浪漫的年底時節，聖誕氛圍濃厚，不僅街面上燈飾熱鬧非凡，聖誕樹、聖誕老人及雪花紛飛的形象也讓寒冬有了溫馨團聚的幸福感，誰說冬季與死氣沉沉畫上等號？對比強烈的聖誕元素色彩紅、綠、白可說是年末的代表色彩，不過，12月可是帶給來年新期許與希望的月份，豈可僅讓上述聖誕3色專美於前？精彩的未來正等著你去創造！

本月La Vie Top 10以「色彩」為題，蒐羅生活中的繽紛，介紹包含以用色繽紛為著稱的4位人物代表，以及在建築、城市旅遊、時尚、空間、設計、文創等6大風格生活領域中，汲取具啟發性的物件或案例，於2017年的終點，藉由彩虹般燦爛的世界，為大家開啟2018年的新起點，祝福每個人在未來皆能創造閃亮的日子！

日本藝術家小松美羽－走進繽紛的神獸世界

對於無法見到的另個世界，你的腦海中有著怎樣的想像？對出生日本長野縣的藝術家小松美羽來說，無疑是充滿各式色彩的吧！她就像是動畫中有著天然命定的公主一樣，能夠感應到天地自然的神奇世界，小時候因就近目睹動物與親人離世的經驗，使小松美羽對於生死、靈魂特別敏銳。透過繪畫各種形體的神獸，建構出她獨特的靈魂宇宙。

小松美羽的畫風奔放、畫筆用色充滿力道，像是令她聲名大噪的經典銅版畫作品《四十九日》，這幅為了紀念她敬愛已逝祖父所繪製的作品，儘管為黑白風格，然其精雕細琢的畫功，加上富奇想的畫面，衝擊觀賞者的目光卻又有著一股安定之情。曾被日本報章雜誌以「恐怖的世界」來形容作畫風格的小松美羽，近年創作一改早期黑白色系風格，轉為濃郁艷麗色彩，對於顏色風格上有著如次大的轉變，她表示：「我很喜歡線條的呈現，所以學生時代我主要是做銅版畫。當時覺得神獸的世界用黑白色來呈現非常適合，然後有了到台灣和其他國家的旅行經驗後，反而覺得顏色很重要，可以表現出人的情感以及很多事情，因此開始使用多種顏色下去創作。」。

這位正發光發熱的新生代藝術家，今年也受白石畫廊之邀，於台灣舉辦《繪獸繪靈—小松美羽台灣首個展》，要讓觀眾親眼目睹她作品裡頭那細膩強大的美感能量。

▶點此看小松美羽完整專訪內容 

彩色建築師Emmanuelle Moureaux－東京表參道之丘打造「100色的聖誕森林」

當問及最喜歡一年之中哪個月份？相信有不少人的答案是12月，就像是為紛擾的一年暫時畫下一個句點，在準備迎接嶄新一年之際，其充滿喜悅祝福的氛圍，即便這一年來可能過得沒那麼順遂，卻彷彿能藉由這滿載璀璨的華麗氣息，暫且得到一些些安慰！初冬的東京亦是如此，對十分講究包裝與過節氣氛的日本人來說，在這個送走楓紅杏黃的時刻，取而代之的是街道巷弄間那一盞盞如繁星點綴，宛若希望之光的閃閃燈芒。從綻著橘紅光芒的東京鐵道、銀座街道、汐留歲末點燈大秀、澀谷「青の洞窟」等，到樹木林立的表參道，冬日裡的東京洋溢著繽紛萬千色彩。

不過該如何從一片光海中突出重圍？定居日本，有如「彩色魔法師」般的設計師Emmanuelle Moureaux則發揮她的創意巧思，在建築大師安藤忠雄所打造的表參道Hills空間中，建立起一座名為「100色的聖誕森林」（100色のクリスマスツリーの森）公共藝術。有別於普羅大眾印象中的綠色聖誕樹，這座充滿建築人風格的七彩聖誕森林，約有1500個、用100種彩色製作的三角錐小樹，如燈籠般的小聖誕樹於室內懸掛著，溫暖柔和的燈光從內向外照耀著多彩小聖誕樹，讓置身於此的人就像是被賦予了一股神奇能量，能夠切實感受到喜悅之情。

