2022年夏天，高雄港區歷史場景「原愛國婦人會館」，修復後正式對外開放，首檔展覽《Ms. Perfume 美力年代》即日起至10月23日同步登場，本展邀請11位當代創作者，透過繪畫、裝置、調香、攝影、陶藝、數位藝術等創作手法，回應此處曾為女性專屬場域的歷史脈絡，同時以當代視角創造屬於自己的美力年代。

展場燈光指引點出建築特色

1922年落成的原愛國婦人會館，至今已有百年歷史，曾經歷戰爭時期的軍事後援、社會服務功能，戰後轉由紅十字會育幼中心安置失所的兒童、青少年，而今修復後，成為高雄在地珍貴文資、展覽空間。

愛國婦人會館曾有花藝、刺繡、裁縫等交流活動，因此，《Ms. Perfume 美力年代》二樓展場設計轉化這些學習過程，運用布料創造隔間，展示女性的韌性與張力，並用簇絨地毯繡上創作者的名字，連結過去培訓刺繡裁縫的時代聯想；另外，更透過投射燈光指引標示，強調建築物各區域的修復特色，引領觀者看到這座百年建築的細節特色。

探尋當代女性樣貌

《Ms. Perfume 美力年代》作為原愛國婦人會館首檔展覽，試圖反思此地曾以愛國為名、作為專屬女性奉獻的場所性質，再觀看當代女性角色，女性應當如何？應有著什麼樣貌？在建館之時，並非女性能自我決定，然而一世紀過後，女性終能不在種種限制下恣意飛翔。

這次，11位創作者王怡方、王榆鈞、古乃方、李君慈、周依、吳怡蕙、張琇涵、程仁珮、渡邊直美 X 吉田ユニ，以及特別企劃——YEN TING CHO互動藝術的卓彥廷，共同集結於此，如同「perfume」所象徵的催化意象，催化出無形的美好力量。

亮點作品一次看！

01. 程仁珮〈食譜演化運動〉

跨國婚姻中的人們，從個人之間的交換互動，擴及至文化間的互換關係，範圍廣至政治、經濟、國際趨勢等層面。而「家鄉菜」是移居人們的一種想念的方法，程仁珮藉由訪談，在對話裡找尋他們心裡所想的家鄉菜，然而身處台灣的外籍媳婦們，是否家鄉菜的味道早已被新的味道取代？亦或，家鄉的味道又摻入的更多人生的滋味？

程仁珮透過想像製作創新的食譜組合，經由「食譜重組」強調人文演化，在食物攝影畫面中以「受訪者個人經驗」與「日用飲食」兩大重要元素，察覺多元民族在飲食合併中漸變的程序；同時，受訪者的回答與故事，亦將作為台灣當代漸漸走入多元民族時代的考察資料，作為民間口述歷史上寶貴的採樣。

 
02. 古乃方〈墨水冥想〉

冰片和廣藿香為湯底的墨水氣息，是東方人的共同記憶，古乃方以氣味呼應女性受教育的歷史脈絡。如今，台灣女性可以受高等教育、男女同工共酬，看似理所當然，卻是一百年來勇敢女性爭取來的。回望1920年代，受日本殖民政策影響，女子初等教育就學率達60%，但受教目的是成為賢妻良母；1990年代後，女性更願意用墨水表達自己，才讓墨水的氣息帶著玫瑰和桂花的香氣。

03. 王怡方〈陶瓷的肖像計畫〉

〈陶瓷的肖像〉 是王怡方長年進行的創作計畫，她帶著陶土，到各地訪問開店的女老闆，透過陶塑的抽象造型，表現出長相以外、自己所感覺到的「那個人的樣貌」。這次，王怡方帶著陶土來到高雄哈瑪星，造訪信仰中心代天宮、見證漁業興衰歷程的柯外科醫院、剃頭店等，訪問那些支持著出航男人的在地女性。

曾在柯外科醫院執業的鍾護理師，在當時每天要協助40多名即將出海的船員切除闌尾，讓他們免於海上感染的風險；相對於海來說，她們是陸地的，務實而堅毅。作品由上千條闌尾接成海蝕牆，是船員們，也是她一個月的工作量，王怡方想透過製土的勞動，經歷她們體驗過的真實，在這座古蹟展現屬於哈瑪星女性的力量。

Ms. Perfume 美力年代

展覽日期｜2022年8月4日～10月23日 

展覽地點｜原愛國婦人會館（高雄市鼓山區登山街28號）

開放時間｜周一至周四 10:00～18:00、周五至周日及國定假日 10:00～20:00

參展創作者｜王怡方、王榆鈞、古乃方、李君慈、周依、卓彥廷、吳怡蕙、張琇涵、程仁珮、渡邊直美 Naomi Watanabe x 吉田ユニ Yuni Yoshida （依筆劃順序）

