挑戰服裝的可能！大膽的材質實驗與藍染的「有」與「無」

文／邱鈺玲

以服裝設計師與藍染創作聞名的徐秋宜，在台灣的服裝設計史上是很有個性的創作者，早期她大膽嘗試各種新穎的材質，強調實驗性；而後，又開啟了對藍染的強烈興趣。不斷挖掘自我、突破極限是她的創作法則，也讓她的作品產生無限的可能。

她早期對於服裝設計的創新與探索，可說是在尋找服裝與藝術之間的共鳴。從法國返回台灣後，徐秋宜則更著重於服裝的流行元素於與實穿性。她認為要成為一個優秀的設計師，不僅要對國際議題關注，也要了解材質、技法與工藝，才能把技術應用在創作上。

偶然又命定的創作之路

許多人會因為家庭因素，在耳濡目染之下，逐漸對某件事情產生濃厚的興趣。然而徐秋宜的設計之路有點叛逆，雖然母親在桃園經營十分出名的訂製店，她卻立志從事服裝設計，在那個年代，這是一個很前衛的志向，畢竟當時沒有類似的參考模板，也沒有強調個人意志的服裝設計師，有的僅僅是按客戶需求工作的裁縫師。

徐秋宜還記得，她對於人生的計劃，彷彿是當時臺灣社會想像的極限。理工組畢業後，原先立志成為一位醫生的她，遇到了中山女高的美術老師陳素民，陳老師發現徐秋宜非常有藝術天分，為了鼓勵她多多創作，老師甚至免費擔任美術家教，邀請徐秋宜到自己家學習繪畫技巧。

就這樣，高中升大學那一年，徐秋宜決定報考美術系，在那個想讀美術系只能在師大跟文化間擇一的年代，她選擇了校風氣開放的文化大學。在那裡，她遇上了第二位改變她人生的貴人：她的先生王仁傑。

同是西畫組學生的他們，原本打算大學畢業後一起出國深造，王仁傑專攻西畫、她則繼續主攻雕塑，但這個計畫卻在王仁傑服役時改變了。徐秋宜為了打發王仁傑服役的空窗期，決定去找工作，她偶然在報紙上看到一則紡織公司的徵人啟事，內容是尋求一位同時具備英文和繪畫底子的人才。當時能夠擁有流利外語能力的人不多，要同時兼備二者的人更少，於是徐秋宜便毛遂自薦前往應徵。原來，這位紡織公司的老闆非常有遠見，早在那個代工為王的年代，就打算轉型做自己的品牌，因而需要外語人才協助。徐秋宜就這樣從無到有，慢慢在這家公司累積了紗線、布料和打版的知識，也激發了她對服裝設計的興趣。而後，在先生的法國攝影師友人介紹下，兩人決定去法國留學，徐秋宜也正式踏上了服裝設計之路。

從法國到台灣，不變的是對設計的狂熱

在法國的日子很是瘋狂，也是徐秋宜開始大量吸收設計能量的時期。她開始摸索各種異材質的可能性，從臺灣的藺草、絲瓜絡，到路邊的樹木都是她的創作靈感，甚至曾經跟先生摸黑去砍樹，只為了做出手工木屐。

對設計的執著跟狂熱，讓她一舉獲得歐洲國際年輕服裝設計師比賽金線首獎，後來更因獲獎取得參加成衣展的資格，進而有中東國家的公主相中她的設計，包下她所有的作品。原來以為在法國的日子會長長久久，但因為父親身體不適，徐秋宜決定返回臺灣。

1997年，衣蝶百貨推出訴求設計師品牌的「解放區」，有別於大眾熟悉的歐美品牌，衣蝶百貨試著透過獨立設計師的個人特色與個性，找到市場的缺口。同年，回到臺灣的徐秋宜，也推出自己的服裝品牌「ETAT D'AME」（心靈的狀態），2009年因為心境上的轉變更名為「NAIF 本真一衣」。

愛實驗的性格，領悟藍染的「有」與「無」

很多人認識徐秋宜，都是從藍染開始，即便推出藍染作品已是她自創品牌後將近10年的事，但徐秋宜確實為藍染開創了更多嶄新的樣貌。

2007年徐秋宜受臺中工藝所之邀，成為藍染種子教師，為期6個月的時間指導學員開發藍染，這是她與藍染的第一次接觸。2010年徐秋宜參加宜蘭蘭陽博物館的開館特展《手創蘭陽－宜蘭生活美學特展》後，激起了她對藍染的強烈好奇心，為了研究藍染更多元的創作可能，徐秋宜在工藝所宿舍中待了一個月，實驗不同的綁染技巧，後來，她發現藍染不只是純粹的綁染或扎染，更是「有」與「無」的排列組合，不想染到色的「無」就用玉米糊遮起來。這段經驗讓她找到全新且具有系統性的圖案構成方法，進而衍生出獨門的立裁和打版方式，減少布料的浪費。

