觀看展覽、欣賞藝術時，總令人思考：「我到底看到了什麼？」所謂看見，是看懂了作品的形體、藝術家的創作概念，或心生感動與共鳴？若三者只看懂了一種，是否達到真正的看見？為了回應這項命題，LIGHTWELL《可見 不可見》特展集結了三位藝術家——王慶蘋、邱承宏、葉偉立的作品，搭配巧妙的曲折動線安排，提供觀眾三種不同層次的視角，讓看展如同解謎，探尋展間藝術品中的「可見」和「不可見」。

3層探索「可見」與「不可見」的觀看方式

《可見 不可見》是LIGHTWELL首次嘗試非線性的策展模式，也就是將同一藝術家的作品打散，而非集中在同一區域，這麼做十分考驗策展團隊邀請藝術家、挑選展品時的敏銳度，如何符合論述？如何編排最為切題？如何相輔相成，而非一人之作獨大？都需要細細思量。

本篇將策展人李晏禎的策展思考分為3層解析，它們各代表著觀眾挖掘展覽中「可見」與「不可見」的切角：第一層呈現藝術家如何將腦中數不清、看不見的念頭，揉入各自的生長背景、價值觀與記憶庫，再轉譯到具體的作品當中；第二層深入作品本身，探尋其中鮮明可見的符碼與蘊藏其中的隱性記號。上述兩層搭配由「藝術家親述」的語音導覽，帶入感更強。

第三層則藉由非線性的敘事手法，讓彎折觀展動線、觀眾與展品的互動關係，如養成遊戲般，不到最後看不見全貌；這邊偷偷爆個雷，這點尤其反映在藝術家葉偉立展出的作品當中。

《可見 不可見》3位藝術家作品解析

 邱承宏｜粗獷彰顯寧靜 

「寧靜感」是邱承宏作品的獨特氣質，即便使用的是工業化的媒材與技術，那一份由內在記憶散發出來的靜謐，貫穿了藝術家的日常實踐。這次邱承宏展出兩系列作品——《採光》與《繡燕》，兩者皆直接卻優雅的切合《可見 不可見》命題。

邱承宏《採光》｜在水泥板上再創風景

以浮雕形式呈現的《採光》，結合平面繪畫與雕塑技法，創作時邱承宏會先尋覓一面「框景」，並將風景拍下，投影至以建築補土、礦物等材料打造的自製水泥板上；接著進入雕刻階段，以「刨去」的方式將植物剪影、風景中的光影變化，挪移並濃縮至水泥板上。過程中，藝術家看見、移植更創造了風景，而藉由《採光》，邱承宏正是想提供看風景的另一種視角，當立體濃縮為平面、多彩化作單色、輕盈變得厚重，我們是不是仍能將眼前的水泥板，聯想至記憶中那窗外樹影翩翩飄動的畫面，並覓得感動？又或它只是一幅嶄新的、虛實交錯的光景？也或許更多的是，看山是山、看山不是山、看山還是山的意趣。

邱承宏《繡燕》｜當缺陷成為完整之作，我們是否還能看見傷痕？

另一系列雕塑作品《繡燕》，則延伸自藝術家在2020年發布的作品《水泥動物園》，當時邱承宏在花蓮找到一批老舊的水泥動物雕塑，這些斑馬、豹、老虎⋯⋯，多非出自專業雕塑藝術家之手，而是由民間的水泥工匠雕琢，因此外表有些粗糙、滑稽，在七八零年代的台灣蔚為流行，時常見於校園或公共遊樂空間。

而這些早期動物雕塑的裂痕、缺口，則成為《繡燕》的雛形，邱承宏將其掃描，還原出小小傷口的空間樣態，並利用3D列印將其縮放為200倍大、類似石頭的形態，表面以混凝土、礦物、銅線製成大小不一的磨石子雕塑，讓缺陷再次豐盈、令人工雕塑回歸自然，用這種方式與雕塑之前的傷痕對話。

