觀看展覽、欣賞藝術時，總令人思考：「我到底看到了什麼？」所謂看見，是看懂了作品的形體、藝術家的創作概念，或心生感動與共鳴？若三者只看懂了一種，是否達到真正的看見？為了回應這項命題，LIGHTWELL《可見 不可見》特展集結了三位藝術家——王慶蘋、邱承宏、葉偉立的作品，搭配巧妙的曲折動線安排，提供觀眾三種不同層次的視角，讓看展如同解謎，探尋展間藝術品中的「可見」和「不可見」。

3層探索「可見」與「不可見」的觀看方式

《可見 不可見》是LIGHTWELL首次嘗試非線性的策展模式，也就是將同一藝術家的作品打散，而非集中在同一區域，這麼做十分考驗策展團隊邀請藝術家、挑選展品時的敏銳度，如何符合論述？如何編排最為切題？如何相輔相成，而非一人之作獨大？都需要細細思量。

本篇將策展人李晏禎的策展思考分為3層解析，它們各代表著觀眾挖掘展覽中「可見」與「不可見」的切角：第一層呈現藝術家如何將腦中數不清、看不見的念頭，揉入各自的生長背景、價值觀與記憶庫，再轉譯到具體的作品當中；第二層深入作品本身，探尋其中鮮明可見的符碼與蘊藏其中的隱性記號。上述兩層搭配由「藝術家親述」的語音導覽，帶入感更強。

第三層則藉由非線性的敘事手法，讓彎折觀展動線、觀眾與展品的互動關係，如養成遊戲般，不到最後看不見全貌；這邊偷偷爆個雷，這點尤其反映在藝術家葉偉立展出的作品當中。

《可見 不可見》3位藝術家作品解析

 邱承宏｜粗獷彰顯寧靜 

「寧靜感」是邱承宏作品的獨特氣質，即便使用的是工業化的媒材與技術，那一份由內在記憶散發出來的靜謐，貫穿了藝術家的日常實踐。這次邱承宏展出兩系列作品——《採光》與《繡燕》，兩者皆直接卻優雅的切合《可見 不可見》命題。

邱承宏《採光》｜在水泥板上再創風景

以浮雕形式呈現的《採光》，結合平面繪畫與雕塑技法，創作時邱承宏會先尋覓一面「框景」，並將風景拍下，投影至以建築補土、礦物等材料打造的自製水泥板上；接著進入雕刻階段，以「刨去」的方式將植物剪影、風景中的光影變化，挪移並濃縮至水泥板上。過程中，藝術家看見、移植更創造了風景，而藉由《採光》，邱承宏正是想提供看風景的另一種視角，當立體濃縮為平面、多彩化作單色、輕盈變得厚重，我們是不是仍能將眼前的水泥板，聯想至記憶中那窗外樹影翩翩飄動的畫面，並覓得感動？又或它只是一幅嶄新的、虛實交錯的光景？也或許更多的是，看山是山、看山不是山、看山還是山的意趣。

邱承宏《繡燕》｜當缺陷成為完整之作，我們是否還能看見傷痕？

另一系列雕塑作品《繡燕》，則延伸自藝術家在2020年發布的作品《水泥動物園》，當時邱承宏在花蓮找到一批老舊的水泥動物雕塑，這些斑馬、豹、老虎⋯⋯，多非出自專業雕塑藝術家之手，而是由民間的水泥工匠雕琢，因此外表有些粗糙、滑稽，在七八零年代的台灣蔚為流行，時常見於校園或公共遊樂空間。

而這些早期動物雕塑的裂痕、缺口，則成為《繡燕》的雛形，邱承宏將其掃描，還原出小小傷口的空間樣態，並利用3D列印將其縮放為200倍大、類似石頭的形態，表面以混凝土、礦物、銅線製成大小不一的磨石子雕塑，讓缺陷再次豐盈、令人工雕塑回歸自然，用這種方式與雕塑之前的傷痕對話。

綜觀雕塑，缺角、裂痕等或許會率先被看見，因為它們是完整體中的瑕疵，是不一樣的部分；但隨著觀看的時間推移，人們的視覺經常求個完整性、重點擺在整體，若缺口小至「瑕不掩瑜」，便容易被選擇性忽略，雖然被看見了，卻像沒被看見。

