2022年夏天，高雄港區歷史場景「原愛國婦人會館」，修復後正式對外開放，首檔展覽《Ms. Perfume 美力年代》即日起至10月23日同步登場，本展邀請11位當代創作者，透過繪畫、裝置、調香、攝影、陶藝、數位藝術等創作手法，回應此處曾為女性專屬場域的歷史脈絡，同時以當代視角創造屬於自己的美力年代。

展場燈光指引點出建築特色

1922年落成的原愛國婦人會館，至今已有百年歷史，曾經歷戰爭時期的軍事後援、社會服務功能，戰後轉由紅十字會育幼中心安置失所的兒童、青少年，而今修復後，成為高雄在地珍貴文資、展覽空間。

愛國婦人會館曾有花藝、刺繡、裁縫等交流活動，因此，《Ms. Perfume 美力年代》二樓展場設計轉化這些學習過程，運用布料創造隔間，展示女性的韌性與張力，並用簇絨地毯繡上創作者的名字，連結過去培訓刺繡裁縫的時代聯想；另外，更透過投射燈光指引標示，強調建築物各區域的修復特色，引領觀者看到這座百年建築的細節特色。

探尋當代女性樣貌

《Ms. Perfume 美力年代》作為原愛國婦人會館首檔展覽，試圖反思此地曾以愛國為名、作為專屬女性奉獻的場所性質，再觀看當代女性角色，女性應當如何？應有著什麼樣貌？在建館之時，並非女性能自我決定，然而一世紀過後，女性終能不在種種限制下恣意飛翔。

這次，11位創作者王怡方、王榆鈞、古乃方、李君慈、周依、吳怡蕙、張琇涵、程仁珮、渡邊直美 X 吉田ユニ，以及特別企劃——YEN TING CHO互動藝術的卓彥廷，共同集結於此，如同「perfume」所象徵的催化意象，催化出無形的美好力量。

亮點作品一次看！

01. 程仁珮〈食譜演化運動〉

跨國婚姻中的人們，從個人之間的交換互動，擴及至文化間的互換關係，範圍廣至政治、經濟、國際趨勢等層面。而「家鄉菜」是移居人們的一種想念的方法，程仁珮藉由訪談，在對話裡找尋他們心裡所想的家鄉菜，然而身處台灣的外籍媳婦們，是否家鄉菜的味道早已被新的味道取代？亦或，家鄉的味道又摻入的更多人生的滋味？

程仁珮透過想像製作創新的食譜組合，經由「食譜重組」強調人文演化，在食物攝影畫面中以「受訪者個人經驗」與「日用飲食」兩大重要元素，察覺多元民族在飲食合併中漸變的程序；同時，受訪者的回答與故事，亦將作為台灣當代漸漸走入多元民族時代的考察資料，作為民間口述歷史上寶貴的採樣。

 
02. 古乃方〈墨水冥想〉

冰片和廣藿香為湯底的墨水氣息，是東方人的共同記憶，古乃方以氣味呼應女性受教育的歷史脈絡。如今，台灣女性可以受高等教育、男女同工共酬，看似理所當然，卻是一百年來勇敢女性爭取來的。回望1920年代，受日本殖民政策影響，女子初等教育就學率達60%，但受教目的是成為賢妻良母；1990年代後，女性更願意用墨水表達自己，才讓墨水的氣息帶著玫瑰和桂花的香氣。

03. 王怡方〈陶瓷的肖像計畫〉

〈陶瓷的肖像〉 是王怡方長年進行的創作計畫，她帶著陶土，到各地訪問開店的女老闆，透過陶塑的抽象造型，表現出長相以外、自己所感覺到的「那個人的樣貌」。這次，王怡方帶著陶土來到高雄哈瑪星，造訪信仰中心代天宮、見證漁業興衰歷程的柯外科醫院、剃頭店等，訪問那些支持著出航男人的在地女性。

