被譽為荷蘭國寶級攝影師的Erwin Olaf於今（2023）年9月逝世，享年64歲。國立台灣美術館曾與韓國水原市立美術館在2022年共同策劃他的大型個展《埃爾溫‧奧拉夫：完美時刻─未竟世界》，其中展出他在2000年代生涯中期以降的創作，La Vie藉機邀請到藝術家親自分享他從最早期動人的黑白人像作品，到近年鋪張卻細膩的編導式攝影（staged photography），40年來創作路徑是如何轉變，而他又為何鍾情攝影。

跨足時尚的荷蘭攝影藝術家Erwin Olaf創作生涯已逾40年，近年才陸續在世界各地進行生涯回顧。他以畫面細膩的編導式攝影（staged photography）作品聞名，然而其創作起點卻是從文字開始。曾就讀荷蘭烏特勒支新聞學院，他在寫作新聞方面苦苦掙扎，「在這種環境下我不是很開心，其中一位攝影老師說服我參加他的一堂課，做完第一次作業之後，我確認攝影是屬於我的語言。」他發現相機可以在不成為世界一部分的同時，與外界接觸甚至創造自己的世界。

成長於荷蘭，他深受家鄉歷史悠久的繪畫傳統影響，啟發他對於光線細膩的觀察。而在那追尋自由的年代，他也甚受電影導演Federico Fellini和Paolo Pasolini飽含強烈情緒、挑釁社會習性的作品深深吸引。他不避諱女性、有色人種、同志群體等社會邊緣族群與議題，早年的作品以簡潔的光線與布置呈現黑白人像，大膽裸露的身體，展現強烈的情欲張力，由此彰顯他對身分認同的主張、突破社會框架的渴望，「攝影師Weegee的〈Man arrested for cross-dressing〉這張照片傳達的自由和自信像閃電一樣擊中我，成為我一直銘記在心的東西。此外還有Robert Mapplethorpe和Helmut Newton影像中，那種美麗的光影與無懼。」

挑釁社會禁忌、虛幻與現實的模糊地帶

1988年，他斬獲青年歐洲攝影師競賽大獎（Young European Photographer）的《棋子：一次下棋的嘗試》（Chessman）系列，似乎能找到另一名他喜歡的攝影家Joel-Peter Witkin的影子，影像中用捆綁、扮裝、角色表演等方式，拍攝畸形人、肥胖者、侏儒等等，展現他對人性豐富的理解與對社會禁忌——階級種族、性別及宗教信仰——的張狂挑釁。「我在攝影中研究的是肌膚表達的情緒。我喜歡人體肌膚的質地，喜歡它在（黑白）攝影中的呈現，非常著迷它所講述的故事。」

1990年左右，Erwin Olaf也在商業攝影領域取得成功，曾與Heineken、Louis Vuitton、Levi's、Microsoft與Nokia等國際品牌皆有合作。「近年來在個人創作上的穩定讓我可以完全獨立，但我仍然喜歡挑戰商業委託，它們讓我有機會學習、結識新朋友並與其他創作者互動。」數年商業委託案的實驗與積累，讓他擅於駕馭畫面的美感與細節，這有助於他在2000年代以後往編導式攝影的轉向。過往作品僅需要少量的空間與燈光操作即能拍攝，但編導式的作品為了透過畫面細節的經營，描繪人性的複雜與戲劇化的情感，對於場景、人物造型以及合作人員等等調度有更高的要求。此外，也能藉此吸引觀眾目光，讓作品的其他層次能進入他們的視野。「我是一個完美主義者，因此想要創造一個完整的世界，而最簡單（也是最昂貴）的方法就是將所有事物都陳設出來。」

 

 