 

emmanuelle moureaux（@emmanuellemoureaux）分享的貼文 於 PDT 2017 年 10月 月 9 日 8:33 下午 張貼

100色的聖誕森林靈感源自於表參道濃密的林蔭大道，Emmanuelle將此意象轉換成室內裝置設計，搭配著安藤忠雄所設計的迴旋狀廊道，讓漫步在此的人得以從不同角度看見聖誕樹林，而隱藏在小聖誕樹中的聖誕老人和馴鹿圖騰更為這趟聖誕森林尋禮增添不少樂趣。

 

emmanuelle moureaux（@emmanuellemoureaux）分享的貼文 於 PST 2017 年 11月 月 10 日 2:34 上午 張貼

時尚潮嬤Iris Apfel－越老越繽紛

在那個沒有手機網路，根本不存在網紅網美的年代，要想一鳴驚人，除了得身懷絕技外，還必須要有令人記憶深刻的「個人特質」！年近百歲的「時尚潮嬤」Iris Apfel正是最好的例子，這位帶著圓框眼鏡，身上總不缺乏各式色彩的時尚指標，用一種從容又自信的光采，大方向眾人揭示即便年華老去，美好容貌不再，但你依舊可以活得比年輕人更加精采繽紛！

 

Iris Apfel #irissupportsart（@iris.apfel）分享的貼文 於 PST 2017 年 12月 月 6 日 12:36 上午 張貼

在以她為名的紀錄片《時尚天后的繽紛人生》（Iris）中，我們能見到這位時時有著最鮮明裝扮的時尚女王，戴著那招牌超大圓框眼鏡和混搭珠寶服飾，對著鏡頭緩緩闡述對時尚的獨到見解，她透露曾有人向她表示：「妳不是美女，也永遠不可能變漂亮，不過不要緊，在妳身上有更好的特質，妳有自己獨特的風格。」，這席話因此奠定了她不盲目追隨流行趨勢，專注於自我的獨特風格。

靠著繽紛穿搭魅力席捲時尚圈的Iris，儘管今年已屆96歲高齡，然而其活力似乎隨著歲數成正比，對她來說「More is more and less is a bore」，人生所能遇到的驚奇喜悅永遠不嫌多，而過去和已逝丈夫從事古董織物事業的Iris，今年冬天則攜手家具品牌Cloth & Company推出時尚聯名家居系列，搶眼的湖水綠家飾桌椅，經典黑白條紋床頭套，或是靈感來自於馬戲團的印花圖紋屏風，處處都滿載著Iris不羈奔放的時尚色彩韻味！

 

Iris Apfel #irissupportsart（@iris.apfel）分享的貼文 於 PDT 2017 年 10月 月 20 日 10:39 上午 張貼

食品藝術家Linda Miller Nicholson－不讓孩子挑食化身美食界Lady Gaga

天下父母心！為了寶貝孩子能夠在細心呵護下成長茁壯，爸爸媽媽們可說是發揮了百分之兩百的精力，在各方照顧上可是馬虎不得，不過在小孩真的登大人之前，難免會遇見一些棘手的問題，例如挑食！現代化學食品當道，色彩鮮艷如童話故事般的糖果、令人吃到欲罷不能的鹹食餅乾，還是香噴噴的酥脆炸雞，這些對身體有害的「加工亮眼」食物，反而讓孩子對那些長相不佳卻擁有十足營養的蔬果青菜興趣缺缺，甚至打從心裡厭惡。

為了讓孩子不再挑食，美國食物藝術家，同時也是為人母的Linda Miller Nicholson，則選用天然食材製作出好看又好吃的「繽紛義大利麵」。她說：「為了我挑食的孩子們，我得想辦法讓他們對食物產生興趣，而一開始我的做法是將蔬菜混合進麵裡，這樣他們就沒辦法挑出來了！」，而這個創新實驗顯然相當成功，不僅讓孩子吃得健康，更添加了吃飯時的樂趣。

 