徐秋宜的藍染作品之所以受到肯定，是因為她會藉由版型的巧思，交互運用剪接線的轉移、立裁與斜裁，突顯藍染的圖案之美。她說，自己深受斜裁之母Madeleine Vionnet 的影響，而過去的雕塑創作經驗，或許也讓她在表現立裁與藍染圖案時，創造更多的變化。

技術是設計師的工具，而不是限制

徐秋宜的品牌「NAIF本真一衣」代表了自然（Nature）、藝術（Art）、內斂（Indigo）和時尚（Fashion），在她的設計中，環保、愛好自然的理念隨處可見，這是多數人認識的她，但也不是全部的她。徐秋宜認為，身為一個創作者就是要不斷地挖掘自己的內在。於是，過往最重視心靈本質、素樸的徐秋宜，在正式入行超過20年後，也開始展現有別以往、截然不同的一面。

雖然不是科班出身，不過對於徐秋宜而言，服裝是一種應用美術，她可以靠勤奮學習後來居上，並將學習的成果融會貫通，運用在每一次承接的委外設計案。在實用需求的時刻，徐秋宜也會展現理性現實的一面，不會過分堅持。

2013年許秋宜與水越設計合作，接下「臺北市清潔隊員裝備提升設計計畫」一案，為全臺北市7000位清潔隊員重新打造制服，選用耐磨、吸濕排汗和防曬的材質製作，期望設計不僅能改善清潔隊員的工作環境與職業認同，更能藉此改變台北市的城市風景。

因為這個計畫，後來徐秋宜更接手臺北市政府員工的制服設計案。為破除過去政府部門制服給人的呆板形象，徐秋宜使用機能性布料，以及新穎、亮麗的設計跟色彩，更特別用自行發想的「矩陣」企劃單品款式，讓不同單品之間可自由搭配，公務員不必再受限於乏味的套裝，上班也能享受搭配的樂趣。

從入行開始，徐秋宜便持續嘗試新的技法與材質，她說自己很幸運，因為有小孩又有教職，常常跟年輕人相處在一起，會接觸到最新的事物，就讀實踐大學服裝設計系的女兒王子欣，也是她近年來共同創作的對象。過去，她會將先生王仁傑的畫作印在作品上，現在則換成了女兒的童趣塗鴉，和她一同征戰大小時裝秀。她為女兒灌溉豐厚的經驗，女兒也會為她開拓全新視野，像是她提到，最近跟著女兒一起學習虛擬打版建模軟體CLO3D，就讓她找到了縮減印花布料成本跟時間的方法。

「也許很多人會很難想像我去接觸機能性或是科技的東西，但對我來說，這都是同一件事。長久以來，我都不斷地接納新的媒材，未來5G或甚至是6G的時代，設計師會跟我們以前不一樣，他們要開始學習整合，才會看到各種工具的優點。」徐秋宜說：「科技是不可忽略的，服裝不是只有手作。這個時代的科技，可能百年之後也是工藝，所以我不會輕忽的。」

徐秋宜 × 王子欣｜服裝的可能，X到Z，跨時代的時裝創意與創作

時間：2021/11/14 (日) 16:30-17:30

票價：免費Zoom線上講座

報名： https://bit.ly/3q5i2og

更多詳盡內容皆在La Vie出版《衣人‧事典：臺灣服裝設計展演》 

CHANEL 2026 秋冬系列由 Matthieu Blazy 延續與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」意象出發，重新拆解經典套裝、低腰輪廓與斜紋軟呢，並透過 Lurex 金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾工藝，在務實與幻想之間重新思考香奈兒式自由。

CHANEL仍在變動之中？

繼3月於巴黎大皇宮首度亮相，CHANEL 2026秋冬系列近日上市，也讓人得以近距離觀看 Matthieu Blazy 如何處理這個百年時裝屋最熟悉的設計語彙。從重新調整比例的斜紋軟呢套裝、1920年代低腰輪廓，到Lurex金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾交織出的材質變化，許多在伸展台上首先以輪廓留下印象的造型，近看更能發現藏在結構與工藝中的細節。

這也是 Matthieu Blazy 加入 CHANEL 後的第二個高級成衣系列，本季延續他與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」的比喻展開：一端是貼近日常生活的務實與安定，一端則是屬於夜晚的輕盈與幻想。兩種看似相反的狀態，共同構成他眼中的CHANEL。

