從「Taiwan Can Help」廣告到總統就職紀念郵票和酒，聶永真又成為大眾的焦點。與此同時，他也在Instagram上大玩純創作，「我不想要就這樣子一直做商業案，當然商業的東西還是很好玩，但對我來講它不是酷的，我還是很喜歡做酷的東西。」

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每個人心中都有一個聶永真，有人心中的他，是那個操刀五月天、林宥嘉、田馥甄等大咖歌手的專輯設計，至今榮獲三屆金曲獎最佳專輯裝幀設計獎的紀錄保持人。有人認為的他，是對社會議題敢講敢罵，用設計觸及政治，沒有在怕的。

「大家看到一個有名的設計師，之前都是做很漂亮的唱片、書籍，突然之間跟政治扯上邊，對他們來講可能會有人設上的崩壞，覺得聶永真怎麼變那麼硬？對我來講，那些美的東西都是安全無害的，但那是我真正的人設嗎？不是啊，我只是把我的人設誠實地講出來而已。」在設計師聶永真之前，他是公民聶永真，只是用自己的專長向社會溝通。

抽象視覺，看你敢不敢做

設計固然是訊息的溝通，但在眾聲喧嘩的網路時代，他不僅要和業主溝通，還要面對千萬個網友。從2014年太陽花學運「Democracy at 4am」，到2020年和WHO對話的「Taiwan Can Help」《紐約時報》廣告，聶永真都不是發起者，而是被找來做設計。支持者當然很多，但說他想紅的聲浪也一直都有。「對我來講沒有非得要我不可，但對他們（發起團隊）來講也許比較方便，因為我有經驗、知道deadline，再加上之前有那樣的抗壓力，這次找一個不會怕摧殘的人來做，也是比較保險。」

他打開電腦，「Taiwan Can Help」從最初構想到最終定案，共有6個版本，全是在1天內生出來。最一開始發想的版本，他最後沒有提出給團隊選，版面上方有著暗喻危機的鯊魚鰭，下方則是白鴿，象徵台灣正發出友善的訊息。「這當然可以是經典的海報，但對當代來講，有點太古典了，這樣的圖像太自我審美、太耽溺了。」不同於商業案可以放入大量主觀美感，聶永真不把這次的案子當成作品，用更客觀的眼光看待自己的設計。

他說，設計都是跟著文案走，從和譚德賽的對話擴大到WHO層級，剛好美國也在質疑WHO對疫情的幫助，因此又扣到「Taiwan Can Help」的主軸，最明顯的就是捐贈口罩。於是他嘗試了不同形狀的口罩，從左右對比，代表WHO的人被摀住嘴巴，台灣則戴著口罩、露出眼睛表示有清晰洞見；到最後進入決選的上下對比版本，上方使用WHO標準色，下方則是〔Taiwan〕，左右拉出兩條口罩的帶子。他解釋，英文論文裡使用中括號，代表新的補充，裡面的字隔離於正文之外，以此呼應台灣雖被世界隔絕卻正在提供幫助。原本決定採用這個版本，但到最後投票，卻被「上方是洞、下方是出口」的版本翻盤。

「台灣可以支持任何東西，不是只有具象的口罩，不如我們放大來講，台灣就是一個出口、一個解方。其實文案已經夠明確了，所以在視覺上要加註其他訊息，去幫助這個文案。」他也看到很多人批評圖像不易懂，但這則廣告是以《紐約時報》讀者為TA，歐美的圖像識別養成本就和亞洲不同，例如版面上方的「洞」，那個形狀對於歐美來講就是棺木下葬的地方。「在傳遞訊息的同時，我們也在傳遞，台灣在品味跟美學是有水準的。具象當然很好做，抽象就看你敢不敢做。」

用coding探索視覺的可能

有在關注聶永真的人都會發現，近兩年他的案子銳減，因為他在2018年9月到比利時攻讀平面設計所，原本只是想離開台灣放鬆一下，很快就不安於舒適，隔年就到倫敦大學金匠學院（Goldsmiths）學習計算藝術（computational arts）。去年底他辦了退學，「我是在電腦學院裡，班上同學幾乎都不是設計背景，但我是職業設計師，我會希望作業除了技術性的展示，還要有平面設計的美感和效果，我幾乎是快要瘋掉，比我在台灣工作非常忙的狀態還要更忙。」