在邱承宏的轉譯之下，破碎之物成為完整之作，曾經像是不可見的東西成了絕對可見的主角，但我們究竟看見了什麼？乍看之下，看見了石頭、沒看見傷痕；知曉創作概念後，明白它來自傷痕，卻未能真正看見雕塑的缺口。各種觀看情境所發展出的可見、不可見排列組合，讓《繡燕》多了許多值得玩味的空間。

 王慶蘋｜以攝影為創作手法、抽象畫為表現形式 

如果說邱承宏用雕塑創造了風景，那攝影藝術家王慶蘋則是透過影像重組「實驗」出了風景，他的創作過程約有三分之二的時間用來觀看、領會眼前的風景，並透過拍攝現成物、將可得的材料重新排列後，揉入光影，將多張不同的影像以雙幅、三幅的形式並置於同一張相紙上，巧妙以攝影為創作手法、抽象畫為表現形式，經由藝術家本人美感的轉譯，創造出存在卻又不存在的新空間，也為觀者打開新鮮的觀看體驗。影像乍看如一體成型，細賞才發現幅與幅之間存在界線，各詮釋著不同的畫面。

王慶蘋《並置的和弦》｜當不同時序、空間成為一幅畫

在《並置的和弦》系列作品中，王慶蘋用鏡頭紀錄不同時間下的空間，從日到夜、自室內至室外，並進行篩選、拼湊，讓室外裝設電箱的斑駁牆面、室內飄逸的布面，或是門上的木製和鐵製手把、躲在紙張後的蘋果，共構為一幅和諧的抽象畫，消弭了現實生活中的僵硬界線。

王慶蘋《靜物雙聯》｜實驗平面與立體的視覺可能

另一系列作品《靜物雙聯》，藝術家介入的成分相對高，王慶蘋利用工作室內唾手可得的材料，經隨意或刻意的排列之後，捕捉紙張、鐵線等媒材與光互動的當下。雖成品為平面影像，但畫面鮮明如從未見過的新世界，帶有將不同維度擺入同一平面的實驗性，也蘊含在平面中創造立體的意趣。

有趣的是，為了部分還原王慶蘋的工作室場景，展場特別展出一件他創作時所使用的小型光器，企圖創造此地（展間）與他方（工作室／創作現場）之間的連結；而藝術家本人偶爾也會到現場對光器做調整，像是在模擬平時創作的程序，讓物件維持在有機的狀態。

 葉偉立｜探索藝術品的誕生 

擺在最後講解的藝術家葉偉立及其新作《偶遇，水湳洞 #1》，與LIGHTWELL的策展動線有著密不可分的關係，非常有意思。2016年，葉偉立因參與已故藝術家葉世強故居紀念館的建置，移居至台灣東北角上背山面海的水湳洞，一個因日據時期興盛的採礦產業而大規模修建的礦工宿舍聚落，後於1981年水湳洞選煉廠停止營運，居民因頓失工作來源而陸續移出此地。

《偶遇，水湳洞 #1》靈感源自葉偉立在水湳洞偶然遇見的一間廢棄空屋，它像是個寡言但不排斥來往的鄰居，偶爾路過看望或刻意拜訪，成為藝術家日常中微微掛心的所在。此系列作品由三個物件、一個燈箱組合而成，安落在展場二、三樓的四個樞紐處，而在《可見 不可見》展覽中，若要說「動線本身」也是作品的一部分，似乎也不無道理。

葉偉立《偶遇，水湳洞 #1》物件｜散落兩層樓間的「餌」

第一個物件位在二樓動線初始，由毛線團堆疊而成；經過邱承宏《採光》浮雕，映入眼簾的是一見狀似祭壇的木製品，上頭呈現葉偉立的英文詩作，字母以毛線縫製而成，述說著藝術家的創作歷程，猶如心思、形式、勞動、思考再化為形式的無盡探索。

步入三樓，葉偉立創作的第三個物件靜置角落，一輛裝滿殘破畫框的推車；畫框風格各不相同，當代的、素雅的、華麗如巴洛克式的⋯⋯，好像隱隱透露著它曾包裹著什麼樣的創作。從毛線、祭壇到推車，可以找到媒材的關聯，如毛線、木材等，但藝術家究竟想藉由它們述說什麼樣的故事？必須看到位在展覽動線末端的《偶遇，水湳洞 #1》燈箱，才能明白。

