黑色輪廓邊框裡，簡單卻靈動的五官映照出當代人類百態。法國藝術家Jean Jullien並置童趣諷刺與大人天真的畫作，出現在《紐約時報》、《國家地理》等國際媒體，也以自創品牌NouNou攻占韓國潮流文化。La Vie專訪到這位坐擁破百萬IG追蹤的藝術家，走進他持續圈粉全球的創作幕後。

無異於世界上許多人的童年，Jean Jullien是個看漫畫長大的孩子。出生於法國西部的城市南特（Nantes），他大量接觸法國漫畫、美國漫畫、日本動漫，各種類型葷素不拘。回想起這段最初啟蒙，他說，「它們確實激發了想像力，引導我表達腦中所想，提供我用視覺去轉譯周遭世界的基礎。正因為閱讀、觀看的內容類型不拘一格，使我擺脫了必須堅持單一風格的想法。」

不同於大多數職業畫家，他先赴法國坎佩爾（Quimper）求學，再到英國倫敦就讀中央聖馬丁藝術與設計學院（Central Saint Martins College of Art and Design）、皇家藝術學院（Royal College of Art），攻讀的都是平面設計。他認為，平面設計的學習提供了紮實的圖像製作知識，教會他如何創造出能有效溝通的視覺，「顏色、構圖、排版，當圖像必須傳遞訊息的時候，每一個元素都很重要。從這個意義來說，這段養成對我幫助很大。」畢業後，他的插畫開始刊載於《紐約時報》、《衛報》等媒體，直到2015年，他因巴黎恐攻畫下結合巴黎鐵塔與和平符號的「Peace for Paris」圖像，一夜瘋傳至全球，意外讓他受到國際矚目。但他當時接受CNN採訪時表示，自己無法感到驕傲或開心，因為這是非常黑暗的時刻，並不樂見這樣的曝光，但至少很欣慰大眾能運用這個圖像。

粗黑外框與簡單線條的畫風形塑

這並非Jean Jullien第一次用藝術回應社會事件，2015年初發生的《查理週刊》總部恐怖槍擊，他就在社群上傳鉛筆與槍頭相對的圖像。生活裡的觀察與感受，一直是他的創作靈感，「這來自本能，我擁有迅速對很多事情感到煩躁的能力。我會把這些事情轉化成喜劇畫出來，就比較不會太沮喪。」他說，過去自己花大量時間在社群媒體上，常常會把觀察到的現象畫出來，即便現在已減少社群媒體使用時間，卻在真實世界發現喜劇素材多到不敢相信，「像是人工智慧、自我展演的癡迷、對永生的渴望等等。」這些諷刺喜劇都在他標誌性的粗黑外框、簡單線條下有了生命，而這個畫風源自他使用攝影棚、紙模型的創作階段，為了方便剪紙，先在紙上畫出輪廓、讓圖像從背景中突顯。後來他從事攝影創作的時間越來越少，因此現在看到的插畫風格，其實就是把當時的創作「壓扁」到二維平面上，只保留紙張顏色和黑色畫筆輪廓。

插畫是大眾最認識他的創作媒材，但他也橫跨裝置、動畫、攝影、服裝等領域。例如代表作之一《Paper People》系列，宛若紙娃娃的簡約人形，故事概念是一個被創作者遺忘的角色，決定自己在紙上尋找朋友。這件作品最初是Jean Jullien在學校做的紙模型，隨著時間發展成更穩固的金屬結構，「我喜歡它們保留了紙張的簡單性，讓我有辦法將它們變成我想要的任何形狀，隨著時間推移與媒材變化，發展出更大、更長久的故事。」2016年，《Paper People》首次以金屬裝置在展覽《Flat Out》亮相，從此開始以各種型態出現在他的創作。近期與藝術品牌「Case Studyo」的合作，紙人們化身椅子；目前正在日本東京銀座GINZA SIX展出的《The Departure》，則把裝置吊在8公尺高的中庭，「讓我有機會探索懸吊空中，還有目前為止都沒有嘗試過的動態。未來我希望在不同的故事章節、展出場合繼續發展它們，將整個敘述彙編成書或展覽。」

