皆川明帶逛高美館「つづく」特展!跟著日本大師一探展區巧思與minä perhonen的設計美學

皆川明帶逛高美館「つづく」特展!跟著日本大師一探展區巧思與minä perhonen的設計美學

高雄市立美術館「minä perhonen /皆川明 つづく」特展,於2022年10月22日至2023年2月19日盛大展出。而本展首度移展海外,皆川明與其minä perhonen品牌團隊十幾人,更親自來台布展,以將展覽的核心概念「美好生活設計者」原汁原味地呈現在台灣觀眾面前。而在開展當天,皆川明除與大家分享つづく展的看點,也帶逛展區,接下來就跟著La Vie的文章,一同走進日本當代設計大師的創作世界。

皆川明つづく展覽高雄市立美術館開展!

2_日本設計師皆川明進行展場導覽以「つづく」(音:TSUZUKU)作為展覽命題,有著「延續」之意,除了是品牌在時間軸的延續性,也代表連結、連續、攜手、循環等人事物所共同產生的連結及能量。
本次展覽以「つづく」(音:TSUZUKU)為展覽命題,有著「延續」之意,除了是品牌在時間軸的延續性,也代表連結、連續、攜手、循環等人事物所共同產生的連結及能量。(圖片提供:高雄市立美術館)

「minä perhonen /皆川明 つづく」首度移展海外

「minä perhonen /皆川明 つづく」一展,為2019年東京都現代美術館重新開館之際舉辦的首展,同時是慶祝minä perhonen邁入25週年的大展,接續也在兵庫縣立美術館、福岡市美術館及青森縣立美術館巡迴展出。而對於此次海外首展在高美館登場,皆川明說,青森的展覽10月初才剛結束,多虧所有工作人員、展覽團隊同心協力地幫忙,才能夠在短時間內將展覽完美呈現在大家眼前。「其實在我人生中,每到重要的時間點,最大特徵就是會下雨,當我今天早上起床時,看到外面在下雨,我就知道這次在高雄的展覽,是我人生中重要的事情。」

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「minä perhonen /皆川明 つづく」開展當天,皆川明也帶領媒體朋友一探展覽巧思。(圖片提供:高雄市立美術館)

身心與物質的循環才是真正的永續

而常見的時尚、服裝設計展覽,會以展示成品或按照時間軸來呈現,不過,つづく展不單單能窺見設計是怎麼產生,更想要強調的是,人們覺得不可思議的點子,是如何透過職人的創作來賦予這些材料生命、將它幻化成一件物品。皆川明更提到,最近非常流行的永續性(sustainability)一詞,多著重在物質的循環,但事實上,藉由人們的思考而製作出的作品,可以停留在人的記憶中、變成我們心中的一部分,而這般身心與物質的循環,才是真正的永續。他也希望大家在展區裡,可以看到這些職人是以什麼樣的心情與熱情來製作,以及體會到穿著方在長期使用這些衣服時所獲得的喜悅。

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皆川明認為,身心與物質的循環,才是真正的永續。(圖片提供:高雄市立美術館)

跟著日本設計大師皆川明逛展覽!

⭔ minä perhonen永不過時的設計巧思

而在踏入展場前,則先能看見由105件minä perhonen紡織設計品構成的「雲」作品,其在陳設上不依照製作年代或季節來排列,帶出品牌「永不過時」的設計巧思,以及對於永續的重視,同時展現出猶如雲朵般的自在隨興感。

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由105件品牌紡織設計組成的作品「雲」相當吸睛。(圖片提供:高雄市立美術館)

⭔ 25顆小圓點構成tambourine鈴鼓圖樣

在〈實〉展區中,可見到minä perhonen從2000年開始使用、代表性的「tambourine(鈴鼓)」圓圈花紋,而裡頭其實包含了25顆、形狀略有不同的小圓點,「這些一小顆的圓點,就像是一個人的個性,每個非常獨特的個體聚集起來就是一個社會、甚至是一個國家、一個地球,因此,這些圓圈也代表著『曼陀羅』的概念。」而一般流行,來得快去得也快,但皆川明希望,minä perhonen的鈴鼓設計能夠讓大家使用很久、延續下去,因此本次展覽名稱才以「つづく」為主題。

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minä perhonen從2000年開始使用、代表性的「tambourine(鈴鼓)」圓圈花紋,裡頭其實包含了25顆、形狀略有不同的小圓點。(攝影:Judy Cheng)

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〈實〉展區中,同樣可見到運用鈴鼓圖樣製作出的衣物、物品。(圖片提供:高雄市立美術館)

⭔ 了解設計過程中的巧思

〈芽〉展區則展示著minä perhonen所有織品中的一部分圖樣,而這些布料設計手稿,並不是透過電腦繪圖,而是品牌設計師以手繪或切割的方式雕琢、製作出來。

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〈芽〉展區展示品牌設計師的布料設計手稿。(圖片提供:高雄市立美術館)

