北流《唱 我們的歌 流行音樂故事展》！12大展區帶你探索臺灣流行樂時代風景

第32屆金曲獎剛於8月底落幕，這是第二場在新興場域「臺北流行音樂中心」舉辦的金曲獎典禮，除了場地與設備的優化創新，我們也看見了嘻哈不僅崛起，更在主流大獎站穩地位，以及桑布伊拿下年度專輯，宣示原民音樂的強勢力量，而這不只是特定類別音樂的突破，也是臺灣樂壇更趨多元的表徵。這讓傾心音樂的人不免好奇，如今臺灣音樂的模樣，是如何建構而成？背後又有什麼樣的脈絡？造訪將於9月18日在臺北流行音樂中心文化館開館的《唱 我們的歌 流行音樂故事展》，或許能讓你梳理出答案。

▶臺北流行音樂中心建築亮點！以古羅馬廣場、台灣山巒為靈感的音樂場館設計

12個展區涵蓋1326件展品、111首流行歌曲

臺北流行音樂中心（以下簡稱北流）花費四年籌備的《唱 我們的歌 流行音樂故事展》，集結1326件展品、111首流行歌曲打造12個展區，除邀請到INCEPTION啟藝團隊策展，還找來3位臺灣樂壇代表性人物共同規劃——被唱片設計界尊稱為「教父級」的設計師Akibo李明道，為展覽視覺與空間定調；資深樂評馬世芳，是本展論述引經據典的靈魂人物；見證臺灣流行音樂全盛時期的五月天瑪莎，則在策展期間換上歌迷視角，選出最符合展覽理念的歌曲與物件。

以時代場景、故事主題喚醒觀展者共同記憶

展覽敘事方式相當有意思，其跳脫回溯歷史常用的「時間軸」敘事方式，改以「時代場景」與「故事主題」喚醒人們在民生生活中的「共同記憶」，藉以串起跨越時代的流行音樂作品。策展團隊選擇這麼做，是認為歌曲之所以有意義，是因與生活在這片土地上的人有所連結，故確立「跳脫歷史，照亮記憶」的手法呈現展覽。而此概念也影響到展覽中選擇的111首歌曲，它們不見得是傳唱度最高、得獎數最多，但絕對是在臺灣流行音樂史中，最具象徵性且能引人共鳴的歌曲。

12大展區重點搶先看！4至6樓展區講述臺灣流行樂3大面向

展覽空間配置上，特意配合北流文化館建築體，將12個展區分佈在6至4樓，觀者可「由上而下」依序展開探索臺灣流行音樂的旅程。有趣的展區編排，不只讓觀者回顧臺灣流行音樂故事，好似也重溫了自己的少年、青少再至成熟大人的酸甜旅途。

 6樓7個展區：流行音樂的底蘊來自生活 

為展覽揭幕的「序章：記憶的和弦」還原了每個人接觸音樂的濫觴，可能是台語流行歌曲最早發跡的發源地「臺北圓環」，也可能是街上「時代電器行」裡一台台的收音機；隨著年齡漸長，我們開始學會偷溜進「臺北戲院」看免錢電影，不論哪個時代，銀幕上的情緒總需樂音成全，故此區呈現了流行音樂與影視產業的深刻連結，當時正逢電影工業全盛期、唱片產業景氣亦繁榮，留下〈桃花泣血記〉、〈望春風〉、〈港都夜雨〉等無數經典作品。

接著我們離鄉背井、出外打拼，看見更廣闊的世界後，試著想將心緒化作樂曲，因此「唱自己的歌」展區重現了民歌時期的創作繁景，在那個時代，年輕人只需一把吉他、小歌本和手提式收錄音機，就能自己寫歌錄Demo，民歌創作者時常以詩入歌，為流行樂添入文學底蘊，滿溢的文藝情懷也為日後產業奠定良好根基；再步入「年輕人的精神世界」，其描摹政治社會氣氛逐漸鬆綁的1980年代，歌者藉歌抒發憤怒與熱血，唱出一代年輕人的挫折、焦慮、天真與夢想。