Linda Miller Nicholson（@saltyseattle）分享的貼文 於 PST 2017 年 12月 月 4 日 8:53 上午 張貼

Linda所做的彩色義大利麵，先以綠葉蔬菜做麵糰，再從藍莓、螺旋藻，甜菜根等食物中萃取出天然色彩，過程中完全不使用人工色素。當然，她的義大利麵除充滿各式形狀與顏色外，她更將義大利麵糰是為藝術畫布，緞帶、圓點、星星等各種圖案應有盡有，不僅美味也超級時尚美觀！

 

Linda Miller Nicholson（@saltyseattle）分享的貼文 於 PST 2017 年 11月 月 24 日 2:51 下午 張貼

Text / Ian Liu

數位分身與人類本尊有何差異？非自然的建築，可以如生命體般蠕動嗎？2025大阪世博最具話題性的展館，新媒體藝術家落合陽一策劃的「null²」絕對榜上有名，堪稱最難預約展館之一。他以「鏡子」為媒介，藉由這座會呼吸、舞動的建築詮釋其自身的「數位自然」理念，邀請觀眾駐足重新思考人類與未來科技間密不可分的關係。

「null²」的建築體由不規則的鏡面方塊堆疊而成，外牆由邊緣向中心凹陷、扭動，配合音響的震動，每一分秒都映照出世博會場的萬千模樣。除了充滿未來感的吸睛外觀之外，「null²」場館內的天花板、地面鑲上了發光LED面板，四周牆面則以鏡子組成，無止境地反射了展間內的人群姿態。而豎立在展場內的大型螢幕，則是能夠遇見「數位分身」的裝置。置身其中，人們將透過螢幕與自己的分身互動、對話。

操刀這座展館的落合陽一身兼新媒體藝術家、研究者與企業家等頭銜，以自身發展出的「數位自然（Digital Nature）」理論為基礎，致力於探索數位空間與物質世界的融合。在創作上，他常透過超音波、雷射等先進技術再現光、聲音或水等自然元素，創造出既真實又虛幻的體驗。或者是透過作品將「空無」、「存在」等抽象概念具象化，誘發人們思考生命的本質。他也積極於新聞節目、論壇等公開場合現身發言，在AI、高齡化社會、教育制度等方面提出獨到觀點，是目前廣受日本社會矚目的跨領域人物。

以新媒體藝術打破既有概念的二元對立

落合陽一於2017年曾參與協助日本爭取世博主辦權，直到世博確定落腳於大阪後，他也在2020年以新媒體藝術家身分正式加入，成為主題館的8位策展人之一。「我一直透過創作和研究持續探索『鏡子』、『數位分身』以及『空／null』等概念，懷抱著強烈的企圖心，希望能在世博這樣具有高度公共性的大型展會上，實現大膽的社會實驗。」他說。

呼應這屆世博主題「設計一個讓生命閃耀的未來社會」，主題館「null²」也被賦予了「鍛造生命」此一關鍵字。面對這個命題，落合陽一結合其自身的創作概念之一「null／空」展開發想。他說明，在電腦科學中null 代表了「空值」；而在佛教思想中，「空」指的是「雖無形，卻能化為萬象」的原始狀態。乍看來自不同領域，但這兩個術語擁有「因為尚未定型，反而孕育著一切可能性」的共通點。「我認為從『空／null』的狀態中創造全新價值的過程，正是『鍛造生命』此一行為本身。」他解釋。

這並不是落合陽一第一次在創作中採用此一哲學思維，包含2022年的《null的樹影斑駁》（nullの木漏れ日）與2024年的個展《晝夜交替亦為神佛：鮨null∴鰻龍》（昼夜の相代も神仏：鮨ヌル∴鰻ドラゴン）中，皆可見「空／null」的概念應用。透過電腦技術，落合陽一創造出無形的光或影像，讓觀者體驗到無形之物的呼吸、氣息，藉此撼動「無與有」、「自然與人工」等二元對立的概念。而大阪世博的「null²」則將概念再往前推進，不僅止於單純的展出，更創造出了數十萬人可同時共感的參與式體驗。「可以說是過去作品的集大成，同時也是對未來社會的一種原型預演。」他說。

