從2010年開始，每年四月舉辦的臺灣文化創意設計博覽會（簡稱臺灣文博會），總能以緊扣時代精神的命題，匯聚島嶼上的文化創意能量。在2020年因疫情暫緩一年後，今年四月，臺灣文博會將以年度主題「Supermicros數據廟－匯聚相信的力量」，帶我們重新認識這座我們身處的「從微小相信機制所匯聚的島」。微小機制如何匯聚成島？臺灣文博會葫蘆裡賣的又是什麼藥？讓總策展人林昆穎、執行單位台灣設計研究院副院長艾淑婷來說分曉！

【清楚描述自己，便是自信的開始！總策展人林昆穎】

相較於過去幾屆臺灣文博會的濃厚人文色彩，今年臺灣文博會年度主題「Supermicros數據廟－匯聚相信的力量」則結合理性「數據」與感性的「廟」，以充滿衝突感的文字組合讓人耳目一新，也更加好奇：究竟什麼是「數據廟」？

當微小的相信，匯聚成豐沛能量

「其實『數據』就是人類行為被記錄下來的痕跡；『廟』則是信仰具象的載體。」本屆臺灣文博會總策展人，也是藝術團隊豪華朗機工共同創辦人的昆穎認為，在數位時代中，每個人都是一座資料庫。「信仰其實是一個個數據匯聚起來的結果。這一個個數據可以匯聚成一股力量，就像一間廟宇有很多信眾，每個信眾祈求的不一樣，但可以匯聚成共識。」

也因此，「Supermicros數據廟－匯聚相信的力量」主張，台灣是由微小的相信機制所匯聚的島，這些「相信」以不同的行動來表現，像是疫情下眾志成城的防疫成績，便是最佳註解。「防疫這件事，其實就是每個人好好洗手、戴口罩，透過看似微不足道的舉動，達成防疫的終極目標。」

清楚描述自己，是自信的開始

微小的相信機制可以匯聚成共識，而當我們將共識形成的過程反向拆解成「數據資料庫彙整」、「主題式分析」、「達成階段性共識」、「創造形象與價值」的數據流程，更能幫助我們清楚描述自己。對於昆穎而言，「能夠清楚描述自己，就是自信的開始。」而了解自己、產生自信，更是當代台灣的當務之急。

「過去台灣的製造色彩很強，我們做事都以服務他人為主。但是當我們開始自己談品牌時，必須去討論品牌是什麼，去了解從原料、製造到行銷企劃的流程是什麼。這些東西統合起來，就是一個品牌的形象。而這整個過程要被更多人理解，我們才能好好評論、好好相信我們正在做的事。」昆穎說道。

拆解日常行為，用數據匯聚共識

也因此，今年臺灣文博會邀請所有觀眾，一同走進華山文創園區的年度精神主題館「相信律」，藉由實體動態表演和聊天機器人（Chatbot）進行虛擬問答，一起重新拆解、認識我們日常生活中的「承諾」、「評論」、「練習」、「分享」四種微小行為，調配出相信的配方，體驗這場認識自己的數據流程。

「承諾、評論、練習、分享是我們每天都會做的事，看似簡單，卻會一直累積。」昆穎解釋，「我將這四種微小行為稱為成四個『相信的瞬間』，帶領大家重新去體驗。這樣的體驗包含理性流程觀看和感性展演，理性、感性不斷對照，觀眾更可以透過聊天機器人進行互動與體驗。」

正如年度主題開宗明義地說道，台灣是一座從微小相信機制所匯聚的島。當我們以數據流程重新拆解自己的每項微小行為，正是洞見自身本質的起點。如今年臺灣文博會主視覺，以細小的點線匯聚成希望與相信的光芒，我們也相信，當每個微小相信不斷匯聚，將足以推動文化演進，而這正是屬於台灣，蘊藏於你我身上的超級力量！