葉偉立《偶遇，水湳洞 #1》燈箱｜讓毛線、祭壇與推車被「看見」

燈箱呈現著一幅廢墟影像，這就是葉偉立在水湳洞偶遇的廢棄空屋，也是前方伏筆的解答。原來，葉偉立剛發現這座廢墟時，雖能感受到久無人煙，但裡頭卻擺放許多畫作、畫框，毛線毫無秩序地散落一地，據說此處起初為教堂，所以牆上還留有祭壇曾經裝設、拆除的痕跡，毛線可能來自在地社區曾開設的手作班，畫與框則是藝術家將此作為短期工作室的痕跡。

回頭看《偶遇，水湳洞 #1》所有物件，會發現其創作素材都來自這座廢墟，每個物件都是一個提示、隱喻和伏筆，各自形成貫穿展覽的「餌」。在燈箱之前，毛線、祭壇與畫框都被觀者「看見」了，卻在燈箱出現後有了截然不同的故事性和意義，搭配上LIGHTWELL需爬梯、中央有天井貫穿的彎折路徑，更凸顯觀展之間忽見轉機的趣味。

對葉偉立來說，「藝術品如何誕生？」一直是很有趣的命題，而《偶遇，水湳洞 #1》正呈現了創作者如何透過思考與勞動，並在空間、環境、人事的交錯影響之下，將想法不停在物件之間轉移的過程。三個物件和一個燈箱，彷彿宏觀地「透明化」了他的創作歷程；若欣賞細節，也能讀到創作媒材的複雜與多元，每件尺度雖小，卻有木頭、雕刻、裁縫、攝影的觀賞性。

透過《可見 不可見》，我們看見什麼？

觀看藝術家的作品，我們可能產生共鳴，或者好奇，甚至疑惑。《可見 不可見》提供了可見的線索，補充了不可見的隱喻，引領觀者感知無形的震動與漣漪，進而掀開作品的層層面紗，真正進入作品內裡暗藏的藴意。

至於一個人看見、沒看見什麼，不需以100分作為級距打分數。每個人對藝術品本身、藝術家本人的看法，受當下情緒、空間與環境的感知影響，所看見的東西自然各不相同，這甚至是必然。不過，這份不同，讓許多觀眾與藝術漸生距離，「我不懂藝術」彷彿成為一種另類的集體認同，也許部分人真的對作品無感，部分人則是擔心自己萬一「答錯」了怎麼辦？如果一件藝術品並無標準答案，而是刺激思考和交流的媒介，那或許對錯並不存在，只是每個人可見、不可見的部分未能疊合，所謂看見便有無數種。

LIGHTWELL《可見 不可見》

展覽期間｜2022年11月19日（六）～2023年1月29日（日）

營業時間｜12:00～20:00（每週一公休，最後入場時間為 19:45） 

展覽地點｜LIGHTWELL（台北市中山區中山北路二段20巷6-1號）

參觀資訊｜票價 50 元（因安全考量，場館謝絕未滿12歲之孩童入場）

展覽活動頁｜https://reurl.cc/qZZZ5y

資料、圖片｜LIGHTWELL

觀看似乎是大多數人天生就會的事，但在資訊洪流之中，我們真的準備好「觀看」了嗎？巴黎龐畢度中心即將閉館5年整修，在暫別的時刻，以攝影與廣泛的創作光譜聞名的德國藝術家Wolfgang Tillmans，用大型個展《我們對此毫無準備——我們對此萬般准備》（Nothing could have prepared us - Everything could have prepared us）占領圖書館這個非典型展覽空間。

走進龐畢度中心2樓公共資訊圖書館（Bibliothèque publique d'information，Bpi）6,000平方公尺的空間，感覺像踏進入Wolfgang Tillmans近40年創作的檔案庫，但策展人暨龐畢度中心攝影部門總監Florian Ebner強調，這並不是一檔典型的「回顧展」。矛盾而曖昧的展題，似乎帶有些思辨性的懷疑色彩。他說明，這出自於醞釀多年的構想，尤其，我們正生活在一個資訊更加氾濫、往往讓我們缺乏清晰判斷的世界裡。「對比他在紐約MoMA的回顧展《To Look Without Fear》（2022），你會感受到不同的語調。也許在今天，我們已經不再處於一個可以『無所畏懼地觀看』的時刻了。」

