《大美不言》嘉義場1月登場！穿越古今與東西美學，故宮 X 巴黎裝飾藝術博物館 X 梵克雅寶珍藏鉅獻

國立故宮博物院攜手巴黎裝飾藝術博物館、Van Cleef & Arpels梵克雅寶，共同呈獻的《大美不言》典藏精粹特展，透過東西方對話呈現三方藏品的工藝美學，無疑是2024最受矚目的大展之一。這趟藉藝術、時尚及珠寶考古的旅程，將延伸至南台灣，展覽將於2025年1月23日移師至嘉義故宮南院，邀觀者踏上穿越時間的沉浸式旅程，探索裝飾藝術的複雜工藝與創新。

自然之美，無需多言

「大美不言」出自《莊子・知北遊》，談天地間有自然之美，四時交替、萬物榮枯、都有定序，但卻不必言語。惟自然之美有其時空環境，未必可以隨時再現或任意轉移，於是人們取材如珍珠、珊瑚、琥珀、珍貴寶石及金屬礦物，透過藝術家的修飾與雕琢，成為可以隨身佩帶的珠寶及裝飾藝術。

一次看盡故宮 X 巴黎裝飾藝術博物館 X 梵克雅寶三方珍藏

《大美不言》台北場展件涵蓋陶瓷、玉石、玻璃、銅器、銀器、金飾、傢飾、服飾、雕塑、平面藝術、珠寶與鐘錶等超過260件瑰寶，這些藏品橫跨古今時空和東西地域，要系統性展示給觀眾極具挑戰性，策展團隊根據藏品材質、工藝、視覺風格等，將三方藏品「組隊」展出，供觀者相互對照，並為展覽擘劃5大單元：

▍自然萬物

取法大自然之作。

▍動靜有形

藉奇特結構或材質營造動態感與活力的作品。

▍奇幻仙境

重現珍奇異獸或帶神話色彩之作，講述東西方因文化、信仰、知識等不同而發展出的奇幻故事。

▍神祕莫測

揭示作品中隱藏的驚喜與奧祕，讓人大嘆眼見不一定為憑。

▍五彩繽紛

展現藏品精妙的色彩運用和背後技藝。

多彩舞台場景、漂浮效果展台襯托珍寶之美

展間設計由建築師田根剛團隊操刀，設計概念簡潔深刻：運用光與色彩的力量，呼應自然之美的源頭，將展間打造為沉浸式的「舞台場景」（tableaux）。每個展區都以特定色調為基礎，以傳統皮影戲為靈感，將色調和剪影重疊，營造一種遊離於現實與夢幻的迷人氛圍。為了突出展品的亮點，運用透明展台搭配柔和光線，彰顯展品珍稀的內涵、高貴的材質及精湛的工藝。

《大美不言》嘉義場將有何改變？

嘉義場將延續台北場五大單元的敘事設定，而梵克雅寶仍將展示「典藏系列」的主要創作，如靈感源自飛行外套和軍服拉鍊的可轉換式珠寶大作「Zip項鍊」等；國立故宮博物院、巴黎裝飾藝術博物館的展品，則將有些許調整。

展場部分同樣由田根剛團隊構思，將延續台北場將色彩發揮至極致，繽紛、詩意的氛圍；藏品亦將藉透明材質與光線的巧妙互動，營造出「漂浮」於空中展出的視覺效果。不過，田根剛日前接受La Vie專訪時也提到：「我們的目標並非簡單複製原有設計，而是思考如何讓其昇華。地點和觀者規模不同，均是轉變並完善沉浸式體驗的良機。」像是台北展場較嘉義面積大，空間比例也有差異（如天花板高度等），這對設計團隊來說無疑是一大挑戰，但也是創造不同體驗的良機。

延伸閱讀｜如何打造無聲震撼？沉浸式展場的設計之道：專訪《大美不言》典藏精粹特展空間設計師田根剛

《大美不言》嘉義場

展期｜2025年1月23日－4月20日

地址｜故宮南院（嘉義縣太保市故宮大道888號）

開放時間｜週一休館／週二至週五 9:00－17:00／國定及連續假日 9:00－18:00

以塗鴉與街頭藝術為主角，agnès b.於臺南市美術館呈獻《agnès b. on aime le graff !! 我們愛塗鴉藝術特展》。展覽由品牌創辦人Agnès女士親自策劃，集結她40多年來持續關注、收藏的街頭藝術作品，亦穿插一系列與塗鴉創作者合作的時裝，展現塗鴉不羈線條與濃烈色彩中湧動的街頭能量。