短暫的學習不是走馬看花，他拿起桌上的名片，「我知道它是從Illustrator做出來的，可是我馬上就會想像，我要怎麼不用滑鼠，只用編碼打字的方法，就做出這個名片？」視覺運算的新方法，讓他覺得生涯多了一點點的可能性。一般的書籍排版，1頁少說也需要2∼3分鐘，他透過coding竟讓600頁的版面在40秒完成。不過回到他賦予自己美感與技術兼併的要求，這僅是一個嘗試，因為排版還是需要設計師的肉眼，去修正視覺上的不舒服。但他無法在平面實現的有趣想法，都可以用coding表達，且相較於動態影像（motion graphics），coding的檔案更小，可以鑲嵌在網頁，並和滑鼠游標互動。

問他未來會想接到動態的案子嗎？他否決得很快，目前coding只用在自己的純創作，「形式上的酷有時候是去脈絡化的，沒辦法跟商業案設定的TA、目標和企畫連結。」但若遇到coding、動畫相關的合作，他就知道要怎麼和對方溝通。就像他設計的台灣設計研究院視覺識別，雖然僅負責平面，但他先用coding軟體寫出初始的logo的動態demo建立想像，提供客戶之後與動態團隊合作時的參考。

我還是很喜歡做酷的東西

聶永真紅得很早，翻閱他以往的採訪，不僅一次講過討厭被稱作明星設計師。「現在還好了啦，以前你說我明星設計師，我會覺得你在諷刺我，認為我只是被越炒越紅。後來是因為進了國際平面設計聯盟（AGI），我就覺得我不用理這些人了，對，我是真的明星設計師，哈哈，那不是浮的東西了。但我講的明星，不是說紅這件事情，而是作品好到可以被證明。」

有的明星會不斷重複過去的成功模式，但聶永真不是這種，害怕最後變成只做精緻商業的設計師，所以他出國留學洗三觀，花時間在Instagram上的創作。「我還是很喜歡做酷的東西，但商業沒辦法滿足我，沒有人給我錢做酷的東西。但是我必須達到心理上的平衡，也至少讓大家知道，我不是只做商業，我在另一方面有在玩自己的東西。」他用一次又一次的嘗試，告訴我們，他不只是我們心中的那個聶永真。

 

 

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aaron nieh 聶永真（@aaronnieh）分享的貼文 於 PDT 2020 年 5月 月 8 日 上午 2:54 張貼

聶永真

永真急制Workshop負責人。洛杉磯十八街藝術中心駐村藝術家；第21、25、26屆金曲獎最佳專輯設計、德國紅點、iF傳達設計獎得主；作品獲德國Hesign編集全球百間《Small Studios》、APD（Asia Pacific Design）和東京TDC（Type Director Club）收錄；國際平面設計聯盟（AGI）會員（2012）、德國紅點傳達設計獎國際評審（2013）。著有《永真急制》、《Re_沒有代表作》、《FW永真急制》、《不妥》。

https://www.instagram.com/aaronnieh

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文｜張以潔　

攝影｜蔡耀徵 

圖片提供｜永真急制、神奇研究室、中華文化總會

本文選自La Vie雜誌 2020/6月號《推測未來的設計》 

更多精彩內容請見La Vie雜誌 2020/6月號《推測未來的設計》 

當運動遇上動態影像，皆以「動」為特質的兩者理當契合自如？操刀2020東京奧運競賽圖標動態設計的日本動態設計師井口皓太，道出用動態影像呈現運動主題的挑戰——正因為運動已是動態，怎麼用動態再創新意實為考驗。

2020東京奧運，井口皓太以競賽圖標的動態設計和閉幕式的球體無人機燈光秀演出漂亮的一役。在那之後，他陸續經手了諸多運動品牌、賽事的商業設計。串連起運動和動態設計兩者的關鍵字為何？井口皓太的回答是：「兩者都在追求極致。」