對話圖書館空間的藝術實驗

整修前最後一展，龐畢度團隊早已決定要打開Bpi這非典型展演空間，便邀請了Wolfgang Tillmans。嘗試各色實體影像介入空間的可能性，一直是他的核心實踐。起初，他們聚焦在這寬敞空間的開放性；漸漸地，他們發掘出圖書館本身的歷史與特質。Wolfgang Tillmans十分欣賞這座Renzo Piano和Richard Rogers在生涯早期共創的建築作品。那種激進的姿態背後，是不畏解構、不怕暴露管線結構的大膽，更是著眼空間通透性帶來的解放自由精神。Florian Ebner解釋，「龐畢度中心的管線外露和開放式結構，體現了1970年代的控制論理念。放在今天來看，設計上恰好呼應了網路世界的特徵。」那時，彷彿就已經預示了一個萬物互聯、資訊透明流動的未來世界。

「Wolfgang經常與空間的不完美之處對話。」Florian Ebner觀察到。在傳統白盒子中，他或許會用影像覆蓋住緊急出口，或製造與管線的巧妙互動。而到了這次在Bpi空間，在部分沉重軟裝移除後，較新的灰綠色地毯與露出的舊有紫地毯交錯，本是一般展示空間中不該出現的雜音，他卻刻意保留下來，既呈現建築的歷史積澱，也與他個人的創作軌跡、作品系譜形成微妙的相互映襯。

他也改造了原有的書架與桌子，運用鏡子、雷射投影來牽引參觀者的視線軌跡。尤其在這閉館翻新前的特殊時機，他更能自由深入空間肌理，試驗全新的展示方式。他著名的無相機攝影與不同的時期影像作品、音樂創作、政治實踐織就在一起，延續他個展時慣常的非線性展示邏輯。Florian Ebner說明，「雖然沒有按時間排序，但這些作品系列幫助觀眾串聯起整個展覽的脈絡。」

圖書館化身活的檔案館

圖書館裡一些特殊的軟體設施，也成為Wolfgang Tillmans的創作靈感來源，例如「自學區」（Autoformation）被放在金屬格子間的電腦。近年來，來自海外的學生與新移民經常使用這些設備學習法語，或收看故鄉的衛星電視節目。Wolfgang Tillmans決定保留這獨特的區域，在其中44個螢幕上播放他與另外2名攝影師，在一天內記錄下80位圖書館使用者學習與工作中的日常片段。Florian Ebner解釋：「這些影像提醒我們，年輕群體曾為這個空間帶來的生機與活力。」在另外24台「隨選視訊」（Video on Demand）電腦上，參觀者真的就像檢索書目一樣，可以自由瀏覽Wolfgang Tillmans自1980年代後期開始的錄像作品。「從這個角度來看，圖書館儼然成為一座鮮活的檔案館。」

音樂也交織在展場各處。Wolfgang Tillmans曾夢想當音樂人，混跡地下音樂俱樂部與派對，1990年代初他以攝影師出道時，正是以拍攝倫敦和柏林的銳舞音樂場景而嶄露頭角。後來，他也曾將展覽空間變身為聆聽室，更發行過雜揉電子techno等各色風格的EP與專輯。在展覽南端、能俯瞰史特拉汶斯基噴泉（La Fontaine Stravinsky）的一側，策展團隊打造了一個大型沉浸式空間。訪客可以在揚聲器陣列下或躺或坐，觀賞大型LED螢幕上播放的錄像〈Time Flows All Over（Pompidou）〉，其中，Wolfgang Tillmans反覆吟唱著「We mean what we say, language is what it is」；其他影片亦記錄著書籍印刷等過程，語言與印刷，正是圖書館的核心使命。「這個空間既是放鬆的場所，也是美學體驗的所在。」一個較小的房間播放他的聲音裝置〈I Want to Make a Film〉；而在主圖書館區域，他所創作的環境音樂和實驗性音樂成為背景聲響，為這巨大空間構築出豐富層次。

