身為平面設計師，泰國設計雙人組Studio150兩位創辦人皆是國際平面設計聯盟（AGI）成員，不斷繳出一件件大膽且訊息清晰的作品。但他們更想做的是「主動」的平面設計師，投入獨立出版並共同創辦曼谷藝術書展（BANGKOK ART BOOK FAIR），用職涯質疑和拓展設計師在社會中的角色。

Studio150由Piyakorn Chaiverapundech和Pat Laddaphan共同創立，兩人相識的起點始於大學。同樣就讀朱拉隆功大學美術與應用藝術學院，Piyakorn主修版畫、Pat攻讀平面設計，從求學到畢業後各自成為平面設計師，都經常交流作品、創作過程、概念和技術。2015年，一檔展覽設計案找上門，促使了兩人合作進而成立工作室。至於「150」的名字其實無任何含義，他們笑說，純粹是在籌備曼谷藝術書展時，使用本名實在太長且容易混淆，決定隨機找一個數字命名。

字體設計與概念融合

至今和泰國創意設計中心、音樂平台Fungjai、產品設計工作室THINKK Studio等合作，Studio150的作品有著強烈且一致的作者氣質。不禁好奇他們是風格契合還是經過磨合？「我們看待和回應專案的方式非常一致，聽完客戶簡報後，多數情況下，我們想到的畫面和可能性是一樣的。」不過細究經驗和技巧，兩人各有不同。Pat小時候每年總期待拿到爸爸工作的石油公司年報，翻著這本「和其他常見印刷品很不一樣」的書，在最後的版權頁看到了「平面設計師」這幾個字，從此便成為了她的職業嚮往。Piyakorn自小喜愛鮮豔顏色和精緻印刷的材料，會把糖果包裝、零食標章和卡片小心翼翼收藏在畫冊，對設計的興趣也就在潛意識中養成。

兩人也都有國外留學經歷。Pat在荷蘭恩荷芬設計學院（Design Academy Eindhoven）念資訊設計（Information Design），熱愛字體設計的Piyakorn則赴布拉格建築藝術暨設計學院（UMPRUM）學習，因捷克在字體設計有著獨特且深厚的文化。而字體設計確實是Studio150擅長的手法，但他們的字體並非只是好看，更能與概念或訊息結合。

2021年，泰國年度家居設計新秀獎Design PLANT的展覽以《Domestic》為題，在疫情下聚焦泰國國內自身；Studio150便為「Domestic」設計訂製字體，在不同載體上可調整寬度、高度、對比度或厚度，以字體「多元調整」的特性，回應疫情下資源匱乏的另一種可能。

第12屆挪威當代藝術雙年展《MOMENTUM 12：Together as to gather》，Studio150與Gudskul、Post.Festival合作視覺識別。然而必須具備「統一性」的識別，交由不同背景的創作者們設計，實則是個挑戰。為此Studio150設計了一套「系統」，在既定網格下開放大家以數字「12」做創作，也回應了《Together as to gather》齊聚眾人的策展主題。除了以各種圖像詮釋12，他們很喜歡一張由兩個人影產生的「數字12陰影」。這個點子來自策展團隊成員，對方曾認為「這不是設計」而猶豫是否要提出，但他們認為正是這樣的多元觀點才使得展覽獨特。

思考設計之於社會，發起教育平台與藝術書展

思考設計之於社會，發起教育平台與藝術書展除了從事平面設計，Studio150也自2016年發起「The Rambutan」計畫。契機源於Piyakorn的碩士論文，當初他對泰國平面設計的有限角色提出質疑，調查泰國平面設計歷史後，發現平面設計和廣告經常被連結在一起，導致了其以商業為主軸的教育和論述，在概念與美學上被限縮為工具，而非個人表達。他認為要解決這個問題，最有效的方法是從更早的階段著手，因此他們將The Rambutan作為教育平台，透過工作坊、大學講座、專案合作、書籍出版等途徑和學生交流。

「在我們作為學生或平面設計師的早期職涯中，從未想過『主動性』這個詞。」他們說，因為國外求學的經驗，才進而擴大了設計師在社會扮演的角色與視野。延續The Rambutan的主動能量，他們在2016年與泰國國家級藝術家Chavalit Soemprungsuk合作出版數位作品集《WHETHER IT IS ART OR NOT》，這也是Studio150首本獨立出版。不料在通路上架遇到困難，讓他們意識到主流連鎖書店和獨立出版商的鴻溝，為解決此問題，他們在考察各國藝術書展後，向BANGKOK CITYCITY GALLERY提出舉辦曼谷藝術書展的計畫並獲支持，於2017年啟動首屆至今。

