臺灣服裝設計展演！2010年後綻放光芒的台灣時尚設計師與策略困境

延續上篇，2003年衣蝶解放區熄燈後，臺灣時裝界便進入黑暗期，缺乏舞臺的設計師出現嚴重斷層。斷層並不是指台灣缺少服裝設計師，更精準地說，則是因為外來精品的入侵，本土設計師品牌的市場逐漸萎縮，隨著舞台變小，缺少資源與名氣的新生代設計師相對更難浮出檯面。

黃金年代的經濟榮景

回到1987年，臺灣對美國的出超金額高達164億美元，臺美貿易出現經濟上的利益衝突。美國開始要求臺灣降低關稅、開放市場、新臺幣升值等，匯率因此從1:40升值至1:25左右。在臺幣升值的過程，資金不斷流入股市及房地產，「臺灣錢淹腳目」指的便是這個時代。不少前輩設計師表示，這時代的設計師作品，在民眾愛國心氛圍及人民消費能力高的情況下，相對容易銷售，業績都很理想。

匯率波動連帶也會影響進出口，在當時對美貿易順差擴大及內在情勢的推動下，政府推動「經濟自由化政策」的重要影響，當進口關稅降低。連帶也導致臺灣開始出現國際精品的代理商。大部分的代理商主要是將臺灣視為練兵的市場，長遠的目標還是放在日後進軍中國。

到了2002年，臺灣加入WTO，國際品牌大舉攻臺，本土設計師保護傘全失。運轉多年的「解放區」，也在2003年3月熄燈，業界哀嚎聲遍野。雖然2003年臺灣文創產業條例通過，時尚產業被列為文創產業扶植項目，但政府將時尚產業歸到經濟部工業局民生化工組底下，背後的思維其實是把時尚設計歸入化工產品推廣。不同於歐洲時尚大國，將時尚產業歸在文化部底下管轄，或許有其產業運作的時空背景。面對全球化的挑戰，當代服裝設計師的挑戰比前輩設計師更高，競爭更大，機會雖多，但市場也亂。

做世界的生意 

2009年，古又文以作品《情緒雕塑》(下圖左) 在美國最大的藝術設計機構Gen Art獲得大獎，媒體大肆報導，一時之間，政府及民間似乎又重新關注國內服裝設計師的境況。而2010年，年僅28歲的陳劭彥，則因代表中央聖馬汀MA碩士班參與倫敦時裝週畢業秀 (下圖右) ，而登上倫敦時裝週官方日程，此後也正式開啟本土服裝設計師出走海外，勇闖四大時裝週的品牌模式。

除了登上倫敦時裝週，陳劭彥更為英國知名百貨Selfridges設計櫥窗，並受冰島天后碧玉邀請，量身訂製新專輯服裝。創立品牌之後，他也曾於倫敦時裝週的Fashion Scout與BFC（British  Fashion Council） 發表新作，並曾以數位展示（Digital Presentation）的形式，入選倫敦時裝週官方日程名單（On Schedule），為臺灣本土品牌第一人。

當時，同在倫敦求學的田明彬、詹朴、黃薇等人也同時在倫敦投入品牌的經營，日後亦至巴黎時裝週參加showroom及trade商展，四位不同風格，皆不滿30歲的青年設計師，接連在倫敦時裝週會內與會外展發表作品。

這一波本土服裝設計師出走海外自創品牌的模式，重點在於他們完全是獨自報名，並學習國際時尚產業商業操作，由於沒有先例可循，他們的勇敢探索，也建立了日後新銳勇闖四大時裝週的浪潮。

2010年後的第一波海外設計開墾，除了陳劭彥之外，還有黃薇、田明彬與詹朴。黃薇的作品因女神卡卡連續穿兩天在國際時尚與娛樂媒體曝光後開始走紅，作品也因此賣進全球知名指標買手店Dover Street Market。2018年更入選倫敦時裝週官方日程Catwalk Show。田明彬曾與陳劭彥一樣，入選Fashion Scout的Ones to Watch；旅英多年，連續14季踏上倫敦時裝週發表新作的詹朴，則在市場上另闢途徑。除了在蘇州與重慶設立獨立店面，積累零售市場經驗，更積極嘗試不同領域的跨界合作，透過不斷迸發的創意與話題，積蓄品牌能量。