觀看從來都不容易

展中也匯聚Wolfgang Tillmans豐富的政治實踐，從HIV教育素材、反脫歐海報到倡議T-shirt，織就了一場社會參與的視覺宣言。對他而言，創作與政治行動之間並無明確界線。自1990年代以來，他走過了HIV病毒席捲歐洲、同志族群遭受歧視的年代，目睹世界局勢的跌宕起伏，他個人的見證，也是時代的印記。

如今回望，許多結果未必符合他當初的政治訴求，但Florian Ebner強調，只以立即見效的成功來衡量他行動的意義並不合適。「他的海報倡議雖無法阻止脫歐，但其中部分已成為政治辯論中的重要符號。比如那幅寫著『What is lost is lost forever』的海報，後來在法國選舉期間被某個運動引用為『Ce qui est perdu, est perdu à jamais』。這些作品產生了深遠影響，而這才是評估其價值的正確角度。」改造過的書架上也展示著他關於邊界與公民抵抗的主題作品（像是極右政黨崛起的德勒斯登地區、戰火中的烏克蘭哈爾科夫），還有他拍攝醫學世界的《operation theatre》系列。醫學是圖書館的經典學科分類，也是一個身體、健康與權力交錯的高度政治化的領域。Florian Ebner補充道：「在當前的時代背景下，這樣的展覽必然帶有政治意涵，特別是面對美國政府關閉與審查眾多機構、美術館及研究場所的現實。」

Wolfgang Tillmans的《Truth study centre》系列，自2005年以來持續探索人們如何看待「真相」——這無疑也是各種意識形態的表現。如今這「後真相時代」，AI演算法和深偽技術大行其道，似乎讓真相更加難以辨識，變得曖昧不明。Florian Ebner認為這場展覽的時機恰到好處，Wolfgang Tillmans這次「占領」圖書館的姿態，也令我們重新思考實體知識空間的存在意義。「Wolfgang與空間互動的手法創造了一種詩意、個人化且獨一無二的對話模式，」Florian Ebner表示，「這與AI慣於生成的回音式、制式化知識形成鮮明對比。」有些作品直接回應了這個課題，比如專為2020年代設置的展桌，探討的正是圖書館實體空間與AI那種潛在、虛無的數位空間之間的張力關係。他進一步補充：「從這個角度來看，圖書館成了AI的一種對立典範，而Wolfgang深刻且巧妙地演繹了這種對比關係。」

或許，這次展覽和Wolfgang Tillmans的創作，也是種對數位、虛擬世界諷刺性的質疑。Florian Ebner認為，他自1990年代後期革命性地改變了攝影，特別是他的實體展陳方式。「他拋棄線性的排列，而是像編輯雜誌版面一樣在牆上配置作品，在某種意義上解放了攝影，讓攝影作為實體物件的特質得以彰顯。」而過去20年中，人的感知逐漸成為他創作的核心：相機這光學儀器看到了什麼？我們人類又看到了什麼？攝影如何打破自身再現方式的理所當然？「在他的許多作品中，擁抱我所謂的『創造性的意外』，意即善用創作過程中意想不到的錯誤。這正是他的作品在當代如此珍貴的原因之一。」Wolfgang Tillmans的作品展現了攝影的雙重面向：既是見證世界的方式，也能是深刻的美學體驗。這正是他作品的力道所在。

Florian Ebner

2017年起擔任龐畢度中心國立現代藝術美術館攝影部門總監。1970年出生於德國雷根斯堡。曾任柏林畫廊攝影收藏代理主管（2008～2009）、布倫瑞克攝影博物館館長（2009～2012）與埃森福克旺博物館攝影部門總監（2012～2017）。2015年策劃威尼斯雙年展德國館。

Wolfgang Tillmans個展《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備》

• 時間：即日起至2025年至9月22日（Accès Libre par Celine｜7月3日、8月28日、9月22日11:00-23:00免費開放）
• 地點：巴黎龐畢度藝術中心公共資訊圖書館2樓

_{文｜吳哲夫　圖片提供｜各單位}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/9月號《開一家甜點店》