他也和弟弟Nicolas Jullien組成創作團體「Jullien Brothers」，發表不少動畫作品。「我一直很喜歡《Catastrophe》，因為它非常DIY，又非常快節奏、色彩豐富。但《Troll Slayer》才是我最喜歡的作品，理由在於它的製作方式：在我們的倫敦臥室裡，用了很多透明膠帶和動畫木偶。」有趣的是，弟弟亦有音樂人身分，先後以「Niwouinwouin」、「the coward」的名字闖蕩樂壇，Jullien Brothers也製作了許多音樂錄影帶，是Jean Jullien至今都很鍾愛的作品，因為很簡單卻聰明。

合適的商業案並不會降低創作品質

個人創作之外，Jean Jullien總令人會心一笑的插畫，也受到Beams、RCA Records、The Connaught、Salomon等品牌青睞邀約合作。藝術和商業的平衡，往往是每個創作者必須面對的課題，對此他自有一套看法，「我以前接更多商業案，當案子比較少、間隔比較長的時候，幾乎來者不拒。現在我只接一些挑選過、認為合適的案子，只要商業案的合作對象合適，我不覺得它會降低作品品質。」對於合作的商品，他說自己並沒有所謂「票房壓力」，而是視其為向不同群眾溝通自己作品的好管道。

近年他和衝浪板品牌「Fernand Surfboards」合作，推出海豹、藍鯨、橙色與灰色的魚，4款手繪衝浪板宛如卡通海洋動物優游浪上。問及合作契機，他笑說這並非品牌主動邀約，而是私下愛衝浪的他，先向Fernand Surfboards訂製一款他要使用的粉紅色衝浪板，訂單成立後竟接獲創辦人Geoffray Sipoir聯繫，提議可以一起做點什麼。他們從一系列刺繡服裝開始發想，之後轉向了衝浪板。Jean Jullien先提了簡單草圖後，兩人一起來到法國衝浪勝地奧瑟戈爾（Hossegor），他回憶起創作過程，「他已經先做好衝浪板形狀、上好底色，然後我在上面畫出細節，他再經過玻璃纖維強化與拋光處理後，一切都就緒了！」

以自創品牌與大型展覽打入韓國潮流

在流行文化競爭激烈的韓國，Jean Jullien的作品也受到歡迎。2016年，他和韓國藝術家Jae Huh共同創立品牌「NouNou」，打入韓國潮流市場。兩人是中央聖馬丁藝術與設計學院的同學，Jean Jullien形容他們「認識後就一拍即合」，求學期間經常合作作業和自發性創作，之所以會一起成立品牌，就是單純想延續這份合作。NouNou的代表性視覺是一張「臉」，用Jean Jullien一貫的粗黑筆觸描繪出簡約表情，並把這一張張表情與顏色迥異的臉，運用在衣服、帽子、鞋子、杯子等商品，童趣卻大人感十足。之所以選用臉作為品牌視覺，他說，「臉是一個容易親近和感到關聯的圖像，我們的想法是，要有一個足夠簡單的視覺，讓我們有很大的自由可以玩創作。Jae對衣服很有眼光，所以知道圖像該用在哪裡、不該用在哪裡。我們真的是攜手合作，無時無刻都在討論每件事的方向，這讓NouNou非常特別。」

NouNou的商品目前以服飾為大宗，「NouNou從來都不是服裝品牌，之所以採用這個形式，是因為Jae可以更輕鬆地運用他在時尚界的資源來創作。」Jean Jullien說，兩人一直有很多新計劃想要與正在嘗試，例如Jae Huh現今不僅是品牌共同創辦人，也作為經紀人代理他的作品，並在韓國各地舉辦展覽。2022年下半年到2023年初，他在韓國東大門設計廣場（DDP）舉辦個人首檔大型回顧展《Then, There》，「展覽概念是回顧過去20年我所做的一切，審視現在自己走到了哪個階段。主題建立在一系列觀察後的提問，從這個意義上來說，它非常謙卑。我花費最多時間並引起觀眾共鳴的是『素描本展間』，因為我回頭閱讀了數千頁私人日記，並畫出一幅敘事壁畫重述過去20年生活中發生的事。這有點像是乘坐一趟內心的雲霄飛車，但觀眾們似乎很欣賞它的誠意。」而今年3∼10月於韓國慶州宇洋美術館（Wooyang Museum of Contemporary Art），也有新展覽《Still There》登場。

