舞蹈與音樂就像是以不同載體呈現藝術無形的律動與張力，丞舞製作團隊B.DANCE藝術總監暨編舞家蔡博丞，與古典及跨界小提琴家Eva Lee李易，在表演藝術的光譜上自在交流，嘗試在韻律與音符、東方與西方的時間軸上找尋藝術文化的新定位。

現場演出的集體共感與從內而外的感動，是舞蹈與音樂表演令人著迷的魔力，在音樂家對創作和表演充滿熱情的眼眸裡、在舞蹈家對社會與人性的敏銳觀察中，都是他們對世界獻上的悉心問候。

音樂與舞蹈的相通之處?

蔡博丞：表演藝術沒有任何捷徑，能成就台上那個完美時刻的就是時間，只有時間可以淬鍊出你在台上的模樣。我覺得舞蹈跟音樂背後所下的苦工只有自己知道，但在台上只要一出錯就白費了，而我們是人不是機器，這件事情不可能完美、一定會犯錯，如何把犯錯也變成是表演的一環，更需要經驗與訓練。而觀眾們看完演出所要帶走的感動，就是舞蹈與音樂非常接近的地方。

Eva Lee李易：我覺得舞蹈跟音樂是相輔相成的存在，因為單純的舞蹈是有形而無聲的，單純的音樂是有聲而無形的，所以當這兩個藝術的形體融合在一起，能帶給整個表演更多靈魂，也更加完整。

「自由、大膽、創意、前衛、現代」之於創作的意義？

蔡博丞：對我來說相當有意義的是自由，如果一個藝術工作者沒有保持自由狀態的話，會很難界定自己作品的質調在哪。我們透過不同的物件找到不同介質，再透過我們的方法轉化這些介質並投射給觀眾，也希望他們可以在我們身上得到這些精神。

從舞者退到編舞家角色的過程，我一直都覺得創作是無邊無際的汪洋，而前衛、現代之類都是這片汪洋中的介質與元素，身為創作者就是在其中撒網，看看能夠捕捉、發覺、挖到什麼樣的靈感，若套用在生活上就是「生活就是藝術，藝術就是生活」，比如說我們現在採訪時的姿態也可以很像是跳舞，所以當我們把生活活得很精緻、精美的時候，好像也實踐了這幾個精神。

Eva Lee李易：我現在的音樂表演分成跨界和古典兩條線並行，跨界著重的是當代性和原創性，古典則是經典再現，為什麼古典的曲子經過好幾百年還是一直演出？就是因為每個人都有自己的詮釋方式，也跟上述精神有點相像，像是香奈兒帶給時尚產業永恆的經典指標性，但同時也不斷創新和跨界、跳脫以往的既定印象，不只滿足於經典，也突破自己。

深刻的演出經驗？

蔡博丞：亞洲的觀眾情緒張力比較保守，但歐美觀眾就是會很直接告訴你他的喜歡，甚至是在出入口堵你、希望能給你一個擁抱、跟你說謝謝。過去帶著因小燈泡事件而創作的作品〈RAGE〉去法國亞維農演出時，就發現它的渲染力，那次演出結束後，現場有一對夫妻在原地哭泣，清場時我跟他們簡單談話，在知道我是編舞者後，那位先生深深抱了我一下，前一年他的女兒就在他面前發生事故，而表演最後一幕讓他想到他女兒發生事故時的形狀。因為我們的表演是希望把傷痛化為陽光、把悲傷化為玫瑰花送給每顆破碎的心，他覺得有收到這朵花也被撫慰了，並與我們說謝謝。到現在我都還覺得非常感動，也覺得身為一個創作者很值得，因為你的作品跟社會有對話、與人有連結。

我覺得創作本身要帶一點社會責任，人人都可以創作，但如果每個人都只是在做自己喜歡的創作，會跟社會有些脫節；但如果能利用我們的能力再加上社會需要被傳達的訊息，才能成為藝術被留下來。

