跨時代的甜蜜陷阱——李奎壁個展《香蕉幣》重現殖民經濟樣貌,反詰當代交易機制亂象

跨時代的甜蜜陷阱——李奎壁個展《香蕉幣》重現殖民經濟樣貌,反詰當代交易機制亂象

香蕉是台灣人再熟悉不過的水果,不僅乘載風味記憶,也是穿越百年的經濟與文化符碼。不只是台灣,翻開許多熱帶國家的歷史,也可見與香蕉對應的篇章,暗藏著殖民帝國的野心、殖民經濟的利益與血汗。以此為靈感,藝術家李奎壁推出《香蕉幣》個展,透過動態影像、短片、互動體驗、飲食等載體,描繪過往殖民地式經濟的樣態,對現今的交易機制提出叩問;更進一步邀請觀者在區塊鏈鑄造NFT、或競拍金屬香蕉,真正投身「交易」之中。

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《香蕉幣》展覽現場。(攝影:汪正翔/圖片提供:洪建全基金會)

用藝術展覽回答問題

2015年至今,洪建全基金會《問問題計畫》每年都會提出一個單純的問題,探討社會、文化與生命內涵,並妥託藝術家透過新創作回應問題,提出自身觀點,激發觀眾思考、帶動更多提問。而這場名為《香蕉幣》的展覽,正是源自2023年核心命題——「TRADE or TRAP?」(交易或陷阱?),企圖挑戰社會所追求的經濟烏托邦,以及對於交易和貨幣的認知。

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《香蕉幣》展覽主視覺。(圖片提供:洪建全基金會)

水果那麼多,為什麼是香蕉?

這道提問,由長期關注跨境活動、勞動經驗、殖民經濟的李奎壁來應答再適合不過。一進到《香蕉幣》展場,就能聽見現場環繞的AI聲響,不斷演唱著從二戰至今世界香蕉銷售的價格起伏,以及通貨膨脹的百分比。這暗示著香蕉作為一種熱帶地區常見的經濟作物,儼然是上個世紀殖民帝國擴張慾望的具體象徵。

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《香蕉幣》展覽現場。(攝影:汪正翔/圖片提供:洪建全基金會)

以歷史上的「香蕉票」揭示被遺忘的經濟場景

AI聲響演唱的內容,與動態影像《香蕉園天氣預報》有著直接關聯。藉由此作,李奎壁先是向觀眾拋出了一則關於香蕉的冷知識——20世紀中期,日本帝國曾在北婆羅門洲、馬來西亞與新加坡等殖民地,短暫發行一種軍票「香蕉幣」,得名於貨幣10元面值上印製的香蕉樹。

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李奎壁《香蕉園天氣預報》。(攝影:汪正翔/圖片提供:洪建全基金會)

《香蕉園天氣預報》一面再現了原版「香蕉幣」,鈔票正面的樹與果實都細膩描繪;另一面則連接至Google實時天氣預報,呈現一系列曾作為殖民地香蕉園的天氣情況。李奎壁串起了往昔與今日,也嘗試連結散落世界各地、已然消失或仍努力輸出香蕉的果園,向逐漸遺忘歷史與全球經濟場景的人們拋出提醒。

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李奎壁《香蕉園天氣預報》。(攝影:汪正翔/圖片提供:洪建全基金會)

也許你會好奇,後來的「香蕉幣」怎樣了?它的壽命不長,生於1941年末、隨1945年日本戰敗而沒落,更因通膨嚴重、購買力急速下跌,逐漸演變成馬來西亞華人間對「不值錢的東西」的代稱,像是2017年馬來西亞令吉貶至18年來新低,當地人就曾以「香蕉票」戲稱令吉。6年前發生的事,早已稱不上新聞,那能稱作歷史嗎?無論如何,彼時的社會情景彷彿與《香蕉園天氣預報》的蘊意隱隱聯繫。

香蕉有可能會消失?跟著日本未來少女「回憶」香蕉

研究過程中,李奎壁還發現日本帝國為了宣傳台灣香蕉而發明的食譜,她不僅還原了食譜烹調方式,製作出展場桌面上一罐罐的果醬,更延伸出一部短片創作《Isoamylacetate》,特別以合成香蕉氣味的主要化學材料命名。