歷經各種媒材創作、與各類品牌合作，現在的Jean Jullien仍有想再嘗試的下一步，「我真的很想做一本圖像小說和一部動畫。整體來說，我很想做更多大型展覽，更沉浸式的作品，可以真正帶觀眾踏上一段旅程，遠離日常生活和習慣，並挑戰他們。」行駛在創作路上20年的飛車，如今只來到中繼站，帶著不變玩心與百變創意，持續把沿途上的喜怒描繪成畫。

Jean Jullien

1983年生，平面藝術家，現居於巴黎。2008年畢業於中央聖馬丁學院，2010年畢業於皇家藝術學院。創作範圍橫跨插畫、攝影、動畫、服裝、裝置、書籍、海報（甚至還有滑板）等。作品曾於巴黎、倫敦、布魯塞爾、洛杉磯、紐約、舊金山、柏林、東京、首爾、新加坡等地的美術館或藝廊展出。作品刊載於《紐約時報》、《紐約客》、《國家地理》等媒體。與Beams、RCA Records、The Connaught等國際品牌合作。2022年由Phaidon Press出版個人首本回顧著作。 IG：jean_jullien

文｜張以潔

攝影｜julienbinchbinet

圖片提供｜Jean Jullien Studio

更多精彩內容請見 La Vie 2023/4月號《尋找森系靈感》

數位分身與人類本尊有何差異？非自然的建築，可以如生命體般蠕動嗎？2025大阪世博最具話題性的展館，新媒體藝術家落合陽一策劃的「null²」絕對榜上有名，堪稱最難預約展館之一。他以「鏡子」為媒介，藉由這座會呼吸、舞動的建築詮釋其自身的「數位自然」理念，邀請觀眾駐足重新思考人類與未來科技間密不可分的關係。

「null²」的建築體由不規則的鏡面方塊堆疊而成，外牆由邊緣向中心凹陷、扭動，配合音響的震動，每一分秒都映照出世博會場的萬千模樣。除了充滿未來感的吸睛外觀之外，「null²」場館內的天花板、地面鑲上了發光LED面板，四周牆面則以鏡子組成，無止境地反射了展間內的人群姿態。而豎立在展場內的大型螢幕，則是能夠遇見「數位分身」的裝置。置身其中，人們將透過螢幕與自己的分身互動、對話。

操刀這座展館的落合陽一身兼新媒體藝術家、研究者與企業家等頭銜，以自身發展出的「數位自然（Digital Nature）」理論為基礎，致力於探索數位空間與物質世界的融合。在創作上，他常透過超音波、雷射等先進技術再現光、聲音或水等自然元素，創造出既真實又虛幻的體驗。或者是透過作品將「空無」、「存在」等抽象概念具象化，誘發人們思考生命的本質。他也積極於新聞節目、論壇等公開場合現身發言，在AI、高齡化社會、教育制度等方面提出獨到觀點，是目前廣受日本社會矚目的跨領域人物。

以新媒體藝術打破既有概念的二元對立

落合陽一於2017年曾參與協助日本爭取世博主辦權，直到世博確定落腳於大阪後，他也在2020年以新媒體藝術家身分正式加入，成為主題館的8位策展人之一。「我一直透過創作和研究持續探索『鏡子』、『數位分身』以及『空／null』等概念，懷抱著強烈的企圖心，希望能在世博這樣具有高度公共性的大型展會上，實現大膽的社會實驗。」他說。

呼應這屆世博主題「設計一個讓生命閃耀的未來社會」，主題館「null²」也被賦予了「鍛造生命」此一關鍵字。面對這個命題，落合陽一結合其自身的創作概念之一「null／空」展開發想。他說明，在電腦科學中null 代表了「空值」；而在佛教思想中，「空」指的是「雖無形，卻能化為萬象」的原始狀態。乍看來自不同領域，但這兩個術語擁有「因為尚未定型，反而孕育著一切可能性」的共通點。「我認為從『空／null』的狀態中創造全新價值的過程，正是『鍛造生命』此一行為本身。」他解釋。

