國立故宮博物院攜手巴黎裝飾藝術博物館、Van Cleef & Arpels梵克雅寶，共同呈獻的《大美不言》典藏精粹特展，透過東西方對話呈現三方藏品的工藝美學，無疑是2024最受矚目的大展之一。這趟藉藝術、時尚及珠寶考古的旅程，將延伸至南台灣，展覽將於2025年1月23日移師至嘉義故宮南院，邀觀者踏上穿越時間的沉浸式旅程，探索裝飾藝術的複雜工藝與創新。

自然之美，無需多言

「大美不言」出自《莊子・知北遊》，談天地間有自然之美，四時交替、萬物榮枯、都有定序，但卻不必言語。惟自然之美有其時空環境，未必可以隨時再現或任意轉移，於是人們取材如珍珠、珊瑚、琥珀、珍貴寶石及金屬礦物，透過藝術家的修飾與雕琢，成為可以隨身佩帶的珠寶及裝飾藝術。

一次看盡故宮 X 巴黎裝飾藝術博物館 X 梵克雅寶三方珍藏

《大美不言》台北場展件涵蓋陶瓷、玉石、玻璃、銅器、銀器、金飾、傢飾、服飾、雕塑、平面藝術、珠寶與鐘錶等超過260件瑰寶，這些藏品橫跨古今時空和東西地域，要系統性展示給觀眾極具挑戰性，策展團隊根據藏品材質、工藝、視覺風格等，將三方藏品「組隊」展出，供觀者相互對照，並為展覽擘劃5大單元：

▍自然萬物

取法大自然之作。

▍動靜有形

藉奇特結構或材質營造動態感與活力的作品。

▍奇幻仙境

重現珍奇異獸或帶神話色彩之作，講述東西方因文化、信仰、知識等不同而發展出的奇幻故事。

▍神祕莫測

揭示作品中隱藏的驚喜與奧祕，讓人大嘆眼見不一定為憑。

▍五彩繽紛

展現藏品精妙的色彩運用和背後技藝。

多彩舞台場景、漂浮效果展台襯托珍寶之美

展間設計由建築師田根剛團隊操刀，設計概念簡潔深刻：運用光與色彩的力量，呼應自然之美的源頭，將展間打造為沉浸式的「舞台場景」（tableaux）。每個展區都以特定色調為基礎，以傳統皮影戲為靈感，將色調和剪影重疊，營造一種遊離於現實與夢幻的迷人氛圍。為了突出展品的亮點，運用透明展台搭配柔和光線，彰顯展品珍稀的內涵、高貴的材質及精湛的工藝。

《大美不言》嘉義場將有何改變？

嘉義場將延續台北場五大單元的敘事設定，而梵克雅寶仍將展示「典藏系列」的主要創作，如靈感源自飛行外套和軍服拉鍊的可轉換式珠寶大作「Zip項鍊」等；國立故宮博物院、巴黎裝飾藝術博物館的展品，則將有些許調整。

展場部分同樣由田根剛團隊構思，將延續台北場將色彩發揮至極致，繽紛、詩意的氛圍；藏品亦將藉透明材質與光線的巧妙互動，營造出「漂浮」於空中展出的視覺效果。不過，田根剛日前接受La Vie專訪時也提到：「我們的目標並非簡單複製原有設計，而是思考如何讓其昇華。地點和觀者規模不同，均是轉變並完善沉浸式體驗的良機。」像是台北展場較嘉義面積大，空間比例也有差異（如天花板高度等），這對設計團隊來說無疑是一大挑戰，但也是創造不同體驗的良機。

延伸閱讀｜如何打造無聲震撼？沉浸式展場的設計之道：專訪《大美不言》典藏精粹特展空間設計師田根剛

《大美不言》嘉義場

展期｜2025年1月23日－4月20日

地址｜故宮南院（嘉義縣太保市故宮大道888號）

開放時間｜週一休館／週二至週五 9:00－17:00／國定及連續假日 9:00－18:00

在1970年代的龐克氣息中誕生，紐約「New Museum」始終是城裡最前衛、反骨的藝術場景之一。這裡不像傳統美術館強調保存經典，更著眼於「捕捉當下」，透過最「著時」的當代藝術反映時代脈動和藝術趨勢。歷經擴建工程，這座曼哈頓下城藝術地標將於3/21正式重啟，原SANAA操刀的「錯位白盒」館舍，多了OMA設計的新館與其共生，不僅全館面積與容量翻倍，新設的中庭樓梯、公共廣場也讓藝術從白盒子延伸至城市街區，邀請更多人前來遇見那些尚未被體制關注、定義的未來藝術新星。