Profile｜林昆穎

豪華朗機工共同創辦人，華麗邏輯有限公司創意總監。以跨域藝術家、文化導演與策展人身份，專注於當代議題論述、藝術產業與科技表演編導中，實踐社會共創的跨域呈現。

【不只防疫第一，更讓世界看見台灣設計原創力！台灣設計研究院副院長艾淑婷】

臺灣文博會分為「華山1914文創園區」、「松山文創園區」、「花博公園爭艷館」三大展區，除了華山展區的文化策展外，松山文創園區、花博公園爭艷館每年也都以設計品牌商展、IP圖像授權吸引洶湧人潮。歷屆參展品牌中更有榮獲德國iF設計獎、日本紅點設計獎的咖啡道具品牌［bi.du.haev］、展現阿美族工藝設計美感的Kamaro'an、攜手工廠老職人與新銳設計師的日常器具品牌ANTOU岸頭等，以多元豐沛的設計力，收服國內外買家的心。到了今年，2021臺灣文博會更強調商策合一，結合華山的「數據廟」、松山文創的「匯聚宮」、花博爭艷的「萬神殿」，緊緊扣合國家級文化論述力與蓬勃的文創設計產業，為島嶼的文化設計力再推一把！

商策合一！以國家級文化論述力帶動設計產業

事實上，臺灣文博會在2010年首次舉辦時，便是以大型商展平台為定位，到了2016年逐步引進概念策展，今年則強調商策合一。談及這些年的轉變，台灣設計研究院副院長艾淑婷認為，這跟台灣的產業發展大有關聯。

「台灣過去很長一段時間都沉浸在製造業的環境中，對於如何透過品牌引領生活風格相對陌生。我們希望透過臺灣文博會這樣一個在國內的國際平台，以國家論述文化的形式，為台灣開拓一條生路。」艾淑婷表示，「這幾年臺灣文博會在國際上都有很亮眼的表現，各國也看到我們的文化論述力和原創力。也因為這樣，我們更覺得要在這個時候，將文化策展與商業扣連地更緊。」

也因此，今年在三大展區將呼應年度主題「Supermicros數據廟－匯聚相信的力量」，結合消費者數據與品牌、IP圖像授權展覽。像是主辦單位將在「萬神殿」蒐集觀展期間造訪的民眾數據，分析他們喜歡怎樣的IP，最終將分析結果回饋給參展品牌，讓品牌進一步了解自己的粉絲輪廓。與此同時，華山各大館區的策展也將結合線上選品，讓體驗文化主題的觀眾，也可以接觸到更多台灣設計品牌。

市場沒有消失！後疫情時代推動情境式線上展

對於國內買家，臺灣文博會以數據蒐集，讓品牌與消費者靠得更緊；然而，對於疫情下無法來台的國際買家，我們又該如何拉近台灣品牌與他們的關係？對此，其實台灣設計研究院早有對策。「國外買家進不來，但我們可以線上交易。線上交易最簡單的模式就是直接視訊，但我們更想趁這個機會，讓本土品牌和國外買家做演說。所以我們蓋了一個Film Studio，讓本土品牌透過迷人的表演，引起買家興趣、吸引對方發問，同時也要準備好Buyer Sheet，讓國際買家清楚了解報價。」不只如此，有別於實體展覽依商品種類做功能性劃分，線上展覽則將選品分為Stay Home、Outdoor Lifestyle、Working Anywhere三大主題，希望以呼應後疫情時代的情境式策展，讓本土品牌設計更切中國際買家需求。

「其實在疫情之後，市場沒有消失，只是轉變而已。像是線上、線下交易金額改變，或是買家購入的品項改變。」多年來帶領台灣品牌進軍國際的艾淑婷如此分析，「至於『買家出不去』的情形，其實全世界都一樣，所以當台灣有這樣的國家平台，就要更努力去找出帶動交易市場的各種可能。」

不只防疫NO.1，更讓世界看到台灣文化實力

在台灣設計研究院透過線上邀請超前部署下，今年買家人數並未因疫情受到太大影響，反而以疫情為契機，讓台灣的文化設計產業，發展出數位行銷的生路。「我們過去常覺得台灣人缺乏自信，認為我們是小國，」艾淑婷說道，「但是在疫情時期，我們優秀的防疫能力，讓全世界看到台灣。我們也希望世界除了看見我們的防疫力，更透過臺灣文博會看到我們的文化、設計能力。」

