於台南龍崎舉辦的藝術光節「空山祭」邁入第五週年，持續帶領人們走入這座「沒有人潮的孤山」，今年以《龍火餘燼》為題，在山林惡地間展出17件結合光影創作的當代藝術裝置，並加入觀眾互動共創元素，揭開在地未曾被看見的生命力量。

年度策展主題《龍火餘燼》


2024空⼭祭以《龍火餘燼》為本次命題，由策展團隊「艸非火」規劃「幻」、「暗」、「微」、「新」、「燃」等五大展區，邀集15組橫跨韓國、澳門與臺灣在地的藝術家，並與動畫師、社區居民、地方團體與在地學校攜手共創，帶來17件精彩的藝術創作，結合全新寓⾔式策展動畫《龍火》，在山林惡地間體驗「餘燼-復燃」的光影表現與當代藝術魅力。

空山祭所在的虎形山公園，因其山勢如猛虎雄踞故獲此名，展覽作品散落於公園內各處，參觀路線行經連綿樓梯及陡斜步道。從「50年來沒有過人潮的孤山」到「最美山林光節」，空山祭講述的是龍崎的故事，不僅是讓地⽅或藝術家被看⾒，也期望讓生命中的重要事物「重新被看⾒」，那些被埋沒的、遺忘的，被社群媒體轟炸的、遺落在疲憊生活中的，通通能在龍崎被清楚的「看⾒」，又或許能夠「找回來」。 

以寓言動畫《龍火》呈現空山祭理念

空⼭祭歷年來皆以「動畫寓⾔」描述策展概念，這次的主題《龍火餘燼》亦不例外。《龍火》動畫力邀導演楊子新、美術劉晏呈，及歷年來《空⼭祭》動畫⾳樂原創林信樺打造，敘述⼀隻看似垂垂老矣的火山之龍，佇留時間線上行走，迷惘、徬徨的牠經過⼀連串際遇，最後終於明白自身的恐懼來源，勇敢接受、放開恐懼並面對，如同新生命的誕⽣。

2024空山祭 亮點作品介紹

✶ 李文政《光夢龍》

創作中帶有濃厚臺灣感的李文政老師，⾸次挑戰「入口即藝術」的創作，讓觀眾一入場就被壯大的藝術裝置所震撼。為回應策展主題《龍火餘燼》，整個展場燈光設計由亮⽽暗、循序漸進，讓《光夢龍》這件作品成為最亮的幻景入口。 

✶ 辛綺《火⼭》

藝術家辛綺融合累積多年來的創作技法，從膠彩畫工筆的傳統技法、金屬線與螢光的交錯使用、竹編和大型竹構，結合無限鏡⾯的科技，打造場域複合沉浸體驗。走近火山，感受火山的氣勢和鏡面造就的無盡深淵，感受「勇氣」噴發的力量和美麗，以及人與自然的關係。

✶ 周學涵《欲與望》

「人類有著各種期盼與慾望，往往在一些時空、場合或關頭才能夠更加坦率。」《欲與望》取現地竹材架構，並排列各式日常紙材，隱隱透出螢光有如巨龍蒐藏寶藏的精神堡壘，象徵世界上眾多但又有所差異的希冀。觀眾入場時，也將被引導口述心中最想實現的願望，透過觀展完畢播放的聲音與言語，進行時空與情境的嫁接。

✶ 盧佳君《重⽣～龍之三部曲》

藝術家盧佳君結合海廢料彩繪、音樂創作與在地⽂化特色，並帶領關廟國小學⽣以 「龍崎」為發想，進行「平⾯藝術創作」、「海廢料立體創作」、「音樂演奏與錄音」課程，最後完成以「兩隻龍」為造型主體的多媒體藝術作品，將龍崎與關廟的在地特色融入作品中，成為藝術進入社區，共創藝術盛會的絕佳範例。 

