觀看展覽、欣賞藝術時，總令人思考：「我到底看到了什麼？」所謂看見，是看懂了作品的形體、藝術家的創作概念，或心生感動與共鳴？若三者只看懂了一種，是否達到真正的看見？為了回應這項命題，LIGHTWELL《可見 不可見》特展集結了三位藝術家——王慶蘋、邱承宏、葉偉立的作品，搭配巧妙的曲折動線安排，提供觀眾三種不同層次的視角，讓看展如同解謎，探尋展間藝術品中的「可見」和「不可見」。

3層探索「可見」與「不可見」的觀看方式

《可見 不可見》是LIGHTWELL首次嘗試非線性的策展模式，也就是將同一藝術家的作品打散，而非集中在同一區域，這麼做十分考驗策展團隊邀請藝術家、挑選展品時的敏銳度，如何符合論述？如何編排最為切題？如何相輔相成，而非一人之作獨大？都需要細細思量。

本篇將策展人李晏禎的策展思考分為3層解析，它們各代表著觀眾挖掘展覽中「可見」與「不可見」的切角：第一層呈現藝術家如何將腦中數不清、看不見的念頭，揉入各自的生長背景、價值觀與記憶庫，再轉譯到具體的作品當中；第二層深入作品本身，探尋其中鮮明可見的符碼與蘊藏其中的隱性記號。上述兩層搭配由「藝術家親述」的語音導覽，帶入感更強。

第三層則藉由非線性的敘事手法，讓彎折觀展動線、觀眾與展品的互動關係，如養成遊戲般，不到最後看不見全貌；這邊偷偷爆個雷，這點尤其反映在藝術家葉偉立展出的作品當中。

《可見 不可見》3位藝術家作品解析

 邱承宏｜粗獷彰顯寧靜 

「寧靜感」是邱承宏作品的獨特氣質，即便使用的是工業化的媒材與技術，那一份由內在記憶散發出來的靜謐，貫穿了藝術家的日常實踐。這次邱承宏展出兩系列作品——《採光》與《繡燕》，兩者皆直接卻優雅的切合《可見 不可見》命題。

邱承宏《採光》｜在水泥板上再創風景

以浮雕形式呈現的《採光》，結合平面繪畫與雕塑技法，創作時邱承宏會先尋覓一面「框景」，並將風景拍下，投影至以建築補土、礦物等材料打造的自製水泥板上；接著進入雕刻階段，以「刨去」的方式將植物剪影、風景中的光影變化，挪移並濃縮至水泥板上。過程中，藝術家看見、移植更創造了風景，而藉由《採光》，邱承宏正是想提供看風景的另一種視角，當立體濃縮為平面、多彩化作單色、輕盈變得厚重，我們是不是仍能將眼前的水泥板，聯想至記憶中那窗外樹影翩翩飄動的畫面，並覓得感動？又或它只是一幅嶄新的、虛實交錯的光景？也或許更多的是，看山是山、看山不是山、看山還是山的意趣。

邱承宏《繡燕》｜當缺陷成為完整之作，我們是否還能看見傷痕？

另一系列雕塑作品《繡燕》，則延伸自藝術家在2020年發布的作品《水泥動物園》，當時邱承宏在花蓮找到一批老舊的水泥動物雕塑，這些斑馬、豹、老虎⋯⋯，多非出自專業雕塑藝術家之手，而是由民間的水泥工匠雕琢，因此外表有些粗糙、滑稽，在七八零年代的台灣蔚為流行，時常見於校園或公共遊樂空間。

而這些早期動物雕塑的裂痕、缺口，則成為《繡燕》的雛形，邱承宏將其掃描，還原出小小傷口的空間樣態，並利用3D列印將其縮放為200倍大、類似石頭的形態，表面以混凝土、礦物、銅線製成大小不一的磨石子雕塑，讓缺陷再次豐盈、令人工雕塑回歸自然，用這種方式與雕塑之前的傷痕對話。