以動態設計呈現身體張力

長年與NIKE合作的他，對於運動品牌的設計、概念策劃並不陌生。但在擔綱了東京奧運競賽圖標的動態設計後，再次認識到「運動」和「動態設計」兩者之間高度的契合。此外，在做奧運競賽圖標動態設計時，他翻閱大量相關參考資料，對於運動選手們在挑戰肉體極限下所展現的優美姿態留下深刻印象。也因此在近年多數的作品中，他更特別意識著如何在其中表現身體力度。

他替日本籃球協會（JBA）所設計的系列視覺作品「JBA Beyond for FIBA 2023」便是十分貼切的案例。配合著打擊樂，日本籃球國手的定格剪影在一個個節拍下加疊成逐格動畫，加上同時出現在畫面上「強大的自信」、「壓力越大越過癮/對手越強越好」等令人熱血沸騰的標語，在短短15秒的廣告內，呈現簡潔卻充滿力道的視覺效果。

井口皓太說明，在著手動態廣告之前，先進行了平面海報的拍攝。看著收到的海報草案時，他決定延續海報中捕捉動態瞬間的意圖，便以底片顯影的概念再現了選手移動的每個瞬間，營造出剎那的臨場感。而與之對比的是上方充滿躍動感的文字，時而呈現汗水的揮灑，時而詮釋高速移動下的空氣流動。文字、影像與音樂合而為一，精準傳達了運動場上的緊張與激昂情。

不被囚禁於螢幕，整個空間都是動態設計體驗

然而井口皓太也強調，從事運動廣告設計時，聚焦於競技固然重要，但也必須考量到與周邊圖像素材間的平衡。「為了不要破壞設計的視覺呈現，解讀 圖像本身既有的『時間』與『空間』維度也十分重要。」

如經手2023年底在銀座甫開幕的NIKE概念店「NIKE GINZA」整體設計時，井口皓太首先碰到的難題便是如何轉化「銀座」的古典形象。他說明，由於作為主視覺的「銀座」兩字是非常傳統的日文漢字字體，品牌方最初擔心是否難以在文字設計上賦予運動的動態要素。

面對此一挑戰，井口皓太提案將「座」一字中的「人」抽出，任其在畫面上高速奔跑、自由變形，藉此在畫面中帶入空間維度與動態力度。在這檔設計案中，他不只負責主視覺設計概念，更參與店內、車站電子螢幕的陳設規劃。他強調，作為動態設計師，重要的是必須意識到影像動畫的播放方式和地點。並不只是在影像螢幕 的框架內思考，而必須將路過的行人、停下腳步觀看的觀眾加入作品整體的一環著手構思。

在日本首間喬丹品牌旗艦店「World of Flight Tokyo Shibuya」中，正完整體現了他對於空間營造的巧思。店面入口通往商場長達25公尺的長廊內，搭設了整面的電子螢幕。慢動作運球、上籃的選手剪影帶有些許「霧裡看花」之感，但在大面積色塊的渲染與聲光效果加乘之下，一步步推漲了人們進入店面前的期待感。

井口皓太說明，美國波特蘭的品牌方希望在設計中加入日本的元素，於是他以和式紙門為核心概念，用半透明的濾鏡進行拍攝，並以燈光營造出朦朧的光影之美。

運動設計是向選手致敬的過程

運動和動態設計兩者乍看之下十分契合，但井口皓太認為正好相反。「動態設計的有趣之處在於『讓靜止的東西動起來』，也可以說是『讓看起來不會動的東西動起來』，進而從中創造驚奇與發現。但因為運動是動態的行為，人們反而會先入為主地想要捕捉其靜止的瞬間。」但他也強調，該如何突破此一固有觀念，替觀眾帶來新的體驗，正是設計師的職責所在。

問及是否有其他曾留下深刻印象的運動設計，井口皓太介紹了已故設計師野田凪2001年的「NIKE Swim Campaign」系列作品。「雖然是靜止的圖像，但透過水面折射放大了模特兒的身體呈現，這樣的詮釋方式直到現在都還深深烙印在我腦海裡。」此外，NIKE在2010年為世界盃足球賽製作的影像廣告「Write the Future」也是他會定期觀看的作品之一。他說這部影片「不論是劇情轉折、笑點、快慢適中的剪輯與音樂選用，都堪稱十分完美。」

