高雄市立美術館「minä perhonen /皆川明 つづく」特展，於2022年10月22日至2023年2月19日盛大展出。而本展首度移展海外，皆川明與其minä perhonen品牌團隊十幾人，更親自來台布展，以將展覽的核心概念「美好生活設計者」原汁原味地呈現在台灣觀眾面前。而在開展當天，皆川明除與大家分享つづく展的看點，也帶逛展區，接下來就跟著La Vie的文章，一同走進日本當代設計大師的創作世界。

▷皆川明つづく展覽高雄市立美術館開展！

「minä perhonen /皆川明 つづく」首度移展海外

「minä perhonen /皆川明 つづく」一展，為2019年東京都現代美術館重新開館之際舉辦的首展，同時是慶祝minä perhonen邁入25週年的大展，接續也在兵庫縣立美術館、福岡市美術館及青森縣立美術館巡迴展出。而對於此次海外首展在高美館登場，皆川明說，青森的展覽10月初才剛結束，多虧所有工作人員、展覽團隊同心協力地幫忙，才能夠在短時間內將展覽完美呈現在大家眼前。「其實在我人生中，每到重要的時間點，最大特徵就是會下雨，當我今天早上起床時，看到外面在下雨，我就知道這次在高雄的展覽，是我人生中重要的事情。」

身心與物質的循環才是真正的永續

而常見的時尚、服裝設計展覽，會以展示成品或按照時間軸來呈現，不過，つづく展不單單能窺見設計是怎麼產生，更想要強調的是，人們覺得不可思議的點子，是如何透過職人的創作來賦予這些材料生命、將它幻化成一件物品。皆川明更提到，最近非常流行的永續性(sustainability)一詞，多著重在物質的循環，但事實上，藉由人們的思考而製作出的作品，可以停留在人的記憶中、變成我們心中的一部分，而這般身心與物質的循環，才是真正的永續。他也希望大家在展區裡，可以看到這些職人是以什麼樣的心情與熱情來製作，以及體會到穿著方在長期使用這些衣服時所獲得的喜悅。

跟著日本設計大師皆川明逛展覽！

⭔ minä perhonen永不過時的設計巧思

而在踏入展場前，則先能看見由105件minä perhonen紡織設計品構成的「雲」作品，其在陳設上不依照製作年代或季節來排列，帶出品牌「永不過時」的設計巧思，以及對於永續的重視，同時展現出猶如雲朵般的自在隨興感。

⭔ 25顆小圓點構成tambourine鈴鼓圖樣

在〈實〉展區中，可見到minä perhonen從2000年開始使用、代表性的「tambourine（鈴鼓）」圓圈花紋，而裡頭其實包含了25顆、形狀略有不同的小圓點，「這些一小顆的圓點，就像是一個人的個性，每個非常獨特的個體聚集起來就是一個社會、甚至是一個國家、一個地球，因此，這些圓圈也代表著『曼陀羅』的概念。」而一般流行，來得快去得也快，但皆川明希望，minä perhonen的鈴鼓設計能夠讓大家使用很久、延續下去，因此本次展覽名稱才以「つづく」為主題。

⭔ 了解設計過程中的巧思

〈芽〉展區則展示著minä perhonen所有織品中的一部分圖樣，而這些布料設計手稿，並不是透過電腦繪圖，而是品牌設計師以手繪或切割的方式雕琢、製作出來。

〈森〉展區最大的特色在於，不以時間序列或季節來區分，而是一次展示出過去27年minä perhonen所設計出來的服飾，且在這些服裝裡頭，並沒有所謂的新與舊，因此大家可以在這個展區，仔細觀看每件衣服，是職人以什麼樣的技巧，將這些服飾製作出來的。

⭔ 光廊——織品的故事

接著拾級而上，穿越一道略窄的樓梯時，可以邊欣賞垂掛而下的minä perhonen布料，其中有件如迷彩畫的作品，裡頭隱藏著切割下來的白色花朵布料，意味著比起戰爭，善良與仁慈更能帶來幸福。