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迎向更大的歷史場景

他對於人類內部情緒的關心，也融入更大的歷史場景，2000年代的《雨》（Rain）、《希望》（Hope）、《悲傷》（Grief）三部創作，是Erwin Olaf對人類情感細微狀態的研究。在911事件發生之後，他將感受到的衝擊與矛盾融入作品，於是畫面中人物置身在1950年代，象徵蓬勃發展與追求自由精神的美國，人物卻猶如美國畫家Edward Hopper筆下深陷大都市的孤獨與疏離，彷彿美好已不復存在的迷茫。2010年代的《柏林》（Berlin）、《上海》（Shanghai）、《棕櫚泉》（Palm Springs）中，他更進一步以真實城市為背景，展現它們在急遽變化下被投射的虛幻欲望。他認為若新世界將把舊世界抹去並遺忘，這不會是一種進步。「歷史可以幫助人們理解現在，也讓人知曉未來將要發生的事情，同時我在創作中融入了我的青春。」藉由畫面的精密編導，他模糊了現實與虛幻的邊際。

Erwin Olaf也不吝於嘗試各類的創作可能性，2012年的《鑰匙孔》包含一組裝置，外部張貼平面攝影而內部則播放兩部影片，當觀眾透過鑰匙孔窺視內部的瞬間，外部照片的人物也凝視著觀眾。荷蘭2013年新版歐元硬幣設計圖面、2016年在荷蘭國家博物館（Rijksmuseum）的裝置設計《伸展台》（Catwalk Promo）等都是他對不同媒材表現的嘗試，然而，攝影始終是他主要語言與工具，「其他媒材是賦予作品敘事深度的方式，讓它更加豐潤，但我終究是以攝影為主要媒材的藝術家。」

在未竟的世界的尋找完美時刻

近年COVID-19的爆發對Erwin Olaf造成衝擊，創作工作一度癱瘓，從中他觀察到這世界的慌亂與脆弱，「我想把這種恐懼、這種感覺轉化為攝影作品，那是一種恐懼、混亂狀態的表現。」《愚人節2020》（April Fool 2020）描繪他在這場如電影般超現實的疫情，所感受到的迷惑情緒；在《在林中》（Im Wald）系列，他則以大自然為背景，借鑑19世紀浪漫主義繪畫的形式，在巴伐利亞與奧地利的山區完成作品，表現現代人類與自然的疏離關係。而在《愚人節》、《在林中》都能見到他的自拍，這是Erwin Olaf自生涯初期就一直注意的命題，「自拍是一種自我研究。我曾多次說過：每個藝術家都應該製作自畫像。它是一面鏡子，可以很好地反映出我的想法、當下的狀態，以及我的情緒或憤怒。」

《在林中》他在山區戴著呼吸器的自拍，直截揭示他1996年以來，一直飽受遺傳性肺氣腫的困擾，「我盡可能不屈服在自己的健康問題。」健康不必然與他的創作有直接關聯，但確實對他的日常生活，以及對事物的感知有很大的影響，在一些自拍中，他不吝表現出這種脆弱性，如同2009年的自拍作品《我希望，我是，我將是》（ I Wish, I Am, I Will Be）記錄下自己50歲時的面貌，以及他對理想中、對未來自己衰老後戴著呼吸器的想像，某種程度上誠實到近乎無情。他已然接受自己的缺陷和命運，謹慎分配自己的注意力和精力。

創作生涯至今，他從一個急欲表現的藝術家，作品轉趨沉思與平靜，處理人的失落、年齡衰老與包含悲傷的各種情緒，「我變老了，現在不再需要透過作品張狂的咆哮來吸引人們的注意。我越來越對人們幽微的動作與情緒變化所吸引。」他也重新開啟《My Ladies Hats》這1980年代起拍攝的系列，那時他早為男人戴上女帽，挑戰性別氣質的模糊性，「這個系列平衡了我過去幾年對於大型製作的挑戰，在小型私密工作室環境中，再次拍攝這探討性別認同的迷人系列感覺很好。」

