彭冠傑講究客觀邏輯脈絡，石岱芸有著主觀原生的創作能量，他們在Project On Museum 主攻視覺設計、在the MEDIAN 創作沉浸式體驗。兩樣性格與品牌調性好比設計的不同面向，可以很精準地解決客戶問題，也可以很創作式地放入自我意識。

年初開幕的「PARK2草悟廣場」，品牌視覺形象由彭冠傑、石岱芸組成的POM （Project On Museum）操刀。呼應PARK2集表演、市集、展覽等綜合體驗於一地的精神，他們讓logo的5個字元風格各異，其中更有幾個圖像感非常強烈。例如形似建築的A，源自公園標誌的小土丘結構；葉子狀的R，一看就能猜想現場必定充滿植物。K雖然字母形變不大，但上下留白空間是兩個相對的箭頭，象徵民眾、表演團體等來到現場與空間碰撞出的互動。

單單5個字元，就道出PARK2的品牌與空間精神，也展示了POM注重脈絡與精準回應客戶需求的特質。彭冠傑從2008年開始獨立接案，但受限於人力，案子規模成長後逐漸難以負荷。2016年他結識石岱芸，那時石岱芸剛從設計主管的職務離職，同樣在事業面臨卡關並尋求突破的兩人，除了是感情上的伴侶，也決定一起創立POM。不過他們說，彼此的設計從觀念、風格到工作流程、習慣等都不同，組成團隊後其實經過很多磨合，前期也很常為了工作吵架。

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邏輯脈絡遇上原生爆發力

許多設計師是美術或設計科班出身，但彭冠傑一路從升學體制高中念到政大廣告系，「我以為政大可以讓我學到設計，結果沒有。可是政大給我的訓練，反而強化我性格適合的東西，邏輯跟溝通能力。」廣告系有大量企劃、行銷、公關課程，即便需要創意表現，還是需要邏輯脈絡，闡述為什麼企劃或廣告要這樣進行。這階段的他，除了學校有軟體實作課，在設計觀念上可說是自學，閱讀大量原研哉的書，發現日本設計師同樣講究脈絡與邏輯。「設計師也可以憑感受做出畫面，但一來我不是這個路線，二來我更喜歡有脈絡、被整理過的狀態。」彭冠傑在設計初期會大量測試，如果要發想logo，有些設計師會在紙上畫2∼3個造型就上機測試，但他會逼自己在紙上嘗試到100、200多個圖形，但並非每個都截然不同，而是在幾個系列感裡不斷改動。「我注重這個過程，這樣才有辦法找到好的解決方案。大量測試完要用邏輯驗證，假設我篩選出10個想拿去提案，但這10個真的都有回應客戶的主題或問題嗎？有5個可能完全沒有，只是個人爽、覺得很帥。通常有邏輯脈絡思考過，提案會很順利，反而有時候做得很爽、帶著情緒的東西是中不了的。」

不同於彭冠傑的理性邏輯，石岱芸說：「他之前一直說，我都用很原生的個性去做事情。」彭冠傑解釋，如果要設計展覽海報，他會先看大量展覽文案、藝術家作品、海報設計reference，才開始動工。「我的資料庫是接外面，再處理成自己的。但她不是，她就是用自己很原生的資料庫，直接就開始做了。」這樣的差異，也反映在兩人對於「設計啟蒙」的回答，彭冠傑提到高三選系時不知道志向，偶然在書店看到瑞士設計師Josef Müller-Brockmann的書，被他以網格處理排版的工整秩序吸引，才知道原來有一門學問叫平面設計。石岱芸則沒有所謂啟蒙，喜歡的設計更落在既定的設計體系外，「我很喜歡佛教唐卡，它的顏色、精緻度跟細節。一直想要創作類似的作品，倒不是說畫一張唐卡，而是把一些元素透過轉換來呈現。」

他們過去也都有國外生活的經歷，彭冠傑是以進修為目標，赴澳洲皇家墨爾本理工大學攻讀平面設計；石岱芸並沒有明確目的，而是想在25歲前到陌生環境體驗。除了工作換宿，在法國擔任羅浮宮做複製畫的藝術家助理，她也善用設計能力，「在巴黎的時候，認識一位韓國駐法的電影協會導演，要在香榭大道辦韓國電影節，就幫他們做協會的logo跟名片。」「是被凹的意思嗎？」彭冠傑立刻提問。「當然有出席一些電影場合，免費吃很多美食。但其實年輕的時候不覺得真的要拿多少錢，這是一種體驗和新鮮感。」玩笑般的互動，也看出兩人理性與感性的個性殊異。