〈森〉展區最大的特色在於,不以時間序列或季節來區分,而是一次展示出過去27年minä perhonen所設計出來的服飾,且在這些服裝裡頭,並沒有所謂的新與舊,因此大家可以在這個展區,仔細觀看每件衣服,是職人以什麼樣的技巧,將這些服飾製作出來的。

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〈森〉在陳設上並無按照製作年代或是季節時序排列,展示品牌創始至今所發布過的180多件服裝。(圖片提供:高雄市立美術館)

⭔ 光廊——織品的故事

接著拾級而上,穿越一道略窄的樓梯時,可以邊欣賞垂掛而下的minä perhonen布料,其中有件如迷彩畫的作品,裡頭隱藏著切割下來的白色花朵布料,意味著比起戰爭,善良與仁慈更能帶來幸福。

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民眾可穿過光廊,細細品味垂掛而下的織品布料的細節。(攝影:Judy Cheng)

⭔ 日常生活中的minä perhonen

在〈風〉展區,播放著minä perhonen的設計,在日常生活中如何被運用、呈現何種風貌的影像。〈根〉展區則完整展示皆川明為了小說、報紙所畫的一些插畫,而這些插畫跟織品設計的表現手法又不大相同,可以細細品味。而要前往下一個展區時,可窺見下樓樓梯的兩側,有一些皆川明平常在思考事情所寫下來,或對他而言非常重要的話語。

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〈根〉展區則完整展示皆川明為了小說、報紙所畫的一些插畫。(攝影:Judy Cheng)

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下樓樓梯的兩側,標示出皆川明腦海中的一些話語。(攝影:Judy Cheng)

⭔ 窺見minä perhonen的點子如何誕生

踏入〈種〉展區,首先可見到皆川明19歲去芬蘭時,用了所有的旅費所購買的外套,這也讓他深刻地感受到,一件衣服能夠發揮的力量有多大。而這個展區取作〈種〉,意味著一個想法是如何孕育出來的,因此大家可以窺見minä perhonen的設計是如何呈現、材料如何運用。像是品牌多餘的布料,有一些小小花紋的話,便會將它運用在鈕扣上,「或許大家會覺得在製作的過程中,最後用不完的東西就是一個浪費,但若我們能隨時思考到,每件物品都有職人嘔心瀝血製作出來的過程,我們便會去珍惜每塊布料、最後一點一滴都非常珍貴地使用。」

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〈種〉展區可見到皆川明19歲去芬蘭時,用了所有的旅費所購買的外套。(圖片提供:高雄市立美術館)

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minä perhonen利用剩餘的布料、製成鈕扣,體現所謂的永續性。(攝影:Judy Cheng)

而除能看到minä perhonen與國外品牌、藝術家聯名合作的作品,皆川明也特別介紹,以「二重織」技法製成、擁有兩面色調的布料,當它用在單椅上時,椅面將隨著時間、慢慢露出裡頭那層布料的顏色,不僅顯現出家具的歷史,也賦予其新生命。

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〈種〉展區可見到minä perhonen與國外品牌、藝術家聯名合作的作品。(圖片提供:高雄市立美術館)

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當家具使用久了,裡頭那層的布料便會慢慢露出來,既展現其歷史,也賦予其新生命。(攝影:Judy Cheng)

⭔ 服裝擁有者與衣服的點滴故事

最後的〈土〉展區展出從minä perhonen服裝擁有者借過來的的衣服,搭配每個人針對這件服裝所寫下的回憶故事,讓大家可以細細品味,並體會到minä perhonen的設計與想法是如何幻化成衣服,進而透過穿著的人,化為記憶、留存在心底,而這般身心與物品的循環,也正是皆川明所認為的「永續性」。

小檔高美館《TSUZUKU》展區之一〈土〉_1〈土〉聚焦在服裝與擁有者的關係,展出持有者的愛用服裝以及他們與衣服之間的點滴故事
〈土〉展區聚焦在服裝與擁有者的關係,展出持有者的愛用服裝以及他們與衣服之間的點滴故事。(圖片提供:高雄市立美術館)

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在看完〈種〉展區後,建議先沉澱一下,再進入〈土〉展區,緩緩與服裝展開對話。(圖片提供:高雄市立美術館)

皆川明 つづく特展

展期:2022.10.22 (六)~2023.02.19(日)

地點:高雄市立美術館 104-105展覽室

票價:展期全票$280

文字|Judy Cheng

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現場作品分為3大系列:「人生的七味粉」匯聚了張紘齊過去十幾年來的生活回憶,以乘載不同觀點的7種畫面表現;「17個階段」透過色彩彰顯遇到各種人、事、物所產生的心情變換;「起源」則聚集了我們身在現實世界,或不曾在意、或錯過的愛和感知。

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(圖片提供:奇想會、張紘齊)

張紘齊個展《HAND IN HAND - REALM OF PURE LOVE

展覽期間|2024.06.28 07.14

時間|13:0020:00(週二公休)

地點|奇想會(台北市大安區安和路一段217號)

門票|入場費為低消飲品一杯

50歲拋下25年廣告生涯,決定當藝術家!François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂

François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂

如果你看展不愛高深的論述、謎般的作品理念,只想純粹跟著色彩、線條、空間氛圍感受心緒的流動,那François Bonnel(弗朗索瓦・邦內爾)就是你在找的藝術家!