之後，江奕勳及周裕穎，亦在混戰中殺出重圍，以個人品牌入選巴黎及紐約時裝週官方名單。他們兩人更以接地氣的在地風格，發表新作。例如江奕勳將過往被視為俗艷之台客元素為素材，帶點批判味道，顛覆主流價值。周裕穎透過多元跨界，董陽孜、史博館常玉作品、故宮聯名系列，以反時尚叛逆設計風格呈現，並結合周杰倫、神棍樂團音樂、光彩繡莊刺繡工藝。臺灣嘻哈歌手等，挑戰國際，這兩位設計師說明一事，愈在地、愈國際，外國人覺得愈新奇，愈容易被看見，反而走出另條路。

有策略的進擊 

四大時裝週官方日程的門檻極高，換個角度想，台灣開始有意識地進行本土的服裝設計，至今約莫40年左右的時間，但我們已有多位國內外年輕設計師，成功挑戰了世界頂級時尚舞台，實屬不易。只是因國際市場競爭實在太過激烈，在缺乏集團奧援及大筆資金作為後盾的狀況下，只得辛苦撐住；有些設計師因經營不善，進而退出市場，也有些則是厭倦時尚產業的失速步調，選擇轉換跑道。

在這樣艱困的環境下，有些設計師先選擇在區域型時裝週練兵，甚至循著夏姿模式，把生產端及商業模式運作好，再往國際發展；有些設計師則完全不走時裝週體系。另外有些前輩設計師，在臺灣已有很好的市場根基，若欲進軍國際市場，其實只要在國外找到對的人幫忙，並找到具時尚背景的投資方，非常有機會讓品牌升級。

2018年，文化部正式接手時尚產業，並推出臺北時裝週，想要產業能夠健康發展，也需要有才華、有熱情的新血投入。未來或許也可效法倫敦及紐約時裝週，由業界專家評估，邀請國內大學時裝設計科系的畢業秀，列入臺北時裝週官方日程，有助學生提前了解時裝產業的運作生態。

另一方面，隨著政府陸續端出大型時尚旗艦活動，時尚產業未來看似一片榮景，但許多活動只能以標案進行，因而吸引許多非產業單位投入競標。「熱鬧的活動」與「專業型活動」是兩個不同的概念，過程更有極大差異。

正因為缺乏專業中介組織把關，政府只能靠標案執行，而這也是臺灣文創產業，目前無法有效發展的重要病因。政府若能儘速成立由時裝設計師主導之半官方中介組織，將有助活動主辦單位的專業與執行成果，更具產業思維並符合業界期待。

臺灣的時尚產業是否能夠提昇，仍充滿許多不確定因素。畢竟十年磨一劍，而政府政策會只是曇花一現的熱情，又或是脫胎換骨的大補藥，仍待時間檢驗。但一連串的時尚產業改革政策，的確讓業界出現前所未見的新氣息，且讓人期待看見新的希望。

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文｜莊國琳

SHAO YEN前共同創辦人，曾擔任旅英設計師陳劭彥經紀人。

時尚專欄作家，長年觀察並書寫藝術與時尚界的產業發展脈動。

盧淑芬 × 莊國琳｜穿上時代的樣子，台灣服裝設計的過去與未來

時間：2021/11/14 (日) 14:00-15:30

票價：免費Zoom線上講座

報名：  https://bit.ly/3myh3KZ

更多詳盡內容皆在La Vie出版《衣人‧事典：臺灣服裝設計展演》

彷彿一塊正慢慢融化的薄荷冰磚，MVRDV為珠寶品牌Tiffany & Co.設計的北京旗艦店，為三里屯街區添了份浪漫而靈動的氣息。建築立面如流水般延展的玻璃帷幕，不僅在色彩上直觀呼應Tiffany & Co.標誌性的「蒂芬妮藍（Tiffany Blue）」，也透過線條與造型，向傳奇珠寶設計師Elsa Peretti設計的「Bone Cuff」手鐲致敬。