他們的差異在工作上形成了互補，POM的設計由彭冠傑主導前期發想，造型與方向設定好後，再由石岱芸和同事接手後端延伸製作。石岱芸說：「他對空間比較不擅長，但我的空間概念比他好，對動態的想像也比他再多一點，我看到畫面就可以想像到，它的秒數和節奏。」POM雖是平面設計公司，但現今展覽、社群媒體的需求都不止於平面，像是他們參與2019高雄設計節，作品「未來動物園計畫：壽山動物園形象識別再造」，就將動物園指標做成動態；2020台電文資特展，他們也負責兩個展區，其中位在入口的投影牆「POWER BEAT一日電力節拍」，20公尺長廊上有不斷左移的螢幕，以動態呈現刷牙、騎車、開會、使用吹風機等一天的用電狀態。

回到肢體和純粹的視覺創作

2020年他們又拓展了創作型態，創立身心靈實驗品牌「the MEDIAN」。石岱芸說：「MEDIAN是中位數的英文，希望帶大家回到中立平衡的狀態，它唸起來也很像media（媒體），呼應我們想要去結合多媒體的創作。」2021年首先和顏社音樂人PUZZLEMAN合作沉浸式瑜珈體驗「Dream Yoga」，之後也在文策院TCCF創意內容大會「花園練習」，透過3D掃描打造石岱芸的虛擬分身，讓線下與線上共享瑜珈體驗。

石岱芸說，因為她在2020年拿到瑜珈老師師資，所以先從瑜珈開始，未來將拓展不同形式的肢體體驗，也有開設實體空間的計劃。這個空間就像是教室，但不同於傳統肢體課程，他們會結合視覺投影、氣味等沉浸式體驗，讓學員更融入狀態，「我對肢體開發很有興趣，未來不只有瑜珈，還會有現代舞、太極、武術、功夫等，以及聲音的課程。」在the MEDIAN，石岱芸是用肢體創作，這是過去設計師較少切入的角度，因為設計通常都圍繞腦部的創意發想。但她不認為兩者是二分的，「如果沒有一個好的身體，要怎麼做設計？其實腦也是器官，它是身體的一部分，身體的訓練也包括腦的訓練，冥想就是在鍛鍊直覺力，也可以幫助你發展創造力。」而彭冠傑還是用視覺創作，但不像POM理性邏輯的工作狀態，the MEDIAN讓他回到創作者的純粹身分，只要考量體驗和音樂的情境和感受，用coding等更多樣的方法產出視覺。

虛擬世界的未來參與

從POM的平面設計，到the MEDIAN穿梭虛擬現實的體驗，這段進程也符應越趨數位的時代趨勢。彭冠傑說：「我從小接觸電玩，也長時間用電腦，對於虛擬世界的身分或狀態，已經很適應跟習慣。但當這件事認真到可以被拉在工作裡應用，還蠻奇妙的。」去年疫情讓許多工作停擺，多出的時間，彭冠傑開始研究NFT和加密貨幣，石岱芸則研究股票，因為兩者概念有些互通，就會分享資訊給對方。談起NFT，彭冠傑最被吸引的是，許多創作者因此發展出前所未見的作品，例如PAK把加密貨幣當成數位藝術的媒介來操作，或是Beeple原本是動畫師，但沒有人想過，當他把動畫截圖集結起來後，價格竟突破天際。「有看到下一個世代的東西要出現的感覺，如果這些人做得到，那我們其他人也應該做得到，只是有沒有透過適當的途徑去發表作品。」那作品有計劃往元宇宙發展嗎？他們表示有討論過，但除了創意，背後的策略和社群也不可少，留在臉書、IG是不行的，要走向區塊鏈世界流行的推特、Discord。目前最直覺的想像是延續「花園練習」，在虛擬世界開一間瑜珈教室，至於是否有其他玩法，則如同NFT的本質充滿未知，有待未來揭曉。

彭冠傑

Project On Museum負責人、藝術指導。專注於品牌及視覺識別設計，並致力追求專案實務性與實驗性之平衡。近年獲獎包含iF設計獎、日本東京字體指導俱樂部獎、金點設計獎、亞洲最具影響力設計獎、澳門設計雙年展等。亦曾擔任金曲獎（裝幀設計類）、金點概念設計獎、金點新秀設計獎等獎項之評審。