作品少了點咆哮，多了些耳語，但Erwin Olaf始終說著同樣的話。對他而言，世界存在許多動盪與缺陷，創作正是他在現實中追求自由、在生命中找到堅韌與美的手段，「我所說的完美時刻是作品將一切事物結合在一起的狀態。當創作完成印刷和裝裱後，我會靜靜地看著它們，讓作品『呼吸』，我很享受那種時刻，感受到完美。」在法國巴黎畫廊Rabouan Moussion的個展，以及在盧森堡國家歷史藝術博物館（Musée national d’histoire et d’art）與藝術家Hans op de Beeck的合作等更多計畫持續展開，他還渴望實踐更多的想法，以創作去完整這個未竟的世界。

 

 

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Erwin Olaf

創作手法多元的藝術家，作品聚焦被社會邊緣化的個體，例如女性、有色人種、同志群體等。2019年他的500件作品獲荷蘭國家博物館典藏，館長Taco Dibbits形容他是「20世紀最後25年最重要的攝影師之一」。於2017年擔任荷蘭皇室的肖像藝術家，並在2013年替荷蘭2013年新版歐元硬幣擔任設計師。曾獲荷蘭Johannes Vermeer獎、國際色彩攝影獎年度攝影師。

文｜吳哲夫　圖片提供｜國立台灣美術館

巴黎龐畢度藝術中心即將閉館5年整修，德國藝術家Wolfgang Tillmans個展《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備》作為落幕之作，即日起至2025年至9月22日進駐中心內公共資訊圖書館，以其標誌性策展概念「自剖」近40年創作歷程，展示多樣化藝術實踐。同時，展覽合作夥伴Celine首度與中心攜手推出在特定日期向公眾免費開放的「Accès Libre par Celine」計畫，邀你7月3日、8月28日及9月22日共赴這場毫（萬）無（般）準備之旅。

巴黎龐畢度藝術中心（Centre Pompidou）由已故英國建築大師Richard Rogers、普立茲克建築獎得主Renzo Piano設計的原始建築，即將於2025年至2030年閉館改造，並在此前請來了德國藝術家Wolfgang Tillmans呈獻意義非凡的最後一舞。龐畢度中心3館之一的公共資訊圖書館（BPI）2樓、總面積達6,000平方公尺的空間，於是全面交到這位當代影像藝術家手中，憑他的原創性構想開辦個展：圍繞圖書館兼備的「建築」和「知識傳播場所」雙重身分展開創作與對話，打造能與作品相互呼應並激發思考的沉浸式空間。

Wolfgang Tillmans近年陸續進駐多個全球頂級藝術機構舉辦重要回顧展，如2017年於倫敦泰德現代藝術館（Tate Modern）、2022年於紐約現代藝術博物館（MoMA）；2018至2022年間更在非洲進行了一場名為《Fragile》的大型巡迴展，作品足跡遍及金夏沙、奈洛比、約翰尼斯堡、阿迪斯阿貝巴、雅溫德、阿克拉、阿比讓、拉哥斯等城市。

此次睽違20餘年回訪巴黎機構級別場館，展覽題名《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備（RIEN NE NOUS Y PRÉPARAIT - TOUT NOUS Y PRÉPARAIT）》，由法國國立現代藝術博物館（龐畢度中心3館之二）主任策展人Florian Ebner，偕Olga Frydryszak-Rétat、Matthias Pfaller兩位助理策展人共同規劃。全區展品橫跨Wolfgang Tillmans將近40年創作歷程，一步步將觀者「誘入」他以多樣化藝術構築的迷人之境。以下分3大關鍵字簡析其作品脈絡，並穿插帶來編輯精選的25張影像。

