皆川明つづく展覽高雄市立美術館開展！從950件展品中，一窺日本設計大師的創作精髓

皆川明（Akira Minagawa）與其創辦之品牌「minä perhonen」，在台灣的首次大規模展覽「minä perhonen/皆川明 つづく」，於2022年10月22日至2023年2月19日在高雄市立美術館（高美館）盛大登場。本次的皆川明つづく (TSUZUKU）特展，除展出minä perhonen的經典布料、時裝、家飾等設計模型，更有皆川明插畫手稿、設計原稿、錄像以及文獻檔案等近950件展品，將帶領觀者一窺設計大師的創作精髓。

▷皆川明帶逛高美館「つづく」特展！跟著日本大師一探展區巧思

皆川明2023/1/14、15將二訪高雄

應廣大粉絲期待，日本設計大師皆川明與其minä perhonen品牌團隊，將於1月14、15兩日特別二訪高雄。高美館館長李玉玲表示，1月14日10時30分至16時30分，她與皆川明（品牌創辦人暨設計師）、田中景子（品牌CEO暨設計師）與長江青（品牌公關總監暨設計師）等三位minä perhonen設計師將不定時現身於《minä perhonen／皆川明 つづく》展覽現場、親自為觀眾朋友們導賞作品，邀請民眾與設計師在展覽現場不期而遇；而隔（15）日10時30分至12時30分則將於高美館地下樓演講廳舉辦《minä perhonen／皆川明 つづく》創作分享暨簽書會，由皆川明、田中景子與長江青三位設計師一同現身說法，分享品牌27年的設計精神與創作理念。

設計大師皆川明與其品牌minä perhonen

1967年出生於東京的皆川明，在國際時尚界有著獨特地位，其在1995年成立了自己的品牌「minä」，正是現在minä perhonen的前身。「minä」一詞代表著芬蘭語的「我」，「perhonen」則有著「蝴蝶」之意，其服飾使用多元豐富的花紋布料、不追逐流行，而是希望打造出貼近人們生活且風格獨特的「特別日常服」，同時期盼穿上minä perhonen的人們能如蝴蝶般自在地展翅、飛舞。而除了服飾，品牌也逐漸發展家飾、寢具與瓷器等各種與生活時尚相關創作，廣受全世界喜愛。

皆川明海外首展高雄10月展出

而「至少延續百年」為皆川明創立品牌時的重要理念，其期盼即便創始設計師不在，品牌也能永續發展，而本次展覽名稱中的「つづく（音讀作TSUZUKU）」，有著「延續」之意，除帶出品牌在時間軸的延續性，也讓人聯想到連續、攜手、循環等人事物所共同產生的連結。而在2019年，東京都現代美術館重新開館之際首登場的「つづく」，同時為慶祝minä perhonen邁入25週年所舉辦的大展，之後也陸續在日本兵庫縣立美術館、福岡市美術館、青森縣立美術館展出，海外首展更是選在台灣的高美館。

完整呈現「minä perhonen」品牌歷程

而本次皆川明つづく特展，以〈雲〉、〈實〉、〈森〉、〈芽〉、〈風〉、〈根〉、〈種〉、〈土〉、〈空〉等不同子題呈現「minä perhonen」品牌的發展歷程。除了經典布料、時裝、家飾等設計模型，也展出皆川明的插畫手稿、設計原稿、錄像以及文獻檔案等展品。同時邀請到日本平面設計師葛西薰（Kaoru Kasai）擔任主視覺設計，日本建築師田根剛（Tsuyoshi Tane）針對高美館的展示空間進行特別規畫，不僅完整介紹皆川明創立品牌以來的精彩內容，也帶大家走進設計大師的創作世界。

呈現永不過時的設計理念

而在展覽一開始可見到的〈雲〉一作，便是以105件minä perhonen紡織設計品構成，陳設上並無按照製作年代或是季節等時序進行排列，以呈現永不過時的設計概念，以及品牌對於「永續性」的重視；〈實〉展示minä perhonen代表性的「tambourine」設計起源乃至變成布料的過程；〈森〉展示品牌創始至今所發布過的180多件服裝，且同樣並無按照製作年代或是季節時序排列陳列，展現出不被流行所侷限的通用性設計；〈芽〉則展示著品牌設計師們在俯拾日常之所見及旅行中邂逅的風景中繪製的布料設計手稿。