石岱芸

the MEDIAN 負責人、Project On Museum 共同創辦人。平面設計師亦是瑜珈老師，嘗試用設計思維打造新型態的身心靈體驗，將課程結合動態視覺影像、並搭配聲音、氣味等媒介營造沉浸式感受，讓瑜珈呈現有別以往的風貌。近年獲獎包含iF設計獎、日本東京字體指導俱樂部獎、金點設計獎年度最佳設計獎等；曾與文策院、台灣設計研究院、顏社等單位合作瑜珈相關活動。

文｜張以潔　攝影｜蔡耀徵

圖片提供｜Project On Museum、the MEDIAN

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當運動遇上動態影像，皆以「動」為特質的兩者理當契合自如？操刀2020東京奧運競賽圖標動態設計的日本動態設計師井口皓太，道出用動態影像呈現運動主題的挑戰——正因為運動已是動態，怎麼用動態再創新意實為考驗。

2020東京奧運，井口皓太以競賽圖標的動態設計和閉幕式的球體無人機燈光秀演出漂亮的一役。在那之後，他陸續經手了諸多運動品牌、賽事的商業設計。串連起運動和動態設計兩者的關鍵字為何？井口皓太的回答是：「兩者都在追求極致。」

以動態設計呈現身體張力

長年與NIKE合作的他，對於運動品牌的設計、概念策劃並不陌生。但在擔綱了東京奧運競賽圖標的動態設計後，再次認識到「運動」和「動態設計」兩者之間高度的契合。此外，在做奧運競賽圖標動態設計時，他翻閱大量相關參考資料，對於運動選手們在挑戰肉體極限下所展現的優美姿態留下深刻印象。也因此在近年多數的作品中，他更特別意識著如何在其中表現身體力度。

他替日本籃球協會（JBA）所設計的系列視覺作品「JBA Beyond for FIBA 2023」便是十分貼切的案例。配合著打擊樂，日本籃球國手的定格剪影在一個個節拍下加疊成逐格動畫，加上同時出現在畫面上「強大的自信」、「壓力越大越過癮/對手越強越好」等令人熱血沸騰的標語，在短短15秒的廣告內，呈現簡潔卻充滿力道的視覺效果。

井口皓太說明，在著手動態廣告之前，先進行了平面海報的拍攝。看著收到的海報草案時，他決定延續海報中捕捉動態瞬間的意圖，便以底片顯影的概念再現了選手移動的每個瞬間，營造出剎那的臨場感。而與之對比的是上方充滿躍動感的文字，時而呈現汗水的揮灑，時而詮釋高速移動下的空氣流動。文字、影像與音樂合而為一，精準傳達了運動場上的緊張與激昂情。

不被囚禁於螢幕，整個空間都是動態設計體驗

然而井口皓太也強調，從事運動廣告設計時，聚焦於競技固然重要，但也必須考量到與周邊圖像素材間的平衡。「為了不要破壞設計的視覺呈現，解讀 圖像本身既有的『時間』與『空間』維度也十分重要。」

如經手2023年底在銀座甫開幕的NIKE概念店「NIKE GINZA」整體設計時，井口皓太首先碰到的難題便是如何轉化「銀座」的古典形象。他說明，由於作為主視覺的「銀座」兩字是非常傳統的日文漢字字體，品牌方最初擔心是否難以在文字設計上賦予運動的動態要素。

面對此一挑戰，井口皓太提案將「座」一字中的「人」抽出，任其在畫面上高速奔跑、自由變形，藉此在畫面中帶入空間維度與動態力度。在這檔設計案中，他不只負責主視覺設計概念，更參與店內、車站電子螢幕的陳設規劃。他強調，作為動態設計師，重要的是必須意識到影像動畫的播放方式和地點。並不只是在影像螢幕 的框架內思考，而必須將路過的行人、停下腳步觀看的觀眾加入作品整體的一環著手構思。

在日本首間喬丹品牌旗艦店「World of Flight Tokyo Shibuya」中，正完整體現了他對於空間營造的巧思。店面入口通往商場長達25公尺的長廊內，搭設了整面的電子螢幕。慢動作運球、上籃的選手剪影帶有些許「霧裡看花」之感，但在大面積色塊的渲染與聲光效果加乘之下，一步步推漲了人們進入店面前的期待感。

井口皓太說明，美國波特蘭的品牌方希望在設計中加入日本的元素，於是他以和式紙門為核心概念，用半透明的濾鏡進行拍攝，並以燈光營造出朦朧的光影之美。

運動設計是向選手致敬的過程

運動和動態設計兩者乍看之下十分契合，但井口皓太認為正好相反。「動態設計的有趣之處在於『讓靜止的東西動起來』，也可以說是『讓看起來不會動的東西動起來』，進而從中創造驚奇與發現。但因為運動是動態的行為，人們反而會先入為主地想要捕捉其靜止的瞬間。」但他也強調，該如何突破此一固有觀念，替觀眾帶來新的體驗，正是設計師的職責所在。