這並不是落合陽一第一次在創作中採用此一哲學思維，包含2022年的《null的樹影斑駁》（nullの木漏れ日）與2024年的個展《晝夜交替亦為神佛：鮨null∴鰻龍》（昼夜の相代も神仏：鮨ヌル∴鰻ドラゴン）中，皆可見「空／null」的概念應用。透過電腦技術，落合陽一創造出無形的光或影像，讓觀者體驗到無形之物的呼吸、氣息，藉此撼動「無與有」、「自然與人工」等二元對立的概念。而大阪世博的「null²」則將概念再往前推進，不僅止於單純的展出，更創造出了數十萬人可同時共感的參與式體驗。「可以說是過去作品的集大成，同時也是對未來社會的一種原型預演。」他說。

讓建築像生命體蠕動，又保有安全結構

從中心思想「空／null」出發，落合陽一更以長年來的創作媒材「鏡子」串聯起整體概念。他說明，鏡子自古以來扮演著「區分自我與外界邊界」的意義，但當鏡面產生扭曲時，整個世界也會產生流動，自己的輪廓也逐漸瓦解。「正因如此，當我們試圖重新思考『什麼是自我』、『何謂世界』時，鏡子是一個非常有效的象徵媒介。」他說。

展館外側的「鏡子」，由日本膜結構領域的知名大廠「太陽工業」以及建築團隊「NOIZ」共同協力完成。落合陽一和太陽工業嘗試在樹脂薄膜上蒸鍍金屬，經過數年的嘗試後，才開發出現今保有金屬光澤，卻又能柔軟變形的鏡面膜。他們也研發了一套透過機械手臂的局部壓迫、大型低音喇叭產生振動來扭曲牆面的操控技術，藉此營造出建築體的動態生命力。

另一方面，建築團隊NOIZ 面臨的挑戰，則是如何在鏡面膜的動態呈現下，保持整體結構的平衡與安全性。為了解決這個問題，NOIZ團隊將建築劃分為多個區塊，限定了可動範圍，除此之外的部分則使其自然地反映環境震動。落合陽一說：「這樣的設計使建築彷彿生命體般蠕動，卻又保有建築結構的安全性，成為此次技術突破的關鍵。」經過無數的挑戰，最終才得以設計出團隊所設定的願景，打造出一座「不是靜態的容器，而是流動且具有智能的建築」。這也反映了落合陽一的「數位自然」理論，讓「非自然」能「如自然般舞動」，藉此誘發觀眾重新思考人類與自然之間的關係。

當自我與數位分身相遇

走進展館內，則是另一面映照自我的「鏡子」。不同的是，這面鏡子不是忠實地呈現鏡前的一舉一動，而是在鏡中重生出另一個自己。由落合陽一團隊所開發、取名為「Mirrored Body」的數位分身，結合了入口處的高速3D掃描技術、聲紋識別與AI語音合成裝置，再加上大型語言模型驅動的即時對話生成系統，不出數分鐘內，自己的分身將會被投影到展館內的螢幕上，與本尊進行互動。

針對開發數位分身的動機，落合陽一說明，未來數位分身可能成為「擴增自我的代理人」。它們可以代替本人參加會議、協助創作，成為AI與人類協作發展的重要媒介。不過同時，也會產生「何謂真正的本人？」等身分認同的疑惑，以及數據管理和所有權等倫理議題。「正因如此，我認為在世博進行這場實驗，對於推動社會共識、深化哲學反思有很重要的意義。」他說。

在世博舞台拋出質問：人類該如何與科技共生？

在世博實踐自身思想的實驗性行動，十分符合落合陽一看待現今世博的舉辦意義。他提到，19世紀的世博展示了國家威信，20世紀的世博則在宣揚企業實力，而進入21世紀，世博正逐漸轉型為全球環境課題、文化多樣性的對話場域，以及包容新的價值觀、哲學思維的實驗平台。他說：「包含AI、機器人、區塊鏈等，在這個即使是個人也能引發巨大革新的時代，世博不再只是『為了國家或企業的展覽』，而更像是一個『匯聚多元未來願景的沙龍』。」

回歸其新媒體藝術家角色，聚焦於世博中的科技革新應用時，落合陽一向我們分享了他對於未來世界的想像。「整體而言，我對科技發展抱持正面態度，特別是對於AI與數位分身在『擴增人類』方面的應用充滿期待。如果我們能讓AI部分取代知識工作、活用多個虛擬分身，甚至由AI代理我們的思考與行動，人類就能更專注於創造性與自由的活動。」他說。