⭔ 日常生活中的minä perhonen

在〈風〉展區，播放著minä perhonen的設計，在日常生活中如何被運用、呈現何種風貌的影像。〈根〉展區則完整展示皆川明為了小說、報紙所畫的一些插畫，而這些插畫跟織品設計的表現手法又不大相同，可以細細品味。而要前往下一個展區時，可窺見下樓樓梯的兩側，有一些皆川明平常在思考事情所寫下來，或對他而言非常重要的話語。

⭔ 窺見minä perhonen的點子如何誕生

踏入〈種〉展區，首先可見到皆川明19歲去芬蘭時，用了所有的旅費所購買的外套，這也讓他深刻地感受到，一件衣服能夠發揮的力量有多大。而這個展區取作〈種〉，意味著一個想法是如何孕育出來的，因此大家可以窺見minä perhonen的設計是如何呈現、材料如何運用。像是品牌多餘的布料，有一些小小花紋的話，便會將它運用在鈕扣上，「或許大家會覺得在製作的過程中，最後用不完的東西就是一個浪費，但若我們能隨時思考到，每件物品都有職人嘔心瀝血製作出來的過程，我們便會去珍惜每塊布料、最後一點一滴都非常珍貴地使用。」

而除能看到minä perhonen與國外品牌、藝術家聯名合作的作品，皆川明也特別介紹，以「二重織」技法製成、擁有兩面色調的布料，當它用在單椅上時，椅面將隨著時間、慢慢露出裡頭那層布料的顏色，不僅顯現出家具的歷史，也賦予其新生命。

⭔ 服裝擁有者與衣服的點滴故事

最後的〈土〉展區展出從minä perhonen服裝擁有者借過來的的衣服，搭配每個人針對這件服裝所寫下的回憶故事，讓大家可以細細品味，並體會到minä perhonen的設計與想法是如何幻化成衣服，進而透過穿著的人，化為記憶、留存在心底，而這般身心與物品的循環，也正是皆川明所認為的「永續性」。

皆川明 つづく特展

展期：2022.10.22 （六）～2023.02.19（日）

地點：高雄市立美術館 104-105展覽室

票價：展期全票$280

文字｜Judy Cheng

2023年底登場的「Camping Asia」，由臺北表演藝術中心、法國國家舞蹈中心、香奈兒三方合作，透過營隊形式，打破機構、藝術家、學院之間的疆界，實踐人才培育、國際交流、跨領域對話的核心理念。

延續此成功，香奈兒品牌也支持國立臺北藝術大學（以下簡稱北藝大）舞蹈學院，將於今年底重新詮釋 20 世紀最具影響力的經典舞碼作品 Pina Bausch《春之祭》，以培育新世代舞者。La Vie 以給下一代的舞蹈藝術為題，邀請舞蹈學院教育家何曉玫、旅外國際舞者余采芩、台灣新生代舞者邱柏盛、許韶軒、林韋辰分享彼此所見，激發不同世代的靈感火花，打開舞蹈藝術的全新可能。

香奈兒在文化贊助方面早有悠久豐富的歷史，如今則與全球各地領先的文化機構開展長期合作，開辦推廣創意和文化思維創新的全新項目。「香奈兒文化基金」（CHANEL Culture Fund）支持理念相符的藝文機構，也透過「CHANEL Next Prize」挖掘全球創意新銳、Podcast 頻道《CHANEL Connects》則探討當今與未來文化趨勢。

聚焦台灣，近兩年與臺北表演藝術中心合作的「Camping Asia」及「Dance Talk」計畫，共同致力於推廣表演藝術在亞洲的發展，首屆「Dance Talk」不僅邀請台灣重要的舞蹈創作者開拓年輕舞者的視野，11月亦將偕同衛武營國家藝術文化中心，帶來一場跨世代的對話和身體律動工作坊。

渴望的力量，讓身體自己動起來

參與首場台北「Dance Talk」、現為北藝大舞蹈學院院長的編舞家何曉玫，開門見山地點出，在全球各個城市裡，舞蹈往往是最弱勢的藝術形式，每一位想成為專業舞者的人，都需要比其他藝術領域花費更多的時間去鍛鍊和學習，「舞蹈是一門非常殘酷的藝術，舞者可能很快受傷，或只能再跳幾年便失去舞台，無論是身體還是心理，得面對的競爭和挑戰都非常嚴苛。何況它並非一種能用語言表達的藝術，需要觀眾願意懷抱想像力和開放心態來認識它。」

