馮宇操刀「兩廳院」新視覺系統！ 為每位觀眾找到「觀看的理由」

從2020年2月份的TIFA藝術節開始至今，國家兩廳院在視覺表現上有許多「新」意，這樣的改版不是為了美而已，是兩廳院近年陸續推動的品牌重整工程之一，也與台灣國家級表演場館的生態變化息息相關，並邀請IF OFFICE設計師馮宇團隊，操刀兩廳院視覺系統的調整大任。沒想到，這一回的合作，讓兩廳院在發展出新品牌策略的同時，也完成了內在的自我更新，一改過去的思維與溝通模式。

讓文化成為每個人生活的一部分

長期以來，台灣的國家級表演場館極為有限，兩廳院過去發出的訴求較為單純，「只要告訴大家這裡的節目很棒」。但是當新的國家級表演場館陸續成立、營運，接下來就應該走向分眾經營，在同等級表演場館的表演都相當優質的情勢下，不該只是談節目品質優異，而是必須告訴觀眾「這些節目對於你來說，有什麼價值。」

兩廳院藝術總監劉怡汝交付給經營團隊的挑戰相當艱鉅，她認為「兩廳院的下一個階段，要做到必然性，inevitability。」也就是要讓台灣觀眾感覺到文化是生活中必要的一部份。為了回應這個挑戰，建立品牌識別，經營團隊開始整併產品線，也同步思考，每一條產品線對於場館與觀眾的意義。

藝術 是貼近生活的存在

「例如以前推TIFA，以國際節目為訴求，用『世界之窗』來包裝，告訴觀眾『這邊你可以看到最新的國際節目』，但我們現在談的是啟發，『To Inspire. For All』」兩廳院行銷組組長黃文瀚回憶品牌重整的過程，團隊將原本的11項產品線整併為五項，其中包含四大藝術節。團隊挖掘四大藝術節對觀眾的意義、與觀眾生活之間的連結，並據此作為價值主張，「TIFA台灣國際藝術節」帶來啟發；「新點子實驗場」鼓勵人們冒險；「夏日爵士派對」引導觀眾享受生活；「秋天藝術節」讓議題被看見等等。

價值主張確立 才讓設計進場改造

每個藝術節的價值主張確立後， 兩廳院團隊邀請IF OFFICE，設計師馮宇團隊操刀兩廳院視覺系統的調整大任。沒想到，這一回的合作，讓兩廳院在發展出新品牌策略的同時，也完成了內在的自我更新，一改過去的思維與溝通模式。

改造過程中 兩廳院也直面自身需求

「當我說『希望四個藝術節的logo要彼此長得像，又要有個性，還要能和兩廳院的logo一致！』這其實是很抽象又模糊的一句話，就像丟個錢幣到許願池裡面。」黃文瀚笑著回憶，馮宇團隊接獲兩廳院的要求後，在最初的聚焦會議上，不但提出超過一百頁的簡報，內含世界各地的表演場館logo範例；還將logo要求具象化，做出變動程度不同的三個版本，讓兩廳院團隊直面自己的需求。

兩廳院要確定自己的路 設計才能借力使力

A版本的四個logo有如穿上制服，一致性強烈；B版本的四個logo則是部分一致，部分有所變動，彼此有著局部變化性；C版本是四個不同的logo，個別看來都很美觀，但擺在一起卻完全不像一家人。「他就是在測試我們對於品牌策略到底有沒有真正的決心。」黃文瀚說，當模糊的需求被視覺清楚地表現出來，端到檯面上面臨抉擇，就沒有了隨興與主觀的空間。對於視覺系統該走一致性、強化圖像個性或兩者折衷之路，其間的抉擇取捨，所有參與會議的兩廳院成員都能回歸品牌策略的理路，從中做出判斷。

