作為台灣藝術盛事，由臺北市立美術館（北美館）主辦，第12屆2020台北雙年展於2020年11月21日至2021年3月14日舉行。本屆台北雙年展以《你我不住在同一星球上》（You and I don’t Live on the Same Planet）為題，由布魯諾拉圖（Bruno Latour）與馬汀圭納（Martin Guinard）共同策展、並由林怡華擔任公眾計畫策展人。

策展團隊將「政治協商的合縱連橫」（political and diplomatic tactics）導入當今充滿不同觀點的環境議題討論之中。主題《你我不住在同一星球上》正是來自於拉圖和圭納提出的假設，企圖以星球的角度審視人們價值之間的差異及其所帶來的影響，並對當前持續緊張的地緣政治局勢和日益惡化的生態危機提出詰問，「全世界的人們不再對『生活在地球上的意義』有共識。當一連串衝突一觸即發，我們目睹了人們立場的分歧：似乎已放棄地球的人、試圖使環境變得更宜居的人，以及那些宇宙觀與全球化發展相斥的人等。」

兩位策展人希望就此理念脈絡觸發「外交新碰撞」（new diplomatic encounters）。「『外交』（diplomacy）指的是碰到某個衝突情境的前後所採取的整套技能、程序和思考習慣。外交碰撞的特點在於，並沒有任一仲裁者、裁判或法官可以高坐衝突情境之上，決定在某個議題上誰對誰錯。正因為不存在這樣的裁奪者，外交談判才顯得必要。我們希望在展覽的虛構空間中製造大量的衝擊，模擬真實世界人類與非人類不同的需求，從而讓參觀者為未來的挑戰預作準備。」

臺北市立美術館館長林平表示: 「在疫情重創全球之餘，我們意識到人類所能掌控的事物極其稀少，亦不再有權利去忽視世界上正在發生的事情。台北雙年展雖順利開幕，然而它不應該只被視為一個事件，而應是一個促使大眾逼視人類現實和生存處境的契機。」

將美術館視為一個星象廳

本屆台北雙年展將美術館視為一個模擬天體運動的「星象廳」，受邀的藝術家、行動者和科學家將探索不同「星球」之間的引力。每個星球都體現了不僅在外觀且在物質上都相異的世界：無視星球極限而堅持實行現代化的「全球化星球」（Planet GLOBALIZATION）；感到被全球化背叛而意圖築牆與外界隔絕的「維安星球」(Planet SECURITY)；少數特權人士想在火星定居以避開世界末日的「脫逃星球」(Planet ESCAPE)；無法負擔昂貴星際旅行轉而安身於形上學信念中、探討存有本質的「另類重力星球」 (Planet with ALTERNATIVE GRAVITY)； 以及關心氣候變遷並試圖調和經濟繁榮與星球負載之間平衡的「實地星球」（Planet TERRESTRIAL）。

序曲

墨西哥原住民藝術家費南多·帕馬（Fernando Palma）的機械獸裝置將為展覽揭開序幕，在大廳中穿梭移動，誘使觀者面對這些由電子材料與現成物所組成，在電力引動下呈現旺盛生命力的納瓦文化（Nahuas，墨西哥最大的原住民族群）塑像，體現納瓦人的傳統觀點：當體認到萬事萬物皆為具自我意識的個體，人類便能與周遭環境建立互惠共生的關係。

全球化星球

由現代化夢想塑造而成，儘管這個世界氣候變化與不平等日益加劇，仍然持續吸引著人們。踏進藝術家蜜卡羅登伯格（Mika Rottenberg）作品《宇宙生成器（AP）》就如同走入一座萬花筒：影像從地球上的一點移向另一點，來回往復。

影片一開始是在美國邊境附近的墨西哥城鎮墨西卡利的一間中國餐館裡。當女服務生掀開餐蓋，我們發現自己似乎被吸進一座隧道，經過幾處轉折，來到了中國的義烏市場。在那裡，小販攤位上擺滿人造花、花環、塑膠玩具、LED，還有林林總總的廉價製品。這些製品通常可在世界上流通無阻，當然也包括第一幕裡墨西哥的餐館，「然而人和某些產品要通過美墨邊境，可就面臨重重限制了」，策展人瑪歌諾頓（Margot Norton）提醒我們。彷彿魔法般，我們取道一條長長黑洞，從世界的一處到另一處：這條「全球化」的捷徑。