之所以選擇「書」為媒介，Studio150說，「書是一種親民的媒介，它能被普遍理解，人們不會害怕與它互動，而且價格可負擔得起，這種易於接觸的特質使它成為表達思想的理想媒介。」每年舉辦的曼谷藝術書展都有不同主題，但並非用來選擇參展者或出版品，而是要傳達當年策展理念。以2023年主題《本土社群》（Homegrown Community）為例，Studio150解釋，「本土」可以根據不同情境來解讀，關注範圍不限於泰國，而是考量到全球藝術書展社群，因此也邀請印尼藝術團體Gudskul、南韓獨立書店The Book Society參與對談。

顯微鏡的微觀新世界

在穩定產出商業案的同時，Studio150也持續推出創作案，例如經常出現的「日曆」。他們認為日曆和書有著類似的媒介特性，本身具有清楚功能，又允許自由創作。2024年推出的「ORDINARY LIFE NAVIGATOR 2024 CALENDAR」，延伸自Piyakorn的個人藝術計畫，旨在質疑人們因繁忙工作忽視了日常例行活動，大至自我關懷、小至微笑等簡單行為。他便在日曆呈現了每個日常活動的推薦時間，傳達快樂健康的普通生活理念。

有趣的是，Studio150除了Piyakorn和Pat，還有一群來自泰國、法國、英國、韓國、荷蘭等的國際實習生。「這是我們與新鮮思想的人建立聯繫的方式之一，我們尋找的是可以交流的人，不僅僅是以『實習生』來協助工作。」他們私底下也經常參觀藝術展覽和博物館，特別喜愛新媒體藝術展，進而影響了他們不斷嘗試新工具和程序來創造設計，例如使用3D軟體製作出複雜排版。Studio150透露最近買了一台顯微鏡，「它展示了一個未曾見過的微小細節新世界，這些渺小事物竟隱藏著如此多的美麗。這樣的新視角擴展了我們的創造力，推動我們更深入地探究世界。」其實不僅是發起活動，在平面設計的純粹領域，Studio150也一直在主動提問與探索。

Studio150

2015年由Piyakorn Chaiverapundech和Pat Laddaphan創立，位於曼谷。Studio150相信無論媒介為何，平面設計都是實踐各計畫的主要途徑。他們在平面設計與當代藝術之間創作，以觀察、跨學科研究、策展和敘事為工作方法，創作領域包括設計物件、新媒體、公共項目、出版物、展覽和委託製作。2017年起與BANGKOK CITYCITY GALLERY共同創辦曼谷藝術書展。2019年兩位共同創辦人皆成為AGI會員。IG：studio150bkk

_{文｜張以潔　圖片提供｜Studio150}

_{更多精彩內容請見 La Vie 2024/5月號《泰國設計特搜》}

1952年成立的國際平面設計聯盟（Alliance Graphique Internationale，AGI），為全球指標性的平面設計組織，會員門檻極高，成立70多年至今會員僅約500人。自2010年起，AGI將內部的會員活動「AGI Congress」和面向大眾的「AGI Open」聯合舉辦，每屆選址不同城市，會員和大眾一樣得自費前往、購票參與。透過設計師聶永真、陳聖智的會員和非會員視角，深入AGI年會內部，以及即便成本高昂，為何大家都還是這麼想參加？

➣本文選自La Vie 2026／1月號《一場朝聖的旅行》，更多精彩內容請點此

聶永真：從設計到城市的深度接觸

記得2013年第一次參加，完全搞不清楚Congress和Open，邊摸索邊知道Congress大約有4天、是會員限定，Open約有2天、開放給一般大眾（實際天數會因每屆而異）。

Congress的重點在文化交流，論壇比較沒有那麼嚴肅，最重要的是每屆新會員的「New Member Zapping」，每人均有5分鐘介紹自己。此外還有Gala Dinner、Welcome Party等社交活動，也會安排參訪當地美術館、設計公司等等。

這其實也是在比國力，2013年倫敦在「倫敦自然史博物館」的恐龍下吃晚宴；2017年巴黎在「東京宮」辦晚宴、在「龐畢度中心」開會員大會；2023年奧克蘭去了吉布斯農場及主人的私人莊園、吃米其林BBQ，還在主辦公司庭院辦爐火趴；2024年巴塞爾堪稱建築之旅，不過因為成本太高，都不是坐遊覽車，例如參訪「Vitra Campus」時是搭公車慢慢跨越瑞士邊境（笑）。其實這些國家都是因為AGI我才第一次造訪，但卻可以非常深入地去到和當地文化相關，或甚至得動用關係才能進去的地方，都不是單純作為一個觀光客能達到的。