「對設計團隊來說，三個方案都能做，但是符合客戶的品牌策略很重要。因為兩廳院夠清楚自己要走的路，所以後續的設計細節就進行得很順利。」馮宇認為設計師的角色是輔助，是提出方案，但品牌策略的形成與抉擇，仍在於品牌方。因為真正了解產業，最終得承擔起風險者，仍是品牌，而非設計端。

「這也是馮宇令我們欣賞的一個特點，他不是用個人風格來說服我們。」黃文瀚直言，有些設計師的風格很強烈，設計物辨識度高，卻不見得能助兩廳院建立起明確的品牌調性，而馮宇團隊的設計較無個人色彩，著重以設計協助客戶解決問題，當兩廳院定義好品牌課題，就能得到適合的解方。

兩廳院也藉機審視過去的設計問題

「這個認知是很重要的學習，過去我們與設計師溝通前，沒有想清楚自己要什麼，經常只判斷美不美。」黃文瀚再以TIFA的主視覺設計為例，他透露，2018 年以前TIFA 的主視覺還不需要擔負「溝通節慶價值訴求」的任務，為了創造新鮮感，於是年年都更換嶄新的主視覺，兩廳院團隊僅需提供設計師一個抽象的概念或描述，如「TIFA的節目有如世界之窗」；最後的評判依據也往往對圖像做美感判斷，貌似省事，實際上卻減損了溝通效率，設計師的提案頻頻遭到否決，卻不知從何改起。

美得有主張、有訴求的新Logo

對於圖像的抉擇和使用， 不再只是追求新奇與美感，而是要美得有系統，扣合場館品牌策略；還要美得有主張，令人一望即能感受到訴求。黃文瀚表示，這個新的思考方式也具有某種「guide line」的效用，能讓團隊未來做任何判斷都有所本，行銷策略亦然。

新的視覺設計 也意味著行銷團隊的新考驗

過去，兩廳院的每一個節慶，乃至於每一檔節目，都由專責人員負責安排行銷宣傳，「大家都希望自己負責的節慶在視覺設計上足夠有個性，因為夠獨特才能對票房起作用。」黃文瀚透露，品牌整合的方向是逐漸簡化訊息，當然與行銷人員的期待有所牴觸，畢竟他們都背負票房壓力。但是從另一個角度來思考，正好能說服團隊的疑慮。

現在的兩廳院能集中能量 做最有力道的宣傳

「表演藝術的進入門檻本來就比較高，主打節慶的整體品牌，方便『蛋白區』的觀眾入門，進而擴大購票基本盤。節目行銷人員有基本盤支撐，可省心力時間，集中能量，做最有力道的宣傳。」他坦然地說，場館相較於表演團隊，更應該多爭取蛋白區的觀眾，「就像金馬影展那樣，節慶與場館本身就是明星，觀眾因認同價值而入場，而收穫是發現屬於自己的大師。」

文｜賴韋廷

攝影｜張國耀

圖片提供｜IF OFFICE

更多設計風格解析與精彩內容，皆在La Vie 2021/4月號《設計風格怎麼來？》 

2026年國慶主視覺設計揭曉！本次設計的雙十圖形以晶片矩陣概念構成，色彩靈感則源自國旗顏色；閃耀的晶片意象象徵臺灣持續創新、邁向未來的燦爛光芒，也代表每一個人都是國家發展不可或缺的一分子。而不論你是否喜歡今年的設計，都先跟著我們一起回顧2016～2025年國慶主視覺。

歷年國慶主視覺一次看

2026年

本次國慶主視覺設計，依慶籌會主任委員韓國瑜所訂主題延伸，以「TAIWAN．TOGETHER AS ONE」為核心精神進行創作，雙十圖形以晶片矩陣概念構成，象徵無數創新能量彼此串聯，如同晶片中的每一個運算單元，匯聚眾人力量，共同推動國家持續向前。色彩靈感源自國旗顏色，透過向中央匯聚的亮麗光影及層次變化，呈現力量凝聚與希望綻放的瞬間。閃耀的晶片意象象徵臺灣持續創新、邁向未來的燦爛光芒，也代表每一個人都是國家發展不可或缺的一分子。

