隨著劇情步入後端高潮，這一個月來以清朝後宮為背景的古裝宮鬥劇《延禧攻略》，節奏暢快的劇情加上細膩簡約的美感，彷彿替大家上了一堂「心機養成」歷史課，但暫且讓我們拋下爭謀暗算的壞念頭，回過頭看看劇中出現那極為考究的美學，除了優雅溫馴如「莫蘭迪」般的色調、宮廷空間置景外，更有不少非遺文化元素藏於其中，像是崑曲、緙絲、絨花、刺繡、打樹花等，皆藉由戲劇呈現了傳承千年的物質之美。

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崑曲

身為劇中前其的大反派，講話嬌嗔卻盛氣凌人的高貴妃其宮內最樂衷的消遣便是唱崑曲，包括《貴妃醉酒》和那首即使身患重病，仍執意唱給皇帝聽的《長生殿》之「埋玉」，彷彿宣告著縱使她的一生看似華麗婉轉，但當曲終之時，便像是做了一場好夢般，得面臨殘酷的事實－人散。

有「百戲之祖」美名之稱的崑曲，在2001年時被聯合國教科文組織列為「人類口述和非物質遺產代表作」，此次《延禧攻略》除了於劇中彰顯崑曲這項非遺文化獨具的藝術性外，其由陸虎演唱的片頭主題曲《看》也同樣帶入了崑曲元素，在尾端加入崑曲演員于雪嬌所吟唱的唸白，短短四句「看鏡中人 朱顏瘦，看愛與恨 新又舊，看燈如晝 淚濕透，看誰來約 黃昏後」不僅唱出後宮妃子們盼愛卻孤寂的心，其凄清委婉音韻，更是細膩動人。

緙絲團扇

慵懶的躺在貴妃椅上，手中那輕輕搖曳的絲織團扇，完美地捕捉古人的恬適風雅。為了將這項流傳已久的傳統工藝呈現出最美好一面，《延禧攻略》請到蘇州緙絲工藝傳承人顧建東出任團扇設計，除參照故宮歷史既有文物外，也根據妃嬪們的性格特色量身打造華美的團扇。

緙絲是中國絲織工藝中的頂級藝術，擁有著兩千多年歷史，其特點是將多種彩色緯絲與經線交織，圖案精美細緻做工卻十分繁複，因此有「一寸緙絲一寸金」和「織中之聖」的美譽。談起緙絲製作，顧建東表示其與刺繡在底料上繡圖案的工藝不同，緙絲的圖案是「通經斷緯」一絲一絲織就而成。在製作一幅緙絲制品之前，需經過牽經、穿扣、打翻頭、刷經面、黏經面、開經面等流程，如果中間稍有差錯，整幅畫就會淪為次品。而緙絲製品最珍貴的地方在於，它每一幅作品都是獨一無二手工完成，哪怕是同個匠人在不同的時間製作，都會有細微之差。

這次他為《延禧攻略》所操刀的緙絲團扇，有皇后手中那把黃色《桃樹雙鶴圖》團扇，也有高貴妃所用、仿製清朝紅色緙絲烏木雕花柄《海屋添籌圖》團扇，對於借鑒取材自過往文物，他表示：「每個時代各有特色，老祖宗留下的東西，端看我們怎麼去理解去運用它，並使用現代的手法去詮釋，這是我一直在思考的事情。」，他認為要復刻出傳統美好工藝文物，不僅傳統與現代技藝都要研究，並且得在一定的技藝基礎上，用變新的手法玩出璀璨的效果。(顧建東介紹更多製作祕辛點此)

打樹花

《延禧攻略》另一項匠心傳承則是來自河北省的非遺文化－打樹花，劇中高貴妃為了討太后歡心，找來匠人師傅們奮力熬煮鐵水，向天空拋灑打出火樹銀花，火光熠熠、熱浪灼灼，耀眼程度令人過目不忘。

唐朝詩人李白曾以「爐火照天地，紅星亂紫煙」詩句讚美打樹花的燦爛盛景，為了這場推進故事的重要戲份，團隊真的請到當今「打樹花」表演匠人們親自上陣，只為讓這項至今已有500多年歷史的傳統民俗文化繼續傳承下去。過去古人云「富人放煙花，窮人打樹花」，鐵匠因買不起煙花卻從打鐵中得到靈感發明了「打樹花」，但要形成這星火漫天絢爛的美麗畫面卻也十分危險。

過程中匠人得身著厚重羊皮襖，用熔化成1600度的滾燙鐵水潑灑到冰冷牆上，瞬間迸濺形成萬朵火花，場面相當壯觀瑰麗。對於將打樹花放置《延禧攻略》故事中，製作人于正表示自己只是藉由一點點力量讓更多知道這正在消失殆盡的美好，讓大家領略到這些非物質文化遺產到底有多美。

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文字：Cathy Wu

圖片：延禧攻略、隱竹微博

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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