法國藝術家法蘭克列布維奇（Franck Leibovici）及法律分析師朱利安塞胡西（Julien Seroussi）的作品《穆遵古》（muzungu）探究有關國際司法的問題。他們以海牙國際刑事法院仲裁的一宗案件為研究標的，藉檔案陳列裝置展現法院從業人員的實驗方法學。本計畫特別招募導覽員作為現場中介者，引導觀眾重整證據資料、透過圖像創造出新的敘事，從而由其觀點對該案例產生新的論述。

藝術家伊山貝哈達（Hicham BERRADA）的作品「預兆」，將有毒的化學物質倒入水族箱裡，創造出這座五彩繽紛的洞室。他接著錄下這些化學物質在水中緩緩凝固的過程，再 投影至一百八十度的全景銀幕上。透過這個沉浸式體驗，我們在觀察景像的同時，也為其所包圍。 如同藝術家所言：「所謂的汙染，其實就是在特定範圍裡以過 高濃度出現的一種『純粹』產物，像是一些實驗室生成物，例如百分之九十九的純硫酸銅（所有的硫酸銅生成物至少都達到 百分之九十八的純度，通常可以近乎百分之百）。」 而全球化的問題，便是源於某種微小成分的「超適地化」 （hyper-localization）。 

美國團隊Milliøns建築工作室（澤娜・柯瑞騰 & 約翰・梅（Zeina Koreitem & John May））的全新委託創作《建築的鬼田》（The Ghost Acres of Architecture），藉由呈現20世紀最具指標性的建築之一——曼哈頓西格拉姆大廈（the Seagram Building in Manhattan）案例，探討建築如何以最具創造性的方式為環境帶來正面影響。

維安星球

「全球化星球」對那些感到被現行經濟體系背叛的人來說似乎不太具有吸引力，他們反而認為應該於「維安星球」上躲在國家的高牆後方以求自保。星球的出現源自於如唐納川普（Donald Trump）前首席策略長史蒂夫班農（Steve Bannon）這樣的人物，他們在眾多紀錄片中操縱部分群眾的恐懼，讓那些希望建立共享世界的人們之間產生分裂。尤拿斯史塔（Jonas Staal）透過系統性地剖析美國極右翼黨派的宣傳機制，回顧了班農執導的影像作品。在台灣，「維安」的概念也是一個不斷被審視和討論的熱議題。

台灣藝術家秦政德與其協作者以士林及北投的軍事和歷史背景為根據，作品《在冷戰裡生火》由台灣時期地下防空洞及防禦設施相關的各種裝置和文物排列組合而成，談論當時國家如何進行監控、維持黨國政權。

脫逃星球

探索少數特權人士的渴望，他們想要離開地球、殖民火星，或者深入地下建造碉堡以避開氣候變遷的影響。荷蘭藝術家范柯荷瑞古拉芬（Femke Herregraven）以作品《腐敗的空氣──第六幕》（Corrupted Air–Act VI）邀請我們進入一個生存主義者的地下碉堡，一個假想在發生災難時可供躲避的「安全屋」。透過追蹤有關巨災債券、人類死亡率和生態滅絕的統計數據，藝術家產出可視化數據、地景浮雕、聲音和影像，為末代人類的未來提出預言與想像。

實地星球

無止盡地在地球負載界限內尋找實現人類文明繁榮的方法。台灣中部太魯閣峽谷因地震、山崩、侵蝕、風化等地理動力格外活躍而設有地質觀測站，藝術家張永達轉化他在當地田野調查的經驗，在北美館地下室中庭陳設九支試管，作用猶如一座塑造「微觀地景」的 工廠，以裝置作品探索地球臨界區，亦即岩石、空氣和動植物相互作用，創造生命存活條件的地球表層。