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李奎壁還原日治時期食譜所製成的香蕉果醬。(攝影:汪正翔/圖片提供:洪建全基金會)

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展覽現場還能吃到各種香蕉小點。(攝影:汪正翔/圖片提供:洪建全基金會)

短片畫面明亮、繽紛,卻暗藏著香蕉即將「消失」的警示訊息。原來在香蕉成為殖民地的重要經濟作物之後,為了保持特定品種的香蕉大量、快速生產,許多蕉農一直以來都栽培單一品種,這讓香蕉的抗病能力逐漸降低;甚至有科學報告推測,在不久的將來,我們現在所食用的香蕉將會消失。

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李奎壁《Isoamyl acetate》。(攝影:汪正翔/圖片提供:洪建全基金會)

將視線拉回《Isoamylacetate》,片中一名來自未來的日本少女,穿梭至今日台灣的香蕉園,園內種滿了佔世界99%出口量的品種,她滿臉好奇地看著香蕉,因為在少女所存在的時空,香蕉只存在於歷史檔案;接著她沿著昔日的香蕉果園、檢驗所、市場,一路走到出口港口⋯⋯。她的歷史之旅,卻是我們可預見的未來。

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李奎壁《Isoamyl acetate》。(攝影:汪正翔/圖片提供:洪建全基金會)

拿起手機,來場交易!

要理解第三件作品《香蕉幣計畫》,請拿起手機掃展場牆面的QR Code,掃描後將會進入「採香蕉」遊戲當中,只要不斷採收成熟的香蕉,就能獲得積分。當積分達到門檻,系統將會自動配送虛擬貨幣到你的帳戶。

勞動後得到報酬了,然後呢?獲得虛擬貨幣的觀眾們,將共同決議要用虛擬貨幣兌換NFT或金屬香蕉(回應人類貨幣機制採與貴金屬等價的概念),甚至還能調整往後遊戲的積分機制,共同決定「香蕉幣」的未來走勢。《香蕉幣計畫》反映了價值與價格的關係日漸偏離、交易的形象不斷蛻變,引人思考究竟現行經濟、金融體系的信任機制,是否真能打造人類所想的烏托邦?

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《香蕉幣計畫》中的銅香蕉。(攝影:汪正翔/圖片提供:洪建全基金會)

精心編導「黑色情境喜劇」

李奎壁研究的議題沈重而複雜,她長期透過蹲點田野調查、檔案閱讀等手法,梳理出每件作品的核心論述,比如過去為了創作鑽石相關作品,就深入國際炒房浪潮現場!蒐集好第一手資料、或來自前線人員的二手資料後,再巧妙運用來自勞動現場的物件(比如《香蕉幣》中的香蕉),透過仿造、再製或重新編撰,轉譯物件本身的內涵,輔以適量的歷史知識,提出對物質世界的批判。

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李奎壁《Isoamyl acetate》。(攝影:汪正翔/圖片提供:洪建全基金會)

探討的議題並不輕鬆,但觀賞李奎壁的作品並不令人感到沈重,甚至能從中看出一點詼諧、幽默感,像是一場精心編導的黑色情境喜劇,悄悄牽引著我們走向核心命題。

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藝術家李奎壁。

洪建全基金會「2023問問題計畫」——李奎壁個展《香蕉幣》

展期|2023.10.28-12.16

開放時間|週一至週六,11:00-18:00

工作坊|2023.12.02

地點|洪建全基金會(台北市中正區羅斯福路二段9號12樓)

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從 David Carson 的解構視覺,到顏伯駿的觀看語言!麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》讓經典不只換裝,而是進入一場可被感知的文化體驗

當經典邁向當代,設計語彙也被重新打開。麥卡倫攜手美國平面設計大師 David Carson,為經典雪莉桶與雙雪莉桶系列換上全新包裝,並以此為靈感,打造《雪莉新裝360體驗》沉浸式展覽。《La Vie》邀請設計師顏伯駿進場體驗,從創作者的視角觀看、詮釋與拍攝,記錄設計如何在場域中被感知,也重新打開人們對麥卡倫的閱讀方式。