曾在柯外科醫院執業的鍾護理師，在當時每天要協助40多名即將出海的船員切除闌尾，讓他們免於海上感染的風險；相對於海來說，她們是陸地的，務實而堅毅。作品由上千條闌尾接成海蝕牆，是船員們，也是她一個月的工作量，王怡方想透過製土的勞動，經歷她們體驗過的真實，在這座古蹟展現屬於哈瑪星女性的力量。

Ms. Perfume 美力年代

展覽日期｜2022年8月4日～10月23日 

展覽地點｜原愛國婦人會館（高雄市鼓山區登山街28號）

開放時間｜周一至周四 10:00～18:00、周五至周日及國定假日 10:00～20:00

參展創作者｜王怡方、王榆鈞、古乃方、李君慈、周依、卓彥廷、吳怡蕙、張琇涵、程仁珮、渡邊直美 Naomi Watanabe x 吉田ユニ Yuni Yoshida （依筆劃順序）

資料、圖片｜高雄市文化局、生活起物 googoods design、駁二藝術特區

在多數人的記憶裡，博物館總與白晝綁定，早晨開館、沿著展櫃靜靜移動、閱讀標示、保持安靜。但當夜幕低垂，空間氛圍悄然轉換，是否也能讓我們重新定義「博物館」的可能性？第四屆《館前一號所》，即是以這樣的想像展開。

位於臺中的國立自然科學博物館一夜限定的實驗場域中，三項亮點活動—劇場演出《恐龍重生》、角色導覽《躺平木乃伊》，以及一年可限定進入的複刻北宋水運儀象臺裝置《水運登頂》，不只是主題節目，更各自承載不同的觀展節奏與身體參與方式。觀眾不單走進展場，更是踏入情境、扮演角色，或親歷機械運作的結構現場；以一場重新佈局的文化設計，從敘事順序到感官觸發，打開夜間的博物館，成為一種新的觀看與感受格式。

夜間不是延長，而是轉換—三大亮點活動構築文化節奏

「我們想打破大家對『博物館＝嚴肅學習的地方』的印象」國立自然科學博物館館長黃文山如此定義《館前一號所》的核心概念。他強調，文化場域的角色應隨時間流轉而生成多重樣貌：「夜間開放是一種新的空間使用方式，讓大家用不同的節奏重新認識博物館。」他接著說：「博物館本身就有一種魔法，只要你願意踏進來，不需要任何知識背景，也不一定要帶走什麼知識，只要『來』，就能開啟你心中的那個魔法盒。」

本屆活動透過三張獨立票券，對應三條感官動線，構築一場限定三小時的沉浸式城市夜行。首先登場的《恐龍出沒》，從燈光投影下的骨架，到恐龍穿梭人群的瞬間，就抓住各方目光，引領觀眾一路由恐龍廳，進入「必可飛」劇場的《恐龍重生》沉浸式展演；打破傳統觀展框架，在劇場氛圍釋放空間張力，也讓知識與想像以更流動的方式發生。接著，《躺平木乃伊》透過塔羅與角色扮演，抹去導覽員與觀眾的界線，將古文明轉化為互動敘事。最後，《水運登頂》限定開放的天文裝置「水運儀象臺」，觀眾得以親自登梯、俯瞰、探索，在移動中體驗知識的立體感。

這三大亮點活動，構成《館前一號所》的核心動線，也讓夜色成為文化節奏的背景：觀眾跳脫觀看者，成為穿越劇情、參與展演的主體，於黑夜中展開屬於自己的博物館體驗敘事。

科技、解謎與導覽的沉浸感官設計

除了三大主軸外，今年活動亦安排四項關鍵節點，進一步拉開觀眾的感知層次。首先，《實境解謎 × XR互動體驗》透過行前下載 App，讓觀眾在展場內完成特定觀察任務，將科普知識與解謎遊戲交織為一場具參與感的科技探險；另一側，《萬物之森搜救隊》則將 XR 擴增實境融入任務，營造出具節奏與故事線的沉浸情境，讓展演從平面資訊跳脫至多面向的互動。