由亞梅定肯內（Hamedine Kane）、史帝芬維列波特羅（Stéphane Verlet-Bottéro）及納塔莉姆什瑪（Nathalie Muchamad）與歐利（Olivia Anani）和莫奴（Lou Mo）共同創作的《變異派學校》（The School of Mutants）探討非洲大陸未來的種種表徵，聚焦非洲後獨立時代的建築和塞內加爾的政治烏托邦理想。受90年代台灣與西非一項未完成的跨國合作計畫啟發，這件作品包括文獻資料、三頻道錄像，以及由現成媒體和政治談話剪輯而成，交雜台灣和塞內加爾方言的聲音片段。

排灣族藝術家峨塞．達給伐歷（Cemelesai Takivalet）將推出委託創作《病毒系列》，描繪想像中從野生世界釋放出來的巨大病毒，視之為自然對人類侵襲與破壞環境的回應，藉此顛覆「入侵」的主客邏輯。

丹尼爾史帝曼孟加聶（Daniel Steegmann Mangrane）以不完全無限的數學符號，提示一種介於盈滿及虛空、連續 及中斷之間的交互作用，指涉過渡的狀態。作品使用的克里斯卡（Kriska）鋁製金屬簾，常見於藝術家孩提時期生活的西班牙加泰隆尼亞南部，這種鋁簾輕盈且色彩鮮明，當有人穿越簾幕時，會發出獨特的金屬碰撞聲。簾幕融入北美館建築體，同時又與其自身形構出的宏偉幾何造型形成強烈與幽微的對比。簾幕將空間分割成不同區塊，在觀眾穿越的當下產生非物質化的 空間，也誘發出此作品稍縱即逝的本質。藝術家認為，當觀眾 走出展間，這些金屬鍊狀簾幕會形成各種應力的環境。

台灣藝術家蘇郁心藉由委託創作錄像裝置《參照系》，探問數字及度量單位關係如何從田野、實驗室到資料庫的過程中被格式化，並研討圖像在臨界區（Critical Zone）田野工作中扮演的角色。

法國藝術家皮耶雨格（Pierre Huyghe）的裝置作品《深水》（Exomind (Deep Water)）呈現一個頭部被蜂窩遮蔽的女性塑像；伴隨這座雕像而進駐的「外來」生態系統，透過為其他生命傳授花粉而生長，並在這個瞬息萬變、多孔隙且環環相扣的環境中不斷自我調節。完整參與者名單請參閱附件。

藝術家武玉玲（Aruwai Kaumakan）與其創作即是體現拉圖稱之為「實地星球」（terrestrial planet）特質的例子。武玉玲曾是一名珠寶設計師，在2008年風災重創家園之後，她決定將其創作擴大至可由社區群眾共同創作的規模，編織出韌性且具社會性的織品。

另類重力星球

另類重力星球表明，如果我們同時生活在不同的星球上，則必須適應這種奇特的地緣政治模式，來感受星球間的縱橫捭闔。雋巴爾達扎（June Balthazard）與皮耶保茲（Pierre Pauze）的全新影像裝置作品《Mass（質量／彌撒）》，透過現實中兩位知名物理學家的對話，探索當代物理學有關世界物質性的辯論：空間對於部分人而言是虛空的；然對另一部分人而言虛空並不存在，空間中實則充斥著不可見物質，而它可能是連接宇宙萬物的紐帶。

藝術家陳瀅如《屠學錶》呈現的每一幅畫作皆為星象占星圖，截取亞洲歷史中五個 特別日子最初的星體排列組合：1999年的東帝汶危機、1987 年 的小金門屠殺（又稱烈嶼屠殺）、1942年的華僑肅清事件 （新加坡）、1975年紅色高棉大屠殺（柬埔寨）和1980年的光州 事件（南韓）。 藝術家將這些不幸的事件與星象排列相互連結，提問是什麼驅動著歷史的走向，而這些事件是否真的冥冥之中早已注定而無可避免？誠如藝術家所言：「這些星體排列發揮了某種力量， 無論你是否相信，僅能接受或離開。」 