何曉玫認為，所有能夠打動人的事物，都是源於真正的用心與對細節的掌握，「舞蹈每一個成果都得來不易，既脆弱但也是最堅韌的，因為舞者是真實的人，透過情感的聚集，展現出強大的力量。脆弱與堅強，正是我在舞者身上所見到的兩種能力，而香奈兒對舞蹈的支持，無疑是這個藝術領域中的一大幸運。」

何曉玫也談及林懷民老師對她的影響之深遠，特別是在1980年代的台灣，他做事的態度就像是「桌子一拍，拚下去！」，不管有多困難都不斷堅持往前。「記得有一次和林老師的個別談話中，我不禁情緒崩潰，大哭了起來，我說我不想再當第二，為什麼無論做什麼事情，我總是拿不到第一。結果林老師並沒有用鼓勵的話安慰我，他只是簡單地回覆：『那你就要努力朝向第一。』我頓時明白，做事情不需要仰賴別人的眼光，而是應該忠於自己內心的渴望，並且以200%的努力去實現這個目標。」全力以赴、毫無保留地投入，這精神深深啟發了何曉玫。

以長達3年時間進行的《默島進行曲計畫》，是何曉玫將舞蹈融入傳統文化場域，讓舞作來到了廟埕，和在地陣頭夥伴及藝文隊伍進入地方參與台灣各地民俗慶典，鼓勵民眾一起來跳舞。「當代舞蹈的觀點中，所有人的動作都是舞蹈，你的坐、臥、行、走都可以被視為舞蹈。所以，為什麼我們不能認同自己的『踏跤步』也是舞蹈的一部分呢？」另外，她也強調即興舞蹈的耐人尋味，當給予舞者充分自由時，可以很快地看出其個性，這些自由的表現能夠揭示出他可能需要如何蛻變自己，如何通過更多不同的訓練，走向更全面的自我開發。

邱柏盛：我想成為能讓人感受得到「溫度」的舞者

目前就讀於北藝大舞蹈系碩士班的邱柏盛，透露當初之所以喜歡舞蹈的起點，「我是來自鄉下的小孩，因為看到歌仔戲開始對肢體感興趣，世界知名編舞家碧娜．鮑許更深深衝擊我，小學時曾看過她的紀錄片，在那個年紀，多數同學都覺得無聊，我卻看得入迷不已。」邱柏盛說在作品的排練過程中，對於細節的要求逐漸培養了自身對表演的標準，無論是身體詮釋還是情感投射，甚至手腕輕輕的一個角度，都會帶來不同的情緒，而這些細節最終成為舞者未來創作與表演的養分。

「最近與余采芩老師的排練讓我印象深刻，她親自示範了一個橋段，儘管那個動作並不複雜，只是一個輕輕走過的行為，但全場似乎都靜止了。」這種臨場感和張力，他認為是無法用文字或攝影機記錄的，這正是劇場最大的魅力。若要想像未來的十年，邱柏盛希望自己成為一位真誠的舞者，不論是在舞台上、排練場上，還是在創作過程中，都能始終保持真實，並能讓觀眾感受到舞蹈中傳遞的溫度與情感，「我最喜歡舞蹈中非常純粹的表達，它不需要過多的修飾，就能直達人心！」

許韶軒：不再犧牲自己成為別人，我在舞動中成為獨立個體

從6歲開始習舞、目前就讀北藝大舞蹈系貫六的許韶軒，回憶起自己當初只是單純地喜歡表演，享受在教室裡與同學一起跳舞的凝聚力，隨著年齡增長，舞蹈成為她表達情感的方式，開始用舞蹈來呈現最真實的自己，訴說內心的故事。