綜觀雕塑，缺角、裂痕等或許會率先被看見，因為它們是完整體中的瑕疵，是不一樣的部分；但隨著觀看的時間推移，人們的視覺經常求個完整性、重點擺在整體，若缺口小至「瑕不掩瑜」，便容易被選擇性忽略，雖然被看見了，卻像沒被看見。

在邱承宏的轉譯之下，破碎之物成為完整之作，曾經像是不可見的東西成了絕對可見的主角，但我們究竟看見了什麼？乍看之下，看見了石頭、沒看見傷痕；知曉創作概念後，明白它來自傷痕，卻未能真正看見雕塑的缺口。各種觀看情境所發展出的可見、不可見排列組合，讓《繡燕》多了許多值得玩味的空間。

 王慶蘋｜以攝影為創作手法、抽象畫為表現形式 

如果說邱承宏用雕塑創造了風景，那攝影藝術家王慶蘋則是透過影像重組「實驗」出了風景，他的創作過程約有三分之二的時間用來觀看、領會眼前的風景，並透過拍攝現成物、將可得的材料重新排列後，揉入光影，將多張不同的影像以雙幅、三幅的形式並置於同一張相紙上，巧妙以攝影為創作手法、抽象畫為表現形式，經由藝術家本人美感的轉譯，創造出存在卻又不存在的新空間，也為觀者打開新鮮的觀看體驗。影像乍看如一體成型，細賞才發現幅與幅之間存在界線，各詮釋著不同的畫面。

王慶蘋《並置的和弦》｜當不同時序、空間成為一幅畫

在《並置的和弦》系列作品中，王慶蘋用鏡頭紀錄不同時間下的空間，從日到夜、自室內至室外，並進行篩選、拼湊，讓室外裝設電箱的斑駁牆面、室內飄逸的布面，或是門上的木製和鐵製手把、躲在紙張後的蘋果，共構為一幅和諧的抽象畫，消弭了現實生活中的僵硬界線。

王慶蘋《靜物雙聯》｜實驗平面與立體的視覺可能

另一系列作品《靜物雙聯》，藝術家介入的成分相對高，王慶蘋利用工作室內唾手可得的材料，經隨意或刻意的排列之後，捕捉紙張、鐵線等媒材與光互動的當下。雖成品為平面影像，但畫面鮮明如從未見過的新世界，帶有將不同維度擺入同一平面的實驗性，也蘊含在平面中創造立體的意趣。

有趣的是，為了部分還原王慶蘋的工作室場景，展場特別展出一件他創作時所使用的小型光器，企圖創造此地（展間）與他方（工作室／創作現場）之間的連結；而藝術家本人偶爾也會到現場對光器做調整，像是在模擬平時創作的程序，讓物件維持在有機的狀態。

 葉偉立｜探索藝術品的誕生 

擺在最後講解的藝術家葉偉立及其新作《偶遇，水湳洞 #1》，與LIGHTWELL的策展動線有著密不可分的關係，非常有意思。2016年，葉偉立因參與已故藝術家葉世強故居紀念館的建置，移居至台灣東北角上背山面海的水湳洞，一個因日據時期興盛的採礦產業而大規模修建的礦工宿舍聚落，後於1981年水湳洞選煉廠停止營運，居民因頓失工作來源而陸續移出此地。

《偶遇，水湳洞 #1》靈感源自葉偉立在水湳洞偶然遇見的一間廢棄空屋，它像是個寡言但不排斥來往的鄰居，偶爾路過看望或刻意拜訪，成為藝術家日常中微微掛心的所在。此系列作品由三個物件、一個燈箱組合而成，安落在展場二、三樓的四個樞紐處，而在《可見 不可見》展覽中，若要說「動線本身」也是作品的一部分，似乎也不無道理。

葉偉立《偶遇，水湳洞 #1》物件｜散落兩層樓間的「餌」

第一個物件位在二樓動線初始，由毛線團堆疊而成；經過邱承宏《採光》浮雕，映入眼簾的是一見狀似祭壇的木製品，上頭呈現葉偉立的英文詩作，字母以毛線縫製而成，述說著藝術家的創作歷程，猶如心思、形式、勞動、思考再化為形式的無盡探索。