雙年展將以拉圖的劇場式講座影片《顛動地球》（Moving Earths）作為結尾，探討兩種對於運動中的地球所持觀點的相似之處：伽利略大約在1610年的觀點，以及詹姆斯洛夫洛克（James Lovelock）從蓋婭假說中推衍出的當代見解：地球做為一個生命與環境相互回饋與調控的體系，會受人類行為影響而產生反應。

協商劇場

雙年展期間，將舉辦一系列回應展覽時空脈絡並從在地出發的公眾計畫，代表不同星球之間碰撞的時刻。公眾計畫則以「協商劇場」為開端，即本屆雙年展在「政治協商的合縱連橫」概念之下的實踐呈現。台灣科技與社會研究學會的學者及五所大學的學生，藉由爭議中利害關係的角色扮演及代言，如：說客、法官、非政府組織、地方政治家等，以情境模擬討論氣候變遷覺察、核廢料處理、塑化劑究責、離岸風電建置爭議以及助孕科技等台灣當下社會議題。

2020台北雙年展

地點：北美館一樓、二樓、地下室

時間：2020/11/21~2021/03/14

更多資訊可至台北雙年展官網

資料提供｜ 北美館

2025京都ACK藝術博覽會於11月14～16日登場，La Vie編輯直擊現場，從主展場國立京都國際會館，到寺廟等京都市內衛星展區，帶看本屆展出亮點與有趣的策展方式，以及藝術如何透過不同形式融入城市。

11月的日本藝術場景熱鬧的。東京藝術週（ART WEEK TOKYO）率先於11月5～9日登場，以非定點的展出形式，串聯並打開東京全城的藝術場域。緊接著京都藝術博覽會（Art Collaboration Kyoto，ACK）於11月14～16日展開，核心緊扣「合作」，兩大代表性展區：「Gallery Collaborations」規定日本藝廊須與海外藝廊組隊策展同一展位、「Kyoto Meetings」將展會呈現方式與京都文化結合，加乘藝廊與藝廊之間、京都與國際之間的交流，成為藝博會中的獨特存在。

2025年邁入第5屆的ACK，共有來自19個國家與地區的72間畫廊，其中25家為首次參展，可謂至今規模最大且國際多元性最高的一屆。講者陣容也相當豪華，包括今年在臺北市立美術館舉辦巡迴展《你的好奇旅程》的藝術家Olafur Eliasson、TeamLab創辦人猪子寿之、2025大阪世博女性館和Panasonic館建築師永山祐子等人皆親臨現場。值得注意的是，ACK自2022年獲得「保稅展覽」資格，讓國際參展單位得以免除需於銷售前課徵的10%消費稅，而今年也依舊維持此形式。

強調合作的ACK，今年首度攜手曼谷文化機構「Bangkok Kunsthalle」，推出獎助金計畫「Bangkok Collaborate Kyoto Fellowship」，最終由墨西哥藝廊「kurimanzutto」的王水（WangShui）、日本藝廊「Anomaly」的玉山拓郎獲選。兩位除了能獲得金援支持，還將前往曼谷駐村並舉辦展覽。評審團表示，評選標準是希望能尋找與Bangkok Kunsthalle和ACK理念相符的藝術家——具備實驗性、療癒，以及對文化系統的重新想像。而王水的作品結合了影像、演算程序和電影語彙，將科技與精神性以近乎儀式感的方式融合並呈現；玉山拓郎則能將經常被忽視的空間，轉化為令人意想不到的多重感官世界。

在2025年的此刻，ACK以「2050—凝視未來」（2050—Gaze Toward the Future）作為企劃主題，一方面回顧了這個世紀前1/4的歷程，也從此開始思索下一個1/4的世界樣貌。以下盤整今年展出亮點，看藝術與京都激盪出了哪些火花？

① 京都式的展場氛圍

藝博會的氛圍很大一部分由展場定調，有別於一般方正的白色間隔，ACK邀請建築師周防貴之操刀會場設計，運用原木牆拼接成一格格木製展間，各展位不規矩的位置設置，走逛其中，宛如置身於京都的迷宮巷弄間。許多展位也將作品擺放方式結合木格展間，看各藝廊怎麼和木格展間互動，也成為逛展的樂趣之一。