正如過去臺灣文博會，試圖為台灣在製造導向的歷史脈絡上另闢蹊徑；2021臺灣文博會更化疫情危機為轉機，結合島上引以為傲的科技數據和文化論述力，為設計品牌的未來奠基，更讓世界看見不一樣的台灣軟實力！

Profile｜艾淑婷

台灣設計研究院副院長，主持學美美學計畫導入設計思考創新校園改造模式，2020獲得日本Good Design Best 100、金獎及全場大獎。此外，亦推動公共服務創新和地方及社會創新，如衛生所再設計、T22鶯歌產地復興計畫等。

文｜郭慧

攝影｜蔡耀徵　　圖片提供｜台灣設計研究院

更多設計風格解析與精彩內容，皆在La Vie 2021/4月號《設計風格怎麼來？》 

2025京都ACK藝術博覽會於11月14～16日登場，La Vie編輯直擊現場，從主展場國立京都國際會館，到寺廟等京都市內衛星展區，帶看本屆展出亮點與有趣的策展方式，以及藝術如何透過不同形式融入城市。

11月的日本藝術場景熱鬧的。東京藝術週（ART WEEK TOKYO）率先於11月5～9日登場，以非定點的展出形式，串聯並打開東京全城的藝術場域。緊接著京都藝術博覽會（Art Collaboration Kyoto，ACK）於11月14～16日展開，核心緊扣「合作」，兩大代表性展區：「Gallery Collaborations」規定日本藝廊須與海外藝廊組隊策展同一展位、「Kyoto Meetings」將展會呈現方式與京都文化結合，加乘藝廊與藝廊之間、京都與國際之間的交流，成為藝博會中的獨特存在。

2025年邁入第5屆的ACK，共有來自19個國家與地區的72間畫廊，其中25家為首次參展，可謂至今規模最大且國際多元性最高的一屆。講者陣容也相當豪華，包括今年在臺北市立美術館舉辦巡迴展《你的好奇旅程》的藝術家Olafur Eliasson、TeamLab創辦人猪子寿之、2025大阪世博女性館和Panasonic館建築師永山祐子等人皆親臨現場。值得注意的是，ACK自2022年獲得「保稅展覽」資格，讓國際參展單位得以免除需於銷售前課徵的10%消費稅，而今年也依舊維持此形式。

強調合作的ACK，今年首度攜手曼谷文化機構「Bangkok Kunsthalle」，推出獎助金計畫「Bangkok Collaborate Kyoto Fellowship」，最終由墨西哥藝廊「kurimanzutto」的王水（WangShui）、日本藝廊「Anomaly」的玉山拓郎獲選。兩位除了能獲得金援支持，還將前往曼谷駐村並舉辦展覽。評審團表示，評選標準是希望能尋找與Bangkok Kunsthalle和ACK理念相符的藝術家——具備實驗性、療癒，以及對文化系統的重新想像。而王水的作品結合了影像、演算程序和電影語彙，將科技與精神性以近乎儀式感的方式融合並呈現；玉山拓郎則能將經常被忽視的空間，轉化為令人意想不到的多重感官世界。

在2025年的此刻，ACK以「2050—凝視未來」（2050—Gaze Toward the Future）作為企劃主題，一方面回顧了這個世紀前1/4的歷程，也從此開始思索下一個1/4的世界樣貌。以下盤整今年展出亮點，看藝術與京都激盪出了哪些火花？

① 京都式的展場氛圍

藝博會的氛圍很大一部分由展場定調，有別於一般方正的白色間隔，ACK邀請建築師周防貴之操刀會場設計，運用原木牆拼接成一格格木製展間，各展位不規矩的位置設置，走逛其中，宛如置身於京都的迷宮巷弄間。許多展位也將作品擺放方式結合木格展間，看各藝廊怎麼和木格展間互動，也成為逛展的樂趣之一。