 5樓3個展區：流行音樂的影響力，是一則永遠說不完的故事 

流行音樂以愛情主題為大宗，而總有一首歌，詞曲都恰巧貼合你在當下感情中的心境，從此成為你想起某個人、某段戀愛的觸媒。走進「音樂愛情故事」，可在展區中心席地而坐，欣賞一場跨時代的聲光秀，回味感情路上的酸甜苦辣。

接續在後的「唱片的出生」，以半實景打造錄音室空間，結合相關展品如創作手稿、宣傳時程表、合約、專輯包裝設計圖稿等，讓觀眾認知到一張專輯的完成，是一群人絞盡腦汁、分工合作的成果。

本樓層最後一個展區「音樂的魅力」，展示了從1930～2020年近90年間，華語流行音樂類型及風格隨時代演變的流動性，並逐漸朝向多元、族群融合發展，藉此凸顯各世代獨有的音樂風貌，也顯示臺灣音樂的多元與包容性。

 4樓2個展區：音樂的生命力，是透過觀眾用身體參與而來 

「音樂現場」紀錄那些未必乖馴的音樂，卻在LIVE HOUSE、貢寮海祭、墾丁春吶、大港開唱這些舞台上，找到了紮根、開花的土壤。

最後，展覽以「生命的現場——演唱會與Backstage」沈浸體驗展區作結，本區與必應團隊合作，以九宮矩陣大型五面投影畫面搭配舞台燈光設計、體感雷射等，重現五月天、Tizzy Bac、兄弟本色與田馥甄4大經典演唱會現場；來到後台，觀者則可以透過AR，一窺蕭敬騰、伍佰 & China Blue、林宥嘉、陳綺貞、盧廣仲共5組藝人的演唱會舞台設計。 

3大亮點讓觀展體驗再升級！

 亮點1：感應式推播語音導覽設備 

觀者購票後會取得一套語音導覽與耳機設備，戴上耳機後，其會隨使用者動線透過紅外線自動感應並主動推播音樂，讓觀眾能透過聽覺、視覺快速產生共鳴，體驗猶如「行走的演唱會」沈浸式效果。

 亮點2：RFID技術導入門票手環 

每位觀者的RFID手環序號都是獨一無二的，在展場中可透過手環晶片靠近感應機臺獲得展品資訊；觀展結束後登入北流官網，輸入手環晶片密碼，就能查詢自己在展場中搜集的數位典藏展品資料。本展將有包含張雨生的紅色吉他、宋岳庭〈Life’s a Struggle〉手稿、五月天混音器、伍佰第一把Les Paul電吉他⋯⋯等20件珍貴展品，提供觀者利用RFID典藏。

 亮點3：14位重量級音樂人引言導覽 

策展團隊邀請14位音樂人為各展區引言導覽，李宗盛、陶晶瑩、劉若英、羅大佑、陳綺貞、張艾嘉、五月天阿信、王力宏、伍佰等人皆在列，英語導覽則由9m88與ØZI擔綱，引領觀者感受臺灣流行音樂背後的故事。

▧ 臺北流行音樂中心《唱 我們的歌 流行音樂故事展》

｜展覽日期：2021年9月18日起

｜展覽地點：臺北流行音樂中心 文化館

｜營業時間：每日10:00～18:00，最後入場16:30（週一休館，9月20日除外）

｜售票資訊：2021年9月8日啟售

｜票價資訊：開館特惠票250元、敬老票125元、團體票225元（20人以上）、特惠票225元 （限南港、內湖區居民現場購票）

｜售票資訊：獨家售票OPENTIX

資料、圖片｜臺北流行音樂中心

近年來，另一種「異界」逐漸出現在K-Pop MV中。閾限空間（liminal Space）、夢核（dreamcore）與怪核（weirdcore）等視覺美學，以熟悉而陌生的空間、失真的日常物件，構築出屬於數位世代的超現實景觀。ILLIT、aespa、ITZY MV中的異世界究竟如何被創造？專訪幕後推手Bee Park與ahryandchung，一探這股新視覺語言背後的創作思維！