#01 自剖

轉化空間結構，突出展品意涵

此次展覽揭示了Wolfgang Tillmans攝影作品的一個橫切「面」，呈現順序依循的是空間結構，而非「線」性時間。展出內容融合錄像、音樂、聲音作品，以及龐大的印刷品收藏和個人物品。Wolfgang Tillmans巧妙利用圖書館本身的基礎設施，突出其創作與此一知識多元共存場所之間的相似性，更勝以往地體現了藝術家對空間的直接介入——這是他自1990年代中期以來的策展標誌：一方面轉化現有結構，一方面發明出全新展示形式，藉此構造出一個包羅萬象的裝置場所，重新定義攝影展覽的可能性。

#02 尋根

捕捉物質世界的脆弱不安，以自有審美語言追探人文主義

1968年出生於德國雷姆沙伊德的Wolfgang Tillmans，在其藝術生涯中不斷挑戰可見性邊界，捕捉物質世界既脆弱迷人、又令人不安的瞬間。他也進行無相機攝影，致敬將被淘汰的感光材料所擁有的純粹性或不純粹性。從早期對天文現象的觀察，到對1990年代次文化的記錄，再至如今融合錄像和音樂等多元創作，Wolfgang Tillmans形塑出自成一體的審美語言；而這種緊貼時代的探索，不僅推動他不斷追探人文主義與共存的當代表達形式，亦對當代藝術以外的領域產生深遠影響。

#03 反思

今昔之作並呈——我們對此毫（萬）無（般）準備

通過將早期檔案與最新創作並呈於展覽中，Wolfgang Tillmans回應了自1989年以来持續主導全球局勢的辯證狀態：那些曾經艱難爭取來的社會進步與自由，如今再次面臨質疑。展覽標題「我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備」作為藝術家自身多年來珍視的一種表達，可被理解為對我們對時間、現實，以及如何塑造現實，這般複雜感知的反思。

集藝術家文本與訪談，《Tillmans Reader》同步發行

《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備》為Wolfgang Tillmans自2002年在東京宮（Palais de Tokyo）進行大型裝置後，睽違23年於巴黎機構級別場館的首個個展。展覽將配套發行圖錄，以及匯集藝術家多篇文本與訪談內容的擴展版《Tillmans Reader》法文出版物。

Wolfgang Tillmans個展《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備》

• 時間：即日起至2025年至9月22日（Accès Libre par Celine｜7月3日、8月28日、9月22日11:00-23:00免費開放）
• 地點：巴黎龐畢度藝術中心公共資訊圖書館2樓

2025大阪世博於4月13日～10月13日登場，為期半年的展期，無疑是今年極具規模與吸睛度的國際盛事。而大家前往世博勢必會拍照留念，但在人潮眾多、天氣不可控等狀況下，該怎麼克服？面對各個場館，又要如何找到自己的獨特視角？這次攝影師蔡耀徴親自前往現場取材，不藏私分享拍攝經驗與技巧！

若問2025大阪世博是否「好拍」？答案為是，但也不完全是。以設計「大屋根」的藤本壯介為首，到獲普立茲克建築獎的伊東豊雄、坂茂、SANAA，再到隈研吾、平田晃久、Foster + Partners、Lina Ghotmeh等一線建築師，每一座場館映寫在相機裡都獨具特色。

但世博現場人潮眾多，天氣亦不可控，實則考驗拍攝者的現場應變與取景技巧。加上根據世博官方規定，會場不得攜帶大型行李（以600mm×400mm×900mm為限），且有輪子的行李箱、相機腳架皆被禁止。然而現場值得拍攝的畫面非常多，舉凡場館、表演、世博大景等等，白天與夜晚亦有不同景致，因此在能帶入的攝影器材有限的狀況下，設備的選擇就得非常精準。

世博拍攝的行前準備

此次蔡耀徴選擇以Sony α7R V作為主力機身，其具備雙卡槽、高畫素等特點，能給予專業攝影師穩定支援；加上AI對焦、防手震、四軸多角度翻轉螢幕等多元功能，亦讓取景更靈活。鏡頭則以3種不同焦段搭配使用：16-25mm的廣角鏡頭，可以同時容納展館和人潮，呈現世博各場館的氣勢與張力；中長焦選擇70-200mm，能壓縮景物作為畫面的前景或點綴；而針對現場的多變狀況，40mm的定焦鏡機動性高，且定焦鏡的特性能凸顯被攝主體，成為拍攝細節的好幫手。