「舞蹈帶給我最大的快樂在於，過程艱辛，卻能看清自己在其中的成長與進步，除了即興演出讓我更真實地傾聽內心；群舞中，則讓我了解必須找到與其他舞者之間的關係更為重要。」她期許自己對未來的想像是廣闊的，舞蹈藝術是一個競爭激烈的領域，若能在其他領域中學習更多知識，可以讓她在舞蹈的路上走得更遠更廣。

許韶軒也分享， 她上學期修了一門文學課，課堂上討論到不同領域的結合，包括當今為了突破舞蹈表演在舞台上的既定印象，許多人嘗試將戲劇元素融入舞蹈中，這種結合在某種程度上是一種突破，打破了傳統舞蹈應該有的樣子，並以更生活化或戲劇化的方式來呈現作品。「如果這種突破變成一種固定的模式，是否會讓作品失去舞蹈的本質？我們該如何界定戲劇表演與舞蹈表演的差異？值得我們探究。」至於舞蹈的推廣，許韶軒認為，藝術是一種主觀的表達形式，她希望透過作品引導觀眾思考生命或社會議題，從中找到與自己的共鳴。

林韋辰：舞蹈中人人有故事 細微舉動流露獨特情感

「舞蹈能讓我專注於當下，並將身體練至極致，以表現恐懼、痛苦、狂喜、憤怒等複雜情感，對我來說，跳舞就是『呼吸』，就是『活著』。」就讀北藝大舞蹈系貫七的林韋辰，提及一次與余采芩老師排練的互動經歷，「她示範了一個簡單的跑步動作，強調跑步時，要想像前方有東西帶領你，用胸口和呼吸去引導動作。這種方式讓跑步變得更富情感，展現了更多內在力量。」

曾到巴黎參與交換學生計畫的他，看到舞蹈與戲劇、音樂等領域的結合，讓他有感未來的舞蹈將越來越多元化，舞者必須不斷吸收來自不同領域的靈感，創造出新的藝術形式。「現代舞最大的挑戰，也許就在於如何讓大眾更容易理解和接受這種藝術形式，因此希望自己成為一名多元化的舞者，能夠掌握各種風格和元素，並在與不同編舞家的合作中靈活運用自己的技巧。」林韋辰認為，在solo時可以更加自由地融入自己的個性與風格，但在群舞中， 則需要考慮與其他舞者的協調，保持一致的色彩、色調。「在稍早與柏盛、韶軒的排練中，曉玫老師特別指導我如何用後背帶動手臂的動作，我驚覺舞者每天的身體狀態都不同，因此每天都面對著新挑戰，學習如何在不同狀態下調整身體，這是一個不斷磨練的過程。」

未來的舞蹈？找到集體共識之美

在表演藝術中，展示自己的觀點和個性是至關重要的。何曉玫在指導3位舞者即興的過程中，強調當要求學生一遍又一 遍地反覆練習時，核心在於舞者是否願意再多認識自己一點，是否願意去探究那些他深信自己已經理解的事物背後的內涵。「采芩讓我看到，除了她勇敢追逐夢想的勇氣，還有她的執著一樣難能可貴，從北藝大畢業後，甘願重新花4年時間攻讀埃森福克旺藝術大學，因為那是她想去到的境界。」何曉玫指出，過去亞洲的教育體系中，我們常常被教導要謙虛、不要多說話、要服從。然而，作為表演者或藝術工作者，更應該大膽地發出自己的聲音，不要退縮、敢於犯錯。

何曉玫自2011年起推出「鈕扣*New Choreographer」計畫，邀請旅外優秀舞者、編舞家「回家」創作與演出並交流國際經驗。2023年擔任「Dance Now Asia亞洲舞蹈藝術節」總策演人，邀請台北、大邱、東京、吉隆坡4個亞洲重要城市舞團參與，以「亞洲．跳」Connecting Islands為核心主題，探索島嶼與島嶼間的文化異同。

「我經常思考，我們是否有可能建立出屬於自己的亞洲美學？畢竟，我們的外貌和身體都與西方不同。如何回到自己的文化，重新思考現代性是什麼？希望更多新世代舞者可以一同探索、一起好奇，跳出屬於我們亞洲文化的身體。」