➣本文選自La Vie 2026／8月號《通往異界》，更多精彩內容請點此

✯ Bee Park ✯ 設計一個超現實世界

「我並不認為現實與想像之間真的存在一條明確的界線。一直以來，我都不斷思考一件事：現實本身或許就是一場夢，而夢，也可能揭示了現實的另一個層次。」身為韓國創意工作室「KALABIKA」的創意總監，Bee Park曾參與BLACKPINK、aespa、ITZY、Hearts2Hearts等多組K-Pop團體的MV創意指導，並曾主導XG專輯《NEW DNA》的創意方向，負責其視覺世界觀，MV與線上宣傳。對她而言，現實與想像並非彼此對立，而是同一段連續經驗中的不同面向；音樂亦是如此，每一首歌都承載著人們生命中的情感、疑問與真實。

也因此，每當開始一個新計畫，Bee總會先花大量時間與唱片公司或藝人訪談，理解音樂真正想傳達的核心，再逐步建立一套屬於作品的創作邏輯。這個世界遵循著什麼樣的法則？角色為什麼會有這樣的行為？空間為什麼會呈現現在的樣貌？甚至每一件道具，又承載著什麼樣的意義？唯有當這些問題都有了答案，才會進一步發展場景、服裝、道具等視覺元素。她常把自己的創作方式比喻為電影製作，每一個空間、角色與物件，都應該訴說著同一個故事。「歸根究柢，我並不認為自己只是設計一個世界的人。我更像是在設計一套能夠讓那個世界誕生的條件。」

在aespa〈Armageddon〉MV企劃初期，唱片公司提供了「反烏托邦」（dystopia）、「宇宙恐怖」（cosmic horror）與「超人」（Übermensch）3個關鍵字。Bee說，當時自己正經歷人生中一段充滿恐懼的時期，因此，她從自身經驗出發，重新思考這些概念背後真正想探討的命題，並逐漸發展出整支MV的哲學核心：「超人，就是我自己。」她意識到，人終究必須面對的並非外在的怪物，而是自己。也因此，她與導演反覆討論，究竟什麼樣的空間與視覺方向，最能承載這套哲學。地下通道、室内游泳池等熟悉的日常場所，也在這樣的思考下，被重新詮釋為帶有反烏托邦氛圍的空間，成為角色内心世界的延伸。

而在ITZY的〈Motto〉（座右銘）MV中，飄浮的梯子、巨大的水母、堆疊的露營車、童話般的城堡等超現物件，其實共同指向同一個命題：人們如何在一次次選擇與反覆驗證中，逐漸找到屬於自己的信念。例如飄浮在空中的梯子，便象徵著人們在人生的旅程中不斷尋找平衡，而那座巨大的城堡，則是人們替自己築起的恐懼與限制。「小時候，我們總覺得世界像一座巨大的堡壘，可是當我們長大回頭再看，才發現它更像是童年時親手搭起的小帳篷。」當角色一步步跨越那些看似龐大的障礙，真正超越的，其實始終是自己。「我並不想刻意區分現實與幻想，而是希望創造一个世界，以最清晰、也最美的方式傳達出同一個訊息。」

有趣的是，當外界開始用閾限空間、夢核或怪核等詞彙來形容這些作品時，Bee卻認為，那些名稱只是作品完成後，人們用來理解它的語言，而非創作真正的起點。「我的創作永遠都從同一個問題開始：這個世界，為什麼有存在的必要？」找到答案之後，她才逐步建構出屬於作品的世界觀。至於最後人們將它稱作任何風格，對她而言其實沒有那麼重要；她更希望自己的作品，能讓人們以一種略帶陌生的視角，重新觀看自己所認為的「現實」。

Bee觀察，近年愈來愈多人被這些超現實的視覺語言吸引，背後反映的其實是人們感知現實的方式正在改變。「這些夢境與現實之間的界線、既熟悉又陌生的空間、不安與懷舊的情緒，我並不認為它們是網路文化的產物。我相信，這一直都是人之所以為人的一部分。」當生活不斷穿梭於實體與數位、記憶與演算法之間，現實本身已經比過去更加多層次，也更加複雜。因此，人們逐漸從追尋「再現現實」的影像，轉向能夠表達「現實感受」的視覺語言。在Bee看來，超現實並不是為了逃離現實，而是透過另一種觀看方式，重新理解現實，也成為這個世代表達自身經驗的一種新語言。