細細品味美好生活設計

在〈風〉裡可透過當代錄像藝術家藤井光的作品一窺品牌服飾在人們日常生活中呈現何種風貌；〈根〉著眼於皆川明個人的創作，完整呈現出他為報紙連載所繪製的插畫，皆川明的插畫有著細膩的點和線，與他在織品設計的表現手法十分不同；〈種〉以詳盡的文獻檔案介紹了設計思維、設計原型以及靈感來源等品牌的製物哲學與創作想法；〈土〉則聚焦在服裝與擁有者的關係，展出他們的愛用服裝以及其與衣服之間的點滴故事；〈空〉則是以年表形式呈現品牌的歷史軌跡。

PLUS！皆川明つづく特展周邊商品

看完展覽，也不妨至高美館大廳旁的特展周邊商品販售區逛逛，裡頭販售帆布袋、紙膠帶、明信片、徽章、筆記本等商品，部分包款數量有限、售完為止，有興趣者記得收藏。

皆川明給台灣觀眾的話！

為了能享受並維持我們的日常生活，重要的是，如何使設計與喜悅得以串連，同時使其維持長久的關係。

經由感受到製物的過程中，人與物的關聯性，以及所蘊含的感情，這將加深人們與物之間的關係。物品不僅僅是個物質對象，更是人們思想與感情的結晶，牽動情愫，讓人們產生憐愛。在其中，人們可將自己生活的記憶，積累交疊成珍貴的寶物。從思想及靈感中創出形樣，而形樣則為我們帶來記憶及新生的喜悅情懷。我們相信，這樣的循環定能使日常生活變得更為豐富。

最後，我想對所有參與本展的夥伴們致上衷心的感謝，謝謝各位的努力，使本展得以與台灣朋友們共享。謝謝！

皆川明 つづく特展

展期：2022.10.22 （六）～2023.02.19（日）

地點：高雄市立美術館 104-105展覽室

票價：展期全票$280

資料提供｜高美館

四川與墨西哥城，兩座相隔萬里的城市，因藝術而有了交集，因兩位藝術家對「光」的共同追求，而產生跨越地域限制的共振。

台北藝廊TAO ART與巴黎瑪戈畫廊（Galerie Marguo）攜手推出《餘光》展覽，帶來中國藝術家謝帆、墨西哥藝術家Dennis Miranda Zamorano新作。儘管在尺幅、創作過程與文化語境上有所不同，兩人的作品皆訴說著某種「衝動」，也都試圖捕捉「光」所觸及的事物，並共享「信任材料得以表達自身」的創作哲學，讓圖像在「有機狀態」中生成。

橫跨四座城市的策展計畫

《餘光》作為TAO ART首次製作的雙人展，籌備過程涉及複雜的跨國合作——2位藝術家各來自四川、墨西哥城，主辦藝廊則分別位在台北、巴黎。對此TAO ART創辦人Vicky Chen表示，不同文化與創作形式之間的交流和火化，一直是TAO ART所關注的核心，而此次《餘光》在2位風格看似迥異、文化養成背景極其不同的藝術家之間，捕捉到了有趣的共鳴，傳遞了藝術和思想跨越國界的內在力量。

瑪戈畫廊共同創辦人Vanessa Guo則補充，《餘光》的起點源自一個簡單的觀察：儘管謝帆與Dennis Miranda Zamorano之間存在許多差異，卻都試圖透過藝術作品，將某種「光亮」凝止於當下，「或許這因2人皆來自嗜辛之地——四川與墨西哥城，共享著貫穿文化、地景與感官經驗的強烈能量。一位將這種能量轉化為耐心與大地的質感，另一位則化為迫切的表達與偶然的力量。」

謝帆｜交織感官、視覺、材料、生態的藝術創作

謝帆的藝術創作，體現了他對「物質」及其所蘊含的力量的深度探索。製作陶板繪畫是他日常生活的一部分，他親自準備泥土、燒製陶板，以細膩筆觸在陶板上作畫，這些作品未經矯飾，以貼近土地的質樸氣息和面貌，映現創作者的生活經驗，及對世界萬物的觀察。此次展覽亮點之作——「天象」系列陶板繪畫，描繪日月運行的軌跡，表達人類與宇宙之間的感知關係，捕捉了人類對光的深刻渴望。

