繪畫筆觸、電繪元素共織「女神弒惡龍」冒險史詩！德國藝術家Hell Gette個展登陸亞紀畫廊

德國當代藝術家海爾蓋特（Hell Gette）的油畫風格，遊走於傳統繪畫和數位藝術之間；強烈、略帶野性的繪畫筆觸，更讓人想起盛行於德國的「壞畫」品味，搭配「女神弒惡龍」這般強而有力的故事，建構出難以取代的創作個性。想要親賞這則藝術寓言？Hell Gette亞洲首個展《CTRL3R》現正於台北亞紀畫廊展出，現場集結她於洛杉磯駐村創作的一系列新作。

 

 

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遊走於虛實之間，手繪的數位景觀

油畫、雕塑是Hell Gette最主要的創作媒材，眾多作品中，名為「風景3.0」的繪畫類型尤其引人矚目。此系列巧妙將傳統風景畫中的「景觀」，轉化為老式電玩、Emoji、Photoshop等電繪工具所代表的數位「景觀」，結合了寫實與新表現主義弱化形式、強調情感的雙重特色。

今年開始，Hell Gette更在粗糙、由水彩手稿數位化後刻意留下的粗線輪廓之外，加入了油畫筆大膽塗抹的筆觸、大面積的有機色塊，讓「風景3.0」結合繪畫的意義、數位的視覺，而她本人則找到了一種消除具象與抽象、虛擬與現實之間界線的創作方式。而這次在亞紀畫廊展出的畫作，正是一系列洋溢「風景3.0」風格的作品。

 

 

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《CTRL3R》以系列畫作呈現冒險史詩

《CTRL3R》一名由兩個元素組成，分別是現代人非常熟悉的電腦鍵盤命令鍵「ctrl」，以及「控制器」（controller），而展覽以一幕幕油畫串接成冒險史詩般的電動遊戲，讓觀眾化身掌握操縱桿的玩家。

故事從一條龍、棕櫚樹與山脈共織的磅礴場景展開，並以三位女神——女精靈、藝術家、仙女——在激烈對決中成功戰勝惡龍作結。有趣的是，畫作中隱藏著推動故事發展的線索，那就是蘑菇、曲臂、劍、錢幣等Emoji符號！觀展時不妨留意這個細節，猜猜故事如何推進。

「數位主義的油畫刮刀」

Emoji在作品中扮演關鍵角色，因此Hell Gette特意以電繪軟體中的「塗污」（smudge）功能為靈感，透過繪畫將其再現。這些圖示的形象看似被模糊、卻也變相被突顯，為作品帶來新穎的拼貼手感；而Hell Gette所使用的技法彷彿「數位主義的油畫刮刀」，是遊走於虛實之間的創作工具，更印證了她對繪畫與數位媒介的嫻熟掌握。

 

 

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16世紀與21世紀的「女英雄」

畫作的敘事內容也很有意思，其中「女神弒惡龍」的情節，令人想起一幅16世紀名畫——《友第德割下何樂弗尼的頭顱》（Judith Slaying Holofernes），由義大利藝術家阿爾泰米西亞・真特萊斯基（Artemisia Gentileschi）創作。彼時女畫家極為稀少，這幅畫堪稱是第一幅出自女性藝術家的世界名作，畫中細緻描繪了女英雄友第德（Judith）與女僕合力暗殺亞述將軍何樂弗尼（Holofernes）的場景，被認為是一種對女性力量的描繪，強烈且非常具有衝擊性，也是對當時社會的控訴和抗議。

 

 

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?Artemisia Gentileschi?（@artemisia__gentileschi_）分享的貼文

如果仔細看《CTRL3R》畫作細節，會發現三位女神也具備強悍特質，像是仙女點燃火炬、燒光金錢，或藝術家長出了壯碩手臂、高舉著畫版等等。這些細節，或許可以被理解成Hell Gette不畏強權的宣言，也是她對女性創作者無論身處數百年前、或當今的藝術市場，總會面臨體制性障礙的省思。

《Hell Gette 海爾蓋特：CTRL3R》

展期｜2023.11.16－12.23

展場｜亞紀畫廊（台北市大安區敦化南路二段97號3F）

資料、圖片提供｜亞紀畫廊

由藝術總監顏伯駿統籌創意與視覺方向，臺北時裝週SS27從80多年歷史的紅磚建築出發，讓當代時尚與城市文化展開新的對話。從姿態、光線、色彩與服裝，重新思考身體如何成為時尚與文化的載體。

邁入第9年的臺北時裝週，持續從時尚產業、創作與文化之間尋找新的可能。上半年AW26以回歸品牌、導入多元展演形式與強化產業輔導資源為方向，支持臺灣時尚品牌提升產製品質、拓展大眾市場。本季SS27則將於10月15日至18日首度移師空總國家文化基地，延續對當代時尚多元樣貌的探索。

取自空總國家文化基地紅磚建築的鮮明色彩，並轉化為影像中流動的紅色光譜，SS27系列視覺回到時尚最原初的載體——身體，透過光影、色彩與服裝探索身體；同時從傳統伸展台延伸至形象展演與風格展，集結13組品牌發表最新系列、53家設計師品牌參與展售，讓時裝週不只是展示創意的舞台，更成為連結產業與市場的平台。