步入三樓，葉偉立創作的第三個物件靜置角落，一輛裝滿殘破畫框的推車；畫框風格各不相同，當代的、素雅的、華麗如巴洛克式的⋯⋯，好像隱隱透露著它曾包裹著什麼樣的創作。從毛線、祭壇到推車，可以找到媒材的關聯，如毛線、木材等，但藝術家究竟想藉由它們述說什麼樣的故事？必須看到位在展覽動線末端的《偶遇，水湳洞 #1》燈箱，才能明白。

葉偉立《偶遇，水湳洞 #1》燈箱｜讓毛線、祭壇與推車被「看見」

燈箱呈現著一幅廢墟影像，這就是葉偉立在水湳洞偶遇的廢棄空屋，也是前方伏筆的解答。原來，葉偉立剛發現這座廢墟時，雖能感受到久無人煙，但裡頭卻擺放許多畫作、畫框，毛線毫無秩序地散落一地，據說此處起初為教堂，所以牆上還留有祭壇曾經裝設、拆除的痕跡，毛線可能來自在地社區曾開設的手作班，畫與框則是藝術家將此作為短期工作室的痕跡。

回頭看《偶遇，水湳洞 #1》所有物件，會發現其創作素材都來自這座廢墟，每個物件都是一個提示、隱喻和伏筆，各自形成貫穿展覽的「餌」。在燈箱之前，毛線、祭壇與畫框都被觀者「看見」了，卻在燈箱出現後有了截然不同的故事性和意義，搭配上LIGHTWELL需爬梯、中央有天井貫穿的彎折路徑，更凸顯觀展之間忽見轉機的趣味。

對葉偉立來說，「藝術品如何誕生？」一直是很有趣的命題，而《偶遇，水湳洞 #1》正呈現了創作者如何透過思考與勞動，並在空間、環境、人事的交錯影響之下，將想法不停在物件之間轉移的過程。三個物件和一個燈箱，彷彿宏觀地「透明化」了他的創作歷程；若欣賞細節，也能讀到創作媒材的複雜與多元，每件尺度雖小，卻有木頭、雕刻、裁縫、攝影的觀賞性。

透過《可見 不可見》，我們看見什麼？

觀看藝術家的作品，我們可能產生共鳴，或者好奇，甚至疑惑。《可見 不可見》提供了可見的線索，補充了不可見的隱喻，引領觀者感知無形的震動與漣漪，進而掀開作品的層層面紗，真正進入作品內裡暗藏的藴意。

至於一個人看見、沒看見什麼，不需以100分作為級距打分數。每個人對藝術品本身、藝術家本人的看法，受當下情緒、空間與環境的感知影響，所看見的東西自然各不相同，這甚至是必然。不過，這份不同，讓許多觀眾與藝術漸生距離，「我不懂藝術」彷彿成為一種另類的集體認同，也許部分人真的對作品無感，部分人則是擔心自己萬一「答錯」了怎麼辦？如果一件藝術品並無標準答案，而是刺激思考和交流的媒介，那或許對錯並不存在，只是每個人可見、不可見的部分未能疊合，所謂看見便有無數種。

LIGHTWELL《可見 不可見》

展覽期間｜2022年11月19日（六）～2023年1月29日（日）

營業時間｜12:00～20:00（每週一公休，最後入場時間為 19:45） 

展覽地點｜LIGHTWELL（台北市中山區中山北路二段20巷6-1號）

參觀資訊｜票價 50 元（因安全考量，場館謝絕未滿12歲之孩童入場）

展覽活動頁｜https://reurl.cc/qZZZ5y

資料、圖片｜LIGHTWELL

2025大阪世博盛大進行中，而在這匯聚全球國家與日本企業的盛會中，又有哪些展館值得一看？La Vie編輯實際走訪夢洲會場後，將精選出幾座私心推薦的展館，並分成兩篇與讀者介紹。