綜觀雕塑，缺角、裂痕等或許會率先被看見，因為它們是完整體中的瑕疵，是不一樣的部分；但隨著觀看的時間推移，人們的視覺經常求個完整性、重點擺在整體，若缺口小至「瑕不掩瑜」，便容易被選擇性忽略，雖然被看見了，卻像沒被看見。

在邱承宏的轉譯之下，破碎之物成為完整之作，曾經像是不可見的東西成了絕對可見的主角，但我們究竟看見了什麼？乍看之下，看見了石頭、沒看見傷痕；知曉創作概念後，明白它來自傷痕，卻未能真正看見雕塑的缺口。各種觀看情境所發展出的可見、不可見排列組合，讓《繡燕》多了許多值得玩味的空間。

 王慶蘋｜以攝影為創作手法、抽象畫為表現形式 

如果說邱承宏用雕塑創造了風景，那攝影藝術家王慶蘋則是透過影像重組「實驗」出了風景，他的創作過程約有三分之二的時間用來觀看、領會眼前的風景，並透過拍攝現成物、將可得的材料重新排列後，揉入光影，將多張不同的影像以雙幅、三幅的形式並置於同一張相紙上，巧妙以攝影為創作手法、抽象畫為表現形式，經由藝術家本人美感的轉譯，創造出存在卻又不存在的新空間，也為觀者打開新鮮的觀看體驗。影像乍看如一體成型，細賞才發現幅與幅之間存在界線，各詮釋著不同的畫面。

王慶蘋《並置的和弦》｜當不同時序、空間成為一幅畫

在《並置的和弦》系列作品中，王慶蘋用鏡頭紀錄不同時間下的空間，從日到夜、自室內至室外，並進行篩選、拼湊，讓室外裝設電箱的斑駁牆面、室內飄逸的布面，或是門上的木製和鐵製手把、躲在紙張後的蘋果，共構為一幅和諧的抽象畫，消弭了現實生活中的僵硬界線。

王慶蘋《靜物雙聯》｜實驗平面與立體的視覺可能

另一系列作品《靜物雙聯》，藝術家介入的成分相對高，王慶蘋利用工作室內唾手可得的材料，經隨意或刻意的排列之後，捕捉紙張、鐵線等媒材與光互動的當下。雖成品為平面影像，但畫面鮮明如從未見過的新世界，帶有將不同維度擺入同一平面的實驗性，也蘊含在平面中創造立體的意趣。

有趣的是，為了部分還原王慶蘋的工作室場景，展場特別展出一件他創作時所使用的小型光器，企圖創造此地（展間）與他方（工作室／創作現場）之間的連結；而藝術家本人偶爾也會到現場對光器做調整，像是在模擬平時創作的程序，讓物件維持在有機的狀態。

 葉偉立｜探索藝術品的誕生 

擺在最後講解的藝術家葉偉立及其新作《偶遇，水湳洞 #1》，與LIGHTWELL的策展動線有著密不可分的關係，非常有意思。2016年，葉偉立因參與已故藝術家葉世強故居紀念館的建置，移居至台灣東北角上背山面海的水湳洞，一個因日據時期興盛的採礦產業而大規模修建的礦工宿舍聚落，後於1981年水湳洞選煉廠停止營運，居民因頓失工作來源而陸續移出此地。

《偶遇，水湳洞 #1》靈感源自葉偉立在水湳洞偶然遇見的一間廢棄空屋，它像是個寡言但不排斥來往的鄰居，偶爾路過看望或刻意拜訪，成為藝術家日常中微微掛心的所在。此系列作品由三個物件、一個燈箱組合而成，安落在展場二、三樓的四個樞紐處，而在《可見 不可見》展覽中，若要說「動線本身」也是作品的一部分，似乎也不無道理。