「我們發現觀眾在夜晚的參與方式更開放，互動比預期還要積極。」活動主要負責人之一、科博館營運典藏與資訊組主任蔡雪玲這麼說道，「無論是實境解謎還是 XR 搜救隊，我們都不希望只是單向灌輸，而是打造可以主動選擇的參與場域。」她也提到，像策展人夜間導覽這樣的經驗設計，反而更需要調整語氣與節奏：「語調要更像對話，少一點輸出，讓觀眾感覺自己是在被陪伴，而不是上課。」

最後，《恐龍派對》呈現了另一種感官參與形式，觀眾得以自由穿著、化身不同角色，在燈光與音樂中盡情徜徉展廳，在節奏感強烈的重拍間，於空間與身體之間找回主動權。

夜間博物館，能不能是城市文化生活的一部分？

除了上述的主題設計外，現場其實還有更多活動點綴整場夜行：從「防災職人公仔拍照盒」、易經卜卦與魔術方塊等互動攤位，到橢圓型廣場的夜間市集與音樂演出，以及社群展品投稿與限時拍照任務……這些看似零散的活動，實則構成了一種流動式參與節奏，讓每個觀眾能根據自身興趣，完成一場獨特的「夜間策展」。

在黃文山館長眼中，本次三項亮點設計不僅讓空間敘事更具延展性，也成功轉化觀展方式，讓觀眾在感官與知識之間找到新的接點。 「我們希望這不是特定時段的活動，長期打開文化空間的一種可能性。」他補充道。

無論是否走進劇場或登上水運儀象臺，《館前一號所》真正想打造的，是一種關於文化共感與時間解放的全新想像。

_{文 | 邵瀠萱    圖片攝影 | 李明宜}

2025京都ACK藝術博覽會於11月14～16日登場，La Vie編輯直擊現場，從主展場國立京都國際會館，到寺廟等京都市內衛星展區，帶看本屆展出亮點與有趣的策展方式，以及藝術如何透過不同形式融入城市。

11月的日本藝術場景熱鬧的。東京藝術週（ART WEEK TOKYO）率先於11月5～9日登場，以非定點的展出形式，串聯並打開東京全城的藝術場域。緊接著京都藝術博覽會（Art Collaboration Kyoto，ACK）於11月14～16日展開，核心緊扣「合作」，兩大代表性展區：「Gallery Collaborations」規定日本藝廊須與海外藝廊組隊策展同一展位、「Kyoto Meetings」將展會呈現方式與京都文化結合，加乘藝廊與藝廊之間、京都與國際之間的交流，成為藝博會中的獨特存在。

2025年邁入第5屆的ACK，共有來自19個國家與地區的72間畫廊，其中25家為首次參展，可謂至今規模最大且國際多元性最高的一屆。講者陣容也相當豪華，包括今年在臺北市立美術館舉辦巡迴展《你的好奇旅程》的藝術家Olafur Eliasson、TeamLab創辦人猪子寿之、2025大阪世博女性館和Panasonic館建築師永山祐子等人皆親臨現場。值得注意的是，ACK自2022年獲得「保稅展覽」資格，讓國際參展單位得以免除需於銷售前課徵的10%消費稅，而今年也依舊維持此形式。

強調合作的ACK，今年首度攜手曼谷文化機構「Bangkok Kunsthalle」，推出獎助金計畫「Bangkok Collaborate Kyoto Fellowship」，最終由墨西哥藝廊「kurimanzutto」的王水（WangShui）、日本藝廊「Anomaly」的玉山拓郎獲選。兩位除了能獲得金援支持，還將前往曼谷駐村並舉辦展覽。評審團表示，評選標準是希望能尋找與Bangkok Kunsthalle和ACK理念相符的藝術家——具備實驗性、療癒，以及對文化系統的重新想像。而王水的作品結合了影像、演算程序和電影語彙，將科技與精神性以近乎儀式感的方式融合並呈現；玉山拓郎則能將經常被忽視的空間，轉化為令人意想不到的多重感官世界。