拍攝展館前，先觀察建築特性

來到世博，每個人首先想拍攝的莫過於「場館」。蔡耀徴觀察，本屆世博許多場館色系都偏白、灰，甚至選用鏡面材質，這類顏色與材質的建築會反映天空色調，善加運用則能拍出不單調的場館照。例如「泰國館」就有一面偌大鏡面，彷彿建築與天空融合在一起，就算遇到陰雨，也能在不同的天空顏色映照下，形成晴天拍不出的氛圍。他也補充，這張照片拍攝於傍晚，快門非常慢，此時相機的防手震功能就很重要。

而在拍攝「韓國館」時，為呈現外牆上裸視3D的震撼效果，他選用16-25mm的廣角鏡頭，且蹲在地上拍攝，運用翻轉螢幕得以輕鬆取景。

在展館拍攝上，蔡耀徴也建議，「視線不要只放在單一場館，可以試著將周圍元素放入構圖。」同樣以「泰國館」為例，他在拍攝途中發現鏡面在某個角度下，可以反射出旁邊的「西班牙館」，因此有了這張「看似後製、其實是實拍」的兩館合影。

靜態展覽與動態表演的不同技巧

進到展館室內，展覽又是另一項拍攝重點。蔡耀徴此次在展場內多搭配40mm的定焦鏡，他解釋，介於廣角與中長焦之間的40mm焦距，很適合在有限的室內空間裡發揮，且不會容納太多不必要的資訊。「定焦鏡的特性還能使物件的邊緣更為銳利，使主體更容易地被聚焦、凸顯。」他說，拍攝「瑞士館」展覽時，裝置藝術的光線就在定焦鏡下粒子分明。

場館裡面可不只有展覽，在世博主場館「EXPO Hall」亦有表演可以預約欣賞，各國家館也會不時在戶外空間展演，成為走逛世博的驚喜。若想捕捉表演者的畫面與動作，蔡耀徴建議可以開啟相機的AI對焦功能。此次他就在「EXPO Hall」欣賞演出時，就在台上眾多舞者中，快速對焦到主角。

巧妙運用人潮與前景，創造氛圍大景

除了將眼光放在各個場館，來到這個5年一度的國際展會，勢必會想拍下屬於世博現場氛圍的照片。蔡耀徴說，世博現場免不了人群眾多，若想拍出熱鬧但又不雜亂的大景，建議在會場尋找制高點，並使用70-200mm的中長焦鏡頭容納整體視野。

蔡耀徴也強調，不需要一味地把人潮當作「需要避開」的劣勢，善加利用反而能為畫面加分。其中，讓人群變成「剪影」就是個好方法。例如他運用「電力館」的純白外觀，與黑色人群剪影形成對比，以廣角鏡頭呈現人潮走逛世博的有趣畫面。

而最能代表本屆世博的建築「大屋根」，除了單純拍攝其木構之美，蔡耀徴此次使用中長焦鏡頭壓縮景物，讓大屋根通透的木頭結構成為前景，造就獨特視角。

夜晚拍攝要注意什麼？

最後不可錯過的是夜晚，開放到晚上10點的世博，幾乎每個場館都有針對夜晚設計燈光，且戶外空間也固定會有水舞秀演出。蔡耀徴說，拍攝夜景時，機身的對焦需要精準，且拉高ISO後畫面品質也要維持水準；加上夜拍經常需要透過後製調整，因此相機的性能十分重要。善用器材加上現場觀察，就能讓世博迷人且多樣的夜晚姿態，以照片的形式定格留存。

_{文｜張以潔　攝影｜蔡耀徴}