從身體出發，看見時尚的不同輪廓

由藝術總監顏伯駿統籌創意與視覺方向，攜手攝影師周墨、造型師Poga完成的SS27主視覺，將身體視為持續變化的創作載體。服裝改變身體原有的比例與線條，身體則賦予服裝新的姿態與情緒；一次轉身、一個動作，都可能產生不同的視覺感受。

本季視覺創作將「觀看身體」作為重要命題，延續臺北時裝週近年持續強調的開放性與多元性，不同品牌、創作者與文化背景在同一平台匯聚。空總紅磚建築的鮮明色彩轉化為影像中的紅色光譜，讓光線穿梭於建築、身體與服裝之間，展現臺灣時尚具彈性與流動性的面貌。

13組品牌，從伸展台到沉浸式展演

SS27共規劃5場Runway與8場Presentation，13家品牌將以不同形式呈現最新系列。Daniel Wong、GIOIA PAN、INFDARK、INMORIES及JENN LEE將透過伸展台走秀，完整呈現服裝系列與品牌世界觀；AISH、CHARINYEH、Claudia Wang、JUST IN XX、oqLiq、Story Wear、WEITZUYUAN及Yentity則以形象展演登場，結合空間、影像、裝置與表演，打造更具故事性的觀看體驗。從伸展台到空間展演，服裝成為觀眾進入品牌創作語境的入口，也呈現臺灣時尚在設計、文化、科技與生活之間的多元樣貌。

除了品牌發表，本季首度推出「風格展」，於10月15日至18日在文化空總古蹟大樓1樓登場。集結53家具備品牌發展潛力的設計師品牌，分為當代生活、時尚客訂、風格配飾與時尚櫥窗四大類別，並導入自主策展方式，讓品牌依照自身定位規劃展示方式，呈現產品、風格與創作理念。

展期也開放一般民眾自由參觀與購買，相較於過去以產業交流為主的時裝週，SS27進一步加入B2C模式，讓觀眾看秀之餘，也能直接認識品牌、選購設計。同時，本季上線買家洽商與媒合系統，讓品牌與專業買家提前預約洽談，並與CLA Fashion Platform合作推出線上選購專區，從實體展會延伸至數位市場，讓臺灣設計進一步被看見、選擇。

打造更完整的時尚平台

延續AW26啟動的轉型方向，臺北時裝週SS27除了聚焦於服裝發表，也持續透過品牌培育、跨域合作與國際交流，支持臺灣設計走向更大的市場。當時尚進入文化基地，臺北時裝週逐漸成為串聯創作、文化與市場的平台；同時，也帶著全新的觀看方式：身體可以移動、服裝可以改變、文化可以混合，而時尚也始終在不同創作能量的交會之間尋找新的形狀。

臺北時裝週 Taipei Fashion Week SS27

展期｜2026.10.15～10.18

地點｜空總國家文化基地

以花蓮港口部落為基地的「Makotaay藝術季」，2026年以「海在想什麼？」為主題，結合地景藝術、音樂展演、部落微型影展、美食與手作市集，以及「夠帶種」帶來的表演藝術體驗，帶領每個來到石梯坪海岸的人們感受山海、欣賞藝術、抒展肢體，並在過程中體會港口部落與海共生的智慧，潛心聆聽海的心聲。

打開家園為生態藝術村

港口部落歷經30多年的土地抗爭，在2020年陸續收復部落傳統領域後，決定將家園以藝術展演的形式開放給所有人——這正是「Makotaay生態藝術村」誕生的緣由。6年來，已有超過80位藝術家在此駐村，把他們在這裡聽見的浪聲、踩過的礁岩、學會的算浪與撒網，轉譯成一件又一件的藝術作品。

到石梯坪領會海究竟在想什麼？

2026年中秋滿月下，「Makotaay藝術季」於石梯坪正式開幕。本屆主題「海在想什麼？」源自港口部落已故頭目Lekal Makor（勒加馬庫）常說的一句話：「我每天早上看著海，在想，今天的海在想什麼？」藝術季將這個提問交給今年來到Makotaay的每一個人。

有別於以往，今年Makotaay首次納入地景藝術與「夠帶種」帶來的表演藝術體驗。展演現場由3件大型地景作品先行，帶領訪客從作品感受藝術家焊鐵的火花、敲打木頭的聲響，再與海風、潮汐、日月星辰展開對話；接著隨夠帶種引領，以身體作為媒介打開五感，走入自然，成為自然。

除3件大型地景藝術之外，另有許多精彩藝術作品散落於石梯坪各處，其由9位駐村藝術家在港口部落地主的帶領之下，在部落住上15天，與族人交流、共同生活，並將這段經驗轉化為藝術創作，當中蘊藏著港口部落長久以來與海洋共生的生活哲學。

重現石梯港「Mihoyo」珍貴儀式

開幕當天的「Mihoyo」儀式也展現了海洋民族的珍貴傳統。當日來自全台各地的無動力船隻陸續駛入石梯港，重現曾盛行於1960至1990年代之間的「交換漁貨」儀式。策展團隊邀請從各地來訪的船友與陸地上的部落族人、藝術家們交換禮物，象徵海島民族之間的情誼交流。