擁抱還未被體制看見的藝術靈魂

1970年代的紐約曼哈頓下城（Lower Manhattan），洋溢著反叛不羈的氣息，那時龐克文化正孵化，塗鴉逐漸攻佔城市角落，藝術家聚集於此追夢——New Museum正是在這樣的背景下誕生。1977年，曾任惠特尼美術館（Whitney Museum）策展人的Marcia Tucker，著手創辦New Museum，這是二戰後紐約首個專注於當代藝術的藝文機構。

「新藝術與新思想」貫穿New Museum收藏與策展核心，這源自Marcia Tucker對七〇年代紐約藝術圖景的長期觀察，她認為這座城市還需要一種全新類型的美術館，一個能夠放大當代藝術家之聲的空間，且它必須能夠涵納那些還未被體制所擁抱的創作——在當時，出自女性、酷兒、非裔、亞裔、拉美等社群的藝術實踐都在此列。

專注當下的藝術實驗室

New Museum最特別之處在於不特別強調「永久館藏」，館方不像傳統博物館致力於保存經典，而是將自家定義為「實驗室」，更專注於「現正發生」的藝術。不過，New Museum並非全無館藏，只是在選品時自有一套規範——以過去10年內的藝術作品為核心，這樣的收藏策略得以迅速反應時下的社會議題、藝術趨勢。

SANAA設計首座館舍，工業街區裡的「扭動白盒」

自1977年創立至今，New Museum從哈德遜街（Hudson Street）上小小的臨時空間、僅有3人的迷你團隊，逐步成長為紐約指標性當代藝術場館，且在城中擁有2座寬敞的實體展演空間。

館方首座建築位於紐約Bowery，由普立茲克建築獎得主SANAA妹島和世、西澤立衛操刀，於2007年落成。在這工業之粗獷、時尚與藝術之精緻交織的「拼接感」街區，SANAA利用6個白色方盒，垂直堆疊成建築外觀，這些盒子不僅大小不一，排列時邊線還沒對齊，因此有了看似扭轉、錯位的有趣視覺效果，打破周邊傳統公寓的制式沉悶；建築立面覆上質地粗糙的金屬網，而非精緻平滑的玻璃，既呼應Bowery的工業歷史，也藉前衛造型宣告曼哈頓下城將迎來一場文藝復興。

OMA操刀新館擴建，延續SANAA語彙、提升場館透明度

隨著品牌與場館規模擴大，New Museum展開擴建計畫，邀國際知名建築事務所OMA操刀，建築師Rem Koolhaas、重松象平領銜，在SANAA設計的原館舍旁，添上一座高7層樓、佔地達5,600平方公尺的新建築，將美術館總面積翻倍，以大幅提升日後承載展覽、公共活動、藝術家駐村等計畫的量能。

OMA並未更動原館舍標誌性的「堆疊白盒」外型，而是在新館建築外部，選用金屬與玻璃打造的立面，呼應SANAA原設計，保持New Museum兩期館舍外觀的一致性，同時藉玻璃的通透感提升場館的透明度，拉近美術館與社區的距離。

來到內部，OMA則透過「垂直擴展」的方式，增加場館空間。新建築與舊館2～4樓的既有展廳串連，兩邊天花板高度統一，藉此擴延展廳空間，也讓新舊兩館融為一體。另新設一座中庭樓梯，優化垂直向度的參訪動線，它不僅為藝術裝置提供新的展示空間，也讓觀者步行其上時，得以欣賞窗外街區景色。

除了展廳和觀展動線之外，其他設施也大幅調整——從地面層規模擴大的大廳、書店、美術館商店，到上層新設置的駐村藝術家工作室、論壇及表演場地，還有一間可容納約100人、以蔬食為主軸的新餐廳——共同將New Museum的機能形塑得更為多元且完整。再將視線轉往戶外，新館也包含了一座位於Bowery與王子街（Prince Street）交匯處的公共廣場，未來將展出藝術裝置，舉辦表演、公共活動等，將藝術對話從白盒子帶往流動街區。

隨時代脈動靈活調整的策展方針，2026怎麼做？

自創立以來，New Museum策展方針隨時代靈活調整，但始終不離「著眼當下」的核心精神。回望1970至1980年代，館方聚焦於具潛力、但尚未獲得關注的在世藝術家，除舉辦新銳藝術家個展，也策劃圍繞重要社會、政治議題展開的群展。

1990年代，館方打破僅展出在世藝術家之作的慣例，納入近期過世藝術家的作品，這是因1980年代美國愛滋病危機而啟動的新制；另也同步拓展策展視野，除持續挖掘新銳，更開始關注尚未在美國受矚目的重要國際藝術家。