但同時落合陽一也強調，科技發展也伴隨了自我認同、倫理道德的問題，尤其在社會制度尚未跟上的階段即過度濫用科技時，會產生不少未知的危險。不過他也說，也因此世博正是個絕佳契機，開放眾人共同討論「未來社會的理想樣貌」。他說，「在這過程中，既有如置身於烏托邦般的樂趣，也可能混雜著迷失自我的反烏托邦式恐懼。最終，『null²』將作為一個裝置，引導我們思考：人類該如何與科技共生、如何取捨，並在此過程中持續『鍛造生命』。」

落合陽一

新媒體藝術家。1987年出生，自2010年開始藝術創作活動。作品以跨領域的物化、轉換，以及對實體物質的憧憬為主題發展。現任筑波大學副教授，亦擔任2025大阪世博主題館策展人。代表作包括攝影集《質量への憧憬》（amana・2019）、NFT作品《Re-Digitalization of Waves》（foundation・2021）等。曾獲2016年Prix Ars Electronica榮譽獎、歐盟STARTS Prize、2019年SXSW Creative Experience ARROW Awards；入選《Apollo Magazine》40 UNDER 40 ART and TECH、獲得亞洲數位藝術大賞優秀獎，並多次入選文化廳媒體藝術祭藝術部門審查委員會推薦作品。

_{企劃｜張以潔　文｜廖怡鈞
攝影｜蔡耀徴、Ninagawa Mika
圖片提供｜Yoichi Ochiai}

「今天我想讓花器成為主角，還是讓花成為主角？」在陳曦的花藝世界裡，花與花器互為主體，共同塑造作品的輪廓。從初遇日式「草月流」花道的自由創作精神，到成立花藝工作室與選品品牌牌Ephe3era，她一步步將創作哲學融入日常，讓器物成為情感的延伸，也成為她與世界溫柔對話的方式。

陳曦原本在服裝產業從事打樣與代工生產管理工作，雖然能熟悉服裝製程與生產環節，卻也著重執行與標準化，較少自由發揮的空間，讓她感到日漸枯燥與受限。直到一次在日本旅行時，朋友提議參加插花課，她才首次接觸到這門藝術，「當時其實沒有太多期待，但那堂課意外開啟了我對花藝的想像。」像是在心中埋下了一顆種子，回到台灣後，她在網路上找到了草月流的花藝課程，從此開始一邊工作，一邊學習插花的生活。

「不同於池坊、小原流等傳統花道的嚴謹規範，草月流提供更開放的創作空間，讓插花者能自由展現個人特色。」對陳曦而言，草月流最吸引她的就是其自由性。成立於1927年的草月流標誌了日本插花藝術的現代化轉變，提出「任何人、任何材料、任何地方都可以插花」的核心理念，鼓勵創作者靈活運用各種現成素材。而二戰後，東京滿目瘡痍、鋼筋裸露的建築殘骸成為日常景觀，草月流的藝術家便開始以這些廢墟物件作為創作靈感——不論是鐵條、碎裂的混凝土、舊家具的一角，甚至殘破的瓦片與木樁，都成為作品的一部分，進一步打破了傳統插花對花器的限制。

花期易逝，器物長存

隨著深入學習花藝，陳曦也開始對花器產生強烈的興趣，並以「住家兼工作室」的方式斜槓經營花藝事業，同時開設花藝課程。然而一次搬家時，她驚覺自己的花器收藏已經多到成為一種（甜蜜的）負擔，加上學生們也希望能嘗試更多不同類型的花器，選品支線Ephe3era的概念便因此成形。「隨著收藏越來越多，我開始思考，這些花器不該只是靜置，而是應該進入更多人的生活，被不同的人持續使用。」她回憶道。

「Ephe3era這個名字來自英文Ephemera，指的是短暫存在的事物，例如車票、收據等短期使用的印刷品——植物的生命短暫，器物卻能長久流傳。」陳曦透過網拍、跳蚤市場以及與陶藝家合作，尋覓各種材質與風格的花器，納入她的選品。其中，她特別喜愛二手的陶藝花器，「它們就像古著，即使不是全新，也因為帶有手工痕跡與歲月質感，更顯生命力。」對她而言，器物全新與否並不重要，重要的是它們能否經得起時間考驗，成為值得長期擁有與使用的存在。