主展場國立京都國際會館的建築亦相當值得一看，這座於1966年開館的建築，由師從日本建築巨擘丹下健三的大谷幸夫設計，室內設計則由劍持勇操刀，可謂日本近代建築的重要作品。11月的ACK展期也正值楓葉季，在1樓展場觀展之餘，也相當推薦到2樓眺望國立京都國際會館周遭景緻，可見紅色楓葉與綠意、建築交織。

② Gallery Collaborations藝廊如何合作？

本屆「Gallery Collaborations」展區，共有29間日本畫廊與30間國際畫廊共同合作展出。其中，代理非洲藝術家的東京藝廊「space Un」，聯手奈及利雅首都阿布加藝廊「Retro Africa」，展出多位非洲藝術家作品，探討物質與身分、動態與靜止之間的關係。日本老字號畫廊「思文閣」，與在聖保羅、布魯塞爾、紐約、巴黎皆有據點的「Mendes Wood DM」合作，呈現拉丁美洲藝術家與日本戰後抽象與前衛書法的創作交流。

東京的「Taka Ishii Gallery」則攜手維也納的「Galerie Martin Janda」，呈現墨西哥藝術家Mario García Torres與斯洛伐克藝術家Roman Ondak的雙人展。其中擅長重構日常物件的Roman Ondak，其大型樓梯裝置〈Leap〉在展間相當吸睛。

東京藝廊「Mitochu Koeki Co.」和倫敦藝廊「Annely Juda Fine Art」的合作相當有趣，前者帶來4位日本女性陶藝家稲崎栄利子、波多野亜耶、服部真紀子、Aizawa Rie的作品，後者則帶來繪畫大師David Hockney於2021年以iPad創作的《20 Flowers》系列作品，呈現一場媒材迥異的展出。而David Hockney的3件作品，也各自以1,500～3,000萬日圓的高價出售。

③ Kyoto Meetings亮點藝廊聚焦

今年共有13間日本及國際藝廊參與「Kyoto Meetings」。墨西哥藝廊「kurimanzutto」帶來王水個展，展出多件以水墨與油彩在鋁板上作畫的作品，方正的畫框中，可見道道強勁而抽象的筆觸。且在預展日結束時，展位已有75%的作品售出，每件作品的成交價落在30,000～55,000美元間。

來自釜山的「Johyun Gallery」也相當值得一看，展出了李培（Lee Bae）、金澤相（Kim Taek Sang）、李光鎬（Lee Kwang-Ho）與墨西哥藝術家Bosco Sodi的作品。展間同時呈現了4位藝術家迥異的媒材特性：炭墨的焦痕、水的沉積色調、超寫實的形象、土質顏料的觸感，引人探索物質與感知的全新維度。

京都本地的「KANEGAE」則用藝術回應環境與社會問題：當鹿肉進入市場後，鹿皮與鹿骨因難以處理而被丟棄。因此KANEGAE開啟了藝術計畫，由藝術家將鹿角與鹿骨轉化為雕塑與陶藝，並從鹿皮提煉出用於繪畫的黏合劑。但他們注意到，光憑藝術無法提供實質解方，因此今年ACK，KANEGAE聯手時尚品牌「T.T」，用鹿皮製作外套與鞋子，試圖開啟新的商業可能。另外也推薦造訪KANEGAE位在大徳寺總門的藝廊，細品工藝的多重面貌。

④ 公共藝術不可錯過

會場除了各藝廊的展位，更有策展人Martin Germann、木村こころ（Kimura Kokoro）策劃的「公共計畫」（Public Program），以「共生：藝術與我們共同生活的世界」（Symbiosis: Art and Common Grounds）為題，邀請10位日本與海外藝術家，在會場內外各處展出作品。會場外可見德國－越南藝術家Phung-Tien Phan的裝置〈ersatzteile〉，將寶特瓶、燈具、收音機等日常可見的工業物件錯置組合，煙霧也不時冒出，隱喻對社會身分的真實性的質疑。