Bee Park
韓國創意指導、設計師，現為創意工作室 KALABIKA 創辦人暨創意總監。長期投入品牌識別、 視覺設計與創意統籌，曾參與 BLACKPINK〈GO〉、aespa、 ITZY、Hearts2Hearts、XG、 MEOVV 等團體的 MV 製作。@paak.bee

✯ ahryandchung ✯ 用物件重新發明現實

近年來，從新生代韓國女團ILLIT的〈Magnetis〉，到HYUKOH與落日飛車合作的〈YoungMan〉、Silica Gel等獨立樂團的音樂錄影帶，都能看見一種介於現實與夢境之間的視覺語言：熟悉卻陌生的空間、失真的日常物件，以及淡淡的懷舊感。身兼物件創作雙人組與美術指導，ahryandchung長期投入裝置藝術與展覽計畫，也活躍於音樂錄影帶創作，擅長透過重新組裝日常物件、改變空間秩序，讓現實世界悄悄裂開一道縫。

不過，當愈來愈多人開始用閾限空間、夢核或怪核來形容這股風潮，ahryandchung卻認為，與其說它是一股短暫的流行趨勢，倒不如說是一整個世代共同的網路記憶，正逐漸浮現為新的視覺語言。「我們正好是站在類比與數位交界的一代。」兩人回憶，小時候正值撥接網路開始普及，他們在論壇裡用ASCII Art和特殊符號表達自己，也透過早期的Flash動畫、3D圖像與虛擬遊戲世界建立自己的美感，在低解析度的畫面中，憑著直覺學會自己與畫面中央那個粗糙準星之間的關係。「當時的數位影像因為媒介本身的技術限制，自然形成了一種現實與非現實並存的獨特氛圍。那樣的感受一直留存在我們心中，也持續影響著我們今天觀看世界的方式。」

也因此，比起創造一個全新的幻想世界，ahryandchung更感興趣的，是透過輕輕扭轉日常物件與空間，讓現實與夢境、實體與數位、記憶與當下的界線慢慢變得模糊。這樣的想法，也延伸到ILLIT出道曲〈Magnetic〉的美術設計：未完成的獨角獸拼圖、逐漸變窄的走廊、改變方向的重力，以及沿著牆面奔跑的女孩們，彷彿夢境正悄悄滲入日常生活。兩人透露，整支MV的核心，其實是關於「女孩們留下的痕跡」。看似隨意散落的茶壺、方糖、火柴、玩偶、骰子、厚底鞋等物件，實際上都是她們穿梭於旅館時遺留下的線索。然而，隨著痕跡一次次被覆蓋、抹去，最終連女孩們自己也分不清哪些原本就存在、哪些是自己留下的，現實原有的秩序也隨之瓦解。

對ahryandchung而言，物件本身就承載著敘事的力量。如HYUKOH與落日飛車的合作曲〈Young Man〉中，那座貫穿整支MV的虛構樂器裝置「Synthesizer 🅉」，便是兩人創作方法最好的縮影。「我們研究了許多早期的合成器、電子樂器，以及各種揚聲器的造型。同時，我們也希望它看起來具有當代感，卻又讓人無法判斷它究竟屬於哪個年代。」為了打造這件作品，兩人經常往返二手市場、古物市集，尋找各種用途不明卻充滿魅力的零件，再重新拼組起來。原本毫無關聯的物件，最後竟像樂高積木般自然契合，成為一件既像雕塑、又像樂器的存在。

「如今，智慧型手機早已成為日常不可分割的一部分，我們似乎也自然而然地開始回想，在它們尚未進入生活之前，那個世界究竟是什麼模樣。」在ahryandchung眼裡，當所有資訊都彼此連結、隨手可搜尋、立即被驗證，那些充滿不確定性的瞬間與留白的空間反而變得更加珍貴。「直到今天，每當我們創作時，仍試著透過物件與空間，重新找回當年在網路世界裡感受到的那種心情——那份對未知的好奇與陌生感，以及現實和虛擬能夠自然交融的狀態。」

ahryandchung

由Ahry與Chung組成的韓國藝術雙人組，以拆解、組裝現成物件與各種材料為創作方法，探索物件之間偶然生成的關係。近年活躍於K-Pop MV美術指導、場景設計，並持續跨足裝置藝術與空間創作。@ahryblue、 @antcfk