花與器相依，共築創作的平衡

而談及花器在花藝中的重要性，陳曦認為，關鍵在於如何運用它來決定作品的呈現方式——「今天我想讓花器成為主角，還是讓花成為主角？或者，我希望它們彼此搭配，讓兩者同時成為主角？」這沒有固定標準，而是取決於創作者的風格與當下的設計意圖，「如果花器本身造型感強烈，例如帶有雕刻細節或特殊結構，那麼花材應相對簡約，以免喧賓奪主；反之，當花器設計素雅低調，花材便可更加豐富或具層次感，展現作品的張力。」在她的創作中，花材與花器並非單純的主角與配角關係，而是互相烘托、彼此成就，塑造作品的完整性。

日常創作時，陳曦偏好素雅、沉穩的花器，例如選擇帶有灰階、低飽和色調的器物，並避免使用過於鮮豔的花材。「有些人擅長創作濃烈、飽滿的風格，而我則喜歡讓作品帶有收斂、安靜的氛圍。這可能與我的個性有關，因為我本身比較強烈，所以在插花時，會希望讓自己回歸平衡。」不過近年來，她也嘗試跳脫既有的創作習慣，例如在作品中加入亮色作為點綴，讓色彩在畫面中產生層次變化。這樣的改變，不僅讓創作保持新鮮感，也讓她在熟悉的風格之外，探索更多可能性。

器物是橋樑，花藝是對話

隨著對花藝與器物理解的深化，陳曦逐漸發現，器物不僅是創作的載體，更是一種連結世界的方式。「當購買或收藏某樣器物時，我們不只是獲得了一件物品，而是將它的故事、文化背景，甚至製作者的想法帶回家。」 她形容器物像是一座橋樑，串聯著製作者與使用者之間的美感共鳴。這種感受也體現在她與陶藝家的合作中——即便雙方並無私交，透過欣賞與使用對方的作品，彼此之間也形成了某種連結。而當這些器物進入更多人的生活，這份對話也將持續擴展。

「在開始做花藝前，我並不確定自己真正熱愛什麼，但當我投入其中，透過與不同的人合作，發現有人欣賞我的作品並願意交流時，漸漸找到了自己的方向。」從開始學習花藝到成立自己的工作室，對陳曦而言，每一次花藝創作，都是一次尋找平衡的探索，也是一場與世界的對話。當花器與花材相互襯托，它便不再只是靜態的擺設，而是一種情感的延伸，讓器物真正融入生活，也讓她在創作的過程中，與世界產生細膩而深遠的聯繫。

陳曦的花&器——搭配筆記

 花材 

拖鞋蘭・乾燥枸橘樹枝

 心法 

這次的創作從花器開始——先選了一款少見的 設計，再回頭搭配手邊的花材，意外找到剛柔之間的平衡感。作品以「尖銳與圓潤」的對比為主題，花器並非單一圓形，而是圓與銳角的錯落組合，帶來獨特的立體感。搭配刷成香檳金的乾燥枸橘樹枝，增添個性與結構感；拖鞋蘭的花腳刻意剪短，使其成為畫面中的穩定重心，不會太搶戲，卻能保留獨特的神情。整體配色以低飽和為主，讓視覺柔和卻有層次。

 花材 

假肉桂・獼猴藤・小町草

 心法 

選用了一款帶有燒焦感綠點的花器，釉色變化自然，質感獨特。這類多孔花器是草月流常見的特色，能自由調整插花方式，而瓶口間適當地留白，更凸顯花器是作品的一部分。花材搭配上，讓不同質地的枝條交錯，既有輕盈感，也帶點中性氣質，營造滿滿的春日氛圍！

陳曦

以日本花道作為基礎，發展出和洋混合風格，講究花材色調的和諧以及多元的花型設計；善於解構植物原有型態，跳脫傳統的插花手法，賦予人們對日式花藝新的印象。2019年底於台北開啟花道私塾，以日本草月流派為主軸，透過基本花型探討花與生活周遭連結的可能性。同時經營線上花器選品Ephe3era。

_{文｜葉欣昀　攝影｜蔡耀徵}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/4月號《從器物開始的理想生活》