✶ 李恩淑Eunsook Lee《龍火瀑布》 

韓國藝術家Eunsook Lee擅長結合纖維、聚酯和黑光等多種媒介，從無序中創造秩序。作品《龍火瀑布》像是山谷傾瀉而下，以透明的柱體水晶碑和印在上面的影像呈現，在黑光的照射下發出不同的顏色，形成一種神秘而美麗的視覺效果，反映出人類的存在與消逝，以及對於未知的渴望和恐懼。

✶ 高德亮《座標系列 - 螢花 II》

作品透過置入多道線性的雷射光，緩慢掃描、描繪著樹林多重的切面與輪廓，抽象呈現出植物內部不停流動的生命力，時而像川流不息的能量，時而又像即將燃燒殆盡的餘燼。雖然雷射光每天重複地掃描著樹木，但隨著風、雨水、嫰芽與落葉的更替，其輪廓細節與視覺狀態隨時都在改變，彷彿一部與時間共譜的長片般。

✶ 互動參與藝術計畫《曖曖》、《前行：伴》、《續輯的物語》


今年空山祭《龍火餘燼》特別強化參觀者的互動體驗，邀請觀眾親⾝參與藝術，策展團隊尤其以《曖曖》、《前⾏：伴》、《續輯的物語》三件作品構成「⼤型連續性藝術創作」計畫，結合行為、表演加上觀眾參與，打造出一整套扣合主題的體驗。這項特別的藝術計畫，要讓觀眾捨棄「旁觀者」的身分，帶著前面觀眾留下、代表傳承的物件，在⿊暗中行走，體驗負重前行的感覺；同時，固定時段也會安排表演者一起「⾏走」演出。 

2024空山祭 周邊活動介紹

除了豐富的作品展出外，本屆空山祭展覽期間也將舉辦各式工作坊，有「龍崎⽵編」工藝體驗、與南瀛天⽂館合作的「星光導覽」、以在地食材為題的「共食計畫」、蠟燭陶藝等，希望前來參觀的全家大小都能找到自己有興趣的項目，並從不同的角度認識龍崎這個地方。

龍崎光節：空⼭祭「龍火餘燼」

展演期間｜2023年12月23⽇–2024年2月18日 
開放時間｜17:30-22:00（最後入場時間21:00）、每週二休展
展演地點｜臺南市龍崎區虎形山公園 
購票連結｜https://gdn.tw/longci

更多活動資訊請至 空⼭祭FB活動⾴ 查詢。 

當經典邁向當代，設計語彙也被重新打開。麥卡倫攜手美國平面設計大師 David Carson，為經典雪莉桶與雙雪莉桶系列換上全新包裝，並以此為靈感，打造《雪莉新裝360體驗》沉浸式展覽。《La Vie》邀請設計師顏伯駿進場體驗，從創作者的視角觀看、詮釋與拍攝，記錄設計如何在場域中被感知，也重新打開人們對麥卡倫的閱讀方式。

麥卡倫（The Macallan）自 1824 年創立以來，便以雪莉桶釀酒工藝聞名，攜手美國 Coopers Oak 橡木林場並收購西班牙 Vasyma 製桶廠，打造自家雪莉橡木桶供應鏈，新酒與頂級雪莉橡木桶交融下，酒液逐步發展出細膩而層層遞進的風味表現，形塑出麥卡倫引以為傲的風格標誌。到了今年的麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，這份經典被轉譯為更當代的語言，從 David Carson 操刀的包裝視覺，到延伸出的沉浸展覽空間，品牌首度以「設計」為對話開場，讓人重新感受經典麥卡倫背後的文化溫度與情緒層次。

從包裝到場域，設計成為對話的路徑

設計師顏伯駿說，「真正的顛覆不是推翻，是讓原本的秩序容納新的語法；真正的敬意，也不是膜拜，是讓傳承有再被閱讀的可能。David Carson 把麥卡倫的典雅與他一貫的直覺性並置，創造出一種介於經典與自由之間的張力區！」而展覽以「3、6、0」為名，分別對應三大酒款（經典雪莉桶、雙雪莉桶、臻彩系列）、六大標柱（最高品質的橡木桶、雪莉酒潤桶工藝、渾然天成的自然酒色、精緻小巧的蒸餾器、麥卡倫莊園與百年傳承的釀酒智慧），層層拆解麥卡倫的文化底蘊，讓觀者用身體進入設計邏輯的邊界。這不只是關於視覺的閱讀，而是關於場域如何讓設計變得立體。