Open則是相對正式的講座，每位講者20分鐘。每次聽完2天都會有很多想法，很多人的重點是看作品，但每個人演講的方式、幽默感、節奏都不一樣，那個對我來講是好玩的。像是奧地利的Stefan Sagmeister張力很強、荷蘭Studio Dumbar創意總監Liza Enebeis非常幽默，加上Dumbar的動態常常包含聲音設計，當場播放出來的氣場非常適合壓軸。

場地也非常厲害，2013年倫敦在「巴比肯藝術中心」、2016年首爾在Zaha Hadid設計的「東大門設計廣場」（DDP）、2024年巴塞爾在Herzog & de Meuron設計的「巴塞爾城市賭場音樂廳」。

此外還有展覽，AGI會在活動前1、2個月公布主題，會員不論是否會到現場，都可以上傳作品，會由當地負責製作。倫敦的主題是茶具，首爾、巴黎、巴賽爾都是做海報，2025年胡志明市則是巧克力包裝。

以前我從來沒有和佐藤卓、淺葉克己講過話，但可以很直接地、很私人地交談，第一次的機會就是在2013年倫敦的活動。2017年在巴黎，也第一次見證服部一成、色部義昭有點緊張地在做新會員簡報。

每屆講者大概有一半是基本大咖，但也有可能原本是要去見識大咖，最後卻認識了更對自己品味的設計師。大家都很常在Pinterest上找reference，其實來源大概有7、8成是AGI會員，常常到了現場才知道「原來這是他做的」。對平面設計師來講，這真的是終其一生的難得機會，可以一次看到這麼多厲害的創作者。

陳聖智：活動映現的國家文化

Open在不同國家的講者組成都不一樣，我的觀察是，這和該國家設計的成熟度有關。在平面設計相對沒有這麼興盛的國家，例如胡志明市，猜測更多當地觀眾期待的是明星，因此安排非常多像原研哉、佐藤卓、Stefan Sagmeister、Liza Enebeis等大牌設計師；在設計比較成熟的國家，為了票房當然還是會有大咖，但面向就更廣。

Open通常從早上9點開始，為了讓大家早起，常常第一位講者會安排大咖（笑）。我自己很喜歡佐藤卓的演講，每年都叱吒全場，而且是用非常簡單的英文和概念，來講自己的創作哲學。

Gala Dinner也可以看出主辦國家的飲食和社交文化，例如巴黎是典型一道一道的法餐，胡志明市則做成夜市攤販，要自己去點餐。

奧克蘭是我們目前最推的一屆，從Congress到Open都圍繞在紐西蘭文化上，所有工作人員打招呼也都用毛利語。這屆還找來一位歐文設計師，以毛利圖騰結合AGIOpen經典的幾何符號，開發了一套字體系統，並在Open講座上，透過後台即時打字和講者互動，非常厲害。

給大眾的AGI Open攻略！

① 門票很貴嗎？
每屆舉辦地點、票價都不同，可直接上AGI Open官網查看、購買。以2025年越南為例，1日票1,250,000越南盾（約1,500新台幣）、2日票2,250,000越南盾（約2,600新台幣）。其實AGI會員要參與同樣也得購票，受邀Open演講者亦同（頂多減免住宿幾天）。2026年已確定於冰島舉辦。

② 每屆人都很多嗎？
其實每屆Open的參加者，AGI會員占少數，一般大眾才是多數。不僅是當地民眾，還有不少是來自周邊國家的設計社群。

③ 一般大眾有機會接觸AGI會員嗎？
通常Open官方沒有特別安排「會員和非會員」的交流活動，但每屆不同，巴塞爾那屆是有明確的交流活動。有些國家也會在活動開始前，詢問設計師是否有創作物或出版品要在Open賣，例如奧克蘭那屆就擺了一個小市集，販賣設計師的書或周邊商品，佐藤卓還在演講的空檔直接開起簽書會。

④ Open和Congress都有演講，兩者差在哪？
Congress的演講相對輕鬆，重點偏向文化交流，例如邀請主辦國當地的設計公司、創意產業從業者（不一定是會員）來分享，讓AGI會員了解當地文化及設計環境。Open則是形式正式的論壇、講座。