問及是否有其他曾留下深刻印象的運動設計，井口皓太介紹了已故設計師野田凪2001年的「NIKE Swim Campaign」系列作品。「雖然是靜止的圖像，但透過水面折射放大了模特兒的身體呈現，這樣的詮釋方式直到現在都還深深烙印在我腦海裡。」此外，NIKE在2010年為世界盃足球賽製作的影像廣告「Write the Future」也是他會定期觀看的作品之一。他說這部影片「不論是劇情轉折、笑點、快慢適中的剪輯與音樂選用，都堪稱十分完美。」

其實井口皓太到高中為止都是一名棒球少年，他說，作為一名捕手，捕捉眼前所有動態現象的觀察能力、由靜轉動的力學知識等，都對日後的設計工作產生許多幫助。在組織設計團隊CEKAI時、從事設計總監工作時，也不時會回想起過往在球隊的團隊合作生活。

「為了追求完美表現，運動選手們將身體機能發揮到極致，這點其實與設計工作相同。為了追求美學的巔峰，設計師得去計較每一釐米、調整每一個畫格的差異，反覆碰壁之下才終於找出最佳解答。因此，我想『運動是為了什麼而存在？又是為了什麼而需要追求極致？』這個提問，也可以從設計師們身上得到解答。」他說，自己有幸從事運動相關設計，也是在時時提醒著自己必須勤奮不懈地面對自身工作，才能毫無愧疚地透過創意為選手致上敬意。

井口皓太（Kota Iguchi）

動態設計師、創意總監。1984年生，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。擔任總監的大型戶外裸視3D廣告「NIKE Air Max Day 2022」獲得高度討論與關注，亦以東京奧運競賽圖標的動態設計師而為人所知。聚焦於動態設計領域，作品獲得國內外多數獎項肯定。

^{文｜廖怡鈞
圖片提供｜井口皓太}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》

Apple為最新力作iPad Pro推出的廣告影片〈Crush!〉，在歐美世界引發巨大爭議，許多知名演員、導演、作家等藝文界人士轉發庫克（Tim Cook）推文大力批評，不少Apple的科技同業也給出負面評價；最後，Apple發出道歉聲明：「很抱歉，我們的廣告並沒有達到預期的目標。」究竟這短短一分多鐘的影片為何引戰，甚至被認為是科技吞噬創意的縮影？

史上最強也最薄的iPad誕生

讓我們把時間倒轉回5月7日。當天Apple在倫敦近年最火紅的地標——巴特西發電站（Battersea Power Station），舉辦了創立以來第一場英國發表會，會上最大焦點非iPad Pro莫屬，它除了有超薄的5.1mm機身，更搭載全新M4晶片讓創作者能與AI高效協作。新品引人讚嘆的同時，Apple同天發布的新廣告〈Crush!｜iPad Pro〉卻引爆網路社群上的噓聲。

巨大液壓機粉碎創作工具

長約一分鐘的〈Crush!〉，襯著愜意樂曲，上演一台巨大液壓機將樂器、油漆罐、老式遊戲機檯、雕塑、模特人檯、數位相機……通通壓碎的情景，等到機器再次升起時，一臺iPad Pro現身，旁白說道：「史上最強大的iPad，同時也是最薄的。」（The most powerful iPad ever is also the thinnest.）

如果看過Apple以往的廣告，會明白詼諧、幽默是其中鮮明的個性，但〈Crush!〉的寫意在許多人眼裡卻是種殘忍，彷彿宣告著人類的創意、以及成就這些創意的生產工具（如油漆、樂器等），都將被機器與科技摧毀後取代。

觀眾怎麼說？

看過這則廣告的英國知名演員休葛蘭（Hugh Grant）說：「人類經驗（human experience）的毀滅，感謝矽谷。」；曾執導Amy Winehouse傳記電影《Amy》（2015）的知名紀錄片導演Asif Kapadia，則表示自己喜歡iPad，但不懂為何有人認為這影片是個好點子，「它誠實地暗喻了科技公司對藝術家、音樂家、作家、製片人們做的事：擠壓、利用他們，卻不給合理的報酬，奪走一切然後說這一切都是由自己創造的。」

把視線望向Apple在矽谷的「盟軍」，也就是Asif Kapadia口中的科技界人士，幾位有影響力的公司高層也跳出來批評，像是Airbnb、Reddit、Dropbox等知名公司幕後資助者Y Combinator創辦人Paul Graham就寫下：「賈伯斯（Steve Jobs）絕對不會發布這支廣告。」暗諷品牌現任掌舵者。