資料、圖片｜高雄市文化局、生活起物 googoods design、駁二藝術特區

當經典邁向當代，設計語彙也被重新打開。麥卡倫攜手美國平面設計大師 David Carson，為經典雪莉桶與雙雪莉桶系列換上全新包裝，並以此為靈感，打造《雪莉新裝360體驗》沉浸式展覽。《La Vie》邀請設計師顏伯駿進場體驗，從創作者的視角觀看、詮釋與拍攝，記錄設計如何在場域中被感知，也重新打開人們對麥卡倫的閱讀方式。

麥卡倫（The Macallan）自 1824 年創立以來，便以雪莉桶釀酒工藝聞名，攜手美國 Coopers Oak 橡木林場並收購西班牙 Vasyma 製桶廠，打造自家雪莉橡木桶供應鏈，新酒與頂級雪莉橡木桶交融下，酒液逐步發展出細膩而層層遞進的風味表現，形塑出麥卡倫引以為傲的風格標誌。到了今年的麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，這份經典被轉譯為更當代的語言，從 David Carson 操刀的包裝視覺，到延伸出的沉浸展覽空間，品牌首度以「設計」為對話開場，讓人重新感受經典麥卡倫背後的文化溫度與情緒層次。

從包裝到場域，設計成為對話的路徑

設計師顏伯駿說，「真正的顛覆不是推翻，是讓原本的秩序容納新的語法；真正的敬意，也不是膜拜，是讓傳承有再被閱讀的可能。David Carson 把麥卡倫的典雅與他一貫的直覺性並置，創造出一種介於經典與自由之間的張力區！」而展覽以「3、6、0」為名，分別對應三大酒款（經典雪莉桶、雙雪莉桶、臻彩系列）、六大標柱（最高品質的橡木桶、雪莉酒潤桶工藝、渾然天成的自然酒色、精緻小巧的蒸餾器、麥卡倫莊園與百年傳承的釀酒智慧），層層拆解麥卡倫的文化底蘊，讓觀者用身體進入設計邏輯的邊界。這不只是關於視覺的閱讀，而是關於場域如何讓設計變得立體。

拆解與再閱讀

踏入麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，就像翻開一本逐頁拆解的讀本，設計邏輯在錯落與重構中緩緩展開。入口以象徵雪莉桶紋理的弧形木牆作為開場，引導觀者穿越時間年輪，走入麥卡倫的傳奇時光；緊接著，步入「感官走廊」，幽深的紅光映照著品牌走過兩世紀的重要節點與關鍵人物，走廊盡頭的螢幕，播放著來自赫雷斯的桶匠訪談與雪莉酒介紹，搭配曲面解構符號與牆面上的「瓦德比諾 Valdespino」雪莉酒，讓觀者穿越至雪莉桶誕生的原鄉脈絡。

進入展覽核心，視線被瓶身、照片、圖騰與色塊組構的裝置吸引，一如漫遊 David Carson 拼貼而成的意識流場景；麥卡倫的六大標柱，從百年傳承的釀酒智慧到麥卡倫莊園，在此被重新拆解並串連為動態時間軸，引導觀者參與一場關於橡木、潤桶與陳年的演化歷程。

琥珀色燈束切入瓶型輪廓，讓酒液的層次與情緒感受浮現眼前；而鏡面牆體則轉化為反射與凝視的界面，邀請每個人將自我置入麥卡倫敘事中，成為風味旅程的一部分。「這些空間其實都不是直白翻譯 David Carson 的設計，」顏伯駿說，「它們是把 David Carson 那種打破線性、重組敘事的感覺變成立體的，每一站都是一種推進！」他特別提及場內大量出現的紅色光影與陰影重疊：「紅色不只是裝飾，它其實像是一種引導，讓你走進麥卡倫情緒的內裡。」

與經典重新相遇

顏伯駿說：「麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》是一個開放的命題，而不是一個被定義的結論。

你可以從工藝進入，也可以從感覺進入；從歷史進入，也可以從視覺進入。品牌若能容納多重入口，代表它願意承擔多重解釋。」對他而言，成熟的品牌不怕被讀錯，它只怕失去被閱讀的慾望 —— 而這一次，麥卡倫選擇以全新的方式，重新開啟這場深層對話。

誠如顏伯駿所說，「當觀看被重新訓練，品牌不必提高音量，只需要說對語言。」在展場尾聲，麥卡倫以一連串能「被參與」的設計細節，打開更多與經典重新連結的方式。

於展場來一杯層次豐富、尾韻帶有甜味的雙雪莉桶純飲，或選擇清爽果香的Highball，週末你可以點上由「2025亞洲最佳酒吧」The Public House 與 Maltail打造、以經典麥卡倫雪莉桶風味為靈感的限定特調；玩一場藏有互動攝影驚喜的盲盒遊戲；寄出一封寫滿真摯話語的明信片；現場購買麥卡倫經典酒款，還能享受質感緞帶包裝的儀式感，讓這些互動與走逛片刻，與麥卡倫威士忌一樣，在記憶中慢慢熟成。