除了陶板繪畫之外，謝帆也在絹上悉心作畫，並使用中片幅相機攝影。他在成都的工作室不僅是繪畫創作的空間，也像一座實驗室，他在那採集野外食材嘗試料理，培養微生物的小型生態系，長時間觀察其變化與行為。他對世界常保敏銳感受與好奇心，由此開展出交織感官、視覺、材料、生態的藝術宇宙。

謝帆的作品流動著靜謐能量，讓觀者得以進一步意識並感受身體周遭、從大地延展至天空的廣闊空間。Dennis Miranda Zamorano的藝術創作，則透露了創作者和媒材之間原始、強烈的能量交流，彷彿將某種世界神秘的初始力量引入畫布之上。

Dennis Miranda Zamorano｜探索「超越人類存在」的藝術能量

Dennis運用噴漆、刀具、砂紙、化學材料等媒材創作，並將成長經驗轉譯於畫布，他自小的生活節奏隨著墨西哥露天市集（El Tianguis）流動，這份經歷讓他對各種「偶遇」擁有相當敏銳的感受，這也影響他適時放手、任作品「有機生成」的創作手法。舉例來說，Dennis部分作品與「雨水」共創，任自然元素參與作品的成形，在畫布上激盪出豐富層次與意想不到的效果，呈現一種「超越人類存在」的獨特感染力。

《餘光》展覽中尺幅最大的作品〈獻給美洲的花園〉，是一片瀰漫憂鬱氣息的遼闊藍色場域，其上覆蓋著複雜、細膩的各種形狀，如植物的枝葉根莖，夾雜著宛若斑駁光影灑落牆面的幽微印痕。

另一件作品〈黑暗中的光之樹〉則如神話場景，描繪著在黑暗森林中閃爍的微光，色彩波紋在水面與倒影之間蕩漾，透過豐富的筆觸、滴落的顏料、大膽的色彩與空間構成，營造出引人遐想的夢幻畫面。

Dennis曾說，他與謝帆的共鳴來自兩人都理解「信任材料會表達自身」的重要性。當兩人的作品置於同一空間，不僅是作為圖像而彼此對話，也開展了繪畫作為一種語言的可能性。身為觀眾的我們，也得以透過兩位藝術家的創意激盪，窺見繪畫顯現內在感知世界的能量。

《餘光》

展期｜2026.05.23－07.18

地點｜TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）

開放時間｜週二至週六 11:00－19:00

在當代社會中，「百合」被用來指稱女性之間的情感慾望，乘載愛戀與迷離。新竹市美術館《百合》以此為名，從歷史、文學、藝術、臺灣原住民文化、電影中找尋線索，擴延並探索「百合」一詞的意義——在這場展覽裡，「百合」不再只是談論女女戀愛或慾望，而是透過9組當代藝術家的演繹，開展出一種開放且未被完全定義、屬於女性主體的文化經驗與情感空間。這些經驗和空間的終點和界線在哪？或許正如展覽副標所題——「直到觸及我們的情感象限」。

「百合」意義如何隨時代演變？

「百合（Yuri）」一詞源於1970年代的日本次文化語境，最初用來指涉以女性之間情感為主題的漫畫創作。隨著文化的發展，關於「百合」的敘事逐漸滲入更廣泛的大眾文化媒介，包括文學、影視與網路創作等。那些游移於友情與愛戀之間的親密情誼，也透過大眾文化觸及女性對性別與自我認同的情感經驗。

臺灣作家楊双子就曾於《少女之愛》一書中，擴延「百合」的意義。他認為，「百合」並非單一方向的愛戀或分類標籤，而更像是一種自由流動的情感座標，一種觀察、想像與投射關係的方式。

另一方面，若我們就時間軸往回追溯，「女性慾望另一個女性」的情感其實也不是在「百合」一詞出現後，才被觀察到。綜觀東亞歷史，會發現從臺灣泰雅族的「Temahahoi 女人社」傳說、台灣全女班歌仔戲，到風靡女性觀眾的寶塚歌劇團、韓國女性國劇等以「純女」為核心的表演傳統，都曾以不同形式描繪女性彼此之間的情感、凝視與慾望投射。