2025年8月2日至11月02日，尊彩藝術中心二樓展館將化身為一座時光隧道，《陳澄波百三特展》展出逾20件陳澄波珍貴油畫作品，邀請觀者深入這位台灣前輩畫家橫跨3地的藝術人生。

這場特展不僅是對一位藝術大師的致敬，更是一次深度的文化考古之旅。從陳澄波1924年東京美術學校的求學歲月，到1929～1933年上海任教的成熟期創作，再回到故鄉台灣的深情凝視，每一幅畫布上的筆觸，都見證著那個風雲變幻時代的文化交流與碰撞。20多件作品靜靜陳列，每一筆色彩都承載著跨越時空的深情對話。

一位跨越時空的藝術旅人

踏入展覽現場，我們遇見了一位跨越3個城市的藝術旅人。陳澄波，這個名字背後的故事遠比我們想像的更加複雜動人。1895年生於台灣嘉義的他，在殖民地的時空背景下，以近乎傳奇的方式開展藝術生命。1924年考入東京美術學校（現東京藝術大學），成為第一位以油畫作品〈嘉義街外（一）〉入選帝國美術展覽會（帝展）的台灣畫家。這不僅是個人榮耀，更打開了台灣藝術家走向國際舞台的第一扇門。

從東京到上海，再回到故鄉台灣，陳澄波的創作軌跡如同一本立體的文化地圖，記錄著20世紀初東亞地區文化交流的珍貴印記。1929年至1933年間，他在上海擔任多所美術學院的教職，視野與創作日趨成熟。然而，這位充滿理想的藝術家最終在1947年的二二八事件中殞落，年僅53歲。

重新認識陳澄波的文化座標

在他130歲冥誕之際，尊彩藝術中心特別策劃這檔展覽，每一筆色彩都承載著風雲變幻時代的記憶。陳澄波渴望與人親近，他的風景繪畫中，人物始終是不可或缺的元素。即使在遼闊的風景圖畫裡，總會點綴幾個人物，讓畫面充滿溫情。這種對人的關注，正是他藝術中最動人的特質。

陳澄波一生縱貫台灣、東京和上海的現代藝術風潮，在美術史上具有舉足輕重的代表性。他的彩筆不僅描繪台灣嘉義、淡水觀音山、淡水夕照等重要人文景觀，更見證了1930年代初期台灣農漁工商產業現代化的歷史進程。畫中洋溢著對故鄉及時代的熱情與感染力，透過畫面呈現20世紀初期台灣藝術進入現代化過程的複雜樣貌，也連接起東西方美學的精神內涵。他的精彩豐富人生，反映了台灣藝術史在不同政權統治下所經歷的曲折波濤，也為當代觀者提供深刻的文化思考。

陳澄波10件重點畫作一次看

❶〈夏日湖畔〉（Summertime Lakeside，1930）

遠山疊翠，湖水如鏡。這幅陳澄波在上海任教期間的作品，捕捉了西湖地區初夏寫生的溫潤氣息。相較於傳統文人筆下人跡渺茫的自然山水，他將西湖視為現代化的休閒場域。湖面上載著遊人的小艇愜意划行，湖畔散步的身影悠然自得，展現了蘇軾詩中「淡妝濃抹總相宜」的西湖神韻，展現他對江南水鄉的詩意凝視。

❷〈台灣農家〉（1932）

朱紅廟宇倒映在平靜池水中，撐傘垂釣的身影與撒網捕魚的農人構成寧靜的生活圖景。這座池塘原是彰化孔廟建廟時挖取土方留下的低窪地，經年累月積水成池。1932年的台灣正值農漁工商產業現代化進程，陳澄波透過此作遙望故鄉的農業社會變遷，儒家文教傳統與庶民生產活動和諧並置，成為一場傳統與現代的對話。

❸〈運河〉（約1929-1933）

蘇州運河上舟船穿梭，遠方工廠煙囪直指天際。上海任教期間，陳澄波深受倪雲林、八大山人等古典大師影響，開始將東方水墨畫元素納入創作。他從制高點俯瞰1930年代中國現代化的縮影，畫面中的現代化符號，像是工廠林立、煙火綿延、舟楫交錯，展現他對現代性的嚮往。建築與船隻輪廓以深色線條勾勒，採用類似元代山水畫「一河兩岸」的構圖方式，卻又融入西方透視法的縱深。