聶永真
永真急制Workshop負責人。第21、25、26屆金曲獎最佳專輯設計、德國紅點、iF傳達設計獎得主。作品獲德國Hesign編集全球百間《Small Studios》、APD、東京TDC年鑑收錄。2012年入選國際平面設計聯盟（AGI）。曾任德國紅點傳達設計獎國際評審。著有《永真急制》、《Re_沒有代表作》、《FW永真急制》、《不妥》。

陳聖智
永真急制Workshop設計指導。歷年聯合打造多項專案設計，如臺中綠美圖視覺識別、新一代設計展、台灣設計展、高雄鋼雕藝術節主視覺、林宥嘉及田馥甄等多張專輯設計。曾分別擔任評審及入圍金曲獎最佳專輯裝幀設計獎，帶領團隊作品履獲金點年度最佳設計獎、東京TDC入選及iF等獎項。

_{採訪整理｜張以潔　圖片提供｜各單位}

更多精彩內容，請見2026／1月號雜誌《一場朝聖的旅行》！

東京都美術館將於2026年迎來開館100週年，特別邀請設計師吉岡德仁打造100週年紀念Logo，並率先公開2026年的展覽陣容，其中包含大英博物館日本美術收藏展、奧賽美術館典藏展、藝術家Andrew Wyeth展等精彩企劃！

日本首座公立美術館邁入百年新章

作為日本第一座公立美術館的東京都美術館，自1926年開館以來，不僅是提供藝術家發表作品的舞台、與世界及日本名作相遇的場所，也是讓人們透過藝術與彼此交流的空間。而在即將迎來開館100週年的這個特別時刻，東京都美術館除了舉辦特別展與企劃展之外，還將展開各式各樣的紀念活動。

設計師吉岡德仁操刀紀念Logo

活躍於設計、建築、現代藝術等領域的設計師吉岡德仁，2011年時替東京都美術館設計識別標誌，他從前川國男於1975年設計的美術館立方體建築汲取靈感，並以「淺顯易懂、平易近人」、「具象徵性的意象」、「融合歷史與未來」、「展現日本形象」等關鍵字為基礎，設計出兩款版本，既展現出美術館近百年歷史所蘊含的厚重感，同時傳遞出面向未來無限可能所帶來的輕盈感。而在代表美術館本身時，使用帶有顏色的立方體Logo；代表各項事業時，則使用以線條描繪、具透明感的版本。

這次，吉岡德仁再度受邀設計Logo，他以獨特的美學視角，從「100」字樣延伸出簡潔流暢的線條，打造出兼具洗練質感與紀念意義的標誌。館方除以此為核心展開一系列慶祝活動外，也同步推出特設網站，並搶先公開2026年展覽的精彩陣容。以下將介紹其中4檔展覽，完整內容可至100週年紀念官網查看。

東京都美術館2026年展覽4選！

特別展「東京都美術館開館100周年記念　スウェーデン絵画北欧の光、日常のかがやき」

展期：2026年1月27日～4月12日

在瑞典國立美術館的協助下，本展將透過19世紀末至20世紀初瑞典美術黃金時期的迷人繪畫，深入探討北歐特有的與自然共生、豐饒生活的獨特感性。

特別展「東京都美術館開館100周年記念　アンドリュー・ワイエス展」

展期：2026年4月28日～7月5日

本展為20世紀美國畫家安德魯・魏斯（Andrew Wyeth, 1917–2009）的回顧展。魏斯直至91歲逝世為止，持續描繪身邊的人與風景，其作品中常見窗戶、門等意象，象徵所處世界與彼岸之間的界線。本展將以這些主題為核心，探索魏斯筆下的世界。

特別展「東京都美術館開館100周年記念　大英博物館日本美術コレクション　百花繚乱～海を越えた江戸絵画」

展期：2026年7月25日～10月18日

本展將從大英博物館約4萬件的日本美術收藏中，精選江戶時代的屏風、掛軸、繪卷，以及喜多川歌麿、東洲齋寫樂、葛飾北齋、歌川廣重等8位代表性浮世繪師的版畫佳作。此外，展覽也將聚焦近年的調查成果和收藏的背景，探討該館在日本美術的收藏、研究與保存方面所扮演的重要角色。

特別展「東京都美術館開館100周年記念　オルセー美術館所蔵　いまを生きる歓び」

展期：2026年11月14日～2027年3月28日

被譽為「印象派殿堂」的奧賽美術館將以「活在當下的喜悅」為主題，展出繪畫、雕塑、工藝、攝影等約110件作品。其中包含米勒《拾穗者》、雷諾瓦、莫內、梵谷等人的名作，將帶領人們感受多樣的「喜悅」形式。

資料來源｜東京都歴史文化財団