在2025年的此刻，ACK以「2050—凝視未來」（2050—Gaze Toward the Future）作為企劃主題，一方面回顧了這個世紀前1/4的歷程，也從此開始思索下一個1/4的世界樣貌。以下盤整今年展出亮點，看藝術與京都激盪出了哪些火花？

① 京都式的展場氛圍

藝博會的氛圍很大一部分由展場定調，有別於一般方正的白色間隔，ACK邀請建築師周防貴之操刀會場設計，運用原木牆拼接成一格格木製展間，各展位不規矩的位置設置，走逛其中，宛如置身於京都的迷宮巷弄間。許多展位也將作品擺放方式結合木格展間，看各藝廊怎麼和木格展間互動，也成為逛展的樂趣之一。

主展場國立京都國際會館的建築亦相當值得一看，這座於1966年開館的建築，由師從日本建築巨擘丹下健三的大谷幸夫設計，室內設計則由劍持勇操刀，可謂日本近代建築的重要作品。11月的ACK展期也正值楓葉季，在1樓展場觀展之餘，也相當推薦到2樓眺望國立京都國際會館周遭景緻，可見紅色楓葉與綠意、建築交織。

② Gallery Collaborations藝廊如何合作？

本屆「Gallery Collaborations」展區，共有29間日本畫廊與30間國際畫廊共同合作展出。其中，代理非洲藝術家的東京藝廊「space Un」，聯手奈及利雅首都阿布加藝廊「Retro Africa」，展出多位非洲藝術家作品，探討物質與身分、動態與靜止之間的關係。日本老字號畫廊「思文閣」，與在聖保羅、布魯塞爾、紐約、巴黎皆有據點的「Mendes Wood DM」合作，呈現拉丁美洲藝術家與日本戰後抽象與前衛書法的創作交流。

東京的「Taka Ishii Gallery」則攜手維也納的「Galerie Martin Janda」，呈現墨西哥藝術家Mario García Torres與斯洛伐克藝術家Roman Ondak的雙人展。其中擅長重構日常物件的Roman Ondak，其大型樓梯裝置〈Leap〉在展間相當吸睛。

東京藝廊「Mitochu Koeki Co.」和倫敦藝廊「Annely Juda Fine Art」的合作相當有趣，前者帶來4位日本女性陶藝家稲崎栄利子、波多野亜耶、服部真紀子、Aizawa Rie的作品，後者則帶來繪畫大師David Hockney於2021年以iPad創作的《20 Flowers》系列作品，呈現一場媒材迥異的展出。而David Hockney的3件作品，也各自以1,500～3,000萬日圓的高價出售。

③ Kyoto Meetings亮點藝廊聚焦

今年共有13間日本及國際藝廊參與「Kyoto Meetings」。墨西哥藝廊「kurimanzutto」帶來王水個展，展出多件以水墨與油彩在鋁板上作畫的作品，方正的畫框中，可見道道強勁而抽象的筆觸。且在預展日結束時，展位已有75%的作品售出，每件作品的成交價落在30,000～55,000美元間。

來自釜山的「Johyun Gallery」也相當值得一看，展出了李培（Lee Bae）、金澤相（Kim Taek Sang）、李光鎬（Lee Kwang-Ho）與墨西哥藝術家Bosco Sodi的作品。展間同時呈現了4位藝術家迥異的媒材特性：炭墨的焦痕、水的沉積色調、超寫實的形象、土質顏料的觸感，引人探索物質與感知的全新維度。