葉偉立《偶遇，水湳洞 #1》物件｜散落兩層樓間的「餌」

第一個物件位在二樓動線初始，由毛線團堆疊而成；經過邱承宏《採光》浮雕，映入眼簾的是一見狀似祭壇的木製品，上頭呈現葉偉立的英文詩作，字母以毛線縫製而成，述說著藝術家的創作歷程，猶如心思、形式、勞動、思考再化為形式的無盡探索。

步入三樓，葉偉立創作的第三個物件靜置角落，一輛裝滿殘破畫框的推車；畫框風格各不相同，當代的、素雅的、華麗如巴洛克式的⋯⋯，好像隱隱透露著它曾包裹著什麼樣的創作。從毛線、祭壇到推車，可以找到媒材的關聯，如毛線、木材等，但藝術家究竟想藉由它們述說什麼樣的故事？必須看到位在展覽動線末端的《偶遇，水湳洞 #1》燈箱，才能明白。

葉偉立《偶遇，水湳洞 #1》燈箱｜讓毛線、祭壇與推車被「看見」

燈箱呈現著一幅廢墟影像，這就是葉偉立在水湳洞偶遇的廢棄空屋，也是前方伏筆的解答。原來，葉偉立剛發現這座廢墟時，雖能感受到久無人煙，但裡頭卻擺放許多畫作、畫框，毛線毫無秩序地散落一地，據說此處起初為教堂，所以牆上還留有祭壇曾經裝設、拆除的痕跡，毛線可能來自在地社區曾開設的手作班，畫與框則是藝術家將此作為短期工作室的痕跡。

回頭看《偶遇，水湳洞 #1》所有物件，會發現其創作素材都來自這座廢墟，每個物件都是一個提示、隱喻和伏筆，各自形成貫穿展覽的「餌」。在燈箱之前，毛線、祭壇與畫框都被觀者「看見」了，卻在燈箱出現後有了截然不同的故事性和意義，搭配上LIGHTWELL需爬梯、中央有天井貫穿的彎折路徑，更凸顯觀展之間忽見轉機的趣味。

對葉偉立來說，「藝術品如何誕生？」一直是很有趣的命題，而《偶遇，水湳洞 #1》正呈現了創作者如何透過思考與勞動，並在空間、環境、人事的交錯影響之下，將想法不停在物件之間轉移的過程。三個物件和一個燈箱，彷彿宏觀地「透明化」了他的創作歷程；若欣賞細節，也能讀到創作媒材的複雜與多元，每件尺度雖小，卻有木頭、雕刻、裁縫、攝影的觀賞性。

透過《可見 不可見》，我們看見什麼？

觀看藝術家的作品，我們可能產生共鳴，或者好奇，甚至疑惑。《可見 不可見》提供了可見的線索，補充了不可見的隱喻，引領觀者感知無形的震動與漣漪，進而掀開作品的層層面紗，真正進入作品內裡暗藏的藴意。

至於一個人看見、沒看見什麼，不需以100分作為級距打分數。每個人對藝術品本身、藝術家本人的看法，受當下情緒、空間與環境的感知影響，所看見的東西自然各不相同，這甚至是必然。不過，這份不同，讓許多觀眾與藝術漸生距離，「我不懂藝術」彷彿成為一種另類的集體認同，也許部分人真的對作品無感，部分人則是擔心自己萬一「答錯」了怎麼辦？如果一件藝術品並無標準答案，而是刺激思考和交流的媒介，那或許對錯並不存在，只是每個人可見、不可見的部分未能疊合，所謂看見便有無數種。

LIGHTWELL《可見 不可見》

展覽期間｜2022年11月19日（六）～2023年1月29日（日）

營業時間｜12:00～20:00（每週一公休，最後入場時間為 19:45） 

展覽地點｜LIGHTWELL（台北市中山區中山北路二段20巷6-1號）

參觀資訊｜票價 50 元（因安全考量，場館謝絕未滿12歲之孩童入場）

展覽活動頁｜https://reurl.cc/qZZZ5y

資料、圖片｜LIGHTWELL

美國大都會博物館（The Met）首度來台展出！故宮博物院將於2025年6月至10月呈獻《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》。