麥卡倫(The Macallan)自 1824 年創立以來,便以雪莉桶釀酒工藝聞名,攜手美國 Coopers Oak 橡木林場並收購西班牙 Vasyma 製桶廠,打造自家雪莉橡木桶供應鏈,新酒與頂級雪莉橡木桶交融下,酒液逐步發展出細膩而層層遞進的風味表現,形塑出麥卡倫引以為傲的風格標誌。到了今年的麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》,這份經典被轉譯為更當代的語言,從 David Carson 操刀的包裝視覺,到延伸出的沉浸展覽空間,品牌首度以「設計」為對話開場,讓人重新感受經典麥卡倫背後的文化溫度與情緒層次。

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從包裝到場域,設計成為對話的路徑

設計師顏伯駿說,「真正的顛覆不是推翻,是讓原本的秩序容納新的語法;真正的敬意,也不是膜拜,是讓傳承有再被閱讀的可能。David Carson 把麥卡倫的典雅與他一貫的直覺性並置,創造出一種介於經典與自由之間的張力區!」而展覽以「360」為名,分別對應三大酒款(經典雪莉桶、雙雪莉桶、臻彩系列)、六大標柱(最高品質的橡木桶、雪莉酒潤桶工藝、渾然天成的自然酒色、精緻小巧的蒸餾器、麥卡倫莊園與百年傳承的釀酒智慧),層層拆解麥卡倫的文化底蘊,讓觀者用身體進入設計邏輯的邊界。這不只是關於視覺的閱讀,而是關於場域如何讓設計變得立體。

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拆解與再閱讀

踏入麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》,就像翻開一本逐頁拆解的讀本,設計邏輯在錯落與重構中緩緩展開。入口以象徵雪莉桶紋理的弧形木牆作為開場,引導觀者穿越時間年輪,走入麥卡倫的傳奇時光;緊接著,步入「感官走廊」,幽深的紅光映照著品牌走過兩世紀的重要節點與關鍵人物,走廊盡頭的螢幕,播放著來自赫雷斯的桶匠訪談與雪莉酒介紹,搭配曲面解構符號與牆面上的「瓦德比諾 Valdespino」雪莉酒,讓觀者穿越至雪莉桶誕生的原鄉脈絡。

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進入展覽核心,視線被瓶身、照片、圖騰與色塊組構的裝置吸引,一如漫遊 David Carson 拼貼而成的意識流場景;麥卡倫的六大標柱,從百年傳承的釀酒智慧到麥卡倫莊園,在此被重新拆解並串連為動態時間軸,引導觀者參與一場關於橡木、潤桶與陳年的演化歷程。

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琥珀色燈束切入瓶型輪廓,讓酒液的層次與情緒感受浮現眼前;而鏡面牆體則轉化為反射與凝視的界面,邀請每個人將自我置入麥卡倫敘事中,成為風味旅程的一部分。「這些空間其實都不是直白翻譯 David Carson 的設計,」顏伯駿說,「它們是把 David Carson 那種打破線性、重組敘事的感覺變成立體的,每一站都是一種推進!」他特別提及場內大量出現的紅色光影與陰影重疊:「紅色不只是裝飾,它其實像是一種引導,讓你走進麥卡倫情緒的內裡。」

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與經典重新相遇

顏伯駿說:「麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》是一個開放的命題,而不是一個被定義的結論。

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你可以從工藝進入,也可以從感覺進入;從歷史進入,也可以從視覺進入。品牌若能容納多重入口,代表它願意承擔多重解釋。」對他而言,成熟的品牌不怕被讀錯,它只怕失去被閱讀的慾望 —— 而這一次,麥卡倫選擇以全新的方式,重新開啟這場深層對話。

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誠如顏伯駿所說,「當觀看被重新訓練,品牌不必提高音量,只需要說對語言。」在展場尾聲,麥卡倫以一連串能「被參與」的設計細節,打開更多與經典重新連結的方式。