未完待續的「施工現場」

回到今年3月的巴黎大秀，巴黎大皇宮（Grand Palais）內架起巨型起重機，紅、黃、藍色結構懸於空間之中，映照著帶有虹彩光澤的伸展台，彷彿是仍在施工、等待下一步發生的現場。這份「未完成感」也呼應 Matthieu Blazy 進入 CHANEL 後的工作方式。

斜紋軟呢套裝、山茶花、鍊帶、菱格紋等，CHANEL 擁有一套幾乎不需標誌就能被辨認的視覺語言。Matthieu 這一季沒有迴避這些經典，而是從輪廓、材質與比例著手，逐一檢視它們放在今天還能如何發展，即使已有百年歷史，CHANEL 依然是一棟持續施工的建築。

由白晝緩緩走入夜晚

Gabrielle Chanel 曾將時尚比作白日裡的毛毛蟲與夜晚旋舞的蝴蝶：「我既要有沉穩落地的裙擺，也要有隨風飛揚的裙角。」Matthieu 則曾用「悖論」形容 CHANEL。在他眼中，CHANEL可以務實，也可以充滿幻想；可以理性，同時保有誘惑力。看似相反的性格，其實從 Gabrielle Chanel 的年代便已存在。她從男裝與勞動者服飾汲取靈感，讓女性時裝擁有更符合生活的機能，另一方面也深知珠寶、晚裝與精緻工藝如何改變一個人的姿態。

2026秋冬系列將這兩面放在同條時間軸上，前段造型較為沉穩，隨著系列推進，質地愈來愈輕，色彩與光澤逐漸浮現，服裝也由白晝慢慢走進夜晚。

腰線下移　打破拘謹

備受矚目的，也包括 CHANEL 經典套裝中，熟悉的比例開始移動。Matthieu 讓造型從1920、1930年代流轉至1950、1960年代，再回到當下。大幅下移的腰線，腰帶落至臀部甚至更低的位置，上半身因此被刻意拉長，讓人想起1920年代盛行的 drop-waist 低腰洋裝。

從針織、長版上衣，到裙裝與套裝，低腰線搭配鬆弛剪裁後，也改變了傳統 CHANEL 套裝較端正的身體輪廓。斜紋軟呢圈圈紗被做成工裝襯衫，壓實處理的斜紋軟呢化為帶有男性氣息的布勞森外套，羅紋針織及1920年代風格的真絲針織更軟化原有結構。

探索材質　工藝賦予輕盈

本季除了經典斜紋軟呢，也加入合成纖維、Lurex 金銀絲、矽膠與天然薄紗。不同纖維彼此混合，使人熟悉的 tweed 表面出現透明、虹彩與閃爍效果，有些乍看仍保留傳統斜紋軟呢的紋理，靠近後才發現材質構成已經完全不同。這種「眼睛以為看到的材質，觸摸後卻是另一回事」的趣味性，也是 Matthieu 作品中相當迷人的部分。

CHANEL 同時為系列研發新的珠飾工藝，使細密珠飾加入針織套裝後，仍能保持輕盈與活動性。看似繁複、帶有重量的服裝，實際穿上身卻能自由移動；工藝的存在不只是增加華麗程度，也改變衣服與身體之間的關係。

包款迎來全新進化

後半場便逐漸進入蝴蝶的世界，大衣與禮服開始出現如絲緞般流動的虹彩，長度由及膝延伸至曳地；剪裁保持簡潔，表面卻隨著光線與身體動作產生細微變化。華麗並沒有帶來厚重感，長裙和外套反而隨步伐自然擺動。

「蝴蝶」存在於衣服的重量、動態與光澤中——人開始移動，蝴蝶才真正出現。包款則留下更多 Gabrielle Chanel 的個人記憶，米色麂皮口蓋包上的菱格紋，可追溯至她巴黎寓所中的沙發；系列另有鎖扣包，以及覆上虹彩琺瑯光澤的石榴晚宴包。歷史細節從室內家具、個人生活與品牌檔案被取出，再換成新的尺度與材質。

百年前，Gabrielle Chanel 曾從當時女性衣櫥以外的世界尋找材料與靈感；到了 Matthieu Blazy 手中，品牌自身歷史成為一座可以再次進入的素材庫。因此，巴黎秀場那幾座仍在工作的起重機，揭示CHANEL還沒有「完成」，最新版本仍在建造之中。

愛馬仕高雄漢神專門店迎來全新面貌，1996年進駐高雄至今，30年後由巴黎建築事務所RDAI重新操刀，以高雄港為設計線索，將磚砌建築、潮汐、貨櫃與港灣夕照轉化為材質、動線及色彩。從橡木貨櫃樓梯到海洋藍漸變夕陽橘的地毯，一覽店內值得細看的設計巧思。