問題出在哪？時代背景、廣告策略或Apple的身份？

在影音爆炸、甚至是氾濫的年代，社群河道上不乏科技取代人腦的惡趣味內容，為什麼〈Crush!〉觸怒那麼多人？身在人類有史以來最接近科技奇點的社會，在人工智慧（AI）有可能取代人力與人腦的文明轉捩點，〈Crush!〉在部分觀眾眼裡形成一股惡意——畫面中那台液壓機粉碎的不只工具，更是人類的創意與靈魂，而這些都將被科技機器取代；更何況發布這則廣告的是Apple，當今全世界科技界的龍頭之一。

不過，Apple為〈Crush!〉設定的廣告策略，真的含有惡的成分嗎？每則故事在每個人眼裡會看出不同寓意，而《Business Insider》資深科技與文化線記者Katie Notopoulos在一片罵聲之中，提出了有意思的觀點。她肯定觀眾對大公司廣告提出批判的閱聽意識，卻也直言：「這則廣告的目的很明顯是要炫耀新的iPad非常薄，還可以把一大堆應用程式打包在裡頭。」

看到這裡，我們不妨換個角度看〈Crush!〉——那些被液壓機粉碎的物件與工具（視覺上）確實被摧毀，但「毀滅」後卻也獲得了「新生」，並融入iPad之中，就如Katie Notopoulos所寫：「iPad不是要取代鋼琴，它是一台擁有GarageBand（音樂創作軟體）的平板電腦；也沒要取代繪畫，而是擁有平面設計App的工具。」

換句話說，iPad讓樂器、畫筆等創作工具換了個形式，被裝入一個更輕便的載體；而〈Crush!〉想表達iPad提供了有別於傳統的創作選擇，並透過科技的力量將數種工具的功能打包於超薄機身，目的是讓創作更有效率，而非消滅既有的工具。

只可惜，「這支廣告概念本身太無聊、也太淺顯。」Katie Notopoulos認為Apple這次傳達故事的手法太過「簡單暴力」，導致本意模糊，才是觸動藝文界人士神經的根本原因。另外也有網友表示，這支廣告直接得罪（offend）了iPad一大批核心用戶——這番話並不無道理，畢竟許多設計師、插畫家、藝術家、音樂人等，都以iPad作為第二（電腦以外）、甚至是主要的創作工具。

Apple這麼說

那Apple想透過〈Crush!〉傳達的訊息究竟是什麼？說來有點諷刺，我們可以從官方道歉聲明中知道：「創造力是Apple的DNA，我們設計的產品能為全世界的創作者賦能，對我們來說非常重要。我們的目標始終是讓使用者能透過各種方式表達自己，並透過iPad將想法化為現實。很抱歉，廣告並沒有達到預期的目標。」

爭議背後躁動的焦慮——我們真的會被機器取代嗎？

〈Crush!〉反射出科技與藝術、音樂、設計等創意領域的矛盾關係，甚至是機器與人類的對立，背後躁動的是人類擔心被機器替代的焦慮。近年許多爭議都是因此而起，在ChatGPT能快速整理資料、寫短文；midjourney能算出極其精緻的圖像；以及各種AI工具盛行的時代，引發各界工作模式的轉變，比如設計與藝術競賽順應時勢將AI作品納入評選，同時評估判斷人類、AI創作的標準；各領域工作者重新思考創作的意義，並試圖找尋與科技協作的方法。

未來AI會發展到何種境界，可以預見但難以斷言，〈Crush!〉爭議給了我們反思與科技之間依存關係的機會，也意外揭露了許多人仍用力擁抱人類思維的詩意、手工創作的價值，這是AI難以取代的（至少目前如此）。

最後，來看導演Reza Sixo Safai在X上分享的〈Crush!〉改編版本，他將腳本的情節順序調換，讓液壓機壓碎iPad Pro後，化為樂器、雕塑、遊戲機、顏料等創作工具；還特別把背景音樂換成Sonny & Cher在1965年發表的歌曲〈I Got You Babe〉，其中意涵不妨配著歌詞細細品味。

不抱著偏見與預設立場第一次看〈Crush!〉、看過評論家的觀點後回看，再看Reza Sixo Safai的改編版本，想必會有不同的感觸與想法。面對科技融入工作與生活，每個人有各自的操作守則，期待我們都能找到屬於自己的準則。

資料來源｜Business Insider、Variety、CNN