場內亦可見日本藝術家木村友紀翻玩日常物件，作品〈Des Treize〉讓透明球形機器人緩緩穿梭展間，基於數據運算的運動軌跡，會隨著機器人和環境的物理條件差異而慢慢偏離預設，呼應木村友紀長期關注的「物質與非物質存在」之間的關係。

日本藝術家遠藤利克的大型裝置〈Void–Blackening〉，將木、鐵、水泥、焦油炙燒成一顆偌大球形，延續藝術家一貫擅長轉化空間感受的紀念性雕塑脈絡，讓國立京都國際會館一角添上靜謐與神祕氣息。

⑤ 在寺廟遇見藝術

有趣的是，ACK也將展覽延伸到京都市內的寺廟、文化機構等，看藝術家們如何讓作品與空間、歷史互動，也成為到京都看展的獨特樂趣。兩足院由在紐約、洛杉磯擁有據點的藝廊「David Kordansky」，帶來日本藝術家日下翅央（Shio Kusaka）、美國藝術家Jonas Wood夫妻檔的雙人展。日下翅央的陶藝呈現了寺廟內部空間一角的景色，David Kordansky的繪畫則融入寺廟窗景，其筆觸亦呼應了日下翅央的陶藝紋理。

由「Kiang Malingue」代理的美國藝術家Carrie Yamaoka，則於曼殊院展開首次日本個展《Inside Out / Outside In》。在曼殊院這個室內禁止攝影隱密古蹟，Carrie Yamaoka的作品也靜靜隱身寺廟各處，讓旅人如解謎般探索，不斷轉換遠／近、外／內的視線欣賞作品。部分作品甚至直接暴露於自然環境中，隨著天氣、光線、時間的變化，作品將與空間、觀眾交織出不同變化，讓每一次的造訪，都是此刻僅有的體驗。

廣誠院則有倫敦藝廊「Sadie Coles HQ」舉辦的義大利藝術家Isabella Ducrot個展《Incongruous》，這也是這位1931年出生的藝術家，自1990年以來於日本的首次展覽。此次展出了《Bella Terra》與《Incongruous》2大以紙材創作的系列：前者意指「美麗之地」，透過樹木、水面、月亮3個基本元素，以自然的不斷嬗遞，隱喻生命的韻律；後者則展出於2樓，以花瓶、茶壺、桌子等家庭元素為核心。當日光從窗戶穿透紙面，作品也與窗外楓葉景致一同映入眼簾，亦巧妙回應了藝術家對自然與生命規律的叩問。

Art Collaboration Kyoto
時間：2025.11.14～16
地點：國立京都國際會館（ICC Kyoto）
＊2026年確定將於11.7～9舉辦！

_{文、攝影｜張以潔
圖片提供｜各單位}

台中勤美術館邀請台灣跨域藝術團隊 何理 WHYIXD 策展，以《Input > Unknown》為題，打造一場以「感知場域」為核心的沉浸式多感官體驗，以光影為主題，融合科技、感知與想像力，邀請觀眾穿越光影矩陣，重新看見隱藏的資訊如何於城市與日常之間流動、生成與綻放。

由日本建築大師隈研吾設計的「勤美術館 CMP INSPIRATION」於去年12月正式開幕，首展邀請日本設計師nendo團隊帶來《OUTLINES IN BETWEEN》，奠定展館「靈感能量」的創意基調；第3棒由首次登台的歐洲藝術團隊Numen/For Use，展出《Net & String Taichung》，延續對城市空間與感知的探索。今年冬季，第3棒展覽由台灣跨域藝術團隊何理 WHYIXD接手策展，回應勤美草悟長年累積的靈感脈絡，以及勤美術館「打開想像」的核心理念。

以身體與感官作為「輸入」

展覽靈感源自電腦程式語法的命令提示符「Input >」，象徵等待輸入的未知狀態。在這場展覽中，觀眾不再只是觀看者，而是以身體與感官作為「輸入」，親身參與一場關於「未知（Unknown）」的感知運算。展覽由何理 WHYIXD策展與創作，並攜手德國聲音藝術實驗室KLING KLANG KLONG、台灣視覺設計團隊HOUTH，以及藝術家莊志維，共同構築一場融合光、聲、風與數據的多感官體驗，探索數位時代的「真實感」與感官邊界。