拆解與再閱讀

踏入麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，就像翻開一本逐頁拆解的讀本，設計邏輯在錯落與重構中緩緩展開。入口以象徵雪莉桶紋理的弧形木牆作為開場，引導觀者穿越時間年輪，走入麥卡倫的傳奇時光；緊接著，步入「感官走廊」，幽深的紅光映照著品牌走過兩世紀的重要節點與關鍵人物，走廊盡頭的螢幕，播放著來自赫雷斯的桶匠訪談與雪莉酒介紹，搭配曲面解構符號與牆面上的「瓦德比諾 Valdespino」雪莉酒，讓觀者穿越至雪莉桶誕生的原鄉脈絡。

進入展覽核心，視線被瓶身、照片、圖騰與色塊組構的裝置吸引，一如漫遊 David Carson 拼貼而成的意識流場景；麥卡倫的六大標柱，從百年傳承的釀酒智慧到麥卡倫莊園，在此被重新拆解並串連為動態時間軸，引導觀者參與一場關於橡木、潤桶與陳年的演化歷程。

琥珀色燈束切入瓶型輪廓，讓酒液的層次與情緒感受浮現眼前；而鏡面牆體則轉化為反射與凝視的界面，邀請每個人將自我置入麥卡倫敘事中，成為風味旅程的一部分。「這些空間其實都不是直白翻譯 David Carson 的設計，」顏伯駿說，「它們是把 David Carson 那種打破線性、重組敘事的感覺變成立體的，每一站都是一種推進！」他特別提及場內大量出現的紅色光影與陰影重疊：「紅色不只是裝飾，它其實像是一種引導，讓你走進麥卡倫情緒的內裡。」

與經典重新相遇

顏伯駿說：「麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》是一個開放的命題，而不是一個被定義的結論。

你可以從工藝進入，也可以從感覺進入；從歷史進入，也可以從視覺進入。品牌若能容納多重入口，代表它願意承擔多重解釋。」對他而言，成熟的品牌不怕被讀錯，它只怕失去被閱讀的慾望 —— 而這一次，麥卡倫選擇以全新的方式，重新開啟這場深層對話。

誠如顏伯駿所說，「當觀看被重新訓練，品牌不必提高音量，只需要說對語言。」在展場尾聲，麥卡倫以一連串能「被參與」的設計細節，打開更多與經典重新連結的方式。

於展場來一杯層次豐富、尾韻帶有甜味的雙雪莉桶純飲，或選擇清爽果香的Highball，週末你可以點上由「2025亞洲最佳酒吧」The Public House 與 Maltail打造、以經典麥卡倫雪莉桶風味為靈感的限定特調；玩一場藏有互動攝影驚喜的盲盒遊戲；寄出一封寫滿真摯話語的明信片；現場購買麥卡倫經典酒款，還能享受質感緞帶包裝的儀式感，讓這些互動與走逛片刻，與麥卡倫威士忌一樣，在記憶中慢慢熟成。

基隆美術館2025年度大展《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》，由藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」擔綱策展人，邀集台灣、日本、泰國、英國及法國等10位藝術家，透過經典舊作與全新委託創作交織共28組創作，試圖回應當代最為迫切的提問：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？

我們所見，真源自我們所選嗎？

在社群媒體演算法驅動下，我們以為自己在選擇觀看，但事實上，我們所見有時並非源自所盼。如今，觀看已是表演、身分再造的一部分，更是個體與群體的角力場。策展人法咪咪表示，展名「WE ARE ME」指向集體與個體的共生與矛盾：在數位影像分享時代，「自我」的樣貌逐漸在群體的凝視中成為「我們」；副標「我（們）到此一遊」則回應大眾文化中「到此即表態」、「觀看即表演」的社群奇觀。