主展場國立京都國際會館的建築亦相當值得一看，這座於1966年開館的建築，由師從日本建築巨擘丹下健三的大谷幸夫設計，室內設計則由劍持勇操刀，可謂日本近代建築的重要作品。11月的ACK展期也正值楓葉季，在1樓展場觀展之餘，也相當推薦到2樓眺望國立京都國際會館周遭景緻，可見紅色楓葉與綠意、建築交織。

② Gallery Collaborations藝廊如何合作？

本屆「Gallery Collaborations」展區，共有29間日本畫廊與30間國際畫廊共同合作展出。其中，代理非洲藝術家的東京藝廊「space Un」，聯手奈及利雅首都阿布加藝廊「Retro Africa」，展出多位非洲藝術家作品，探討物質與身分、動態與靜止之間的關係。日本老字號畫廊「思文閣」，與在聖保羅、布魯塞爾、紐約、巴黎皆有據點的「Mendes Wood DM」合作，呈現拉丁美洲藝術家與日本戰後抽象與前衛書法的創作交流。

東京的「Taka Ishii Gallery」則攜手維也納的「Galerie Martin Janda」，呈現墨西哥藝術家Mario García Torres與斯洛伐克藝術家Roman Ondak的雙人展。其中擅長重構日常物件的Roman Ondak，其大型樓梯裝置〈Leap〉在展間相當吸睛。

東京藝廊「Mitochu Koeki Co.」和倫敦藝廊「Annely Juda Fine Art」的合作相當有趣，前者帶來4位日本女性陶藝家稲崎栄利子、波多野亜耶、服部真紀子、Aizawa Rie的作品，後者則帶來繪畫大師David Hockney於2021年以iPad創作的《20 Flowers》系列作品，呈現一場媒材迥異的展出。而David Hockney的3件作品，也各自以1,500～3,000萬日圓的高價出售。

③ Kyoto Meetings亮點藝廊聚焦

今年共有13間日本及國際藝廊參與「Kyoto Meetings」。墨西哥藝廊「kurimanzutto」帶來王水個展，展出多件以水墨與油彩在鋁板上作畫的作品，方正的畫框中，可見道道強勁而抽象的筆觸。且在預展日結束時，展位已有75%的作品售出，每件作品的成交價落在30,000～55,000美元間。

來自釜山的「Johyun Gallery」也相當值得一看，展出了李培（Lee Bae）、金澤相（Kim Taek Sang）、李光鎬（Lee Kwang-Ho）與墨西哥藝術家Bosco Sodi的作品。展間同時呈現了4位藝術家迥異的媒材特性：炭墨的焦痕、水的沉積色調、超寫實的形象、土質顏料的觸感，引人探索物質與感知的全新維度。

京都本地的「KANEGAE」則用藝術回應環境與社會問題：當鹿肉進入市場後，鹿皮與鹿骨因難以處理而被丟棄。因此KANEGAE開啟了藝術計畫，由藝術家將鹿角與鹿骨轉化為雕塑與陶藝，並從鹿皮提煉出用於繪畫的黏合劑。但他們注意到，光憑藝術無法提供實質解方，因此今年ACK，KANEGAE聯手時尚品牌「T.T」，用鹿皮製作外套與鞋子，試圖開啟新的商業可能。另外也推薦造訪KANEGAE位在大徳寺總門的藝廊，細品工藝的多重面貌。

④ 公共藝術不可錯過

會場除了各藝廊的展位，更有策展人Martin Germann、木村こころ（Kimura Kokoro）策劃的「公共計畫」（Public Program），以「共生：藝術與我們共同生活的世界」（Symbiosis: Art and Common Grounds）為題，邀請10位日本與海外藝術家，在會場內外各處展出作品。會場外可見德國－越南藝術家Phung-Tien Phan的裝置〈ersatzteile〉，將寶特瓶、燈具、收音機等日常可見的工業物件錯置組合，煙霧也不時冒出，隱喻對社會身分的真實性的質疑。

