海風呼嘯、宣示大港開唱啟程的船鳴聲、宇宙人唱著《要去高雄》⋯⋯，日常與記憶中，哪些聲響和樂音讓你一瞬就能聯想到高雄的、甚或南方的樣貌？走訪高雄流行音樂中心首檔常設展《POP! POP! POP! 流行音樂互動展》，襯著窗外愛河灣港景，戴上耳機、應和著流入耳中的導覽內容和環境音，展開一場聚焦高雄在地音樂、窺視流行音樂當今樣貌的旅程。

來到這裡，你可以從眾多當地人的個人印象中，匯集出屬於南方的音樂紋理；你可以與展場裝置多方互動，先成為MV主角，再為自己混一首帶有南方氣息的專屬曲段；更有趣的是，你在展覽中留下的行動痕跡，都將成為內容呈現的一部分。

兩大策展概念：全民策展、南方在地

《POP! POP! POP! 流行音樂互動展》展覽一名，取流行音樂英文「POP」的雙關語，呼應靈感迸發的瞬間。一樓展區貫徹「全民策展」概念，邀集公眾針對流行金曲、南方關鍵字等主題進行投稿，且展覽內容將隨之流動改變，藉此書寫出流行音樂更全面、更開放的定義；二樓展區以「南方在地」為主軸，透過訪談與互動裝置建構起南方音樂樣貌，同時聚焦高雄音樂人、事與物，呈現港都暗潮洶湧的音樂能量。

入場前必須做的兩件事

1. 高流準備了詳細導覽服務，並為每單元設計了相應的聲音內容，記得掃描QR Code打開頁面、戴上耳機再開始觀展，才能享受最完整的展覽體驗。如果忘記帶耳機到現場，也可至櫃檯租借，高流為每副耳機備有一次性耳罩套，搭配定期消毒，確保衛生。

2. 入場前，會先經過位在窗邊的方形裝置，其邊上共有4個指引，引導觀眾與中央的「磁流體」互動，試著發出聲音、將手放置面板上，觀察液體隨之產生的變化。

7大展區直擊！

一、從後台出發

展覽帶觀眾自後台出發，走入用舞台鷹架搭建的光廊，周邊音箱器材錯落擺放，耳機裡傳來工作人員交談、導播催促的環境音，感受表演當下後台的繁忙氣氛。若有看LIVE音樂表演的習慣，應該對表演者那張「神秘小歌單」不陌生，策展團隊這次特別將它轉化為展場裝飾，有趣的是，歌單上印著的正是近年高流表演場次上，音樂人所演唱的曲目。

二、好歌共鳴

此區呼應「全民策展」概念，邀集民眾投稿心目中的流行金曲，再經系統即時計算，整理出TOP50榜單，藉此呈現公眾心中的流行音樂樣貌，哪些歌歷時許久仍被傳唱？哪些歌乘載了時代共同記憶？細細觀看人們的投稿內容，或許你也能尋得與自身回憶吻合的線索。特別的是，這份排名是會根據投稿而隨時改變的，展覽內容也因此而更多變、豐富，也或許時隔三個月、半年或一年，再回高流看同場展覽，看到的會是全然不同的內容。

三、樂音流域

本區善用高流挑高空間，建置一高達十公尺、狀似唱盤的巨型圓形投影幕，並邀請叁式操刀影像，打造劇場式沈浸展區。遍佈投影幕與地面的投影，時而顯影觀眾投稿票選的金曲曲目，時而出現各式關於南方意象的hashtag，諸如野、悠閒、寬闊、港口、氣魄、阿沙力、熱情⋯⋯等，以及與之相應的視覺元素如海浪、虱目魚、古城、八五大樓⋯⋯等，而隨之傳來的樂音則根據關鍵字生成，交織出南台灣聲音地景。別忘了為「樂音流域」多留一些時間，多聽幾段為時2分半的短樂曲，會發覺每首旋律結構、聲響風格皆有不同，感受音樂的細膩與遼闊。

