獨一無二的城市策展

不同於博物館、美術館白盒子式的展覽型式，每年的臺南新藝獎得主出爐時，正是藝文愛好者起身動起來的時刻。在這段時間裡，別想偷懶地在單一一座藝術場館裡飽覽所有得獎創作，想要補充新興的藝文能量？你只能攤開地圖，穿梭位於台南巷弄之間的藝廊，一位一位地找尋與蒐集這些藝術家，加上路上偶遇的道地小吃和風格店舖，小心，原本僅安排兩天一夜的藝文旅行嚴重超時！

已屆 11 年的臺南新藝獎，連年以得獎藝術家串連城市中 10 家各具特色的在地重要藝廊空間，點、線、面融入城市美學的策展型式已是臺南新藝獎的獨特之處，然而重點卻不只如此。今年度，臺南新藝獎由策展人胡朝聖以「匯聚的分岔點」為題，於藝廊展出得獎作品的同時，策展人更應請能夠與得獎藝術家進行對話的藝術創作，讓來自各地的年輕藝術家得主，能夠一舉前進藝術產業的第一線，與當代在線的藝術家、藝廊、藏家和學界、媒體共同交流，直擊藝術產業的務實面向。

藝術與空間偶然又必然的搭配

「我的功能其實更像是發現與媒合的角色。」策展人胡朝聖說道。以凸顯得獎作品為主軸，作為台南新藝獎的策展人可不簡單，除了思考作品與藝廊空間在具體條件與抽象屬性能否配對及合作之餘，更要從海量的藝術家創作中找到在概念上與得獎作品交集的可能性，也增加作品的更多元的閱讀視角。

策展人以位於台南運河岸邊的水色藝術工坊為例說明，「水色的作品都與光有所關係。」水色藝術工坊坐擁明媚風光，在陽光照入大片窗景的兩層樓的空間中，二樓展出新藝獎得獎藝術家黃立穎的系列作品《奇石40》。《奇石40》系列作品在黑色基底的平面上，玩轉鉛筆石墨於其上經由光線照射所展現出的反光特性，形成落筆越多、密度越高之處，越發閃耀金屬光澤，使得超現實形體的怪狀奇石化為 3D 的立體維度，入眼的角度亦影響著作品帶來的視覺感受和經驗。

同樣在水色藝術工坊，一樓則展出邀展的日籍藝術家平川祐樹於 2023 年的錄像裝置新作《Shadow Play》。《Shadow Play》擷取日常樹幹、樹葉在微風搖曳的光影變化片段，由自然的觀察提煉並封存抽象且無形的時間。展出空間更反其道而行，擋住本該是空間看點的落地窗，使展間能夠散發出與作品相呼應的幽微質感，讓觀者從波光粼粼的河岸邊進入水色藝術工坊時，光線的變化彷彿走進了與外部截然不同的森林幽境。「所以每一件作品會選擇到哪個空間展出，都是我認為的『必然』，是在偶然的情況下最後產生的必然結果。」在經歷了 10 家藝廊的藝術家安排與展覽規劃後，藝術作品彼此之間與藝廊空間彷彿產生了交互作用，策展人胡朝聖感性地如此總結。

入主特色藝術空間的對話

改建自電信局廠辦的甘樂阿舍美術館，由曾英棟先生一手打造出展覽空間與藝術家工作室，也重新整理戶外庭園，保留一絲靜謐，也讓位於街巷旁的場域在進入其中後瞬間轉變氛圍，恍如有著大隱隱於市之感。溫潤的空間中，展出新藝獎得主古孟萱作品《島上的無危之人》，針對新聞、網路中戰爭與災難的圖像反覆拓撲，表現出如同傳統水墨畫的特質，遠看花鳥祥和，近看卻是嚴肅的社會議題碎片，帶出衝突與沖擊。同樣以黑白色調的平面作品呈現的邀展藝術家溫佳寧，則關注於媒體影像所塑造的女性身體形象，以變形、虛構、扮裝等方式，反思影像中所塑造的文化框架，兩者也將當代藝術巧妙的融入環境氛圍中。

回應時代與市場的學習

藝術家們藉由作品與空間和其他藝術家對話，也回應對於當今社會的想法，也透過越發多元且複合的媒材進行創作，成為錄像、裝置或數位的 NFT。藝廊當然也需因應時代，跳脫只為傳統平面畫作服務的作法。對此，臺南新藝獎也抱持著讓藝術家與藝廊相互學習的策展哲學。就如已有 30 年歷史，卻可說是台南最具包容性的藝術空間加力畫廊，在本次新藝獎展出年僅大四的藝術團隊 2ENTER 貳進的數位互動作品。交融網路數據資訊、動畫、遊戲引擎等元素，充滿時下語彙及當代符號，擁有前衛的概念、形式與呈現方式的創作，促使資深藝廊主理人與年輕藝術家必須坐下來共同討論展出的型式、販售方式；年輕藝術家也得以藉由主理人的經驗與人脈，學習向藏家自薦、定價策略、媒體公關互動等所有學校不曾傳授的藝術市場面向眉角。而這也是臺南新藝獎不同於如台灣其他大型藝術獎項的特點與價值所在，也是保有歷史文化的台南能夠持續擁有新意的關鍵。

自成一格——城市專屬代名詞

「台南經過時間累積的文化底蘊與美感本就有其豐富度，自成一格的藝文生態與經濟圈來自於早期仕紳家族的世代傳承與累積，而逐漸內化成一種城市的美學生活習慣，使台南的藝術產業調性並非大鳴大放，反而是能夠自給自足，在一座古老的城市裡撐起活絡的藝術產業運作。」策展人胡朝聖分享個人對於台南藝文圈的觀察與見解。已邁入下一個十年的臺南新藝臺獎，儘管相較台北獎、高雄獎、國美展等獎項年輕，卻不因資歷而落人後，而是如同這座歷史之城一般，自己走出一條其他城市難以在短時間內效法的獨特路徑。

| 2023 臺南新藝獎《匯聚的分岔點》| 

時間：3/16（四）- 4/16（日）

地點：加力畫廊、絕對空間、醉美空間、甘樂阿舍美術館、大新美術館、德鴻畫廊、藝非凡畫廊、水色藝術工坊、弎畫廊、索卡藝術

官網：http://next-art.tainan.gov.tw/

文字 | Diane Tang 圖片提供 | 臺南新藝獎

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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