觀看展覽、欣賞藝術時，總令人思考：「我到底看到了什麼？」所謂看見，是看懂了作品的形體、藝術家的創作概念，或心生感動與共鳴？若三者只看懂了一種，是否達到真正的看見？為了回應這項命題，LIGHTWELL《可見 不可見》特展集結了三位藝術家——王慶蘋、邱承宏、葉偉立的作品，搭配巧妙的曲折動線安排，提供觀眾三種不同層次的視角，讓看展如同解謎，探尋展間藝術品中的「可見」和「不可見」。
3層探索「可見」與「不可見」的觀看方式
《可見 不可見》是LIGHTWELL首次嘗試非線性的策展模式，也就是將同一藝術家的作品打散，而非集中在同一區域，這麼做十分考驗策展團隊邀請藝術家、挑選展品時的敏銳度，如何符合論述？如何編排最為切題？如何相輔相成，而非一人之作獨大？都需要細細思量。
本篇將策展人李晏禎的策展思考分為3層解析，它們各代表著觀眾挖掘展覽中「可見」與「不可見」的切角：第一層呈現藝術家如何將腦中數不清、看不見的念頭，揉入各自的生長背景、價值觀與記憶庫，再轉譯到具體的作品當中；第二層深入作品本身，探尋其中鮮明可見的符碼與蘊藏其中的隱性記號。上述兩層搭配由「藝術家親述」的語音導覽，帶入感更強。
第三層則藉由非線性的敘事手法，讓彎折觀展動線、觀眾與展品的互動關係，如養成遊戲般，不到最後看不見全貌；這邊偷偷爆個雷，這點尤其反映在藝術家葉偉立展出的作品當中。
《可見 不可見》3位藝術家作品解析
邱承宏｜粗獷彰顯寧靜
「寧靜感」是邱承宏作品的獨特氣質，即便使用的是工業化的媒材與技術，那一份由內在記憶散發出來的靜謐，貫穿了藝術家的日常實踐。這次邱承宏展出兩系列作品——《採光》與《繡燕》，兩者皆直接卻優雅的切合《可見 不可見》命題。
邱承宏《採光》｜在水泥板上再創風景
以浮雕形式呈現的《採光》，結合平面繪畫與雕塑技法，創作時邱承宏會先尋覓一面「框景」，並將風景拍下，投影至以建築補土、礦物等材料打造的自製水泥板上；接著進入雕刻階段，以「刨去」的方式將植物剪影、風景中的光影變化，挪移並濃縮至水泥板上。過程中，藝術家看見、移植更創造了風景，而藉由《採光》，邱承宏正是想提供看風景的另一種視角，當立體濃縮為平面、多彩化作單色、輕盈變得厚重，我們是不是仍能將眼前的水泥板，聯想至記憶中那窗外樹影翩翩飄動的畫面，並覓得感動？又或它只是一幅嶄新的、虛實交錯的光景？也或許更多的是，看山是山、看山不是山、看山還是山的意趣。
邱承宏《繡燕》｜當缺陷成為完整之作，我們是否還能看見傷痕？
另一系列雕塑作品《繡燕》，則延伸自藝術家在2020年發布的作品《水泥動物園》，當時邱承宏在花蓮找到一批老舊的水泥動物雕塑，這些斑馬、豹、老虎⋯⋯，多非出自專業雕塑藝術家之手，而是由民間的水泥工匠雕琢，因此外表有些粗糙、滑稽，在七八零年代的台灣蔚為流行，時常見於校園或公共遊樂空間。
而這些早期動物雕塑的裂痕、缺口，則成為《繡燕》的雛形，邱承宏將其掃描，還原出小小傷口的空間樣態，並利用3D列印將其縮放為200倍大、類似石頭的形態，表面以混凝土、礦物、銅線製成大小不一的磨石子雕塑，讓缺陷再次豐盈、令人工雕塑回歸自然，用這種方式與雕塑之前的傷痕對話。