Eva Lee李易：身為創作者跟表演者，當你接收到觀眾的訊息，知道你的音樂、舞蹈可以感動他的時候，就是我們存在的意義。演出要感動人不是只有技巧，還要融合很多自身生命經驗與情感。我印象很深刻是在倫敦，在猶太教教堂的活動演出，他們邀請我演奏我自己也很喜歡的電影《辛德勒的名單》中的曲子，我在台上表演的時候，比較年長的猶太教徒都哭了，演出結束他們都來跟我說這首歌對他們的意義很大、非常觸動到他們的心。對表演者來說，我覺得你在演奏一首跟觀眾有關聯的曲子時，也會與自己產生很大共鳴。我的創作分為自我心情寫照與和社會有關的，我認為這樣的作品才能夠深入人心，像是我表演的時候很喜歡加入我在倫敦創作的〈為明日而戰〉（Fight For Tomorrow），這首歌在講我當時低潮、憂鬱的心情，創作對我來說是抒發也是鼓勵，希望所有聽到這首歌的觀眾都能有再站起來的勇氣。

蔡博丞

編舞家，於2014年成立「丞舞製作團隊 B.Dance」並擔任藝術總監，其作品擅長融入人生體悟與社會觀察，2018年獲德國《Tanz》雜誌評為最有潛力青年編舞家之一，2020年獲法國表演藝術專業評論協會評為年度最具前瞻性編舞家。

Eva Lee李易

古典及跨界小提琴家，倫敦皇家音樂學院（Royal Academy of Music）碩士，曾多次與國際級指揮家和樂團合作，除了古典小提琴家的身分外，她也熱愛跨界音樂的表演風格，並致力於音樂教育。

文｜馮興妍 

攝影｜Kuo Huan Kao、Wen Jun Fu

欲探索更多創作精神的面貌，請見 La Vie 2021/11月號《時代中的創作世代》

阿爾豐斯·慕夏（Alfons Maria Mucha）在1894年為巴黎舞台劇《Gismonda》設計的海報，以優雅曲線、大自然圖樣和女性形象融合的創新風格一夕成名。到了1900年，他已經是全球最知名的藝術家之一，更是新藝術運動（Art Nouveau）的代表人物。位於慕夏故鄉捷克的「慕夏博物館」（The Mucha Museum），將其一生貢獻與成就凝結於此，成為喜愛慕夏者必訪的文化地標。

慕夏博物館的現有空間不大，在夏季觀光潮更是擁擠。由慕夏親孫帶領的慕夏基金會（The Mucha Foundation）決定將展覽空間移至全新修復完成的18世紀宮殿「Savarin Palace」，期望能讓更多人看見慕夏的作品，並讓博物館成為與在地文化連結的場所。新場館「Savarin Palace」位於布拉格市中心，將使用宮殿內最具歷史價值且保存最為完好的區域，經過精心修復後盛大開放。

「我的創作目的從來不是為了拆解，而是為了建構、搭建橋樑；因為我們都必須懷抱希望，相信人類會更加團結，而這種團結將因相互理解而變得更容易實現。」 ——阿爾豐斯·慕夏

新藝術運動遇上巴洛克宮殿建築

Savarin Palace建於18世紀，是捷克的重要文化地標之一。在19世紀末期，該宮殿曾作為民族學博物館使用，而後轉型成為社交俱樂部，更曾是捷克著名的「黑光劇」（Black Light Theater）起源地。經過修復後，Savarin Palace於2024年9月舉辦布拉格藝術週（Prague Art Week），開啟該場館的嶄新篇章。

修復工程由捷克建築師Eva Jiřičná執掌，歷經近三年時間完成。團隊在修復期間與文物保護專家密切合作，發現了許多珍貴的設計細節，也重新修補建築立面的11座巴洛克雕像。Eva Jiřičná表示：「我們面臨的最大挑戰，是如何將這座18世紀華麗建築與慕夏的作品相結合，讓這兩種截然不同的風格和諧共存。我們希望這個空間不僅是展示藝術品，還能幫助大家深入理解藝術設計與文化歷史之間的複雜關係。」