因此在《百合》展覽中，策展人王咏琳、林映穎並不限定「百合」只是一種明確的關係，而認為這更接近一種對情感與性別的延伸想像。「百合」不再只是談論女女戀愛或慾望，而是一種得以鬆動分類、重新想像親密關係的觀看方式。在這個意義之下，展覽試圖探問：「百合」如何在當代開展出一種開放且未被完全定義、屬於女性主體的文化經驗與情感空間。

集結9組藝術家，梳理當代女性的生命與情感經驗

《百合》匯集9組國內藝術家共同演繹，包含2019威尼斯雙年展韓國館代表藝術家鄭恩瑛（siren eun young jung）、艾美獎得主加拿大藝術家佩特拉・托頓（Petra Totten）、剛於倫敦海沃德美術館舉辦個展的李奧森、曾參展瀨戶內國際藝術祭的日本藝術家西山美奈子（Minako Nishiyama）、入圍2026金曲獎的女子雙人樂團凹與山、擅長詼諧觀點切入的藝術家黃海欣，曾於多處國內外重要機構展覽的林安琪 （Ciwas Tahos）、王亮尹與劉文瑄，以及新竹女中沂風漫研社等，一同梳理戰後與當代的女性生命與情感經驗。

從藝術作品、楊双子座談到派對，《百合》展覽亮點一次看！

展覽特別委託日本藝術家西山美奈子現地製作其備受好評的《灰姑娘俗麗誌S+》，本作援引少女文化，混合了「莉卡娃娃屋」和日本純女劇團寶塚舞台的背板，去年於國立新美術館《時代的稜鏡——1989-2010在日本誕生的藝術》展出時吸引不少觀眾注意，這次藝術家也為台灣觀眾帶來特別裝置版本。

以藝術實踐持續重新檢視「女性主義—酷兒（feminist-queer）」方法論的韓國藝術家鄭恩瑛，從2008年開始展開對「女性國劇」之研究、調查與分析，以藝術書寫這個一度風行卻又消失的全女性韓國傳統劇場民族誌。

曾獲得艾美獎的加拿大藝術家Petra Totten，邀請觀眾跟隨作品中的跨性別女性Carrie踏上旅程，感受遮蔽其身分複雜性和「跨性別空間」的地方經驗。

甫完成倫敦海沃德美術館個展的李奧森，其新作《因為會是一下子全消失的滅亡》，受委託者託付，將陌生死者的遺物，帶到遙遠的湖邊與雪地埋葬，透過此一裝置作品，重現社會對於女同志的限制與死後的荒涼。

擅長以詼諧觀點切入創作的藝術家黃海欣，一系列作品圖像《鋼管do re mi》、《網美登山》、《In the Gym》和《台北女子三溫暖》等繪稿，展出藝術家十年裡對於女性當代生活的觀察。

電氣民謠雙人組「凹與山」從自身專輯《Hidden Album》出發，該專輯取用「現代人手機中的隱藏相簿／專輯隱藏曲目」之雙關意涵，談論社會邊緣的情感記憶，並與新竹女中沂風漫研社聯手合作，創作13部百合短篇漫畫。

除以新竹市美術館為主展場，《百合》也同布串聯新竹絕版影像館、新竹市影像博物館，舉辦多場放映會，片單包含對於本展概念形塑至關重要的李美彌《女子學校》。該片在1982年上映時， 以女校之中曖昧難明的同窗情誼作為核心敘事，這樣具有顛覆性的題材在當時引發社會關注；片尾主角們的無奈妥協，也間接映照出當時社會對同性戀仍普遍抱持負面觀感的時代壓力。

展覽另有多元的講座、派對活動，如2026國際布克獎得主楊双子將現身座談，浪漫銀河大舞廳則將共同呈獻「女子學校」展覽聯名派對等。

《百合》從電影、漫畫、音樂、表演與當代藝術創作出發，觀看「百合」如何在不同文化脈絡中被書寫、理解與再創造。展覽結合跨地域與世代的歷史文化切片、大眾文化與情感經驗，描繪女性如何成長、共存與相互回應，鋪展出帶有百合敘事性的感性經驗，並將「百合」的討論延伸至當代社會與政治現實之中，思考女性如何在既有結構之內，持續創造屬於自己的空間、關係與情感語言。

《百合——直到觸及我們的情感象限》

展期｜2026.05.26－08.02

展場｜ 新竹市美術館（主展場）、 新竹絕版影像館 （講座＋作品放映）、新竹市影像博物館 （講座＋作品放映）