2025年

國慶籌備委員會分享，今年主視覺設計主要依主任委員韓國瑜所訂主題延伸創作，由一群充滿熱情與創意的年輕設計師共同完成，融合創新元素與傳統雙十意象，展現新一世代的想像力與設計語彙，同時延續過往國慶日家家戶戶懸掛國旗、喜迎國家生日的傳統情。

主視覺整體圖像以雙十圖樣為基礎，下方中央結合主題與國旗元素，筆觸自由奔放、揮灑有力，象徵臺灣人民直率、熱情與堅韌，主色取自青天、白日、滿地紅，則象徵中華民國的榮耀與堅定；設計核心理念為「以筆為刃，刻劃歷史；以筆為翼，書寫未來」，透過濃淡變化與動態筆勢，呈現旗幟飄揚的新樣貌，也展現創造未來的力量。

2024年

國慶籌備委員會指出，113年國慶主題為「中華民國 生日快樂」，主視覺設計為雙十形狀和梅花組合，強調團結和共榮的理念，著以紅、藍2色，並特別在線條裡融合文化傳承的梅花與現代感圖形，凸顯在尊重歷史與傳統的基礎上，不斷創新與發展，追求更美好的未來。結合主題語句「A Beautiful Taiwan Today, A Better Taiwan Tomorrow」，傳遞出對臺灣土地的讚美與對未來的希望。另外，國慶籌備委員會說明，此次主視覺是由一群年輕設計師所共同創作，而他們選擇以匿名方式支持國慶活動。

2023年

2023年國慶主視覺設計，由以《八歌浪Pakelang》專輯奪下葛萊美獎最佳唱片包裝設計獎的李政瀚、于薇操刀，其以紅藍白「國旗三原色」為主，搭配代表海納百川的「海水藍」，加上廟宇的「磚牆紅」，以及傳統野台戲常見的「戲台紅」，象徵臺灣文化的深度與美學。整體色彩搭配與造型，呈現出「國旗在空中飄揚」時的反光效果與自信感，當國旗隨風飄揚時，隨著光影產生了不同深淺的色彩，象徵熱情多元、團結一致。

2023國慶主視覺出爐！葛萊美獲獎設計師李政瀚、于薇操刀，以國旗三原色展現「民主台灣 堅韌永續」

2022年

2022年國慶主視覺設計由大象設計操刀，其藉由平面構成的方式表現出立體視覺面相，多色凝聚的線段，代表臺灣人民多元的族群與來自各地的不同聲音，並在線段中隱含箭頭向內集中的意象，營造出你我同行的穿梭力道感。用色上，主視覺使用的「大地綠」與「海洋藍」，代表臺灣美麗的土地及我們所珍視的家園，「暖陽黃」與「天幕青」則表現並肩同行、無所畏懼，一起守護臺灣、捍衛民主，綻放璀璨的自由未來。

2022國慶主視覺亮相！向中心匯聚的多色線段，展現同行、前進的意象

2021年

由IF OFFICE創辦人馮宇操刀的2021國慶主視覺，以「金陽雙十」為設計核心，運用交織紐結的六條繩線做為呈現，既象徵著民主、自由、平等、人權、希望、和平6個元素，也展現出臺灣人民團結的緊密力量。色調上，馮宇以「陽光金」為主色，代表不放棄終會迎來的耀眼陽光；並以象徵熱情的「桃紅色」與自由的「明亮綠」為輔色，致敬每一位在動盪中仍努力不懈、堅守崗位的臺灣人。