觀者化身參與世界生成的「玩家」

在《Input > Unknown》的展覽現場，觀者是參與世界生成的「玩家」。何理 WHYIXD表示，此次展覽透過觀者的參與性互動，讓科技藝術不再只是被觀看，而是成為每個人都能親身介入的感知場域。真實不只是一種結果，而是一種持續被生成的過程。當你改變觀察的角度、重新檢視習以為常的界線，世界也會回應你以另一種樣貌。展覽共分為4個展區：啟動、運算、渲染及沙盒模式，也象徵未知世界生成的4階段。

以偏光鏡啟動未知的光影世界

展覽自1樓入口〈Hello World〉啟動，觀者能拿起本展入場通行證——現場特製「偏光鏡」，親手解碼隱藏於牆面光影之間的訊息。隨著鏡片旋轉，光的偏振方向改變，潛藏的線條與色層逐一顯現，人們彷彿化身為指令輸入者，透過手勢與視角開啟個人化的光影界面。〈Hello World〉走廊以電腦語言與互動機制設計，透過每日投票「Accept／Deny」參與展覽程式，感受思考轉化為光的瞬間。

在7公尺高「像素矩陣」行走

順著階梯走入地下一層，壯闊的〈像素力場Dynamic Field〉以流動光影迎面而來。由偏光鏡面、旋轉機構與燈光交織而成的巨大裝置，構築出可步入的7公尺高「像素矩陣」，隨著觀眾的移動與視角改變，潛藏色層與反射光譜層層顯現。靜止的結構在觀看中流動，鏡面折射出觀者與環境的互動，使「身體」成為影像生成的一部分。讓光成為媒介、感知成為動力，模糊了虛擬與真實的界線，開啟一場關於影像與自我之間的沉浸對話。

在光與聲中聆聽數據的呼吸

從視覺宇宙轉入暗黑場域，〈海境：回溯 Tender Soul of Ocean: recall〉由何理 WHYIXD攜手德國聲音實驗室KLING KLANG KLONG共創，以勤美術館戶外的氣候資料與人流數據為素材，轉譯成流動的光影與聲音。觀眾步入作品，如同進入被風與海洋訊號編織的波光之境。光線隨氣候與人群移動而閃爍，聲音在空氣中震盪，如潮汐般呼吸。觀者不再只是旁觀者，而是環境節奏的共構者。〈海境：回溯Tender Soul of Ocean: recall〉以溫柔卻深刻的方式提醒我們：氣候、聲音與人並非分離的存在，而是一場持續共鳴的動態生命場。

以眾人之手生成詩性色譜

展覽最終章〈白色彩虹Spectrum of White〉由藝術家莊志維創作，運用偏光鏡獨特的折射特性，邀請觀眾以手指觸碰、留下痕跡，親身參與作品的生成過程。隨著每位參與者的指印與動作不斷堆疊，原本純白的偏光片逐漸映現出繽紛光譜，從透明到彩色、從個體到群體，最終形成一道由人共同構築的「彩虹」。作品象徵著當代人際網絡的連結——每一個獨立行為都能匯聚成共感的意識場。這件裝置成為展覽的尾聲，也是一場凝聚的儀式：當觀眾離開，光線仍在轉動，留下的是眾人共創的光譜印記，映照著人與人之間持續流動的生命力與連結感。

勤美術館 《Input > Unknown》
展期時間｜2025.11.22（六）－2026.03.01（日），週一休館
第一階段展期 2025.11.22(六) − 2026.01.04(日) 13:00−21:00
第二階段展期 2026.01.06(二) − 2026.03.01(日) 10:00−18:00
地點｜勤美術館 CMP INSPIRATION（台中市西區館前路79號）  
購票請點此

_{資料提供｜勤美術館、文字整理｜Adela Cheng}