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於展場來一杯層次豐富、尾韻帶有甜味的雙雪莉桶純飲,或選擇清爽果香的Highball,週末你可以點上由「2025亞洲最佳酒吧」The Public House Maltail打造、以經典麥卡倫雪莉桶風味為靈感的限定特調;玩一場藏有互動攝影驚喜的盲盒遊戲;寄出一封寫滿真摯話語的明信片;現場購買麥卡倫經典酒款,還能享受質感緞帶包裝的儀式感,讓這些互動與走逛片刻,與麥卡倫威士忌一樣,在記憶中慢慢熟成。

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基隆美術館《我(們)到此一遊》開展!10位藝術家剖析「觀看即表演」的當代社群奇觀

基隆美術館《我(們)到此一遊》開展!剖析「觀看即表演」的當代社群奇觀

基隆美術館2025年度大展《WE ARE ME — 我(們)到此一遊》,由藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」擔綱策展人,邀集台灣、日本、泰國、英國及法國等10位藝術家,透過經典舊作與全新委託創作交織共28組創作,試圖回應當代最為迫切的提問:在資訊過量的影像洪流中,藝術還能如何被觀看?

基隆美術館《我(們)到此一遊》開展!剖析「觀看即表演」的當代社群奇觀
(圖片提供: 基隆美術館/攝影:KRIS KANG)

我們所見,真源自我們所選嗎?

在社群媒體演算法驅動下,我們以為自己在選擇觀看,但事實上,我們所見有時並非源自所盼。如今,觀看已是表演、身分再造的一部分,更是個體與群體的角力場。策展人法咪咪表示,展名「WE ARE ME」指向集體與個體的共生與矛盾:在數位影像分享時代,「自我」的樣貌逐漸在群體的凝視中成為「我們」;副標「我(們)到此一遊」則回應大眾文化中「到此即表態」、「觀看即表演」的社群奇觀。

基隆美術館《我(們)到此一遊》開展!剖析「觀看即表演」的當代社群奇觀
台灣藝術家謝佑承以光影裝置檢視影像生成的本質,《大幕》與《雨點》兩件作品構築虛實交織的沉浸空間。(圖片提供: 基隆美術館/攝影:KRIS KANG)

這場展覽就是對上述現象的回應,探索著在影像泛濫、人人都能自稱創作者的時代,藝術被觀看的各式嶄新可能;同時剖析「我」與「我們」的界線,是如何被生成、被消解。再回望展名暗藏的巧思:當「WE」置於鏡面,反射出的既是「ME」,亦是無數被轉譯的身份,暗示著觀者不是單純的旁觀者,而是與作品共構、再造的行動者。

基隆美術館《我(們)到此一遊》開展!剖析「觀看即表演」的當代社群奇觀
(圖片提供: 基隆美術館/攝影:KRIS KANG)

從兒童純真視角切入主題

首度於台灣美術館機構展出的英國當代藝術家瑞安·甘德(Ryan Gander),是威尼斯雙年展、卡塞爾文件展、雪梨雙年展等國際大展常客。他擅長以幽默視角轉譯日常物件,此次帶來裝置作品《同理心是一種超能力嗎?》,將稚真問句 “Is empathy a superpower?” 印於巨型黑色氣球,並置放於展場通道,迫使觀眾直面這道純真提問。

基隆美術館《我(們)到此一遊》開展!剖析「觀看即表演」的當代社群奇觀
(圖片提供: 基隆美術館/攝影:KRIS KANG)

泰國藝術家納溫·努通(Nawin Nuthong)以融合神話、兒童文化與政治隱喻見長,此次為展覽及基隆城打造新作《4−6位紙鈔上的孩子》,以台灣千元鈔票的隱藏人物為切口,結合基隆在地廟宇觀察,於作品中交織遊戲、童趣與批判性。

基隆美術館《我(們)到此一遊》開展!剖析「觀看即表演」的當代社群奇觀
(圖片提供: 基隆美術館/攝影:KRIS KANG)

科技如何影響人類的情感和行為?