2021國慶馮宇操刀主視覺！「金陽雙十」以6條繩線交織紐結搭配3種色彩設計

2020年

2020年國慶主視覺由「一件設計工作室」設計師曾國展操刀，其以「多元聲音」貫穿設計理念，象徵台灣大眾多元的聲音，都可以自由地表達，並且被聽見。色調上，主色以榮耀金和溫暖橘為主，展現臺灣這片土地民主榮耀，以及臺灣人熱情親切；輔色的湖水綠與優雅紫，則分別代表冷靜理性與沉穩高貴。

2020國慶主視覺設計！4種色彩、聲波線條設計象徵台灣多元聲音

2019年

由「O.OO工作室」設計師Pip、小肆設計的2019年國慶主視覺，特別將雙十的符號設計成如箭頭般往右上前進，象徵台灣追求進步的腳步不曾停歇，並以「大地綠搭配熱情紫」為主色調，繽紛的藍、靛、黃、橘等輔色，則意味著「就如同這片孕育我們的土地，包容多元聲音，造就無限可能。」

2019雙十國慶主視覺出爐！「台灣耀飛」大地綠搭配熱情紫、箭頭般雙十符號象徵不斷進步

2018年

由設計師葉忠宜負責的2018年國慶主視覺，以雙十字作為設計背景骨架，透過點的匯合，傳遞「台灣共好」團結意象。特別的是，葉忠宜也以電玩為發想打造動態視覺圖，他借鏡導演史蒂芬史匹柏在《一級玩家》裡所闡述「遊戲的真諦在於攜手共存，不在爭奪輸贏；在於合作分享，不在單打獨鬥」，葉忠宜將這樣的意涵，濃縮至電子般的動態logo裡，不同顏色的同心圓，象徵不同族群的集合體，一起突破當下，創造未來。

2018雙十國慶Logo主視覺曝光！透過點的匯合傳遞「台灣共好，Taiwan together」團結意象

2017年

2017年國慶主視覺由設計師鄭司維擔任藝術總監，紅、藍、綠三色編織交錯的色彩不僅看來熟悉，更滿溢濃濃「台味」，而其設計概念正源自於最能體現台灣在地精神的「茄芷袋」，盼望藉由這份交織、編織凝聚於一塊的意念，一同編織出美好台灣的想像。

2017雙十國慶主視覺台味十足！台灣在地「茄芷袋」為靈感用編織象徵團結

2016年

2016國慶大會主題為「台灣有你真好」，由設計師賴柏燁操刀，LOGO設計以繽紛華麗的顏色，象徵多元族群的人民，不同顏色緊密交疊，則象徵台灣人的和諧包容。

近年來，另一種「異界」逐漸出現在K-Pop MV中。閾限空間（liminal Space）、夢核（dreamcore）與怪核（weirdcore）等視覺美學，以熟悉而陌生的空間、失真的日常物件，構築出屬於數位世代的超現實景觀。ILLIT、aespa、ITZY MV中的異世界究竟如何被創造？專訪幕後推手Bee Park與ahryandchung，一探這股新視覺語言背後的創作思維！

➣本文選自La Vie 2026／8月號《通往異界》，更多精彩內容請點此

✯ Bee Park ✯ 設計一個超現實世界

「我並不認為現實與想像之間真的存在一條明確的界線。一直以來，我都不斷思考一件事：現實本身或許就是一場夢，而夢，也可能揭示了現實的另一個層次。」身為韓國創意工作室「KALABIKA」的創意總監，Bee Park曾參與BLACKPINK、aespa、ITZY、Hearts2Hearts等多組K-Pop團體的MV創意指導，並曾主導XG專輯《NEW DNA》的創意方向，負責其視覺世界觀，MV與線上宣傳。對她而言，現實與想像並非彼此對立，而是同一段連續經驗中的不同面向；音樂亦是如此，每一首歌都承載著人們生命中的情感、疑問與真實。