基隆美術館2025年度大展《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》，由藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」擔綱策展人，邀集台灣、日本、泰國、英國及法國等10位藝術家，透過經典舊作與全新委託創作交織共28組創作，試圖回應當代最為迫切的提問：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？

我們所見，真源自我們所選嗎？

在社群媒體演算法驅動下，我們以為自己在選擇觀看，但事實上，我們所見有時並非源自所盼。如今，觀看已是表演、身分再造的一部分，更是個體與群體的角力場。策展人法咪咪表示，展名「WE ARE ME」指向集體與個體的共生與矛盾：在數位影像分享時代，「自我」的樣貌逐漸在群體的凝視中成為「我們」；副標「我（們）到此一遊」則回應大眾文化中「到此即表態」、「觀看即表演」的社群奇觀。

這場展覽就是對上述現象的回應，探索著在影像泛濫、人人都能自稱創作者的時代，藝術被觀看的各式嶄新可能；同時剖析「我」與「我們」的界線，是如何被生成、被消解。再回望展名暗藏的巧思：當「WE」置於鏡面，反射出的既是「ME」，亦是無數被轉譯的身份，暗示著觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。

從兒童純真視角切入主題

首度於台灣美術館機構展出的英國當代藝術家瑞安·甘德（Ryan Gander），是威尼斯雙年展、卡塞爾文件展、雪梨雙年展等國際大展常客。他擅長以幽默視角轉譯日常物件，此次帶來裝置作品《同理心是一種超能力嗎？》，將稚真問句 “Is empathy a superpower?” 印於巨型黑色氣球，並置放於展場通道，迫使觀眾直面這道純真提問。

泰國藝術家納溫·努通（Nawin Nuthong）以融合神話、兒童文化與政治隱喻見長，此次為展覽及基隆城打造新作《4−6位紙鈔上的孩子》，以台灣千元鈔票的隱藏人物為切口，結合基隆在地廟宇觀察，於作品中交織遊戲、童趣與批判性。

科技如何影響人類的情感和行為？

曾獲威尼斯雙年展銀獅獎殊榮的重量級藝術家卡蜜兒·安侯（Camille Henrot），攜成名作《極度疲憊》首度來台展出。這件被視為後網路藝術（Post-Internet Art）始祖的作品，以電腦桌面為舞台，重組網路素材、美國博物館及研究機構組織「史密森學會」典藏，揭示資訊過載如何影響我們的感知與學習知識的方式。

同樣回應科技社會與人類情感行為的關聯，台灣藝術家鄭先喻作品《這可能是你》揭露演算法下的身份幻象，作品不斷輸出演算法生成的個資檔案，擾動個人隱私與真實身分的邊界；日本藝術家山內祥太（Shota Yamauchi）的新作《Being… Us?》，則透過AI光影生成後人類幻影，挑戰對「生命」的既有定義。

日本藝術家YANG02則進一步探索科技時代的社會與倫理議題，他曾透過《永久的暫時性》一作，運用無價值判斷的自動導引車（AGV）將隱蔽幕後的佈展過程公開，藉此反思便利性背後的資本機制。此次則帶來新作《慢速迷你4DW——逃離現代價值觀》，將原先的高速競賽改造成「慢速競賽」，使觀眾體驗「放慢」蘊藏的價值，挑戰現代社會對效率的迷思。

深入感知，將記憶與時間具象化

台灣藝術家陳怡潔以轉化動漫人物的色彩聞名，新作《連合島漫遊》將觀眾最具情感連結的動漫角色，轉化為多格抽象圓盤，呈現網路世代共享記憶的軌跡。

陳松志的《無題-KEE》則讓觀者走在鋪滿銀色亮粉的地毯上——當足跡化為記憶殘留，時間即隨著身體的移動被具象化。

聶永真設計主視覺！以「觀眾凝視白牆」暗喻觀看的多種解讀

本展由聶永真操刀的主視覺設計也值得一看！畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——究竟注視的是藝術，還是透過藝術映射出的自己？展覽也由此發展出一組明信片套卡，觀眾可於展覽中取閱、蒐集；離開展場後，這些明信片將成為展覽的物理延伸，承載著關於「我（們）到此一遊」的某種見證。

《We Are Me－我（們）到此一遊》

展期｜2025.10.30－2026.02.01

開放時間｜週二至週日 9:00－17:00，週一固定休館，國定假日除外

展覽地點｜基隆美術館1樓、M樓（基隆市中正區信一路181號）

參展藝術家｜陳怡潔、陳松志、鄭先喻、瑞安．甘德（Ryan Gander）、卡蜜兒．安侯（Camille Henrot）、謝佑承、納溫．努通、山內翔太（Shota Yamauchi）、yang02（依英文姓氏字母順序）