讓建築像生命體蠕動，又保有安全結構

從中心思想「空／null」出發，落合陽一更以長年來的創作媒材「鏡子」串聯起整體概念。他說明，鏡子自古以來扮演著「區分自我與外界邊界」的意義，但當鏡面產生扭曲時，整個世界也會產生流動，自己的輪廓也逐漸瓦解。「正因如此，當我們試圖重新思考『什麼是自我』、『何謂世界』時，鏡子是一個非常有效的象徵媒介。」他說。

展館外側的「鏡子」，由日本膜結構領域的知名大廠「太陽工業」以及建築團隊「NOIZ」共同協力完成。落合陽一和太陽工業嘗試在樹脂薄膜上蒸鍍金屬，經過數年的嘗試後，才開發出現今保有金屬光澤，卻又能柔軟變形的鏡面膜。他們也研發了一套透過機械手臂的局部壓迫、大型低音喇叭產生振動來扭曲牆面的操控技術，藉此營造出建築體的動態生命力。

另一方面，建築團隊NOIZ 面臨的挑戰，則是如何在鏡面膜的動態呈現下，保持整體結構的平衡與安全性。為了解決這個問題，NOIZ團隊將建築劃分為多個區塊，限定了可動範圍，除此之外的部分則使其自然地反映環境震動。落合陽一說：「這樣的設計使建築彷彿生命體般蠕動，卻又保有建築結構的安全性，成為此次技術突破的關鍵。」經過無數的挑戰，最終才得以設計出團隊所設定的願景，打造出一座「不是靜態的容器，而是流動且具有智能的建築」。這也反映了落合陽一的「數位自然」理論，讓「非自然」能「如自然般舞動」，藉此誘發觀眾重新思考人類與自然之間的關係。

當自我與數位分身相遇

走進展館內，則是另一面映照自我的「鏡子」。不同的是，這面鏡子不是忠實地呈現鏡前的一舉一動，而是在鏡中重生出另一個自己。由落合陽一團隊所開發、取名為「Mirrored Body」的數位分身，結合了入口處的高速3D掃描技術、聲紋識別與AI語音合成裝置，再加上大型語言模型驅動的即時對話生成系統，不出數分鐘內，自己的分身將會被投影到展館內的螢幕上，與本尊進行互動。

針對開發數位分身的動機，落合陽一說明，未來數位分身可能成為「擴增自我的代理人」。它們可以代替本人參加會議、協助創作，成為AI與人類協作發展的重要媒介。不過同時，也會產生「何謂真正的本人？」等身分認同的疑惑，以及數據管理和所有權等倫理議題。「正因如此，我認為在世博進行這場實驗，對於推動社會共識、深化哲學反思有很重要的意義。」他說。

在世博舞台拋出質問：人類該如何與科技共生？

在世博實踐自身思想的實驗性行動，十分符合落合陽一看待現今世博的舉辦意義。他提到，19世紀的世博展示了國家威信，20世紀的世博則在宣揚企業實力，而進入21世紀，世博正逐漸轉型為全球環境課題、文化多樣性的對話場域，以及包容新的價值觀、哲學思維的實驗平台。他說：「包含AI、機器人、區塊鏈等，在這個即使是個人也能引發巨大革新的時代，世博不再只是『為了國家或企業的展覽』，而更像是一個『匯聚多元未來願景的沙龍』。」

回歸其新媒體藝術家角色，聚焦於世博中的科技革新應用時，落合陽一向我們分享了他對於未來世界的想像。「整體而言，我對科技發展抱持正面態度，特別是對於AI與數位分身在『擴增人類』方面的應用充滿期待。如果我們能讓AI部分取代知識工作、活用多個虛擬分身，甚至由AI代理我們的思考與行動，人類就能更專注於創造性與自由的活動。」他說。