曾獲威尼斯雙年展銀獅獎殊榮的重量級藝術家卡蜜兒·安侯(Camille Henrot),攜成名作《極度疲憊》首度來台展出。這件被視為後網路藝術(Post-Internet Art)始祖的作品,以電腦桌面為舞台,重組網路素材、美國博物館及研究機構組織「史密森學會」典藏,揭示資訊過載如何影響我們的感知與學習知識的方式。

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(圖片提供: 基隆美術館/攝影:KRIS KANG)

同樣回應科技社會與人類情感行為的關聯,台灣藝術家鄭先喻作品《這可能是你》揭露演算法下的身份幻象,作品不斷輸出演算法生成的個資檔案,擾動個人隱私與真實身分的邊界;日本藝術家山內祥太(Shota Yamauchi)的新作《Being… Us?》,則透過AI光影生成後人類幻影,挑戰對「生命」的既有定義。

基隆美術館《我(們)到此一遊》開展!剖析「觀看即表演」的當代社群奇觀
(圖片提供: 基隆美術館/攝影:KRIS KANG)
基隆美術館《我(們)到此一遊》開展!剖析「觀看即表演」的當代社群奇觀
(圖片提供: 基隆美術館/攝影:KRIS KANG)

日本藝術家YANG02則進一步探索科技時代的社會與倫理議題,他曾透過《永久的暫時性》一作,運用無價值判斷的自動導引車(AGV)將隱蔽幕後的佈展過程公開,藉此反思便利性背後的資本機制。此次則帶來新作《慢速迷你4DW——逃離現代價值觀》,將原先的高速競賽改造成「慢速競賽」,使觀眾體驗「放慢」蘊藏的價值,挑戰現代社會對效率的迷思。

基隆美術館《我(們)到此一遊》開展!剖析「觀看即表演」的當代社群奇觀
(圖片提供: 基隆美術館/攝影:KRIS KANG)
基隆美術館《我(們)到此一遊》開展!剖析「觀看即表演」的當代社群奇觀
(圖片提供: 基隆美術館/攝影:KRIS KANG)

深入感知,將記憶與時間具象化

台灣藝術家陳怡潔以轉化動漫人物的色彩聞名,新作《連合島漫遊》將觀眾最具情感連結的動漫角色,轉化為多格抽象圓盤,呈現網路世代共享記憶的軌跡。

基隆美術館《我(們)到此一遊》開展!剖析「觀看即表演」的當代社群奇觀
(圖片提供: 基隆美術館/攝影:KRIS KANG)

陳松志的《無題-KEE》則讓觀者走在鋪滿銀色亮粉的地毯上——當足跡化為記憶殘留,時間即隨著身體的移動被具象化。

基隆美術館《我(們)到此一遊》開展!剖析「觀看即表演」的當代社群奇觀
(圖片提供: 基隆美術館/攝影:KRIS KANG)

聶永真設計主視覺!以「觀眾凝視白牆」暗喻觀看的多種解讀

本展由聶永真操刀的主視覺設計也值得一看!畫面呈現一群凝視白牆的群眾,牆面卻空無一物,象徵「觀看」本身成為一種表演,也反映觀眾進入展場後的處境——究竟注視的是藝術,還是透過藝術映射出的自己?展覽也由此發展出一組明信片套卡,觀眾可於展覽中取閱、蒐集;離開展場後,這些明信片將成為展覽的物理延伸,承載著關於「我(們)到此一遊」的某種見證。

基隆美術館《我(們)到此一遊》開展!剖析「觀看即表演」的當代社群奇觀
(圖片提供: 基隆美術館)

《We Are Me-我(們)到此一遊》

展期|2025.10.30-2026.02.01

開放時間|週二至週日 9:00-17:00,週一固定休館,國定假日除外

展覽地點|基隆美術館1樓、M樓(基隆市中正區信一路181號)

參展藝術家|陳怡潔、陳松志、鄭先喻、瑞安.甘德(Ryan Gander)、卡蜜兒.安侯(Camille Henrot)、謝佑承、納溫.努通、山內翔太(Shota Yamauchi)、yang02(依英文姓氏字母順序)

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