開館至今近50年，New Museum挖掘許多現已聞名全球的當代藝術家，像是Jeff Koons、Richard Prince出道初期的大型個展都曾在此舉辦。

2026年重啟後，New Museum將加深實踐「公共教育」的力道，不僅邀請藝術家Azikiwe Mohammed專為兒童設計參訪指南，也為年輕觀眾專門設計語音導覽，每月開辦免費參觀的家庭日、青少年藝術創作活動，並邀請紐約公立學校免費參觀和參與導覽，透過一系列多角度切入的長期行動，強化博物館在城市教育中所扮演的角色。

屏東縣立美術館即將於今（2026）年 3 月 28 日正式開放參觀，不僅象徵南臺灣藝文版圖的全新地標，亦致力於推動在地文化與國際藝術的深度對話。首波登場的「當繁花盛開—日本當代藝術展」便展現其宏觀的策展格局。

屏東縣立美術館所在地原為日治時期興建的屏東菸葉廠，曾是南方土地記憶中關於生產、勞動與產業發展的重要象徵。隨著時代更迭，這座承載歷史的空間即將完成轉型，從複薫菸葉的工業場域，蛻變為孕育藝術與文化的美術館。空間的轉化不僅映照城市的變遷，也見證了生命、創造與再生之間不斷循環的歷程。因此，本展「當繁花盛開」以「花」作為隱喻，回望日本戰後至當代藝術的精神風貌——在破壞與重生的張力之中，藝術如同野花般於灰燼中萌芽，綻放出多元而堅韌的人性姿態，也期待這座美術館引領這片土地盛開出無窮的文化生命力。

本次展覽由資深策展人王玉齡策畫，邀請國際知名策展人秋元雄史擔任顧問，匯集 16 位日本當代藝術家之作品，作品形式涵蓋書法、繪畫、攝影、雕塑與裝置等多樣媒材，呈現日本當代藝術的精神性與感官性。並與南方的自然環境、情感經驗與時間感知產生共鳴。展覽透過六個子題，梳理日本當代藝術隨社會變遷與文化觀念轉向所形成的發展脈絡：

六大子題介紹

「烈火與墨影：內在爆發」以井上有一（Inoue Yuichi）及白髮一雄（Shiraga Kazuo）的作品，討論戰後日本藝術急欲從傳統中掙脫桎梏，以筆勢、身體與精神的連結來開啟時代新局。

「夢境與幻花：感官擴張」藉由全球當代藝術的領銜者：草間彌生（Kusama Yayoi）與鹽田千春（Shiota Chiharu），以自身經驗構築介於幻覺與記憶之間形而上的精神景觀。

「艷影與日常：愛慾凝視」在荒木經惟（Araki Nobuyoshi）與蜷川實花（Ninagawa Mika）的鏡頭下，捕捉慾望的流轉和時間的無常，直面生命。

「流行與神話：新世紀花園」以天野喜孝（Amano Yoshitaka）、奈良美智（Nara Yoshitomo）與村上隆（Murakami Takashi）的作品體現日本當代藝術如何回應、挪用與理論化日本豐富的次文化與大眾文化元素。

「機械與感官：未來肌理」透過空山基（Soramitsu Hajime）和名和晃平（Nawa Kohei）對生物形體和材質特徵的結合，討論科技、身體與視覺的多重狀態，預示新興科技與感官延伸相互交織的嶄新方向。

「靈性與童真：清新綻放」呈現年輕世代藝術家，如高野綾（Takano Aya）、六角彩子（Rokkaku Ayako）、小松美羽（Komatsu Miwa）、中村萌（Nakamura Moe），以及江上越（Egami Etsu），以自由、感性與直覺為創作核心，從夢境、信仰到潛意識，形塑出屬於當代的靈性風景。

「當繁花盛開—日本當代藝術展」從全球當代藝術領銜者的經典，到新生代創作者的靈魂語彙，展開日本藝術從戰後至今的演變與對話，透過空間配置與展示節奏，引領觀眾感受日本當代藝術的多元樣貌。展覽自 2026 年 3 月 28 日起至 8 月 30 日止，於屏東縣立美術館展出，可於線上或現場購票，早鳥票將於 3 月 6 日起至 3 月 27 日於線上販售，限時優惠價 150 元；展期間全票 249 元。誠摯邀請您蒞臨本展，走入歷史與當代交織的空間，親身探尋日本當代藝術在歷史傳承與變革中盛放的多元姿態，感受南方藝文所綻放的文化能量。

展覽資訊

當繁花盛開—日本當代藝術展 Flowers in Full Bloom: Contemporary Japanese Art Exhibition

購票連結：Linktree

●   展覽日期：2026年3月28日（六）─ 8月30日（日）

●   展覽地點：屏東縣立美術館（屏東縣屏東市菸廠路1號，屏菸1936文化基地）

●   售票期間：2026年3月6日（五）─ 3月27日（五）早鳥票150元、展期間全票249元