▸ NTT Pavilion

體驗未來通訊的時空之旅

1970年大阪世博時，日本電信電話公社（日本電信電話公司NTT的前身）展示了無線電話，在當時被認為難以實現的技術，如今也化為現實。而2025年，NTT以「PARALLEL TRAVEL（平行時空旅行）」為主題打造的「NTT Pavilion」，將能親身體驗「IOWN（Innovative Optical and Wireless Network）」技術，是如何連結遠方的場所，讓人們跨越距離、共享空間，感受彼此的存在，展現出未來通訊的全新樣貌。

NTT Pavilion分為3大展區，走進Zone 1，將可透過展示品與影片，感受到從手寫信等傳統方式到現代智慧型手機的通訊演進歷史，聽起來或許有點無聊，不過在逛了許多展館、感到有些看展疲乏後，這一區的影像呈現方式，還是讓人有所感觸。

來到Zone 2，戴上3D眼鏡後，將能體驗到NTT運用IOWN技術打造的全新感官體驗。在這裡會觀賞到Perfume先前於萬博記念公園搭建的舞台上拍攝的演出，表演影像也巧妙串連起1970年的電氣通信館與2025年的NTT Pavilion，帶出跨越時空的意涵。很酷的是，地板還會跟著Perfume的舞步振動，頗有在現場看演唱會之感。不論你是不是Perfume的歌迷，應該都會看得很開心。

進去Zone 3前，先要進行掃描、創建出「另一個自己」的影像，而你的虛擬分身將會投影至房間的螢幕上，讓參觀者藉由該體驗，發現自己不同的另一面。這邊也先不爆雷太多，但能說的是，當時身旁不管男女老少的參觀者，都直呼這個體驗有趣。最後，也別錯過NTT Pavilion展館外的體驗區，這裡設置了3台公用電話，拿起聽筒按下特定的數字，將能聽到不同的故事。

NTT Pavilion
可當日預約。採分批體驗，參觀時間約半小時
更多資訊可至官網查詢

▸ EARTH MART

透過「食物」重新思考生命

以「食」為主題的EARTH MART，為本屆世博會的8大主題館之一，其由曾策劃多部與飲食相關電視節目、創造出「熊本熊」的幕後推手、現任京都藝術大學副校長的小山薫堂擔任策劃。而在這座幻想中的超級市場，人們將能接觸到食物與生命的循環，並與通往未來的靈感相遇。

EARTH MART主要分成兩大區塊，在「生命的樓層（いのちのフロア）」中，來訪者將猶如在超市中購物，藉由各式體驗，重新審視「食物即是生命」的本質。比如人們將能看到孕育出「野菜生命」的各式種子；「生命的秤」讓你拿起一旁的食物商品放到秤上後，即會以動畫的方式呈現出其背後的故事，使人感受到生命的重量。

「世界的餐桌」透過鏡頭下的照片，一探世界各地人們的飲食；尤其吸睛的「生命購物車」，以日本「青森睡魔祭」風格製成巨大的推車，具體化了一個日本人約10年份的食材；走近「生命的收銀台」，則會看到螢幕上自己的臉，隨機變化成蔬果或動物的圖案，帶出「我們是由我們所接受的生命所構成」的意涵。

在「未來的樓層（未来のフロア）」這一區，觀者則能重新思考未來的飲食方式。像是「展望未來的壽司店」可見「壽司之神」小野二郎的逼真投影使用了養殖魚作為壽司材料，象徵著「壽司職人 × 食品科技」傳統與創新的融合；「進化中的冷凍食品」則將各式食材經冷凍粉碎後，這些粉末將化為未來的冷凍食品，展現飲食的各種可能性。

個人尤其喜歡的「讓所有人都幸福的未來甜點」，展出了世界各地的孩子對於未來點心的奇思妙想，像是吵架時吃了會和好的糖果、有著天使翅膀的巧克力、可以短暫實現一小時願望的糖果⋯⋯，有很多看了會讓人露出微笑的可愛提案。展覽最後，人們也將拿到免費的「萬博漬」梅乾兌換卷，且要等到2050年才能享用，有種一同埋下「飲食的時空膠囊」之感，也可說是一份送給25年後的自己的特別紀念品。