本展集結大都會博物館多達81件繪畫及素描珍藏，它們分別來自梵谷、雷諾瓦、馬諦斯、塞尚等38位大師級畫家，帶觀眾一覽19至20世紀中，自現實主義遞嬗至印象派、現代主義等的藝術流變；更特別精選多位知名女性藝術家之作，如印象派名家瑪麗‧卡薩特、貝絲‧莫莉索等，藉此呈現女性在西方現代藝術發展中的崛起與獨特風格。

穿越橫跨一世紀的藝術浪潮

美國大都會博物館被譽為全球四大博物館之一，收藏近200萬件橫跨5000年歷史的珍貴藏品，涵蓋世界各大文明與藝術流派。而故宮本次展覽時區鎖定19至20世紀中，類別涵蓋現實主義、學術繪畫、印象派、後印象派至早期現代主義。印象派的出現，讓畫家們從室內走向戶外、繪畫主題自人物與肖像延伸到自然景致，藉畫筆捕捉光影流動，並影響了後續藝術流派如點描派、野獸派、現代主義等的誕生及演變，留下許多經典佳作。

以人體、肖像、大自然等「畫面主題」劃分5大展區

策展敘事跳脫傳統上以「時序」、「畫派」分類的形式，改以「畫面主題」引導觀眾透過「直覺」展開探索，感受畫中色彩、筆觸及其蘊藏的人文情感，沈浸於作品所營造的氛圍情境。讓我們分別看向5大展區亮點：

▍身體姿態

此區梳理自1860年代起不同藝術家對人體的詮釋，並闡述鉛筆、顏料等不同媒材與技法對裸體描繪的特殊性，看人體如何成為藝術表達的試驗場。

▍肖像與人物

18世紀歐洲迎來工業革命，撼動社會階層與城市風貌，藝術也從國家資助轉向更開放的大眾市場，肖像畫趁勢崛起為中產階級展現財力、地位之物。這一時期，藝術家描繪現代生活中的社交互動，讓親朋好友成為畫中人，賦予肖像更風格化的表現，模糊肖像畫與風俗畫的界限，開啟人物畫的新風貌。

▍徜徉自然

在歐洲各國隨政治與工業革命的推進逐漸轉變之時，藝術家將視野轉向自然風光，以風景為畫作主角，並在其中融入自身獨特視角與繪畫風格，徹底改變19至20世紀初的畫風。

▍城市到鄕村

19與20世紀之交，藝術家們不僅徜徉自然，也探索各地人們的生活方式，及人們與環境的互動，眾多畫作描繪的主角從不斷變化的巴黎城市景觀、塞納河畔及度假勝地享受悠閒時光的漫遊者，再到鄉村小鎮和田園風光。藝術家以現代眼光及創新技巧，各自展開對所處地方的景觀與人群的獨到詮釋。

▍水岸風光

工業革命帶動鐵路運輸，人們能以更便捷的方式前往海灘、漁村、港口等各地觀光，藝術家們也踏上旅途，留下許多描繪水景風光的美作，無論在法國各海岸、威尼斯或阿爾及爾等地，都能看到不同藝術家詮釋的畫作紀錄。

票價資訊總整理

《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》規劃3波售票期間，提供各式票組選擇，有興趣者請見下方詳細售票資訊。

《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》

展期｜2025.06.14－10.12

展場｜國立故宮博物院 第二展覽館 一樓特展廳

開放時間｜每日 9:00－17:00（16:30展覽現場停止售票及入場）

 