1996年設立至今，這處品牌在高雄的重要據點經歷擴建與改裝，如今橫跨1樓與地下1樓，由長年與愛馬仕合作的巴黎建築事務所RDAI操刀，以高雄港灣風貌與城市建築為線索，重新構築空間。

沒有直接搬入船舶、浪花等具象港都符號，RDAI反而從城市中抽取磚牆、貨櫃、海水與夕照等元素，轉化為材料、動線和色彩。港口意象因此不只存在於視覺裝飾，而散落在兩層空間的行走經驗中。

從磚砌立面開始，捕捉高雄城市質地

走近店鋪，首先映入眼簾的是貫穿外立面與室內牆面的磚砌元素，靈感取自高雄歷史建築「打狗英雄領事館」，磚牆並非平整排列，而藉由深淺錯落的立體表面製造層次。隨著光線與觀看角度變化，牆面留下不同陰影，也讓原本厚實的材質多了一層輕盈感。

品牌以此呼應高雄的歷史底蘊與在地材質特色，並讓傳統材料進入更當代的空間語彙。

以潮汐為想像，1樓動線自在流動

步入1樓，可見愛馬仕經典Faubourg馬賽克地磚與標誌性的ex-libris藏書章圖騰，品牌熟悉的視覺線索之間，加入了來自高雄港灣的想像。絲巾與時尚珠寶首先出現在暖鏽色調之中，往內則進入皮件區，流線雕刻木質牆面勾勒出較為柔和的輪廓；珠寶與腕錶專區藏於同樣以「打狗英雄領事館」作為靈感的紋理牆面之後，以光線與尺度營造較私密的鑑賞氛圍。位於中央的香氛區則以較明亮的色彩點亮空間，整個一樓藉由材質與色調的變化自然銜接，讓行走本身成為探索空間的一部分。

貨櫃化身橡木樓梯，把港口記憶藏進建築

若說全店哪項設計最直接連結高雄港，答案或許是串聯兩層空間的橡木樓梯，這座樓梯的靈感來自港口常見的「貨櫃」。

RDAI並未原樣複製貨櫃的金屬材質與工業色彩，而是抽取其量體概念，再以溫潤橡木重新詮釋。原本屬於碼頭與物流產業的城市日常，因此轉變為一項真正承擔空間機能的建築元素。這也是此次翻新中相當有趣的一筆，讓高雄港巧妙藏進人們每天上下樓時實際經過的動線裡。

將港灣風景拆解成顏色，讓一天的光線鋪在腳下

順著樓梯來到地下1樓，空間氣氛隨之轉換。這一層以海洋藍與大地色為主調，並加入天然礦物般的表面質感。女仕成衣與鞋履從入口一側展開，男仕世界則與居家及馬術系列依序延伸。

其中最具畫面感的設計，是一張量身訂製的漸層地毯，色彩從海洋色調逐步轉為夕陽橘、繡紅色，如同高雄港從白晝進入黃昏時，水面與天空隨日光改變的色階，人在空間中行走，也像跟著一天的光線，從冷色慢慢走向暖色。而天然礦物表面、柔軟地毯與家具彼此交錯，讓地下樓層在精緻之外，仍保有較原始、自然的質地。

從海岸岩石到抽象色彩，藝術作品延續自然線索

空間裡的意象也延伸至藝術作品的選擇，店內陳列Émile Hermès收藏與愛馬仕當代攝影典藏系列作品，皆由全球藝術總監Pierre-Alexis Dumas親自挑選，其中法國攝影藝術家Aurore Bagarry以鏡頭記錄英國康瓦爾海岸長年受到海水沖蝕的岩石。岩石表面的天然紋理，恰巧與店內磚牆、礦物材質產生呼應；哥倫比亞藝術家Francisce G. Pinzón的抽象畫作《Warm Grey 2》，則藉由色彩對比，補入不同於建築材料的觀看節奏……藝術品與材料、色彩以及自然景象共同構成店內氛圍。

從港口取材，重新描繪高雄

從外牆的磚、如潮汐的動線，到源自貨櫃的橡木樓梯，以及地下樓層從海洋藍走向夕陽橘的色彩，高雄港被拆解成許多細節，散落在空間之中。RDAI將港都熟悉的風貌景色、自然與光線轉譯成另一種語言，再與愛馬仕一貫的馬賽克、木作、家具及藝術收藏並置。此外，專為高雄店打造、限量6枚的Arceau Hermès Flagship琺瑯工藝限量腕錶，以及首度在台灣亮相的高爾夫球具，也成為此次漢神店重新開幕的熱議焦點。