EARTH MART
需預約，當日也將發放整理券。編輯參觀時間約40分鐘
更多資訊可至官網查詢

▸ PASONA NATUREVERSE

原子小金剛與怪醫黑傑克化身導覽員

由保聖那集團打造的「PASONA NATUREVERSE」，以「感謝生命（いのち、ありがとう）」為主題。展館建築外觀的設計，便以菊石的「螺旋形狀」作為生命的象徵，期盼參觀者「透過學習『生命』的歷史、接觸支撐『生命』的人類智慧和未來社會的設計，感受到對『生命』的感謝」。

PASONA NATUREVERSE分為3大展區：History of Life Zone、Body Zone、Mind / Bonds Zone，並由原子小金剛與怪醫黑傑克擔任導覽員。走進第一區可見壯觀的「生命進化之樹」，樹幹內側描繪了進化歷史的地層，向下延伸的樹幹與根部象徵遙遠的過去、從樹幹伸展的樹枝則表示邁向未來的無限可能性。接著的動畫內容則巧妙透過原子小金剛與怪醫黑傑克帶出本展館最大的看點——「iPS心臟」。

在Body Zone，參觀者能近距離看到於培養液中不斷跳動的「iPS心臟」，其為運用iPS細胞與已實用化的iPS心肌片技術，以活細胞結合生物材料、生物工程學，製作而出的人造立體心臟，也向全球展現出日本未來醫療的潛力。後面的展間也接續呈現「未來的醫療」、「未來的睡眠」，讓人們實際感受到在不遠的未來，科技的革新將能帶來創新的體驗。

最後一區的「NATUREVERSE秀」，再次有原子小金剛與怪醫黑傑克現身，透過表演展示在自然與科技交織的世界中，人與人之間以關懷之心，孕育出真正豐饒的未來，搭配結尾以多種語言表現的「いのち、ありがとう」，也進一步呼應了展館與「生命」主題的連結。特別要提的是，「醫療科技」這個主題對我來說有點遙遠，但當大家熟悉的動漫IP貫穿於整個展館時，確實能更容易理解他們想傳達的內容（且不無聊）。另外要推薦展館的NATUREVERSE SHOP，裡頭販售原子小金剛與怪醫黑傑克的限定商品，大多設計得很可愛，值得入手。

PASONA NATUREVERSE
預約、現場排隊並行。編輯參觀時間約40分鐘
更多資訊可至官網查詢

▸ 法國館

時尚精品、法式美學的展現

本屆世博的人氣展館之一「法國館」，以一個普世又永恆動人的「愛的讚歌」為主題，並透過建築、展覽活動、室內設計，展現法式美學與法國多元的魅力。擁有優雅、詩意外觀的法國館，立面設計猶如以巨大帷幕覆蓋的劇場舞台，既帶有神秘氛圍，也吸引了來訪者的目光；覆以粉紅銅材的斜坡輕巧地捕捉並反射光線，營造出迷人的光影效果。隨著人們順著緩坡而上，也正式宣告即將展開一段沉浸式旅程。

而提起法國，自然少不了時尚精品。LVMH集團旗下的Louis Vuitton與Dior帶來了精彩的常設展。Louis Vuitton攜手OMA的日本建築師重松象平，重新詮釋了品牌作為「行李箱製造商」的歷史：85件LV代表性行李箱，圍繞著羅丹經典作品〈大教堂〉，加上IRCAM（法國媒體聲音研究中心）根據各工坊個性所編排出的獨特節奏，呈現出品牌卓越的工藝。下一個展間則可見由環繞的行李箱組成的作品，搭配日本藝術家真鍋大度創作的影像，展現了Louis Vuitton對「旅行」概念的詮釋。

Dior則以其經典的「Bar」套裝迎接來訪者，並透過法國國旗的藍、白、紅三色，向高級訂製服的優雅美感致敬。展間亦展示了日本設計師吉岡德仁重新詮釋的「Medallion of Light」經典椅；攝影師高木由利子的影像投影，也更進一步為空間增添氛圍。整體由佈景師Nathalie Crinière構思的場景，也細緻展現了Dior自創立以來，與日本之間的深厚連結。