❹〈西湖春色（二）〉（約1934）

樹間湖光粼粼，白篷小船悠遊其間，陳澄波將這幅春日西湖經營成如世外桃源般的美麗世界，是東方美學的現代詮釋。前景樹木運用倪雲林的枯枝皴法，以粗黑線條勾勒枝幹與陰影；遠山綠葉則採八大山人的「擦筆」技法，使畫面剛柔並濟。斷橋附近的景色形成圓形視覺焦點，色彩明度較高，巧妙引導觀者視線。

❺〈綠蔭〉（1934）

1906年梅山大地震重創嘉義後，總督府在清朝孔廟舊址上重建嘉義醫院。畫面後方的建築展現和洋混合特色：入口門廊的日式三角坡頂，搭配西式立面窗格，象徵日治時期建築的文化融合現象。濃密的樹冠佔據四分之一畫幅，熾熱陽光穿透葉隙，在地面投下斑駁光影，林蔭下剛步出醫院的女子撐起洋傘。

❻〈滿載而歸〉（1936）

從淡水北方山坡俯瞰而下，蜿蜒的紅土大路引導視線穿越市街，直抵河港。天色將明未明的清晨時分，住在「城仔口」以北的民眾與挑擔小販，沿著電線桿的指引朝市街移動。河岸邊整齊堆疊著來自福州、北海道的進口杉木，冒煙的輪船停泊在棧橋旁。相較於一般風景畫家避開現代設施，陳澄波卻將電線桿、輪船、工廠等「礙眼」景物誇大入畫。

❼〈長榮女中學生宿舍〉（1941）

閩南式屋脊與西洋圓拱窗的奇妙組合，讓這幅作品成為台灣文化融合的象徵。畫面中央的巴克禮牧師館，以其獨特的閩南式屋頂配搭西洋圓拱窗，屋頂上的階梯狀構造，傳說是觀察天文星象之用。在戰爭的非常時期，當許多畫友響應當局製作「聖戰美術」時，陳澄波卻選擇描繪這樣的寧靜校園，高大的鳳凰木綠蔭如蓋，成為抵禦時代風暴的精神庇護所，是戰火中冀求的寧靜詩篇。

❽〈海邊三美〉（Three Beauties by the Sea，約1932）

三位女子結伴坐在海邊岩石上，身穿中式服裝卻搭配西式髮型與領巾，腳上踏著現代皮鞋。這幅畫作呈現了1930年代東方女性的摩登面貌，也反映了當時社會風氣的開放程度。3人結伴海邊遊玩的情景，在傳統中國婦德觀念中是不被允許的，顯示時代的變遷。技法上，前景草地與花卉運用厚塗與快筆交錯的處理方式，海水與天空的處理則融入了中國水墨的暈染技法。

❾〈搭肩裸女〉（1926）

右手輕搭肩膀，左手優雅地倚靠椅背，模特兒目光凝視著右下方，神情帶著一絲內省的沉靜。從坐姿裸女到立姿裸女，展現技法難度的提升——立姿人體對於身體比例、重心平衡、肌肉結構的掌握要求更高，陳澄波在此展現愈趨純熟的觀察力與表現力。背景的淡綠色花紋布幕與椅套上的花布圖案，與模特兒溫潤的膚色形成柔和的色彩對比，營造出寧靜雅致的整體氛圍。

❿〈畫中畫〉（年代待考）

圓桌上鮮花與水果錯落擺放，右側一幅裱框小畫描繪著山海邊的裸女。這幅靜物作品呈現桌面上不同物品的組合，構成豐富的視覺層次。前景水果運用厚塗手法，從金黃到深紅的色彩層次堆疊，質感飽滿。背景的小畫則以較為簡潔的筆法帶過，圓桌邊緣的藍色裝飾為整體暖色調增添變化。在後印象派的靜物畫傳統中，藝術家經常將日常物品與小幅藝術品並置入畫，陳澄波深受梵谷影響，這幅作品展現了他學習後印象派靜物畫技法的痕跡。

《陳澄波百三特展》

展期｜2025年8月2日（六）- 11月2日（日）

地點｜尊彩藝術中心 二樓展館

地址｜台北市內湖區瑞光路366號