯落的立體表面製造層次。隨著光線與觀看角度變化，牆面留下不同陰影，也讓原本厚實的材質多了一層輕盈感。

品牌以此呼應高雄的歷史底蘊與在地材質特色，並讓傳統材料進入更當代的空間語彙。

以潮汐為想像，1樓動線自在流動

步入1樓，可見愛馬仕經典Faubourg馬賽克地磚與標誌性的ex-libris藏書章圖騰，品牌熟悉的視覺線索之間，加入了來自高雄港灣的想像。絲巾與時尚珠寶首先出現在暖鏽色調之中，往內則進入皮件區，流線雕刻木質牆面勾勒出較為柔和的輪廓；珠寶與腕錶專區藏於同樣以「打狗英雄領事館」作為靈感的紋理牆面之後，以光線與尺度營造較私密的鑑賞氛圍。位於中央的香氛區則以較明亮的色彩點亮空間，整個一樓藉由材質與色調的變化自然銜接，讓行走本身成為探索空間的一部分。

貨櫃化身橡木樓梯，把港口記憶藏進建築

若說全店哪項設計最直接連結高雄港，答案或許是串聯兩層空間的橡木樓梯，這座樓梯的靈感來自港口常見的「貨櫃」。

RDAI並未原樣複製貨櫃的金屬材質與工業色彩，而是抽取其量體概念，再以溫潤橡木重新詮釋。原本屬於碼頭與物流產業的城市日常，因此轉變為一項真正承擔空間機能的建築元素。這也是此次翻新中相當有趣的一筆，讓高雄港巧妙藏進人們每天上下樓時實際經過的動線裡。

將港灣風景拆解成顏色，讓一天的光線鋪在腳下

順著樓梯來到地下1樓，空間氣氛隨之轉換。這一層以海洋藍與大地色為主調，並加入天然礦物般的表面質感。女仕成衣與鞋履從入口一側展開，男仕世界則與居家及馬術系列依序延伸。

其中最具畫面感的設計，是一張量身訂製的漸層地毯，色彩從海洋色調逐步轉為夕陽橘、繡紅色，如同高雄港從白晝進入黃昏時，水面與天空隨日光改變的色階，人在空間中行走，也像跟著一天的光線，從冷色慢慢走向暖色。而天然礦物表面、柔軟地毯與家具彼此交錯，讓地下樓層在精緻之外，仍保有較原始、自然的質地。

從海岸岩石到抽象色彩，藝術作品延續自然線索

空間裡的意象也延伸至藝術作品的選擇，店內陳列Émile Hermès收藏與愛馬仕當代攝影典藏系列作品，皆由全球藝術總監Pierre-Alexis Dumas親自挑選，其中法國攝影藝術家Aurore Bagarry以鏡頭記錄英國康瓦爾海岸長年受到海水沖蝕的岩石。岩石表面的天然紋理，恰巧與店內磚牆、礦物材質產生呼應；哥倫比亞藝術家Francisce G. Pinzón的抽象畫作《Warm Grey 2》，則藉由色彩對比，補入不同於建築材料的觀看節奏……藝術品與材料、色彩以及自然景象共同構成店內氛圍。

從港口取材，重新描繪高雄

從外牆的磚、如潮汐的動線，到源自貨櫃的橡木樓梯，以及地下樓層從海洋藍走向夕陽橘的色彩，高雄港被拆解成許多細節，散落在空間之中。RDAI將港都熟悉的風貌景色、自然與光線轉譯成另一種語言，再與愛馬仕一貫的馬賽克、木作、家具及藝術收藏並置。此外，專為高雄店打造、限量6枚的Arceau Hermès Flagship琺瑯工藝限量腕錶，以及首度在台灣亮相的高爾夫球具，也成為此次漢神店重新開幕的熱議焦點。