特別一提的是，每個展間入口也展示了來自羅丹美術館的羅丹「手部」雕塑作品，且每一雙手都象徵著一種愛的姿態，既體現法國非凡的工藝，也讓「愛」這一主題貫穿展館。當然不只有時尚精品，法國館也融入了結合葡萄酒故事的裝置作品、由三位舞者在巴黎龐畢度中心演繹的細膩編舞，與以聲光影像闡述日本與法國之間，人文與自然層面的緊密連結。總的來說，不論是建築展館、展覽內容或展場設計，完全體現了法國的美感與品味，讓人留下深刻的印象。

法國館
現場排隊。編輯參觀時間約半小時
更多資訊可至官網查詢

▸ TECH WORLD館

以建築、展演、科技傳遞台灣魅力

本屆世博會台灣以「TECH WORLD館」的名義參加，並以「連結世界，共創未來美好生活」為策展理念，規劃「生命」、「自然」、「未來」三大劇場。從建築外觀來看，TECH WORLD館就像是高聳的群山，其採用可回收金屬板為建材，並透過折角帶出如群峰蜿蜒的山稜線條。白天反射陽光的金屬板，將閃耀光芒，到了夜晚，館內則會透出柔和燈光，展現出另一種溫柔靜謐的樣貌。

入場時，參觀者將會配戴上智能手環，屆時AI也將根據每個人的看展感受，生成專屬的「心動曲線」，推薦你適合的台灣觀光行程。而造訪當天，雖全程為日文導覽，但影片上有中文與英文字幕，基本上不太影響觀展體驗（現場也有提供英文及中文的線上語音導覽）。其中，最讓我有感的「生命劇場」，透過巨型的柱狀環形投影、560隻機械手臂結合多媒體平板，以及12聲道環繞聲效系統，重現了臺灣的多元生態面貌。隨著影像擺動的平板、猶如走入森林般的燈光與聲音設計，讓整個體驗更添沉浸感，最後溫柔的女聲哼唱出來時，不知為何竟讓我熱淚盈眶，或許是想到這座不能以自己的名字參加世博的展館，真的很努力用各種方式來訴說我們的故事。

接著的「自然劇場」，以360度環形螢幕呈現以《山、雲與我們》為題的群山風景，帶領人們看見台灣壯麗的山林、雲海景色；虛擬蝴蝶與實體蘭花共演的「蘭花小徑」，展現科技與自然融合的樣貌；結合藝術與科技的「AI藝廊」，則會看到熟悉的台灣畫作動了起來。另外有感的是，這些對於我們來說不算陌生的元素，但聽到一旁的日本人驚呼「すごい（厲害）」的同時，內心不禁也有種被鼓舞的感覺。

最後的「未來劇場」透過導入生成式AI動畫技術，闡述晶片在未來世界所扮演的重要角色，並帶出這些晶片來自一座科技之島，呼應了TECH WORLD展館的名稱。展覽結束時，每位參觀者也將拿到免費的限定小禮物，十足展現台灣的好客精神。

私心來說，台灣人若有機會前往世博，一定要把TECH WORLD館列入參觀名單中，見證這座島嶼如何在不（能）說出自己的名字的情況下，在這場國際盛會上呈現出自身的多元樣貌；平心而論，在我看了近30個館後，TECH WORLD館的用心程度算是排在前段班，甚至某天走在會場時，我就曾聽到一群日本人討論著要再去看一次「台灣館」，我想這或多或少也證明了TECH WORLD館做得不錯吧。

TECH WORLD館
可當日預約、現場排隊。採分批導覽，參觀時間約半小時
更多資訊可至官網查詢

2025大阪世博盛大舉行中，La Vie也實際走訪現場，為讀者介紹會場中的象徵性建築「大屋根」、三位日本普立茲克建築獎得主設計的展館，同時也精選極具特色的海外國家館，以及更多不容錯過的亮點。