回顧MVRDV X Tiffany & Co.特色店鋪

2025年底開幕的北京三里屯旗艦店，是Tiffany & Co.五度與荷蘭建築事務所MVRDV共創之作，過去雙方曾攜手打造品牌位於中國、新加坡、德國等地的店鋪建築。在上海前灘太古里，門店立面由6,988顆手工打造的「玻璃鑽石」構築，璀璨奪目，呼應Tiffany & Co.引以為傲的鑽石珠寶；在新加坡樟宜機場，店鋪被珊瑚造型的3D列印外牆包覆，靈感源自品牌珠寶作品中常見的植物元素。

將經典「骨頭手鐲」化為建築線條

視線轉至北京，MVRDV從Tiffany & Co.經典手鐲「Bone Cuff」汲取靈感，為品牌構思旗艦店建築。Bone Cuff誕生於1970年，出自義大利珠寶設計師Elsa Peretti之手。她受童年參觀羅馬古老地下墓穴的旅程啟發，融合對建築鬼才高第（Antoni Gaudí）作品的觀察，賦予手鐲不規則的流動線條，更特別的是，她也根據人體骨骼調整手鐲結構，使其得以完美貼合配戴者手腕線條。從創作思考到實品，此作都可謂珠寶界最具顛覆性的傳奇作品之一。

如夢似幻的「蒂芬妮藍」玻璃帷幕

MVRDV如何將手鐲線條轉化為建築元素？團隊利用一系列弧形玻璃肋狀結構，為建築搭起高達20公尺、如波浪般起伏的半透明帷幕，並善用門店位在十字路口的位置優勢，讓帷幕面向街邊處尤向外凸出，讓立面與街區在視覺上形成更活潑、有趣的互動關係。色彩則以介於藍、綠之間的「蒂芬妮藍（Tiffany Blue）」優雅色調呈現，為門店增添一抹空靈之感。

玻璃帷幕隨日光流動、觀者移動而產生的變幻視覺效果，也是MVRDV欲強調的設計巧思，對此合夥創辦人Jacob van Rijs表示：「從側面看，密集排列的層疊玻璃片會放大光影的變化，從而凸顯立面的曲線形態。當觀者靠近建築，還能從玻璃片之間隱約看見店內展示的珠寶。」透過這樣的設計，MVRDV盼能讓門店像是「如夢似幻的存在」，彷彿遊走於幻境和現實之間，在喧鬧的城市鬧區顯得格外脫俗。

精品如何將奢華化為一種能夠被細看、觸摸和停留的細節？香奈兒台北 SOGO 復興精品店以全新面貌重新開幕，這座橫跨 3 層樓、占地約 280 坪的全台最大門店，透過精心策劃的生活美學空間，演繹一場關於香奈兒風格如何被建構、被行走、被感受的展演。

➣本文選自La Vie 2026／5月號《現在還看書嗎？》，更多精彩內容請點此

走進香奈兒台北 SOGO 復興精品店，會發現 1～3 樓氛圍由開放漸轉為私密，從大氣的迎賓客廳，到 2 樓如主人與親密好友共享的溫馨餐廳，3 樓則是主人享受 me time 的靜謐臥室，就如同置身香奈兒大宅。

空間的整體設計靈感，依舊回到嘉柏麗．香奈兒位於巴黎康朋街 31 號的傳奇寓所，那是香奈兒美學的起點，也是品牌精神最重要的空間原型。品牌長期合作的建築師 Peter Marino 的設計思維，是將藝術融入建築，以黑、白、米、金等品牌經典色調為基礎，透過純粹線條、層層遞進的材質關係，以及當代藝術與設計收藏，重新建立一種專屬香奈兒的感官秩序。

重新定義優雅的移動體驗

店內設有兩座電梯，其中一座為香奈兒亞洲店鋪首座透明電梯，由於 SOGO 復興館本身具有特殊挑高結構，讓顧客在移動中依然保有視野的延展感，感知整個精品店的開闊尺度與垂直層次。另一座金色電梯則近乎一件移動中的藝術品，每層的電梯門片圖騰皆不同，皆由 Peter Marino 邀請設計師於美國量身打造後專程運抵台灣。內部由全金色特殊凹凸紋理金屬面板包覆，金屬表面的光影、手感與色澤在近距離中格外迷人，短短數 10 秒的移動，也像一段被精緻設計過的沉浸式體驗。