京都本地的「KANEGAE」則用藝術回應環境與社會問題：當鹿肉進入市場後，鹿皮與鹿骨因難以處理而被丟棄。因此KANEGAE開啟了藝術計畫，由藝術家將鹿角與鹿骨轉化為雕塑與陶藝，並從鹿皮提煉出用於繪畫的黏合劑。但他們注意到，光憑藝術無法提供實質解方，因此今年ACK，KANEGAE聯手時尚品牌「T.T」，用鹿皮製作外套與鞋子，試圖開啟新的商業可能。另外也推薦造訪KANEGAE位在大徳寺總門的藝廊，細品工藝的多重面貌。

④ 公共藝術不可錯過

會場除了各藝廊的展位，更有策展人Martin Germann、木村こころ（Kimura Kokoro）策劃的「公共計畫」（Public Program），以「共生：藝術與我們共同生活的世界」（Symbiosis: Art and Common Grounds）為題，邀請10位日本與海外藝術家，在會場內外各處展出作品。會場外可見德國－越南藝術家Phung-Tien Phan的裝置〈ersatzteile〉，將寶特瓶、燈具、收音機等日常可見的工業物件錯置組合，煙霧也不時冒出，隱喻對社會身分的真實性的質疑。

場內亦可見日本藝術家木村友紀翻玩日常物件，作品〈Des Treize〉讓透明球形機器人緩緩穿梭展間，基於數據運算的運動軌跡，會隨著機器人和環境的物理條件差異而慢慢偏離預設，呼應木村友紀長期關注的「物質與非物質存在」之間的關係。

日本藝術家遠藤利克的大型裝置〈Void–Blackening〉，將木、鐵、水泥、焦油炙燒成一顆偌大球形，延續藝術家一貫擅長轉化空間感受的紀念性雕塑脈絡，讓國立京都國際會館一角添上靜謐與神祕氣息。

⑤ 在寺廟遇見藝術

有趣的是，ACK也將展覽延伸到京都市內的寺廟、文化機構等，看藝術家們如何讓作品與空間、歷史互動，也成為到京都看展的獨特樂趣。兩足院由在紐約、洛杉磯擁有據點的藝廊「David Kordansky」，帶來日本藝術家日下翅央（Shio Kusaka）、美國藝術家Jonas Wood夫妻檔的雙人展。日下翅央的陶藝呈現了寺廟內部空間一角的景色，David Kordansky的繪畫則融入寺廟窗景，其筆觸亦呼應了日下翅央的陶藝紋理。

由「Kiang Malingue」代理的美國藝術家Carrie Yamaoka，則於曼殊院展開首次日本個展《Inside Out / Outside In》。在曼殊院這個室內禁止攝影隱密古蹟，Carrie Yamaoka的作品也靜靜隱身寺廟各處，讓旅人如解謎般探索，不斷轉換遠／近、外／內的視線欣賞作品。部分作品甚至直接暴露於自然環境中，隨著天氣、光線、時間的變化，作品將與空間、觀眾交織出不同變化，讓每一次的造訪，都是此刻僅有的體驗。

廣誠院則有倫敦藝廊「Sadie Coles HQ」舉辦的義大利藝術家Isabella Ducrot個展《Incongruous》，這也是這位1931年出生的藝術家，自1990年以來於日本的首次展覽。此次展出了《Bella Terra》與《Incongruous》2大以紙材創作的系列：前者意指「美麗之地」，透過樹木、水面、月亮3個基本元素，以自然的不斷嬗遞，隱喻生命的韻律；後者則展出於2樓，以花瓶、茶壺、桌子等家庭元素為核心。當日光從窗戶穿透紙面，作品也與窗外楓葉景致一同映入眼簾，亦巧妙回應了藝術家對自然與生命規律的叩問。

Art Collaboration Kyoto
時間：2025.11.14～16
地點：國立京都國際會館（ICC Kyoto）
＊2026年確定將於11.7～9舉辦！

_{文、攝影｜張以潔
圖片提供｜各單位}