也因此，每當開始一個新計畫，Bee總會先花大量時間與唱片公司或藝人訪談，理解音樂真正想傳達的核心，再逐步建立一套屬於作品的創作邏輯。這個世界遵循著什麼樣的法則？角色為什麼會有這樣的行為？空間為什麼會呈現現在的樣貌？甚至每一件道具，又承載著什麼樣的意義？唯有當這些問題都有了答案，才會進一步發展場景、服裝、道具等視覺元素。她常把自己的創作方式比喻為電影製作，每一個空間、角色與物件，都應該訴說著同一個故事。「歸根究柢，我並不認為自己只是設計一個世界的人。我更像是在設計一套能夠讓那個世界誕生的條件。」

在aespa〈Armageddon〉MV企劃初期，唱片公司提供了「反烏托邦」（dystopia）、「宇宙恐怖」（cosmic horror）與「超人」（Übermensch）3個關鍵字。Bee說，當時自己正經歷人生中一段充滿恐懼的時期，因此，她從自身經驗出發，重新思考這些概念背後真正想探討的命題，並逐漸發展出整支MV的哲學核心：「超人，就是我自己。」她意識到，人終究必須面對的並非外在的怪物，而是自己。也因此，她與導演反覆討論，究竟什麼樣的空間與視覺方向，最能承載這套哲學。地下通道、室内游泳池等熟悉的日常場所，也在這樣的思考下，被重新詮釋為帶有反烏托邦氛圍的空間，成為角色内心世界的延伸。

而在ITZY的〈Motto〉（座右銘）MV中，飄浮的梯子、巨大的水母、堆疊的露營車、童話般的城堡等超現物件，其實共同指向同一個命題：人們如何在一次次選擇與反覆驗證中，逐漸找到屬於自己的信念。例如飄浮在空中的梯子，便象徵著人們在人生的旅程中不斷尋找平衡，而那座巨大的城堡，則是人們替自己築起的恐懼與限制。「小時候，我們總覺得世界像一座巨大的堡壘，可是當我們長大回頭再看，才發現它更像是童年時親手搭起的小帳篷。」當角色一步步跨越那些看似龐大的障礙，真正超越的，其實始終是自己。「我並不想刻意區分現實與幻想，而是希望創造一个世界，以最清晰、也最美的方式傳達出同一個訊息。」

有趣的是，當外界開始用閾限空間、夢核或怪核等詞彙來形容這些作品時，Bee卻認為，那些名稱只是作品完成後，人們用來理解它的語言，而非創作真正的起點。「我的創作永遠都從同一個問題開始：這個世界，為什麼有存在的必要？」找到答案之後，她才逐步建構出屬於作品的世界觀。至於最後人們將它稱作任何風格，對她而言其實沒有那麼重要；她更希望自己的作品，能讓人們以一種略帶陌生的視角，重新觀看自己所認為的「現實」。

Bee觀察，近年愈來愈多人被這些超現實的視覺語言吸引，背後反映的其實是人們感知現實的方式正在改變。「這些夢境與現實之間的界線、既熟悉又陌生的空間、不安與懷舊的情緒，我並不認為它們是網路文化的產物。我相信，這一直都是人之所以為人的一部分。」當生活不斷穿梭於實體與數位、記憶與演算法之間，現實本身已經比過去更加多層次，也更加複雜。因此，人們逐漸從追尋「再現現實」的影像，轉向能夠表達「現實感受」的視覺語言。在Bee看來，超現實並不是為了逃離現實，而是透過另一種觀看方式，重新理解現實，也成為這個世代表達自身經驗的一種新語言。

Bee Park
韓國創意指導、設計師，現為創意工作室 KALABIKA 創辦人暨創意總監。長期投入品牌識別、 視覺設計與創意統籌，曾參與 BLACKPINK〈GO〉、aespa、 ITZY、Hearts2Hearts、XG、 MEOVV 等團體的 MV 製作。@paak.bee