場內亦可見日本藝術家木村友紀翻玩日常物件，作品〈Des Treize〉讓透明球形機器人緩緩穿梭展間，基於數據運算的運動軌跡，會隨著機器人和環境的物理條件差異而慢慢偏離預設，呼應木村友紀長期關注的「物質與非物質存在」之間的關係。

日本藝術家遠藤利克的大型裝置〈Void–Blackening〉，將木、鐵、水泥、焦油炙燒成一顆偌大球形，延續藝術家一貫擅長轉化空間感受的紀念性雕塑脈絡，讓國立京都國際會館一角添上靜謐與神祕氣息。

⑤ 在寺廟遇見藝術

有趣的是，ACK也將展覽延伸到京都市內的寺廟、文化機構等，看藝術家們如何讓作品與空間、歷史互動，也成為到京都看展的獨特樂趣。兩足院由在紐約、洛杉磯擁有據點的藝廊「David Kordansky」，帶來日本藝術家日下翅央（Shio Kusaka）、美國藝術家Jonas Wood夫妻檔的雙人展。日下翅央的陶藝呈現了寺廟內部空間一角的景色，David Kordansky的繪畫則融入寺廟窗景，其筆觸亦呼應了日下翅央的陶藝紋理。

由「Kiang Malingue」代理的美國藝術家Carrie Yamaoka，則於曼殊院展開首次日本個展《Inside Out / Outside In》。在曼殊院這個室內禁止攝影隱密古蹟，Carrie Yamaoka的作品也靜靜隱身寺廟各處，讓旅人如解謎般探索，不斷轉換遠／近、外／內的視線欣賞作品。部分作品甚至直接暴露於自然環境中，隨著天氣、光線、時間的變化，作品將與空間、觀眾交織出不同變化，讓每一次的造訪，都是此刻僅有的體驗。

廣誠院則有倫敦藝廊「Sadie Coles HQ」舉辦的義大利藝術家Isabella Ducrot個展《Incongruous》，這也是這位1931年出生的藝術家，自1990年以來於日本的首次展覽。此次展出了《Bella Terra》與《Incongruous》2大以紙材創作的系列：前者意指「美麗之地」，透過樹木、水面、月亮3個基本元素，以自然的不斷嬗遞，隱喻生命的韻律；後者則展出於2樓，以花瓶、茶壺、桌子等家庭元素為核心。當日光從窗戶穿透紙面，作品也與窗外楓葉景致一同映入眼簾，亦巧妙回應了藝術家對自然與生命規律的叩問。

Art Collaboration Kyoto
時間：2025.11.14～16
地點：國立京都國際會館（ICC Kyoto）
＊2026年確定將於11.7～9舉辦！

_{文、攝影｜張以潔
圖片提供｜各單位}

台中勤美術館邀請台灣跨域藝術團隊 何理 WHYIXD 策展，以《Input > Unknown》為題，打造一場以「感知場域」為核心的沉浸式多感官體驗，以光影為主題，融合科技、感知與想像力，邀請觀眾穿越光影矩陣，重新看見隱藏的資訊如何於城市與日常之間流動、生成與綻放。

由日本建築大師隈研吾設計的「勤美術館 CMP INSPIRATION」於去年12月正式開幕，首展邀請日本設計師nendo團隊帶來《OUTLINES IN BETWEEN》，奠定展館「靈感能量」的創意基調；第3棒由首次登台的歐洲藝術團隊Numen/For Use，展出《Net & String Taichung》，延續對城市空間與感知的探索。今年冬季，第3棒展覽由台灣跨域藝術團隊何理 WHYIXD接手策展，回應勤美草悟長年累積的靈感脈絡，以及勤美術館「打開想像」的核心理念。