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▍早鳥票 3/13－3/31

・雙人紀念套票｜$770

內附雙人入場憑證1組、紀念套票1組

請於觀展驗票時出示入場憑證，以兌換紀念套票組

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▍預售票 4/7－6/13

・單人票｜$400

・THE MET 限定零錢包套票｜$499

內附單人入場憑證1個、THE MET限定零錢包1個

請於觀展驗票時出示入場憑證，以兌換限定零錢包

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▍展期票 6/14－10/12

・全票｜$500

・優待票｜$450，6歲以上持有效學生證件者，每證限購一張（碩博士生、社區大學、空中大學及在職進修等恕不適用）

・特惠票｜$250，65歲（含）以上者、持本國或外國身心障礙手冊之陪同者，需出示證件正本，每證限購1張

2025大阪世博盛大進行中，La Vie編輯在4天內密集參觀超過35座展館，繼上篇推薦的5座展館後，此次再推6座！除了分享第一手體驗心得，也分析參觀方式、主題策劃等，探索什麼是能留存心中的展覽。

▸ Better Co-Being

必須在場的「共鳴」體驗

先說結論，「Better Co-Being」是此次我個人綜合排名的第1名。除了在視覺上極美（大推在傍晚或晚上預約），展館的整體性、建築與展覽內容的創新性，都屬高分評價。且在網路可以取得眾多訊息的現在，「Better Co-Being」展館具有「必須在場」的特質，是照片與文字難以完整感受的獨特體驗。

本屆世博會場正中心，座落的並非雄偉建築，而是名為「寂靜之森」的森林，而SANAA設計的「Better Co-Being」也融入其中。這裡的「融入」是意象上的，也是物理上的。呼應「Better Co-Being」展館強調連結、開放的理念，他們打造了一座11公尺高，無牆、無天花板的銀色網格狀罩棚；地面僅用纖細柱體支撐，讓網格如雲朵般飄浮空中。從白天到夜晚，從晴天到雨天，建築將與天色和天氣交織出不同景象。在「Better Co-Being」官網刊登的採訪中，西澤立衛表示：「建築本身就有『占據』空間的特質。從這個意義來看，如果能在空間上表達出『共享』的概念，將是一件非常有趣的事情。」妹島和世則說：「這是一個無法完全控制的空間，我認為這正是有趣之處，人們可以在這裡感受天氣變化，進行互動式的體驗。」

展覽透過感應石頭、作品、觀眾的互動，表達了「共鳴」此一抽象主題。現場採小規模團體導覽，入場前每人會拿到一顆「echorb」石頭感應器，與手機完成連結後，登入體驗網站，將看見包括自己在內的同場觀眾的石頭顏色與位置分布；手握石頭，其震動將自然帶動手往左或右移動。

接著跟隨工作人員引導，依序體驗塩田千春〈言葉の丘〉、宮島達男〈Counter Voice Network〉，以及策展人宮田裕章的〈共鳴の空〉、他和創意團隊EiM共創的〈最大多の最大幸福〉等作品。走在不同路段、靠近不同作品時，將石頭輕輕放在耳邊搖晃，還會聽到不同聲響。最後登場的球體LED裝置，會即時搜集本場觀眾的體驗行為、當下天氣等數據，呈現僅只一次、屬於此時此地的影像。

有趣的是，連結「echorb」與手機的體驗網站，就像是一個「參加過Better Co-Being館的人的社群網站」，你可以上傳照片，也可以看到他人拍攝的照片，彼此分享在世博捕捉到的風景，即便離開展場也能使用。從建築與環境的共享、藝術作品與人的互動，到應用程式將參觀者聯繫在一起，沒有想過「共鳴」可以用展覽的形式訴說，且說得新穎又深刻。

Better Co-Being
需預約。採分批導覽，編輯參觀時間約1小時。
更多資訊可至官方網站查詢

▸ 荷蘭館

一顆發光球體，貫穿建築與展覽

展館的「整體性」是我相當偏好的特質，與其建築、視覺、展覽、吉祥物等各個都很厲害、但欠缺聯動的整體性，我更偏好每個元素都彼此連結，完好地收斂在同一個概念下。「荷蘭館」可謂本屆在「整體性」上做得相當出色的展館，以「球」貫穿建築與展覽，連吉祥物也推出米飛兔抱著大球的限定款（甚至開幕第3天隨即完售）。