Agnès女士與街頭藝術的不解之緣

在你眼裡，塗鴉是蠻橫闖進城景的入侵者，還是豐富街道樣貌的藝術創作？關於此，我們這一代最具代表性的時尚品牌經營者之一Agnès Troublé這麼說：「我所珍視並不斷重申的是，塗鴉不是污染。相反，它是一門豐富的藝術，它美化了生活，也美化了城市。」

Agnès女士身兼agnès b.創辦人和服裝設計師，穿梭於時尚與藝術領域，收藏、贊助也創作藝術。1975年，她在巴黎中央市場選中一間肉鋪，將其改造為agnès b.旗下第一間服裝店，那時，她便將品牌空間打造為時尚、音樂與塗鴉自由交會的創意場域。

1980年代初期，街頭藝術正於法國街頭萌芽，她看見塗鴉文化蘊藏的創作能量及時代精神，40多年來不僅持續關注、亦收藏和贊助不少街頭藝術家的作品，透過實際行動支持創作者。

匯集塗鴉大師真跡

此次Agnès女士親自策劃《agnès b. on aime le graff !! 我們愛塗鴉藝術特展》，她從自己從1984年起累積的5,000多件藝術藏品中，精選33件街頭藝術真跡，其中包含23組當代代表性藝術家之作，如Futura 2000、Katre、JonOne、Jim Joe等。

展品共同述說著20世紀末的城市文化發展軌跡，也映照出街頭藝術突破既有界線，從街頭走向當代藝術及時尚領域，成為當代重要藝文表現形式的過程。

展覽以多元媒材呈現塗鴉藝術的豐富樣貌。其中，來自巴黎Molitor游泳池的3扇舊門扉，原為Agnès女士於游泳池拆除前特別保存的歷史物件，後邀請Philippe Baudelocque、Futura 2000、Katre於其上創作，讓藝術、歷史與時尚交織共存。

另一重點作品為Futura 2000的大型自畫像《Self-Portrait》（1985），這件Agnès女士私心最喜愛的收藏之一，展現了這位傳奇塗鴉大師精準的塗鴉噴漆技巧，及充滿流動感的抽象表現風格。

當思想躍於紙上：藝術期刊《反諷點報》特別展出

展場同步展出agnès b.專屬藝術期刊《反諷點報（Point d’Ironie）》，其名稱源自19世紀象徵諷刺與獨立思辨的標點符號。這份刊物由Agnès女士與藝術家Christian Boltanski及Hans Ulrich Obrist共同發起，以紙本作為藝術表現媒介，每期皆邀請不同藝術家自由創作，讓刊物本身成為一件獨一無二的藝術作品。其中一期由Agnès女士蒐集來自羅馬、威尼斯、倫敦、香港及東京等城市的塗鴉影像，並親自進行排版設計，為此次展品之一。

街頭藝術融入時裝設計語彙

身兼服裝設計師、藝術藏家身份，Agnès女士亦藉由與塗鴉藝術家合作，將街頭創作與攝影影像轉化為服裝語彙。本展帶來agnès b.與街頭藝術家合作的37件時裝作品，含括15件經典Photoprints服裝和22件藝術家T-shirt。藉此，觀眾將能看見藝術不只存在於畫框內、展牆上，也能是穿梭城市中的「行走藝術品」。

展場限定！塗鴉藝術家KRINK創作T-shirt

agnès b.也特別攜手街頭藝術家Craig Costello（KRINK，KR）推出展場限定T-shirt。以噴濺與潑灑筆觸聞名的KR，創作橫跨雕塑、攝影、設計和繪畫，並以獨家研發的KRINK墨水聞名於街頭藝術界；他鮮明的視覺語彙和實驗精神，為塗鴉創作帶來獨樹一幟的美學表現。

此次展覽限定Tee正面呈現藝術家代表作，背面則集結本次展覽的亞洲巡迴站點——東京PARCO MUSEUM、臺南市美術館——的標誌，將街頭藝術精神延伸至日常穿搭。

台灣藝術家現場創作展演同步展開

延續Agnès女士「藝術共享」的理念，臺南市美術館同步策劃「跨時空對話：從巴黎街頭到府城巷弄」現場創作展演計畫，邀請台灣塗鴉與街頭藝術家CREEPY MOUSE、黑雞先生Mr.OGAY、陳云、蔡濰任等人進駐創作，串連1980年代巴黎塗鴉文化與台灣當代在地視角，開啟一場跨越時空與地域的藝術對話。

《agnès b. on aime le graff !! 我們愛塗鴉藝術特展》

展期｜2026.06.25－09.20

地點｜臺南市美術館1館 J展覽室

6月起在倫敦 Tate Modern（泰特現代美術館）展出的《Frida: The Making of an Icon》（芙烈達卡蘿：偶像的誕生），從逾百件她與後輩藝術家的作品，回顧芙烈達的創作歷程，梳理其如何成為至今仍深刻影響全球文化的時代 Icon。