何曉玫

國立藝術學院舞蹈系畢業，美國紐約大學舞蹈碩士，曾任臺北越界舞團團長，並多次受邀擔任雲門舞集客席編舞家。2000年前後活躍於國內外舞台，持續發表作品，多次受邀於國際舞蹈節演出，2010年創立何曉玫MeimageDance舞團，2011年起推動「鈕扣*New Choreographer」計畫，2023年策展Dance Now Asia推動亞洲舞蹈鏈結。現為國立臺北藝術大學舞蹈學院院長。

旅歐舞者余采芩談跨世代共創：舞者往內心深掘，無論在哪都能找到屬於自己的光芒

我 6 歲開始學舞，一接觸舞蹈就無法自拔地愛上了跳舞。12 歲時，我已經非常清楚自己想要站在國際舞台上表演，即使身體能力並不算特別出色，但北藝大的老師們仍然給了我很多機會參加展演。前往德國深造後，出身於碧娜．鮑許舞蹈劇場的老師告訴我：「來到這裡，要把以前學到的東西都丟掉，重新開始學習。」這句話花了我一、兩年去消化，但最終，它讓我在舞蹈的道路上取得了更大的突破。

相比於古典芭蕾的美和規範，現代舞非常自由，創作和表演都記錄了不同年紀的所思所想，允許你表達內在情感，讓我在舞蹈中找到了抒發和釋放的空間。不過，舞蹈不應該只是單純的情感發洩，作為一名編舞者，有責任站在觀眾的角度來看待自己的作品，舞蹈不僅僅是為了自己，更是要能夠讓觀眾有所感受、有所思考。

台灣的舞者，包括以前的我，常常因為站在舞台上的壓力，覺得自己必須做到完美、必須讓自己看起來毫不費力，然而碧娜．鮑許常常讓舞者感受極度疲憊，當你累到無法再偽裝時，真正的情感和狀態便會自然流露，我希望學生們能夠透過舞作，對不同的表演方式有全新的體會。

這次在北藝大的舞者甄選和排練中，看到每個舞者都有自己獨特的身體特質和表現方式。柏盛非常努力、對舞蹈充滿熱情，從他身上，我看到了過去那個拚命三郎般的自己；韶軒是一個可愛又快樂的女生，無論排練有多麼辛苦，她總是帶著微笑，我忍不住想問她：「這支舞就像在地獄一樣，你在地獄的時候，笑得出來嗎？」初期的分段排練，舞者們還沒有真正感受到這支舞有多麼累人，直到最後幾天進行完整排練，她完全展現了應有的投入狀態， 整個人亮了起來；韋辰也是一個身體條件非常好的人，他和其他兩位舞者的共同點是，都對舞蹈充滿熱情，深深熱愛著舞蹈，這分熱情驅使他們不斷學習和探索，追求更高的表現力。

好的舞者不僅需要柔軟的身體，更重要的是協調性和質地，找到屬於自己的舞蹈語言。在我與這些年輕舞者合作的過程中，不僅是他們在學習，我也在過程中不斷反思和成長。很多人說看不懂現代舞，坦白說，身為舞者，我也不是每次都能看懂。舞蹈藝術的未來會如何發展，就像播種後，究竟會長出一朵花，或長出一棵樹，或者完全不發芽，我們現在無法得知，可是至少有這一片土壤，提供了各種可能性。創作者最終還是必須回到認識自己的道路上，從生活經驗出發，因為人性才最能打動觀眾、獲得共鳴。

余采芩

2003年畢業於國立臺北藝術大學舞蹈系，2006年畢業於德國埃森福克旺舞蹈系並開始研習獨舞表演，期間多次演出德國知名編舞家Susanne Linke之經典舞作〈Wandlung〉並成為其舞作傳人之一，同年成為烏帕塔舞蹈劇場碧娜．鮑許《春之祭》之客席舞者，隨舞團巡迴各國，2008年正式成為台灣第一位進入烏帕塔舞蹈劇場碧娜．鮑許舞團之團員至今。

_{文、採訪整理｜張瑋涵   平面攝影｜林軒朗   動態攝影｜周家祺
化妝｜李孟書、Nash Chen　髮型｜翁與盛、Jun Zhang
圖片提供｜何曉玫MeimageDance舞團}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/10月號《跟著咖啡去旅行》