但同時落合陽一也強調，科技發展也伴隨了自我認同、倫理道德的問題，尤其在社會制度尚未跟上的階段即過度濫用科技時，會產生不少未知的危險。不過他也說，也因此世博正是個絕佳契機，開放眾人共同討論「未來社會的理想樣貌」。他說，「在這過程中，既有如置身於烏托邦般的樂趣，也可能混雜著迷失自我的反烏托邦式恐懼。最終，『null²』將作為一個裝置，引導我們思考：人類該如何與科技共生、如何取捨，並在此過程中持續『鍛造生命』。」

落合陽一

新媒體藝術家。1987年出生，自2010年開始藝術創作活動。作品以跨領域的物化、轉換，以及對實體物質的憧憬為主題發展。現任筑波大學副教授，亦擔任2025大阪世博主題館策展人。代表作包括攝影集《質量への憧憬》（amana・2019）、NFT作品《Re-Digitalization of Waves》（foundation・2021）等。曾獲2016年Prix Ars Electronica榮譽獎、歐盟STARTS Prize、2019年SXSW Creative Experience ARROW Awards；入選《Apollo Magazine》40 UNDER 40 ART and TECH、獲得亞洲數位藝術大賞優秀獎，並多次入選文化廳媒體藝術祭藝術部門審查委員會推薦作品。

_{企劃｜張以潔　文｜廖怡鈞
攝影｜蔡耀徴、Ninagawa Mika
圖片提供｜Yoichi Ochiai}

「今天我想讓花器成為主角，還是讓花成為主角？」在陳曦的花藝世界裡，花與花器互為主體，共同塑造作品的輪廓。從初遇日式「草月流」花道的自由創作精神，到成立花藝工作室與選品品牌牌Ephe3era，她一步步將創作哲學融入日常，讓器物成為情感的延伸，也成為她與世界溫柔對話的方式。

陳曦原本在服裝產業從事打樣與代工生產管理工作，雖然能熟悉服裝製程與生產環節，卻也著重執行與標準化，較少自由發揮的空間，讓她感到日漸枯燥與受限。直到一次在日本旅行時，朋友提議參加插花課，她才首次接觸到這門藝術，「當時其實沒有太多期待，但那堂課意外開啟了我對花藝的想像。」像是在心中埋下了一顆種子，回到台灣後，她在網路上找到了草月流的花藝課程，從此開始一邊工作，一邊學習插花的生活。

「不同於池坊、小原流等傳統花道的嚴謹規範，草月流提供更開放的創作空間，讓插花者能自由展現個人特色。」對陳曦而言，草月流最吸引她的就是其自由性。成立於1927年的草月流標誌了日本插花藝術的現代化轉變，提出「任何人、任何材料、任何地方都可以插花」的核心理念，鼓勵創作者靈活運用各種現成素材。而二戰後，東京滿目瘡痍、鋼筋裸露的建築殘骸成為日常景觀，草月流的藝術家便開始以這些廢墟物件作為創作靈感——不論是鐵條、碎裂的混凝土、舊家具的一角，甚至殘破的瓦片與木樁，都成為作品的一部分，進一步打破了傳統插花對花器的限制。

花期易逝，器物長存

隨著深入學習花藝，陳曦也開始對花器產生強烈的興趣，並以「住家兼工作室」的方式斜槓經營花藝事業，同時開設花藝課程。然而一次搬家時，她驚覺自己的花器收藏已經多到成為一種（甜蜜的）負擔，加上學生們也希望能嘗試更多不同類型的花器，選品支線Ephe3era的概念便因此成形。「隨著收藏越來越多，我開始思考，這些花器不該只是靜置，而是應該進入更多人的生活，被不同的人持續使用。」她回憶道。

「Ephe3era這個名字來自英文Ephemera，指的是短暫存在的事物，例如車票、收據等短期使用的印刷品——植物的生命短暫，器物卻能長久流傳。」陳曦透過網拍、跳蚤市場以及與陶藝家合作，尋覓各種材質與風格的花器，納入她的選品。其中，她特別喜愛二手的陶藝花器，「它們就像古著，即使不是全新，也因為帶有手工痕跡與歲月質感，更顯生命力。」對她而言，器物全新與否並不重要，重要的是它們能否經得起時間考驗，成為值得長期擁有與使用的存在。