多件早期油畫、草圖將首度公開

新的慕夏博物館將整合慕夏基金會30多年來的策展經驗，並展出多件從未公開的作品，包括慕夏早期的油畫、手繪草圖等，以及最新的相關學術資料。展品將定期更新，為重複來訪的觀眾塑造新鮮感。

全新慕夏博物館將於2025年1月24日啟用，更多資訊請見慕夏基金會官網。

佛家說「彼岸」，指的是通往解脫、悟道的方法或途徑。深受佛學影響與啟發，常藉作品探討生命哲思的藝術家陳威廷，睽違三年在台舉辦個展，便以《彼岸》（Paramita）為題，匯集近十年平面繪畫、立體雕塑、手寫詩文等類型的重要創作，呈現自身對生命、成長、存在等課題的深刻思考，並傳遞對於此岸與彼岸、現實與幻境的探索和詮釋。《彼岸》即日起至2024年12月29日於高雄市立美術館展出。

生命的每個目的地都如「彼岸」

「波羅蜜多」（Paramita）一詞，在佛教中意指「到彼岸」，彼岸既飄渺又真實，指的是超脫生死與輪迴的涅槃；而對應的「此岸」則是處於不斷輪迴的境地。陳威廷對「彼岸」自有詮釋，他出生於台南，後因求學、當兵、工作、創作等不同生命階段，輾轉於屏東、高雄、台中、台北等台灣城市生活，後又赴日本東京藝術大學攻讀碩士課程，「我的生命歷經很多『位移』，對我來說各個目的地都像是『彼岸』。正好我的作品常探討生死等二元議題，談論很多『從這一邊到那一邊』的概念，『彼岸』這個詞作為展名，表達了作品中很多想法和情緒。」

藝術家的十年創作斷代史

《彼岸》將作品分為平面繪畫、紙上作品、立體雕塑三大類，並由策展人曾學彥策劃為四部配置：此地（Here）、生相（Portraits）、彼岸（There）、書寫（Writing）。「此地」與「生相」展示陳威廷前期創作的總結，大量使用卡漫風格的角色與物件組成畫面主體；「彼岸」呼應展覽名稱，是藝術家以少年的視角「回望」或「前瞻」成年後的人生境遇；「書寫」公開藝術家日常生活中的手稿、塗鴉、文字。

繪本、詩歌、文學滋養藝術創作

多年以來，陳威廷藉創作朝向原生家庭、人際關係的根源探究，以詩文作為敘事文本，並建構虛擬角色作為引路者，將東方哲思與當代視覺風格融為一題。

各生命階段的經歷，都在陳威廷作品中留下深刻印記：童年時愛看繪本，書中圖像與文字的密切接觸奠定他早期的創作風格；少時相伴的卡通動畫和玩具反斗城，影響他為動物畫「肖像」，並帶動物們走出畫框、成為雕塑，如同玩具店中被賦予立體型態的卡通IP；大學讀中文系養成對文字的敏銳感知，詩歌成了他表達內心世界的重要媒介，亦融入作品為畫面提供隱喻性的線索，此外，經典文學作品也為創作帶來啟發，本次個展便可見多幅他再讀卡繆《異鄉人》後、以「太陽」為主角的反思之作。

從《彼岸》3件亮點作品看陳威廷的創作思考

▍凡是符號，皆有意義

這幅小狗頭上插著蠟燭的童趣畫作，是陳威廷送給媽媽的母親節禮物，當時為了讓禮物更顯特別，他不以過往常畫的熊為主角、改以小狗作為主視覺，燭光則有所寄情，暗示著親密關係間「給予」的雙面性。「我是個喜歡賦予符號意義的人，可能中文系背景讓我對詞語和形象間的連結比較敏感。火照亮他人時也正慢慢消逝，不只象徵著有人願意給予，也帶有重生的價值和可能性，這樣的兩面性對我來說很有意思。」