提起芙烈達・卡蘿（Frida Kahlo），人們或許還未聽過她的故事，卻能一眼認得她筆下那些濃密連眉，身穿墨西哥傳統服飾與鮮艷花冠，唯妙唯肖的自畫像。即使未曾走進美術館，也可能在咖啡館牆面、帆布袋、文創設計，甚至城市街頭的塗鴉壁畫中與她相遇。如今，芙烈達早已超越藝術家的身份，成為全球流行文化中最具辨識度的女性形象之一。

從生命創傷，到創作語言

1907 年出生於墨西哥的芙烈達，18 歲時因一場嚴重車禍改變了人生。長達數月的臥床休養，讓她開始在病床上作畫，也開啟往後以自身經驗為核心的創作道路。她曾說：「我畫自畫像，是因為我經常獨自一人；我是最了解自己的人。(“I paint myself because I am so often alone and because I am the subject I know best.” ——Frida Kahlo)」

身體的疼痛，流產的傷痛，與壁畫家迪亞哥・里維拉（Diego Rivera）複雜的婚姻，以及對墨西哥民族文化與政治信念的認同，都成為她作品中反覆出現的主題。

《兩個芙烈達》呈現兩個並肩而坐的自己，一位穿著歐洲白色洋裝，一位身披墨西哥傳統服飾，兩顆心臟以血管相連，映照她在文化認同與情感之間的拉扯；《破碎的圓柱》則將自己的身體化作龜裂的大地，一根殘破石柱支撐著軀幹，毫不掩飾長年病痛帶來的折磨。芙烈達並未美化苦難，而是將生命經驗轉化為強烈而坦率的視覺語言。

Tate Modern：觀看藝術家，也觀看「Icon」的誕生

《Frida: The Making of an Icon》展覽由 Tate Modern 與休士頓美術館（Museum of Fine Arts, Houston）共同策劃，展出超過30件作品和其珍視的服飾、珠寶、照片和紀念物品，從芙烈達如何透過繪畫和建構自我形象，呈現她對於墨西哥文化認同、女性意識、酷兒身份與殘障經驗的回應。

展出作品包括《身穿天鵝絨連身裙的自畫像》（1926）、《鬆散頭髮的自畫像》（1938）等代表作，同時，展覽也透過迪亞哥・里維拉（Diego Rivera）、瑪麗亞・伊斯奎耶多（María Izquierdo）等「墨西哥文藝復興」藝術家的作品，闡明塑造其創作脈絡的藝術與思想交流。

展覽也將芙烈達與琪琪・史密斯（Kiki Smith）、朱迪・芝加哥（Judy Smith）、森村泰昌（Yasumasa Morimura）等藝術家的作品並置，旨在致敬芙烈達對於墨西哥、美洲及歐洲各地女性藝術家的深遠影響，以及呈現當代藝術家如何借用她的形象，探討種族、性別、性取向、殘障等議題。

當一位藝術家成為商品

隨著愈來愈多涵蓋了芙烈達的藝術創作個人特質的商業化物品出現，「芙烈達熱」（Fridamania）成為近年藝術界持續討論的現象。展覽也以此為壓軸，匯集了逾200件出自同時代藝術家及受其啟發的後輩藝術家之手的作品和商品，探究「粉絲文化」這一引人入勝的現象，以此致敬並頌揚她所產生的深遠影響。

展物包括T恤、芭比娃娃、龍舌蘭酒、香水等各式商品；1983 年出版、後來被譯為25種以上語言的傳記《芙烈達：芙烈達・卡蘿傳》（Frida: A Biography of Frida Kahlo），也進一步推動她走入大眾文化。

芙烈達曾批判資本主義，但今日，她的形象卻成為全球授權商品的重要 IP。此展覽也邀請觀眾重新思考：當一位藝術家成為全球文化符號，她的生命故事是否也可能在一次次複製與再生中，被重新理解，甚至逐漸被簡化？

從美術館延伸至倫敦街頭

走出 Tate Modern，芙烈達的身影並未消失。六幅由新銳藝術家創作的大型公共壁畫近期在班克賽德（Bankside）一帶亮相。作品形式多樣，重新詮釋了她堅毅而自由的精神，而她所象徵的女性力量、身體自主、文化認同與反叛精神，至今也持續啟發世界各地的藝術家。

《Frida: The Making of an Icon》

時間：即日起至2027年1月3日

地點：Tate Modern, Bankside, London, Greater London, SE1 9TG 

網站資訊請點此

資料來源｜Tate Modern