花與器相依，共築創作的平衡

而談及花器在花藝中的重要性，陳曦認為，關鍵在於如何運用它來決定作品的呈現方式——「今天我想讓花器成為主角，還是讓花成為主角？或者，我希望它們彼此搭配，讓兩者同時成為主角？」這沒有固定標準，而是取決於創作者的風格與當下的設計意圖，「如果花器本身造型感強烈，例如帶有雕刻細節或特殊結構，那麼花材應相對簡約，以免喧賓奪主；反之，當花器設計素雅低調，花材便可更加豐富或具層次感，展現作品的張力。」在她的創作中，花材與花器並非單純的主角與配角關係，而是互相烘托、彼此成就，塑造作品的完整性。

日常創作時，陳曦偏好素雅、沉穩的花器，例如選擇帶有灰階、低飽和色調的器物，並避免使用過於鮮豔的花材。「有些人擅長創作濃烈、飽滿的風格，而我則喜歡讓作品帶有收斂、安靜的氛圍。這可能與我的個性有關，因為我本身比較強烈，所以在插花時，會希望讓自己回歸平衡。」不過近年來，她也嘗試跳脫既有的創作習慣，例如在作品中加入亮色作為點綴，讓色彩在畫面中產生層次變化。這樣的改變，不僅讓創作保持新鮮感，也讓她在熟悉的風格之外，探索更多可能性。

器物是橋樑，花藝是對話

隨著對花藝與器物理解的深化，陳曦逐漸發現，器物不僅是創作的載體，更是一種連結世界的方式。「當購買或收藏某樣器物時，我們不只是獲得了一件物品，而是將它的故事、文化背景，甚至製作者的想法帶回家。」 她形容器物像是一座橋樑，串聯著製作者與使用者之間的美感共鳴。這種感受也體現在她與陶藝家的合作中——即便雙方並無私交，透過欣賞與使用對方的作品，彼此之間也形成了某種連結。而當這些器物進入更多人的生活，這份對話也將持續擴展。

「在開始做花藝前，我並不確定自己真正熱愛什麼，但當我投入其中，透過與不同的人合作，發現有人欣賞我的作品並願意交流時，漸漸找到了自己的方向。」從開始學習花藝到成立自己的工作室，對陳曦而言，每一次花藝創作，都是一次尋找平衡的探索，也是一場與世界的對話。當花器與花材相互襯托，它便不再只是靜態的擺設，而是一種情感的延伸，讓器物真正融入生活，也讓她在創作的過程中，與世界產生細膩而深遠的聯繫。

陳曦的花&器——搭配筆記

 花材 

拖鞋蘭・乾燥枸橘樹枝

 心法 

這次的創作從花器開始——先選了一款少見的 設計，再回頭搭配手邊的花材，意外找到剛柔之間的平衡感。作品以「尖銳與圓潤」的對比為主題，花器並非單一圓形，而是圓與銳角的錯落組合，帶來獨特的立體感。搭配刷成香檳金的乾燥枸橘樹枝，增添個性與結構感；拖鞋蘭的花腳刻意剪短，使其成為畫面中的穩定重心，不會太搶戲，卻能保留獨特的神情。整體配色以低飽和為主，讓視覺柔和卻有層次。

 花材 

假肉桂・獼猴藤・小町草

 心法 

選用了一款帶有燒焦感綠點的花器，釉色變化自然，質感獨特。這類多孔花器是草月流常見的特色，能自由調整插花方式，而瓶口間適當地留白，更凸顯花器是作品的一部分。花材搭配上，讓不同質地的枝條交錯，既有輕盈感，也帶點中性氣質，營造滿滿的春日氛圍！

陳曦

以日本花道作為基礎，發展出和洋混合風格，講究花材色調的和諧以及多元的花型設計；善於解構植物原有型態，跳脫傳統的插花手法，賦予人們對日式花藝新的印象。2019年底於台北開啟花道私塾，以日本草月流派為主軸，透過基本花型探討花與生活周遭連結的可能性。同時經營線上花器選品Ephe3era。

_{文｜葉欣昀　攝影｜蔡耀徵}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/4月號《從器物開始的理想生活》