荷蘭館講述的主題為「永續」，坦白說在參觀前不抱期待，因為直覺此題很容易淪為說教，或讓看展有種「在上課」的感覺。但實際體驗後，發現它並不是對你說道理，而是讓你「感受」到此議題的重要與迫切性。觀眾在入場前，會拿到一顆白色小球，球上設有感應裝置，只要碰觸牆上的感應點，球就會發亮，牆面也會出現不同的聲光變化。有趣的是，荷蘭館將「使用球的方式」與永續概念連結，例如要啟動牆面的聲光裝置，必須多顆球同時接觸，僅有一顆是無效的，隱喻人類必須攜手合作以迎向未來；當觀眾拿著尺寸比手掌略大的球在展場走動時，勢必會雙手捧著，小心呵護其不掉到地上，這個舉動也象徵了人類得悉心照料地球。

「球」不僅貫串展館視覺，甚至聯動了永續主題。也許就內容、手法等個別項目來說均不是最強，但綜合起來成就了「荷蘭館」深刻的品牌印象。我想即便過了多年再回想起本屆世博，還是會清晰記得「荷蘭館就是那個有著大球」的館。

荷蘭館
需預約，也可現場排隊。採分批導覽，編輯參觀時間約40分鐘。
更多資訊可至官方社群查詢

➥ 延伸思考：引導物件的運用

這裡也想談談「引導物件」的使用方式，包括上述介紹的「荷蘭館」、「Better Co-Being」，本屆許多展館均採物件引導的參觀模式——入場前會發放一個「物件」，該物件會有感應裝置或需與個人手機連結，由它觸發展場內的體驗。例如「德國館」的物件為吉祥物「Circulars」，將其頭部碰觸展場接觸點、再放置耳邊，就會進行悄悄話般的語音導覽；「電力館」也選擇了蛋型吉祥物，透過互動遊戲可讓蛋發光，從中了解各種發電方式。不過物件的運用，無疑是給觀眾多一道的理解門檻與手續，加上世博有來自世界各地的觀眾，語言、文化甚至手機裝置型號都不同。如何讓大家都能夠輕易上手，且具有「加分」效果，實為關鍵。

「Better Co-Being」的「echorb」石頭、「荷蘭館」的球，前者新奇後者直覺，且與展覽內容呼應，均是我覺得在引導物件上使用得很好的展館。不過談白說「Better Co-Being」的使用門檻偏高、手續繁複，必須步步跟著工作人員的解釋，才知道「echorb」怎麼使用、又怎樣跟作品互動；且同行攝影師的手機無法順利連結，現場也找不出解決方法。但因為石頭震動的感覺太微妙，與作品互動的方式也夠有趣，所以仍甘願且開心地學習操作方式。

▸ Future of Life

科技如何真的帶人類前行？

若說世博最初的起源，是展現人類最新發明以展望未來，儘管在現今的意義已有轉變，本屆仍有不少展館保有這分意味。不過也不諱言，有些主打科技和未來的展館，會淪為形式絢麗而內容空洞的展演。但由「人形機器人權威」、大阪大學教授石黑浩策劃的「Future of Life」，將此主題講述得既實際（有諸多研究基礎）又有想像力（開展到千年後的世界），也是我覺得本屆世博在「內容」上十分突出的館，將較嚴肅與複雜的科技議題，轉化為電影般的劇情，不說教且留白得宜。

入場前每人會拿到耳機，可選擇日文或英文、是否顯示字幕。建議可選擇字幕，因「Future of Life」是相當有「劇情」的展覽，角色對白會透過耳機傳送，若一時沒聽清楚可搭配字幕理解。展覽從「猴子」到「女學生」等各式機器人揭開序幕，探究人類在不同時代如何賦予機器「生命」。接著將故事線帶往50年後，並在此拋出「Future of Life」的主線劇情：50年後的世界，人類可以選擇自然死亡，或是將記憶移轉給機器人繼續存活。透過影片裡奶奶的選擇，引發觀眾思考：這個機器人是否還是原本的人？機器人能擁有真的情感嗎？人類是否需要無限地活下去？