文｜葉欣昀　圖片提供｜ahryandchung、KALABIKA　圖片協力｜KALABIKA

有別於大多電影展會聚焦於新作，每年10月於法國里昂登場的盧米埃電影節（Festival Lumière）著重經典電影修復、歷史影片回顧與致敬電影先驅，場邊舉辦的「經典電影市場展（Marché International du Film Classique，MIFC）」更是全球唯一專注於經典電影發行、修復與策展合作的影視展會。而2026年，台灣獲選為MIFC主題國，以《桂花巷》為首的經典電影將於法國重映！

經典電影重映潮，你也有跟上嗎？

近年，台灣掀起一陣經典電影修復重映潮，從黑幫青春悲歌《少年吔，安啦！》、侯孝賢獲威尼斯金獅獎的鉅作《悲情城市》（1989）、刻畫一代台灣女性命運的《油麻菜籽》（1984），到入選2026「坎城經典」的《魯冰花》（1989），皆令影迷得以藉電影穿越時空，一窺昔日台灣社會面貌。如今存於許多影迷心中、但片源難尋的《桂花巷》（1987），也將以4K修復版形式於2026盧米埃電影節MIFC重映。

台灣新電影重要人物：陳坤厚

1987年上映的《桂花巷》，是台灣導演陳坤厚的代表作之一。陳坤厚的電影之路從攝影起步，他在年少時就跟著舅父賴成英學習攝影。這位舅父的來頭可不小，影壇人稱「賴桑」的賴成英，是台灣電影重要的攝影師與導演，從影40年間曾拿下3座金馬獎最佳攝影獎，2022年更獲金馬59終身成就獎殊榮。

隨舅父習藝多年，陳坤厚在1971年正式升任攝影師，並以《汪洋中的一條船》獲頒金馬獎最佳攝影獎；其後攝而優則導，1979年開始與侯孝賢合作，一人攝影、一人編劇、兩人輪流擔任導演，孵化出以《小畢的故事》（1983）為代表的一系列作品，為台灣新電影共同書寫重要一頁。兩人結束合作關係、踏上尋找自身風格之路後，陳坤厚於1987年推出的《桂花巷》堪稱許多影迷心中難忘的經典。

《桂花巷》拍出傳統父權社會下的女性堅韌和宿命

《桂花巷》以「斷掌即緣薄」此傳統說法為引，串起了漁村之女剔紅（陸小芬飾演）的多舛一生。在傳統父權社會裡，斷掌的女人有著注定一世人孤寡的命，可剔紅不甘被掌紋定義一生，靠著一雙刺繡巧手和三寸金蓮的纏足，如願嫁入桂花巷豪門。然而，她的生活並未從此順遂，反倒遇上丈夫病故、骨肉疏遠重重打擊，獨守深閨的她也面臨著道德的考驗……。

全片於澎湖閩南舊宅取景，配以考究精細的古著，重現日治初期台灣上流社會的生活面貌。演員演技更是電影靈魂，陸小芬從清純少女演到歷經滄桑的孤寂貴婦，用演技將70年時光濃縮於114分鐘片長，道出在封建傳統中成長的女性故事。

此次《桂花巷》於MIFC重映，尤值得一提的是，影片將以台語原版配音放映，原汁原味展現編劇吳念真以道地台語情韻撰寫、典雅中藏機鋒的精彩對白，亦如實還原導演陳坤厚最真實的創作意圖。

從國際論壇、原版海報展看台灣經典電影

在今年的MIFC展會上，官方也與台灣國家影視聽中心攜手合作，展現台灣經典電影長年以來保存、修復與國際推廣工作的成果。其中，「台灣電影原版海報展」將展現台灣影史豐富的視覺識別與美學樣貌；電影工作者齊聚的論壇，則探討電影修復策略、典藏與國際合作實務，領聽眾了解賦予老電影新生命時，所會面臨的技術、歷史、文化等多層面的挑戰。

資料來源｜國家電影及視聽文化中心、台北金馬影展