✯ ahryandchung ✯ 用物件重新發明現實

近年來，從新生代韓國女團ILLIT的〈Magnetis〉，到HYUKOH與落日飛車合作的〈YoungMan〉、Silica Gel等獨立樂團的音樂錄影帶，都能看見一種介於現實與夢境之間的視覺語言：熟悉卻陌生的空間、失真的日常物件，以及淡淡的懷舊感。身兼物件創作雙人組與美術指導，ahryandchung長期投入裝置藝術與展覽計畫，也活躍於音樂錄影帶創作，擅長透過重新組裝日常物件、改變空間秩序，讓現實世界悄悄裂開一道縫。

不過，當愈來愈多人開始用閾限空間、夢核或怪核來形容這股風潮，ahryandchung卻認為，與其說它是一股短暫的流行趨勢，倒不如說是一整個世代共同的網路記憶，正逐漸浮現為新的視覺語言。「我們正好是站在類比與數位交界的一代。」兩人回憶，小時候正值撥接網路開始普及，他們在論壇裡用ASCII Art和特殊符號表達自己，也透過早期的Flash動畫、3D圖像與虛擬遊戲世界建立自己的美感，在低解析度的畫面中，憑著直覺學會自己與畫面中央那個粗糙準星之間的關係。「當時的數位影像因為媒介本身的技術限制，自然形成了一種現實與非現實並存的獨特氛圍。那樣的感受一直留存在我們心中，也持續影響著我們今天觀看世界的方式。」

也因此，比起創造一個全新的幻想世界，ahryandchung更感興趣的，是透過輕輕扭轉日常物件與空間，讓現實與夢境、實體與數位、記憶與當下的界線慢慢變得模糊。這樣的想法，也延伸到ILLIT出道曲〈Magnetic〉的美術設計：未完成的獨角獸拼圖、逐漸變窄的走廊、改變方向的重力，以及沿著牆面奔跑的女孩們，彷彿夢境正悄悄滲入日常生活。兩人透露，整支MV的核心，其實是關於「女孩們留下的痕跡」。看似隨意散落的茶壺、方糖、火柴、玩偶、骰子、厚底鞋等物件，實際上都是她們穿梭於旅館時遺留下的線索。然而，隨著痕跡一次次被覆蓋、抹去，最終連女孩們自己也分不清哪些原本就存在、哪些是自己留下的，現實原有的秩序也隨之瓦解。

對ahryandchung而言，物件本身就承載著敘事的力量。如HYUKOH與落日飛車的合作曲〈Young Man〉中，那座貫穿整支MV的虛構樂器裝置「Synthesizer 🅉」，便是兩人創作方法最好的縮影。「我們研究了許多早期的合成器、電子樂器，以及各種揚聲器的造型。同時，我們也希望它看起來具有當代感，卻又讓人無法判斷它究竟屬於哪個年代。」為了打造這件作品，兩人經常往返二手市場、古物市集，尋找各種用途不明卻充滿魅力的零件，再重新拼組起來。原本毫無關聯的物件，最後竟像樂高積木般自然契合，成為一件既像雕塑、又像樂器的存在。

「如今，智慧型手機早已成為日常不可分割的一部分，我們似乎也自然而然地開始回想，在它們尚未進入生活之前，那個世界究竟是什麼模樣。」在ahryandchung眼裡，當所有資訊都彼此連結、隨手可搜尋、立即被驗證，那些充滿不確定性的瞬間與留白的空間反而變得更加珍貴。「直到今天，每當我們創作時，仍試著透過物件與空間，重新找回當年在網路世界裡感受到的那種心情——那份對未知的好奇與陌生感，以及現實和虛擬能夠自然交融的狀態。」

ahryandchung

由Ahry與Chung組成的韓國藝術雙人組，以拆解、組裝現成物件與各種材料為創作方法，探索物件之間偶然生成的關係。近年活躍於K-Pop MV美術指導、場景設計，並持續跨足裝置藝術與空間創作。@ahryblue、 @antcfk

文｜葉欣昀　圖片提供｜ahryandchung、KALABIKA　圖片協力｜KALABIKA