懷著這些疑問，下個展間直接將「人機共存」的社會顯示眼前，只見主持人松子Deluxe正和機器人互動，還有已故文學家夏目漱石的機器人、能演奏鋼琴的機器人⋯⋯。之後耳機傳來：「接下來是1,000年後的世界。」迎面出現的是，難以定義是人是機是神的機器人隨音樂舞動，展示了不再受限於身軀與物理的人類樣態。

科技與人性的辯證、人機結合的探究，早已不是新命題，但許多作品會以荒謬、空虛或頹敗的近未來，反諷一味追求革新的人類。但「Future of Life」並沒有走這條路，而是要用科技帶著人性前行。展末亦展示了50年後可能會實現的「近未來技術」，包括與人體結合的機器人和AI、讓生活方式更自由的醫療、更永續的環境與能源技術等等。一如石黑浩在展覽尾聲留給觀眾的訊息：「人類可以設計自己的未來，活出自己想要的生命。」科技能帶人類走到多遠？其實這題不只關乎技術，也關乎人類對自己的生命、情感與需求，有多透澈的理解。

Future of Life
需預約，也可現場排隊。採分批導覽，編輯參觀時間約1小時。
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▸ BLUE OCEAN DOME

一場「水」的純粹展演

如果要說哪件「作品」最印象深刻？我的答案會是「BLUE OCEAN DOME」裡、由創意團隊nomena設計的水循環藝術裝置。「BLUE OCEAN DOME」為由非營利組織ZERI JAPAN策劃的民間展館，由設計師原研哉擔任策展人，將「水」這個主題用純粹且詩意的方式表達。

nomena設計的水循環藝術裝置展示於「圓頂A」，以超疏水塗層的純白盤面為舞台，模擬水從天空降下後，流經曲折地景，最終匯入大海的過程。白色的空間、白色的裝置、透明的水，觀眾進到展間會自然安靜下來，只聽得到玻璃管傾的碰撞聲，以及水流動的潺潺聲響。看著水滴在台面上匯聚，聚集到臨界點後終有一滴流入下個區域⋯⋯，沒有複雜或絢麗的聲光，卻足以引人定睛長時間觀看。在本屆世博眾多展館或現今各大展演中，聲光效果似乎成為了一種標配或趨勢，但此裝置展現了另一條路，把「單純」這件事做到極致與精緻，沒有想過「水」可以這樣被展示與觀看。

由坂茂操刀的「BLUE OCEAN DOME」建築也值得一看，他在記者會上說：「世博的本質應該是實驗未來的場所，如今卻過於追求表面上的獨特性與外觀，鮮少提出結構或技術的創新。」因此他期望透過「BLUE OCEAN DOME」，探索新的建築可能。

展館由3座圓頂組成：「圓頂A」的結構是「竹」，由於傳統竹材的直徑和厚度不均，且會因日光直射而裂開，因此團隊運用最新技術製成竹集成材，輕盈、強韌並易於加工；「圓頂B」則使用「CFRP（碳纖維強化聚合物）」，此材料重量比鐵輕、強度卻更優異，通常被用於航空、汽車等，本次為全球首次將CFRP作為屋頂主要結構，世博結束後也將回收，應用於坂茂參與設計的馬爾地夫海洋度假村開發案；而坂茂聞名的「紙管」則出現在「圓頂C」，此處的紙管不僅用於屋頂，連椅子都由3根紙管組成，讓觀眾直接感受其韌性。

BLUE OCEAN DOME
需預約，也可現場排隊。採分批導覽，編輯參觀時間約50分鐘。
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▸ 韓國館