其實井口皓太到高中為止都是一名棒球少年，他說，作為一名捕手，捕捉眼前所有動態現象的觀察能力、由靜轉動的力學知識等，都對日後的設計工作產生許多幫助。在組織設計團隊CEKAI時、從事設計總監工作時，也不時會回想起過往在球隊的團隊合作生活。

「為了追求完美表現，運動選手們將身體機能發揮到極致，這點其實與設計工作相同。為了追求美學的巔峰，設計師得去計較每一釐米、調整每一個畫格的差異，反覆碰壁之下才終於找出最佳解答。因此，我想『運動是為了什麼而存在？又是為了什麼而需要追求極致？』這個提問，也可以從設計師們身上得到解答。」他說，自己有幸從事運動相關設計，也是在時時提醒著自己必須勤奮不懈地面對自身工作，才能毫無愧疚地透過創意為選手致上敬意。

井口皓太（Kota Iguchi）

動態設計師、創意總監。1984年生，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。擔任總監的大型戶外裸視3D廣告「NIKE Air Max Day 2022」獲得高度討論與關注，亦以東京奧運競賽圖標的動態設計師而為人所知。聚焦於動態設計領域，作品獲得國內外多數獎項肯定。

^{文｜廖怡鈞
圖片提供｜井口皓太}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》

Apple為最新力作iPad Pro推出的廣告影片〈Crush!〉，在歐美世界引發巨大爭議，許多知名演員、導演、作家等藝文界人士轉發庫克（Tim Cook）推文大力批評，不少Apple的科技同業也給出負面評價；最後，Apple發出道歉聲明：「很抱歉，我們的廣告並沒有達到預期的目標。」究竟這短短一分多鐘的影片為何引戰，甚至被認為是科技吞噬創意的縮影？

史上最強也最薄的iPad誕生

讓我們把時間倒轉回5月7日。當天Apple在倫敦近年最火紅的地標——巴特西發電站（Battersea Power Station），舉辦了創立以來第一場英國發表會，會上最大焦點非iPad Pro莫屬，它除了有超薄的5.1mm機身，更搭載全新M4晶片讓創作者能與AI高效協作。新品引人讚嘆的同時，Apple同天發布的新廣告〈Crush!｜iPad Pro〉卻引爆網路社群上的噓聲。

巨大液壓機粉碎創作工具

長約一分鐘的〈Crush!〉，襯著愜意樂曲，上演一台巨大液壓機將樂器、油漆罐、老式遊戲機檯、雕塑、模特人檯、數位相機……通通壓碎的情景，等到機器再次升起時，一臺iPad Pro現身，旁白說道：「史上最強大的iPad，同時也是最薄的。」（The most powerful iPad ever is also the thinnest.）

如果看過Apple以往的廣告，會明白詼諧、幽默是其中鮮明的個性，但〈Crush!〉的寫意在許多人眼裡卻是種殘忍，彷彿宣告著人類的創意、以及成就這些創意的生產工具（如油漆、樂器等），都將被機器與科技摧毀後取代。

觀眾怎麼說？

看過這則廣告的英國知名演員休葛蘭（Hugh Grant）說：「人類經驗（human experience）的毀滅，感謝矽谷。」；曾執導Amy Winehouse傳記電影《Amy》（2015）的知名紀錄片導演Asif Kapadia，則表示自己喜歡iPad，但不懂為何有人認為這影片是個好點子，「它誠實地暗喻了科技公司對藝術家、音樂家、作家、製片人們做的事：擠壓、利用他們，卻不給合理的報酬，奪走一切然後說這一切都是由自己創造的。」

把視線望向Apple在矽谷的「盟軍」，也就是Asif Kapadia口中的科技界人士，幾位有影響力的公司高層也跳出來批評，像是Airbnb、Reddit、Dropbox等知名公司幕後資助者Y Combinator創辦人Paul Graham就寫下：「賈伯斯（Steve Jobs）絕對不會發布這支廣告。」暗諷品牌現任掌舵者。