走進日本藝術家稻垣美侑的展覽，就像打開一本「空間繪本」，她擅長透過將繪畫及其衍生的片段組合在同一空間，來解構已知的風景，並嘗試建構新的景象，就像打造出一個敞亮的維度，邀請人們走進她觀察和感受的世界。

今年10月19日起，朋丁將舉辦稻垣美侑個展《黑冠與水坑》，展前藝術家特地來台取材，途中偶遇的黑冠麻鷺、基隆海濱砂岩地質令她印象深刻，從而發展出全新繪畫及陶藝作品，以獨特視角重現並帶你我重新閱讀熟悉的風景。

「世界曾經是什麼樣貌？」

「世界曾經是什麼樣貌？」是稻垣美侑創作中從不缺席的重要提問，這不僅是對眼前風景的單純疑問，同時也是嘗試想像和不同立場進行對話的意識表現，比如鳥類、昆蟲是如何看待和感知這個世界的？隨著觀察角度的不同，世界的解讀方式也會有巨大變化，這麽說來，世上存在的生物數量有多少，或許就有多少個不同的世界，而人類只是世界的一小部分而已。稻垣美侑透過了解自然環境與不同生物，以豐富多樣的視野看待眼前世界。

《黑冠與水坑》靈感源自台灣風景

2024年5月，稻垣美侑為朋丁個展來台灣取材，在台北街頭偶遇黑冠麻鷺，這種被暱稱為「大笨鳥」的鳥類，竟然毫不畏懼人類，悠然自得地在城市中漫步，這一幕在她心中留下了深刻的印象。同趟旅程中，她在基隆發現了海邊的砂岩地質，其受到風和海浪的侵蝕，削蝕的岩石表面隨處可見小小的窪地，這些窪地中積存著海水或雨水，映照出每天變幻莫測的天空色彩，都是留在她心中的美麗景觀。

她的創作靈感由這趟漫遊展開，展覽標題也取自於此——「黑冠」和「水坑」，兩者的共同點是由當地的自然環境孕育而成，存在著漫長歲月。海浪、風化與地形，在這2500萬年的漫長歲月間，交織出什麼樣的影色？黑冠麻鷺茶褐色的身軀、黑色的冠羽，邊走邊用大眼睛觀察周遭，這些自古以來棲息在台灣的鳥兒，究竟看著怎樣的風景呢？

親近土地，反覆閱讀

不只在台灣，稻垣美侑總是在生活中尋找能夠開啟想像的風景，她說：「當我造訪一片新土地時，我非常重視四處走動，反覆觀察所見的多樣風景，以此觸碰這片土地所特有的景色。」

過往展覽〈青の遊泳 / 游玩海中〉重現她對三重縣鳥羽市的觀察，在這座靠海漁村，她透過海女們的話語理解她們的生活，開啟對海面下世界的想像；又或〈渦としかく／漩渦與方塊〉呈現廢棄建築與蝸牛的共生關係，並用螺旋狀與方形的交流，重譯在一大片風景中的感受；〈ぐぜり／呀呀鳥語〉則以不同的畫作呈現鳥語的節奏、出現的所在，對稻垣美侑而言，「聲音」也是構成風景的重要元素，因此聲音的意象往往會反映在她構圖的節奏或色彩上。

在朋丁個展〈黑冠與水坑〉中，稻垣美侑以訪台時所捕捉到的風景為靈感，透過詩意的方式轉化我們習以為常的生活。她的展覽都為空間與主題量身訂做，將風景收束成一片片繪畫創作，再跨越出繪畫，延伸出不同質地、材質、維度的展出可能性，包含立體、雕塑、空間感等表現方式，不被平面畫布所框架、靈活運用環境中各種元素，用瞬間的美麗觸發感動。

《黑冠與水坑》稻垣美侑個展

展期｜2024.10.19－11.3，週一公休

時間｜12:00－19:00

地點｜朋 丁 pon ding（台北市中山區中山北路一段53巷6號）