綜觀雕塑，缺角、裂痕等或許會率先被看見，因為它們是完整體中的瑕疵，是不一樣的部分；但隨著觀看的時間推移，人們的視覺經常求個完整性、重點擺在整體，若缺口小至「瑕不掩瑜」，便容易被選擇性忽略，雖然被看見了，卻像沒被看見。
在邱承宏的轉譯之下，破碎之物成為完整之作，曾經像是不可見的東西成了絕對可見的主角，但我們究竟看見了什麼？乍看之下，看見了石頭、沒看見傷痕；知曉創作概念後，明白它來自傷痕，卻未能真正看見雕塑的缺口。各種觀看情境所發展出的可見、不可見排列組合，讓《繡燕》多了許多值得玩味的空間。
王慶蘋｜以攝影為創作手法、抽象畫為表現形式
如果說邱承宏用雕塑創造了風景，那攝影藝術家王慶蘋則是透過影像重組「實驗」出了風景，他的創作過程約有三分之二的時間用來觀看、領會眼前的風景，並透過拍攝現成物、將可得的材料重新排列後，揉入光影，將多張不同的影像以雙幅、三幅的形式並置於同一張相紙上，巧妙以攝影為創作手法、抽象畫為表現形式，經由藝術家本人美感的轉譯，創造出存在卻又不存在的新空間，也為觀者打開新鮮的觀看體驗。影像乍看如一體成型，細賞才發現幅與幅之間存在界線，各詮釋著不同的畫面。
王慶蘋《並置的和弦》｜當不同時序、空間成為一幅畫
在《並置的和弦》系列作品中，王慶蘋用鏡頭紀錄不同時間下的空間，從日到夜、自室內至室外，並進行篩選、拼湊，讓室外裝設電箱的斑駁牆面、室內飄逸的布面，或是門上的木製和鐵製手把、躲在紙張後的蘋果，共構為一幅和諧的抽象畫，消弭了現實生活中的僵硬界線。
王慶蘋《靜物雙聯》｜實驗平面與立體的視覺可能
另一系列作品《靜物雙聯》，藝術家介入的成分相對高，王慶蘋利用工作室內唾手可得的材料，經隨意或刻意的排列之後，捕捉紙張、鐵線等媒材與光互動的當下。雖成品為平面影像，但畫面鮮明如從未見過的新世界，帶有將不同維度擺入同一平面的實驗性，也蘊含在平面中創造立體的意趣。
有趣的是，為了部分還原王慶蘋的工作室場景，展場特別展出一件他創作時所使用的小型光器，企圖創造此地（展間）與他方（工作室／創作現場）之間的連結；而藝術家本人偶爾也會到現場對光器做調整，像是在模擬平時創作的程序，讓物件維持在有機的狀態。
葉偉立｜探索藝術品的誕生
擺在最後講解的藝術家葉偉立及其新作《偶遇，水湳洞 #1》，與LIGHTWELL的策展動線有著密不可分的關係，非常有意思。2016年，葉偉立因參與已故藝術家葉世強故居紀念館的建置，移居至台灣東北角上背山面海的水湳洞，一個因日據時期興盛的採礦產業而大規模修建的礦工宿舍聚落，後於1981年水湳洞選煉廠停止營運，居民因頓失工作來源而陸續移出此地。
《偶遇，水湳洞 #1》靈感源自葉偉立在水湳洞偶然遇見的一間廢棄空屋，它像是個寡言但不排斥來往的鄰居，偶爾路過看望或刻意拜訪，成為藝術家日常中微微掛心的所在。此系列作品由三個物件、一個燈箱組合而成，安落在展場二、三樓的四個樞紐處，而在《可見 不可見》展覽中，若要說「動線本身」也是作品的一部分，似乎也不無道理。
葉偉立《偶遇，水湳洞 #1》物件｜散落兩層樓間的「餌」