世界最大的木造建築「大屋根」

由建築師藤本壯介設計的「大屋根」，為大阪世博代表性的建築，其運用日本神社與寺廟中的傳統「貫」工法，再結合現代技術，打造出既做為會場主動線，同時兼作遮風避雨、日曬的舒適休憩場域。人們也能登上大屋根，360度欣賞整個會場、遠眺大阪景觀；夜幕低垂，大屋根也將亮起，交織出日夜截然不同的獨特氛圍。值得一提的是，大屋根在今年3月正式獲得「世界最大的木造建築」之金氏世界紀錄，為大阪世博寫下重要的一頁。

集結普立茲克建築獎大師作品

而在大阪世博中，除了大屋根，各式建築也是一大看點。其中，更有3座展館是由曾獲普立茲克建築獎的日本建築師所設計。伊東豊雄設計的「EXPO HALL」，為用來舉辦音樂、戲劇、傳統與現代表演藝術、未來型娛樂等舞台活動的主要設施，其閃耀著金光的圓形屋頂，以及帶有自然紋理與粗獷質感的牆面，構築出強烈的生命力，也讓人聯想到1970年大阪世博的「太陽之塔」，成為整個會場的象徵；走進裡頭，觀眾席與舞台融為一體的圓形劇場形式，以及近乎純白的內部空間設計，也賦予演出更多可能性。

坂茂打造的「BLUE OCEAN DOME」，以「海洋的再生」為主題，運用紙管、竹材、CFRP（碳纖維強化聚合物）3種重量輕、高強度且可回收的材料，打造出既堅固又輕盈的創新建築。而這樣的設計，不僅能輕鬆拆解、搬移與再利用，更替未來的建築打開了全新的想像。由建築師妹島和世與西澤立衛共同創立的建築事務所SANAA操刀的「Better Co-Being」，靜靜佇立於會場中央的「靜謐之森」，摒棄傳統建築的天花板與牆壁設計、以銀色金屬格柵組成，創造出一個開放且與周圍環境融合的展館，邀請人們走進其中，展開「共鳴」體驗。

160個海外國家展館各有特色

而本屆世博會約有160個國家參與，各大海外展館建築同樣亮眼。比如由日本建築大師隈研吾操刀的「葡萄牙館」，以懸掛的繩索與回收漁網為主要建材，打造出極具詩意、猶如白色海浪般的展館；AMDL Circle建築事務所設計的「北歐館」，以展現北歐簡約風格及實用美學的傳統北歐穀倉為建築靈感，並採用木質設計與可回收材料，體現北歐的永續發展理念；由Apropos Architects操刀的「捷克館」，為無金屬框架支撐的木造建築，並以玻璃立面致敬捷克歷史悠久的玻璃工藝，打造出看來通透、輕盈的螺旋形建築；RAU Architects團隊設計的「荷蘭館」則有著懸浮空中的巨大球體，夜晚時球體也將亮起，猶如一顆發光的「人造太陽」，引領人們走進其中探索永續議題。

打造未知風景的有機建築

除了上述這些展館，開幕前便備受矚目、可說是「預約困難」的「null²」，為大阪世博的8大主題館之一，其由新媒體藝術家落合陽一策劃、Noiz Architects建築師豊田啓介負責設計展館。null²外觀以鏡子為意象、覆蓋著特別的「鏡面膜」，被映照的周圍景色與路過的人們，將隨著鏡面膜扭曲、變形，形成一種前所未見的有機建築，也創造出未知的風景；在null²展館內，將能體驗名為「數位分身」的互動內容，親自感受現實與數位世界的邊界是如何逐漸變得模糊。

展現日本美學的美感廁所

不僅如此，此次大阪世博更邀請了多組新銳建築團隊，設計會場內的廁所、休息區、快閃舞台等20座設施。其中，建築師米澤隆操刀的「トイレ5（5號廁所）」格外吸睛，其由三角柱、長方體等模組化單元，構成如彩色積木般的外觀。世博會結束後，這些單元也能拆解，重新在公園或廣場等地靈活組合運用，打造出新的空間樣貌。

攝影｜蔡耀徵