主題包裝下的科技國力

韓國館意外地讓我滿喜歡。其實它原本不在我想參觀的清單上，而是在世博開幕日傍晚，在大屋根廊道下方躲雨時，恰巧看到前方一面巨大的裸視3D牆——瞬間以為是某個世博官方的裝置，但隨即想到近年韓國經常使用此技術，看了一下周圍，確實找到「KOREA」的字樣。不用進到展館，韓國透過外牆就已大力輸出自家螢幕設備與設計實力。

韓國館以「With Hearts」為主題，講述科技與人性間的關係。入場前，觀眾會先依序進入如電話亭般的小錄音間，對著麥克風回答「最重要的東西是什麼？」每位觀眾錄下的聲音，將會在第1個展間轉化為聲光藝術，在全黑場域隨著音樂打下道道光束。第2個展間設有眾多如喇叭般的裝置，只要對其吹氣，上方就會產生泡泡落下（同場加映：瑞士館也有類似手法，但泡泡是由下往上升起）。

最後的第3展間，則播放一段「女高中生與爺爺」的音樂戲劇影片，融合K-Pop的音樂與舞蹈，講述科技如何聯繫情感，以及不隨時間改變的價值。其實各展間均強烈置入科技與娛樂產業等韓國國力，但因為收攏在科技與人性的連結此一主題下，並不會有太生硬或直接的「置入」感，可謂一場好看的展演。

韓國館
現場排隊。採分批導覽，編輯參觀時間約40分鐘。
更多資訊可至官方網站查詢

➥延伸思考：國家這件事怎麼表現？

國家館打著國家的名義參展，這件事其實很有趣——「國家」的比重要占到多大？要呈現國家的哪些特質或特色（以及怎麼呈現）？又或者再深一層思考，哪些東西能夠代表國家？上述提及到的兩個國家館（荷蘭、韓國），對我來說都是「主題」走在「國家」前面，也是我個人較偏好的國家館形式。這個意思是，它們是運用國家的元素（例如荷蘭的水能源、韓國的科技與娛樂產業），來講述一個主題，「國家」這件事有經過一定程度的轉化與包裝。

相反地，本屆我看到的大多國家館，都是讓「國家本身成為主題」，以博物館式的方式，介紹該國的地理、人文、產業、歷史，或是最新／自豪的科技、品牌、政策等等。雖然也不乏精彩之作，但就我個人而言，仍不免有種說教感。不過在直白介紹國家的國家館中，想特別推薦一個讓我印象深刻的展館：

▸ 巴林館

視覺之外，用觸覺與嗅覺感受巴林

其實在此之前，我並不知道巴林這個國家，但由黎巴嫩建築師Lina Ghotmeh（近年贏得「大英博物館」西翼展廳改造計畫國際競圖，是備受矚目的女建築師）操刀的建築，以3,000根木材製成木船般的展館，外觀就十分搶眼。

展覽內容不外乎介紹這個位於西亞、波斯灣西岸附近的島國，其自然與航海資源。但參觀方式的設計，是先進行一小段的團體導覽，讓觀眾對巴林有基礎認識後，再自由參觀，解說員也清楚交代「展館裡每一項東西都可以摸和聞」。對於用看或聽的方式來接收一國文化，總顯得有點制式，但透過觸覺和嗅覺，意外地讓我更有好奇心地探索。布幔染上的巴林海洋氣味，我到現在都還記得那股怪異酸味。

還有，巴林館商店超、好、逛！除了有許多當地工藝，同行攝影師還在裡面挖到巴林攝影師Ishaq Madan的Zine，照片和印刷品質都在線。另外亦可關注，目前也在開展中的威尼斯建築雙年展，國家館最高榮譽金獅獎就是由巴林館奪下，也讓我更好奇這個過往相對陌生的島國，還擁有什麼樣的創意能量。

巴林館
現場排隊。前段分批導覽、後段自由參觀，編輯參觀時間約半小時。
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_{文｜張以潔　攝影｜蔡耀徴
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