問題出在哪？時代背景、廣告策略或Apple的身份？

在影音爆炸、甚至是氾濫的年代，社群河道上不乏科技取代人腦的惡趣味內容，為什麼〈Crush!〉觸怒那麼多人？身在人類有史以來最接近科技奇點的社會，在人工智慧（AI）有可能取代人力與人腦的文明轉捩點，〈Crush!〉在部分觀眾眼裡形成一股惡意——畫面中那台液壓機粉碎的不只工具，更是人類的創意與靈魂，而這些都將被科技機器取代；更何況發布這則廣告的是Apple，當今全世界科技界的龍頭之一。

不過，Apple為〈Crush!〉設定的廣告策略，真的含有惡的成分嗎？每則故事在每個人眼裡會看出不同寓意，而《Business Insider》資深科技與文化線記者Katie Notopoulos在一片罵聲之中，提出了有意思的觀點。她肯定觀眾對大公司廣告提出批判的閱聽意識，卻也直言：「這則廣告的目的很明顯是要炫耀新的iPad非常薄，還可以把一大堆應用程式打包在裡頭。」

看到這裡，我們不妨換個角度看〈Crush!〉——那些被液壓機粉碎的物件與工具（視覺上）確實被摧毀，但「毀滅」後卻也獲得了「新生」，並融入iPad之中，就如Katie Notopoulos所寫：「iPad不是要取代鋼琴，它是一台擁有GarageBand（音樂創作軟體）的平板電腦；也沒要取代繪畫，而是擁有平面設計App的工具。」

換句話說，iPad讓樂器、畫筆等創作工具換了個形式，被裝入一個更輕便的載體；而〈Crush!〉想表達iPad提供了有別於傳統的創作選擇，並透過科技的力量將數種工具的功能打包於超薄機身，目的是讓創作更有效率，而非消滅既有的工具。

只可惜，「這支廣告概念本身太無聊、也太淺顯。」Katie Notopoulos認為Apple這次傳達故事的手法太過「簡單暴力」，導致本意模糊，才是觸動藝文界人士神經的根本原因。另外也有網友表示，這支廣告直接得罪（offend）了iPad一大批核心用戶——這番話並不無道理，畢竟許多設計師、插畫家、藝術家、音樂人等，都以iPad作為第二（電腦以外）、甚至是主要的創作工具。

Apple這麼說

那Apple想透過〈Crush!〉傳達的訊息究竟是什麼？說來有點諷刺，我們可以從官方道歉聲明中知道：「創造力是Apple的DNA，我們設計的產品能為全世界的創作者賦能，對我們來說非常重要。我們的目標始終是讓使用者能透過各種方式表達自己，並透過iPad將想法化為現實。很抱歉，廣告並沒有達到預期的目標。」

爭議背後躁動的焦慮——我們真的會被機器取代嗎？

〈Crush!〉反射出科技與藝術、音樂、設計等創意領域的矛盾關係，甚至是機器與人類的對立，背後躁動的是人類擔心被機器替代的焦慮。近年許多爭議都是因此而起，在ChatGPT能快速整理資料、寫短文；midjourney能算出極其精緻的圖像；以及各種AI工具盛行的時代，引發各界工作模式的轉變，比如設計與藝術競賽順應時勢將AI作品納入評選，同時評估判斷人類、AI創作的標準；各領域工作者重新思考創作的意義，並試圖找尋與科技協作的方法。

未來AI會發展到何種境界，可以預見但難以斷言，〈Crush!〉爭議給了我們反思與科技之間依存關係的機會，也意外揭露了許多人仍用力擁抱人類思維的詩意、手工創作的價值，這是AI難以取代的（至少目前如此）。

最後，來看導演Reza Sixo Safai在X上分享的〈Crush!〉改編版本，他將腳本的情節順序調換，讓液壓機壓碎iPad Pro後，化為樂器、雕塑、遊戲機、顏料等創作工具；還特別把背景音樂換成Sonny & Cher在1965年發表的歌曲〈I Got You Babe〉，其中意涵不妨配著歌詞細細品味。

不抱著偏見與預設立場第一次看〈Crush!〉、看過評論家的觀點後回看，再看Reza Sixo Safai的改編版本，想必會有不同的感觸與想法。面對科技融入工作與生活，每個人有各自的操作守則，期待我們都能找到屬於自己的準則。

資料來源｜Business Insider、Variety、CNN