第一個物件位在二樓動線初始，由毛線團堆疊而成；經過邱承宏《採光》浮雕，映入眼簾的是一見狀似祭壇的木製品，上頭呈現葉偉立的英文詩作，字母以毛線縫製而成，述說著藝術家的創作歷程，猶如心思、形式、勞動、思考再化為形式的無盡探索。
步入三樓，葉偉立創作的第三個物件靜置角落，一輛裝滿殘破畫框的推車；畫框風格各不相同，當代的、素雅的、華麗如巴洛克式的⋯⋯，好像隱隱透露著它曾包裹著什麼樣的創作。從毛線、祭壇到推車，可以找到媒材的關聯，如毛線、木材等，但藝術家究竟想藉由它們述說什麼樣的故事？必須看到位在展覽動線末端的《偶遇，水湳洞 #1》燈箱，才能明白。
葉偉立《偶遇，水湳洞 #1》燈箱｜讓毛線、祭壇與推車被「看見」
燈箱呈現著一幅廢墟影像，這就是葉偉立在水湳洞偶遇的廢棄空屋，也是前方伏筆的解答。原來，葉偉立剛發現這座廢墟時，雖能感受到久無人煙，但裡頭卻擺放許多畫作、畫框，毛線毫無秩序地散落一地，據說此處起初為教堂，所以牆上還留有祭壇曾經裝設、拆除的痕跡，毛線可能來自在地社區曾開設的手作班，畫與框則是藝術家將此作為短期工作室的痕跡。
回頭看《偶遇，水湳洞 #1》所有物件，會發現其創作素材都來自這座廢墟，每個物件都是一個提示、隱喻和伏筆，各自形成貫穿展覽的「餌」。在燈箱之前，毛線、祭壇與畫框都被觀者「看見」了，卻在燈箱出現後有了截然不同的故事性和意義，搭配上LIGHTWELL需爬梯、中央有天井貫穿的彎折路徑，更凸顯觀展之間忽見轉機的趣味。
對葉偉立來說，「藝術品如何誕生？」一直是很有趣的命題，而《偶遇，水湳洞 #1》正呈現了創作者如何透過思考與勞動，並在空間、環境、人事的交錯影響之下，將想法不停在物件之間轉移的過程。三個物件和一個燈箱，彷彿宏觀地「透明化」了他的創作歷程；若欣賞細節，也能讀到創作媒材的複雜與多元，每件尺度雖小，卻有木頭、雕刻、裁縫、攝影的觀賞性。
透過《可見 不可見》，我們看見什麼？
觀看藝術家的作品，我們可能產生共鳴，或者好奇，甚至疑惑。《可見 不可見》提供了可見的線索，補充了不可見的隱喻，引領觀者感知無形的震動與漣漪，進而掀開作品的層層面紗，真正進入作品內裡暗藏的藴意。
至於一個人看見、沒看見什麼，不需以100分作為級距打分數。每個人對藝術品本身、藝術家本人的看法，受當下情緒、空間與環境的感知影響，所看見的東西自然各不相同，這甚至是必然。不過，這份不同，讓許多觀眾與藝術漸生距離，「我不懂藝術」彷彿成為一種另類的集體認同，也許部分人真的對作品無感，部分人則是擔心自己萬一「答錯」了怎麼辦？如果一件藝術品並無標準答案，而是刺激思考和交流的媒介，那或許對錯並不存在，只是每個人可見、不可見的部分未能疊合，所謂看見便有無數種。
LIGHTWELL《可見 不可見》
展覽期間｜2022年11月19日（六）～2023年1月29日（日）
營業時間｜12:00～20:00（每週一公休，最後入場時間為 19:45）
展覽地點｜LIGHTWELL（台北市中山區中山北路二段20巷6-1號）
參觀資訊｜票價 50 元（因安全考量，場館謝絕未滿12歲之孩童入場）
展覽活動頁｜https://reurl.cc/qZZZ5y
資料、圖片｜LIGHTWELL