▍以藝術演繹經典文學文本

在前往東京藝術大學進修之前，陳威廷自認只是個喜歡畫畫、寫詩的人，不敢談自己是藝術家。他看待藝術的視野，在讀到雲門舞集創辦人林懷民之作《九歌》後被拓展，「我看見怎麼用視覺（表演）藝術重新揣測、演繹文學作品的文本，原來藝術的可能性是很多的。」

《九歌》帶來的啟發也反映在陳威廷近日重讀卡繆名著《異鄉人》後的創作，書中主角槍殺阿拉伯人的情節，及時常被提及的炙熱、令人難耐的陽光，讓他畫下多件賦予太陽「想法」的小幅畫作，如〈逃亡的太陽〉是他想像：「人想逃離這世界，會不會太陽也不想待著？」另一件乍看像月亮的作品，則是想像太陽總是照亮他人、有天累了隨意躺在草地上休息的姿態。

陳威廷亦對《異鄉人》主角的處境和行為有所反思：「我從書中的情節、作者的書寫狀態，聯想自己面對世界的方式，也重新調整自己和世界的關係。主角感受到的『熱』讓我很有感覺，我很難想像人被逼到一個極限，會怎麼去回應外在。現在的時代要說是最快的時代也不爲過，收到資訊要很快消化、理解，回到我剛說的，我們要怎麼『正確地』面對外在，而且『正確』是什麼？我們也不得而知。」

▍延伸自佛學的生命哲思

談及自身面對外在世界的不確定，陳威廷提到日本編輯友人曾說常在他的作品中看見「迷惘」的狀態——曖昧、流動、難以捉摸，卻也充滿想像空間。這樣的狀態也反映於展覽後段多件大尺幅畫作，其中一件呼應日本戰時習俗的作品尤為深刻——綠丘在魔幻、超現實的畫面中綿延，一人靜坐樹下、一人彷彿在山丘上跳著舞，兩人都望著高掛夜空的月亮。

陳威廷曾聽朋友說，戰時人們無法見到征戰沙場的情人和親人，便用類似皮影的方式，將月亮想像為畫布，將思念之人的形貌投射至月亮上，想像他們就在那；這在日語中有個浪漫的名字——「追影」，背後卻是動盪時代下人們無處安放的無助心緒，略顯諷刺。如果說月亮是思念的投射，那大樹便是思考人生的媒介，陳威廷說：「佛家中佛陀在菩提樹下頓悟，畫中人在那樹下，不見得會得到答案，但或許會獲得一個思考的機會。」

做觀眾的擺渡人，探索此岸到彼岸的過渡狀態

《彼岸》以藝術家十年來的創作及生命歷程為索引，帶領觀者隨藝術家及畫中引路者的帶領，探索生命中的過渡狀態。有趣的是，展間正好是左右二分的長方形空間，有著明顯可見的端點和終點，觀展動線善用此特點，讓早期與近期作品相對，並藉燈光明暗變化暗示藝術家於不同生命階段的心境轉折；中段更巧妙安排三幅畫作銜接，不僅氛圍自明亮轉向幽暗，更透過畫作中的流星、彼岸花等意象，帶觀者從藝術家的外在轉向內心世界探索，同時遊走於明暗之間找尋自己的生命狀態。

陳威廷於創作自述寫下：「『彼岸』是哀悼，也是致敬過去與不可言喻的明天。它是位移變化的虛渺，一葉舟獨自游向他方，無邊也無際，見山還是山。」藝術創作對陳威廷而言，是對存在的反映，每件作品都是「移情」的片段，描繪著他所存在的世界。

陳威廷個展《彼岸 Paramita》

展覽日期｜2024.11.09日（六）－12.29（日）

展覽地點｜高雄市立美術館 B1 Kspace（高雄市鼓山區美術館路80號）

開放時間｜週二至週日 9:30－17:30（週一休館）