這場展覽就是對上述現象的回應，探索著在影像泛濫、人人都能自稱創作者的時代，藝術被觀看的各式嶄新可能；同時剖析「我」與「我們」的界線，是如何被生成、被消解。再回望展名暗藏的巧思：當「WE」置於鏡面，反射出的既是「ME」，亦是無數被轉譯的身份，暗示著觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。

從兒童純真視角切入主題

首度於台灣美術館機構展出的英國當代藝術家瑞安·甘德（Ryan Gander），是威尼斯雙年展、卡塞爾文件展、雪梨雙年展等國際大展常客。他擅長以幽默視角轉譯日常物件，此次帶來裝置作品《同理心是一種超能力嗎？》，將稚真問句 “Is empathy a superpower?” 印於巨型黑色氣球，並置放於展場通道，迫使觀眾直面這道純真提問。

泰國藝術家納溫·努通（Nawin Nuthong）以融合神話、兒童文化與政治隱喻見長，此次為展覽及基隆城打造新作《4−6位紙鈔上的孩子》，以台灣千元鈔票的隱藏人物為切口，結合基隆在地廟宇觀察，於作品中交織遊戲、童趣與批判性。

科技如何影響人類的情感和行為？

曾獲威尼斯雙年展銀獅獎殊榮的重量級藝術家卡蜜兒·安侯（Camille Henrot），攜成名作《極度疲憊》首度來台展出。這件被視為後網路藝術（Post-Internet Art）始祖的作品，以電腦桌面為舞台，重組網路素材、美國博物館及研究機構組織「史密森學會」典藏，揭示資訊過載如何影響我們的感知與學習知識的方式。

同樣回應科技社會與人類情感行為的關聯，台灣藝術家鄭先喻作品《這可能是你》揭露演算法下的身份幻象，作品不斷輸出演算法生成的個資檔案，擾動個人隱私與真實身分的邊界；日本藝術家山內祥太（Shota Yamauchi）的新作《Being… Us?》，則透過AI光影生成後人類幻影，挑戰對「生命」的既有定義。

日本藝術家YANG02則進一步探索科技時代的社會與倫理議題，他曾透過《永久的暫時性》一作，運用無價值判斷的自動導引車（AGV）將隱蔽幕後的佈展過程公開，藉此反思便利性背後的資本機制。此次則帶來新作《慢速迷你4DW——逃離現代價值觀》，將原先的高速競賽改造成「慢速競賽」，使觀眾體驗「放慢」蘊藏的價值，挑戰現代社會對效率的迷思。

深入感知，將記憶與時間具象化

台灣藝術家陳怡潔以轉化動漫人物的色彩聞名，新作《連合島漫遊》將觀眾最具情感連結的動漫角色，轉化為多格抽象圓盤，呈現網路世代共享記憶的軌跡。

陳松志的《無題-KEE》則讓觀者走在鋪滿銀色亮粉的地毯上——當足跡化為記憶殘留，時間即隨著身體的移動被具象化。

聶永真設計主視覺！以「觀眾凝視白牆」暗喻觀看的多種解讀

本展由聶永真操刀的主視覺設計也值得一看！畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——究竟注視的是藝術，還是透過藝術映射出的自己？展覽也由此發展出一組明信片套卡，觀眾可於展覽中取閱、蒐集；離開展場後，這些明信片將成為展覽的物理延伸，承載著關於「我（們）到此一遊」的某種見證。

《We Are Me－我（們）到此一遊》

展期｜2025.10.30－2026.02.01

開放時間｜週二至週日 9:00－17:00，週一固定休館，國定假日除外

展覽地點｜基隆美術館1樓、M樓（基隆市中正區信一路181號）

參展藝術家｜陳怡潔、陳松志、鄭先喻、瑞安．甘德（Ryan Gander）、卡蜜兒．安侯（Camille Henrot）、謝佑承、納溫．努通、山內翔太（Shota Yamauchi）、yang02（依英文姓氏字母順序）