步入傳奇寓所般的 3 層風景

1 樓主要展示包款、配飾與腕錶高級珠寶空間，是整座精品店最直接與品牌經典符碼對話的起點，透過材質對比、比例安排與光感控制，建立一種既洗鍊又從容的迎賓氛圍。店內專屬腕錶與高級珠寶區，則讓 COCO CRUSH、N°5、J12、Première 等作品，在更靜謐的空間節奏裡發光。

Peter Marino 也特別挑選立體織紋地毯，這種地毯因為養護難度高，在一般商空中極少見，卻讓人在步行其上時感受到近乎「回到家」般的柔軟與包覆感。更耐人尋味的是，地毯的立體流蘇細節，也被視為向現任時尚總監 Matthieu Blazy 致意，令人聯想到他在設計中對斜紋軟呢織紋與材質肌理的創造性發揮，牆面與地毯之間彼此呼應，形成近似雕塑表面的立體紋理。

豐富多元的沙龍表情，工藝細節隱藏於牆面及試衣間

2 樓以藝術家 Nancy Lorenz 的金箔鏡面作品作為視覺焦點，其不規則圓形鏡面以金箔、石膏與鏡面材質構成，散發出帶有手工感的細緻光澤。Nancy Lorenz 擅長將東方工藝與當代藝術結合，抬頭可見由 Goossens 金銀工坊製作的水晶吊燈，以鍍金鏈條與水晶組成華麗但節制的光源裝置，再次提醒人們，香奈兒對工藝的重視從服裝延伸到了整體空間的每一處細節。

步上 3 樓，高級時裝空間的氛圍更顯私密，可見 Julian Lethbridge 的抽象石版畫、Frank Thiel 的建築攝影、Agnes Martin 的極簡幾何作品與 Minjung Kim 的韓紙創作，共同構成最深刻的藝術背景。它們分別從層疊、秩序、結構與材質出發，呼應香奈兒在服裝世界中對版型、比例、表面與工藝的持續探索。

家具配置也同樣講究，Aaron Poritz 的拋光青銅雕塑座椅、Thierry Leproust 的幾何造型桌、Christophe Côme 以石材、金屬與玻璃打造的訂製咖啡桌，都不只是被放進空間裡的物件，而像是將香奈兒經典語彙轉化為立體形式的媒介。尤其 Côme 的作品中可見近似珍珠裝飾的細節，更巧妙呼應品牌歷史中極具代表性的珠寶語彙。

全亞洲唯一的 CHANEL & Moi Salon

這次空間更新中極具象徵性的，還有全亞洲唯一的 CHANEL & Moi Salon，以溫暖的金色布面牆、柔和的小圓桌與沙發構成，營造出安定、放鬆且帶有親密感的氛圍，像是香奈兒將「照顧」納入空間設計的一種方式。它不再只是販售精品的場域，更是一個讓關係得以被維繫與深化的地方。

若再繼續細看，會發現牆面與更衣室的細節，掛衣桿後方牆面的立體壁紙，帶有近似雕塑般的表面起伏。部分更衣室牆面上的繃布，遠看猶如石牆或建築材質，實際上卻是布料本身；某些區域甚至直接以斜紋軟呢布料包覆牆面，將時裝材質真正帶入建築之中。更衣室門板則同樣為特別訂製後自美國直運來台，每一扇都是全台唯一、不可複製的作品，勃根地酒紅色與立體織紋般的造型，傳遞品牌一貫的色彩記憶與工藝氣質。更值得一提的是，更衣室牆面上的立體山形紋圖騰，甚至由工匠現場手繪完成，使試衣空間本身也成為一種可被閱讀的表面藝術。

香奈兒台北 SOGO 復興精品店不僅蒐羅了多件藝術與設計作品，更清晰呈現一個品牌如何透過空間，將自身的歷史、工藝與美學價值轉化為可被感知的經驗。從動線安排、材質紋理到藝術收藏與細部裝飾，這裡所建構的，是一座在城市中心被重新打開的香奈兒美學居所，讓人在行走、停留與凝視之間，讀出品牌優雅而細膩的精神世界。

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／5月號《現在還看書嗎？》

_{文｜張瑋涵　圖片提供｜CHANEL}