以身體與感官作為「輸入」

展覽靈感源自電腦程式語法的命令提示符「Input >」，象徵等待輸入的未知狀態。在這場展覽中，觀眾不再只是觀看者，而是以身體與感官作為「輸入」，親身參與一場關於「未知（Unknown）」的感知運算。展覽由何理 WHYIXD策展與創作，並攜手德國聲音藝術實驗室KLING KLANG KLONG、台灣視覺設計團隊HOUTH，以及藝術家莊志維，共同構築一場融合光、聲、風與數據的多感官體驗，探索數位時代的「真實感」與感官邊界。

觀者化身參與世界生成的「玩家」

在《Input > Unknown》的展覽現場，觀者是參與世界生成的「玩家」。何理 WHYIXD表示，此次展覽透過觀者的參與性互動，讓科技藝術不再只是被觀看，而是成為每個人都能親身介入的感知場域。真實不只是一種結果，而是一種持續被生成的過程。當你改變觀察的角度、重新檢視習以為常的界線，世界也會回應你以另一種樣貌。展覽共分為4個展區：啟動、運算、渲染及沙盒模式，也象徵未知世界生成的4階段。

以偏光鏡啟動未知的光影世界

展覽自1樓入口〈Hello World〉啟動，觀者能拿起本展入場通行證——現場特製「偏光鏡」，親手解碼隱藏於牆面光影之間的訊息。隨著鏡片旋轉，光的偏振方向改變，潛藏的線條與色層逐一顯現，人們彷彿化身為指令輸入者，透過手勢與視角開啟個人化的光影界面。〈Hello World〉走廊以電腦語言與互動機制設計，透過每日投票「Accept／Deny」參與展覽程式，感受思考轉化為光的瞬間。

在7公尺高「像素矩陣」行走

順著階梯走入地下一層，壯闊的〈像素力場Dynamic Field〉以流動光影迎面而來。由偏光鏡面、旋轉機構與燈光交織而成的巨大裝置，構築出可步入的7公尺高「像素矩陣」，隨著觀眾的移動與視角改變，潛藏色層與反射光譜層層顯現。靜止的結構在觀看中流動，鏡面折射出觀者與環境的互動，使「身體」成為影像生成的一部分。讓光成為媒介、感知成為動力，模糊了虛擬與真實的界線，開啟一場關於影像與自我之間的沉浸對話。

在光與聲中聆聽數據的呼吸

從視覺宇宙轉入暗黑場域，〈海境：回溯 Tender Soul of Ocean: recall〉由何理 WHYIXD攜手德國聲音實驗室KLING KLANG KLONG共創，以勤美術館戶外的氣候資料與人流數據為素材，轉譯成流動的光影與聲音。觀眾步入作品，如同進入被風與海洋訊號編織的波光之境。光線隨氣候與人群移動而閃爍，聲音在空氣中震盪，如潮汐般呼吸。觀者不再只是旁觀者，而是環境節奏的共構者。〈海境：回溯Tender Soul of Ocean: recall〉以溫柔卻深刻的方式提醒我們：氣候、聲音與人並非分離的存在，而是一場持續共鳴的動態生命場。

以眾人之手生成詩性色譜

展覽最終章〈白色彩虹Spectrum of White〉由藝術家莊志維創作，運用偏光鏡獨特的折射特性，邀請觀眾以手指觸碰、留下痕跡，親身參與作品的生成過程。隨著每位參與者的指印與動作不斷堆疊，原本純白的偏光片逐漸映現出繽紛光譜，從透明到彩色、從個體到群體，最終形成一道由人共同構築的「彩虹」。作品象徵著當代人際網絡的連結——每一個獨立行為都能匯聚成共感的意識場。這件裝置成為展覽的尾聲，也是一場凝聚的儀式：當觀眾離開，光線仍在轉動，留下的是眾人共創的光譜印記，映照著人與人之間持續流動的生命力與連結感。

勤美術館 《Input > Unknown》
展期時間｜2025.11.22（六）－2026.03.01（日），週一休館
第一階段展期 2025.11.22(六) − 2026.01.04(日) 13:00−21:00
第二階段展期 2026.01.06(二) − 2026.03.01(日) 10:00−18:00
地點｜勤美術館 CMP INSPIRATION（台中市西區館前路79號）  
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_{資料提供｜勤美術館、文字整理｜Adela Cheng}