四、走入發聲現場

你是否好奇作曲人和編曲人的差別？音樂製作人具體在忙些什麼？本區以不同的獨立方盒模擬他們的工作場景：錄音室、混音室、唱片行櫥窗⋯⋯，帶你從職人的視角走入音樂發聲地。來到這不只能看見音樂人的工作環境，方盒中的樂器、設施也可親身操弄，不過別忘了要小心輕放，體驗之餘也別弄壞了展場裝置。

看完流行音樂產業的水平分工，接著會進入建構起產業當今樣態的文化、歷史脈絡，高流以十年為單位，梳理台灣音樂發展歷程，透過暢銷經典、播放媒介、音樂種類與曲風的轉變等，帶觀眾以有別於一～三展區用「歌曲」談流行音樂的視角，轉而以「歷史」為切角細探此命題。

五、走入流行影像

如今，音樂不只滿足觀眾對「聽」的渴求，為歌曲量身打造的MV也實現了人們對視覺刺激的期待，尤其身在網路時代，一支好MV不僅是附加宣傳工具，也是詮釋音樂故事、加強藝術張力的創作主體。在此區的MV輸送台，觀者可透過高流所選擇的50支MV作品，一窺影像如何反映時代氛圍與美學，只要按下機台上的按鈕就可聽音樂、看影像，畫面會以四個分割畫面呈現，帶觀者從不同視角剖析作品。

若想體驗拍攝MV的感覺，不妨走進綠幕，當一回滅火器〈南國的風〉MV主角。現場除備有麥克風與樂器，更設置3台攝影機，觀眾只要跟著指示改變角度、看向指定鏡頭，屬於自己的30秒MV輕鬆生成，掃描QR Code就能把影像帶走。而之所以選用〈南國的風〉當作指定曲目，是因高流在田調過程中，發現滅火器在高雄人心中，是建構起在地音樂版圖相當重要的一部分，極具代表性。

六、在地音樂能量

結束一樓觀展旅程，順著手扶梯向二樓出發，會先經過帶有LIVE HOUSE氛圍的梯間展區，此處可視為展覽切入南方音樂景況的過渡區。在這裡，你會看見在舞台上發光發熱的音樂人像是「滅絕師太」黃小琥、「姊姊」謝金燕、金曲製作人陳建騏、五月天瑪莎、新生代歌王LEO王、《大嘻哈時代》熱門選手SOWUT⋯⋯等名列牆上，他們的共同點正是「來自高雄」。

除此之外，本區亦回望高雄本地創作能量的流動。千禧年前後，全台LIVE HOUSE增量，不少高雄人開始唱自己的歌，滅火器正是在那時成團，彼時林生祥也剛返回美濃組交工樂隊，聲援在地農業抗爭；2006年，「大港開唱」鳴響，樂團潮再起；2016年，大象體操、The Fur.、淺堤等風格各異的樂團崛起，在地嘻哈饒舌歌手也逐漸發跡，同為南方音樂注入活水。

七、美麗島旋律

一首屬於南方的流行歌曲，不可或缺的元素包括什麼？高流走訪雲林、嘉義、臺南、高雄、屏東，從南方民眾口中採集靈感，交由音樂家設計成聲響，並在展間設置互動裝置，讓觀者選取9個關鍵字，自由混調出自己心中的南方之歌。特別的是，觀眾在此創作的曲子，會被傳輸至一樓的「樂音流域」展區，在展場內播放，成為展覽內容一部分。

展區中亦設有6個萬花筒，有些講述影響高雄音樂生態的城市發展史，透過酒吧街、藍寶石大歌廳、大港開唱的故事，讓觀眾對港都音樂樣態有初步想法；另些則播送高流精選3首與高雄相關的曲目，觀眾只要對著筒內歌唱，影像就會隨聲響產生變化，饒富趣味。至於是哪3首歌曲，這邊先不爆雷，待你到現場觀展自行揭曉！

▧ 高雄流行音樂中心《POP! POP! POP! 流行音樂互動展》

展覽地點：高流音浪塔、高音塔 4～6F

開展時間：2022年3月1日起 週二至週日10:00～18:00（週一固定休館）

票價資訊：全票199、學生及團體票149、愛心票99（閉館前一小時停止售票）

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資料｜高雄流行音樂中心

圖片｜高雄流行音樂中心、izzie pang

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

更多資訊可至官網查詢

_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}