曾從事廣告業25年,50歲的François Bonnel毅然決然拋開熟悉的工作和生活模式,轉作一名藝術家。他把熱愛的音樂、藝術結合,作畫時讓耳邊的靈魂樂、藍調搖滾、民謠……貼合著畫中一切元素的脈動,用單純而直率的曲線、不對稱圖形、明亮色彩創造質樸畫面。看著Bonnel的畫,眼睛像是吃了冰淇淋,心情也不自覺跟著好了起來。想要感受這股魔力,不妨走進他在台灣的第一場個展《會唱歌的畫》領會。

法國藝術家François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂
(圖片提供:Bluerider ART)

50歲拋開穩定的廣告工作,當一名藝術家

出身法國的François Bonnel,有位擔任繪畫老師的藝術家媽媽,從小帶著他用手指沾著顏料隨意畫出線條、形狀,培養對藝術的喜好。聽到這裡,你或許會以為Bonnel順應著家庭環境的薰陶,讀美術專科,20幾歲就決定踏上藝術家之路。故事不是這樣發展的。正是因為媽媽從事藝術,Bonnel更懂得成為一名藝術家所需的天賦、機運和過程中的難處,於是他輕輕放下藝術之路,大學畢業後從事廣告業將近25年。

法國藝術家François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂
(圖片提供:Bluerider ART)

沒想到,2020年一場席捲全球的大疫,成了Bonnel生命的轉捩點。他本就厭倦日復一日的生活,又正好遇上疫情作為改變的契機,在50歲那年他決定揮別廣告生涯,嘗試做一名藝術家。

法國藝術家François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂
(圖片提供:Bluerider ART)

毫無包袱,自由實驗媒材、技巧的可能

現居於法國圖魯茲(Toulouse)的Bonnel,日日沈浸於這座玫瑰色古城的藝術氛圍,以即興的方式、融合音樂性發展創作,過程中也不斷探索數位媒體、攝影、拼貼等技巧與媒材。

法國藝術家François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂
(圖片提供:Bluerider ART)

成為藝術家對Bonnel來說像是一場解放。多虧人生上半場的辛勤努力,50代的他沒什麼現實包袱、更有餘裕全心投入藝術。正是這份餘裕,為Bonnel的繪畫注入純真、活潑、令人毫無負擔的生命力;光是看著,就不自覺被感染。

法國藝術家François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂
(圖片提供:Bluerider ART)

將音樂轉化為畫作,各個方向看都和諧

Bonnel來說,音樂是日常的必需品、繪畫的養分,他說:「一幅畫作必須與周圍的環境和諧,就像香水或音樂。」於是他聽著各個年代、各種曲風的音樂作畫,用色彩、線條、形狀和構圖,呼應著音符、和弦、旋律與編曲架構;並在構圖時反覆轉動畫布,讓畫作不管從各個角度、方向看,比例都是和諧的,且能看出不同趣味。

法國藝術家François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂
(圖片提供:Bluerider ART)

以下面這幅〈A Love International〉為例子,它正看像是一顆顆乒乓球在碗中跳躍;側看像是大大小小的香草冰淇淋灑落一地;倒過來看又像是忘了關的蓮蓬頭,水滴滴答答地落下。

法國藝術家François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂
(圖片提供:Bluerider ART)

幫畫作取名的巧思

說到把音樂融入畫中,Bonnel還有個習慣——用作畫當下正在聽的音樂曲目,為畫作命名,讓畫成為生活的有聲切片。這習慣也被帶到《會唱歌的畫》現場,看展時歡迎到臨窗小桌點播歌曲、為展場變換音樂,從François Bonnel專屬歌單找到與畫共鳴的聲音,跨越時空重回藝術家創作的時刻。

法國藝術家François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂
(圖片提供:Bluerider ART)

自私的藝術家

François Bonnel笑說自己是位「自私的藝術家」,創作只為了開心,沒有要講什麼大道理,「繪畫是一種純粹的樂趣,並非為了傳達訊息或哲學,而是簡單沉浸於其中。」這份單純的起心動念,正是讓他的畫作如南法陽光烘乾枕頭般愜意、舒適的秘方。

法國藝術家François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂
(圖片提供:Bluerider ART)

弗朗索瓦・邦內爾 François Bonnel 在台首個展《會唱歌的畫》

展期|-2024.06.30

地點|Bluerider ART 台北.敦仁(台北市大安區大安路一段101巷10號1F)

營業時間|週二至週日 10:00-19:00