《安迪沃荷-普普狂想特展》台北四大展區亮點！一窺瑪麗蓮夢露絹印、康寶濃湯罐頭等百件普普藝術作品

「人們都應閉上雙眼談戀愛。閉上眼、別看，神奇的事就會發生。」安迪沃荷

在正式進入普普藝術大師安迪沃荷（Andy Warhol）的展覽前，不妨先將眼睛閉上，捨去一切雜念，將自身全心置入這位向來不吝於與商業扯上邊的藝術家的奇幻國度裡。這位高喊「商業藝術無分野」概念的普普藝術大帝，在他傳奇卻不算長的創作生涯中，通過絹印手法和不段重複的影像，將人物化成視覺商品，舉凡好萊塢性感女神瑪麗蓮夢露、毛澤東、康寶罐頭、可口可樂甚至2元美鈔等，無一不是他創作的素材，「大量複製」（mass productions）成了他最著名的創作招牌，即使在某些人眼中他始終不入流，卻又不得不承認，安迪沃荷確實為藝術開啟了另一扇門。

相隔十年，精選自其1957年到1986年超過百餘件作品的《安迪‧沃荷-普普狂想特展》，再度重回中正紀念堂，藉由四大展區，包含藝術家肖像、名人肖像、雜誌與音樂專輯封面設計和絹版印刷與其他技法，重現安迪沃荷最豐富完整的經典作品。展覽不以時間線性當作順序編排，交錯的作品呈現反而讓我們得以用另一種觀點重新認識這位20世紀的天才藝數家。

如同安迪沃荷最富盛名的名言「人人都有15分鐘出名的機會」，將其放入標榜奇特的新媒體社群年代，一點都不違和，只不過15分鐘縮短成15秒，現在人人都愛的「自拍」（Selfie），在第一個展區「藝術家肖像」中，我們則見著了各式安迪沃荷的姿態模樣。他將藝術家的面孔以回憶的形式自我規格化，如同貼在產品上的標籤，無限制地自我複製並在他的作品中逐漸變得非個人。像是由德國攝影大事漢斯納姆斯（Hans Namuth）所拍攝的肖像照，其自我形象、姿勢與背景角度皆是他所負責。

緊接著登場的「名人肖像」，是安迪沃荷最備受推崇卻也最遭致批評的一環，1960年代期間，沃荷在他知名的「工廠」創作番玩了無數名人肖像畫，其中最為知名的莫屬《瑪麗蓮‧夢露》絹印系列，安迪沃荷不用素描或繪畫的方式畫下瑪麗蓮夢露的臉，選擇使用絹印版畫技法以及重複再置的形式呈現，鮮豔顏色突顯她的五官特徵－耀眼金髮、緋紅翹唇和碧綠眼影，藉浮誇華麗的色調暗喻好萊塢的奢華。而這幅絹印畫作，也成了人們談起普普藝術最聞名的創作之一。

而展間連續十幅的毛澤東絹印肖像同樣搶眼，作品創作於1972年，當時出任美國總統的尼克森初次造訪中國，進而掀起一股中國熱，為此安迪沃荷使用強烈色彩創作了一系列絹印作品，極具複製性的特色也不免讓人想起毛澤東統治時期，那些被大量製造並貼在四處的官方宣導海報。

隨後來到有著鮮黃牆面的「雜誌與音樂專輯封面設計」展區，在這裡參觀者可以見到安迪沃荷繪畫作品外，與流行文化緊密接觸下所碰撞出的火花，像是《地下絲絨與妮可》專輯展品，即是安迪沃荷跨足音樂領域，簽下地下搖滾樂團「絲絨樂團」（The Velvet Underground）第一張專輯封面，以單一主題「香蕉」作為專輯封面，入選為當年十大專輯封面設計獎。

專輯封面在全白的背景，放上一根以安迪沃荷風格設計的黃色香蕉，充分反映普普藝術與音樂的結合，這根全世界最有名的香蕉頂端旁寫著，「慢慢地剝開看看」，暗指香蕉其實是貼在封面的貼紙，撕開後就看到一根剝了皮的、迷幻的粉紅色香蕉，性暗示滿滿。除了這張讓人害羞的專輯封面外，安迪沃荷也為黛安娜羅絲、滾石樂團等巨星設計封面。

而在雜誌區，由他與英國新聞編輯John Wilcock於1969年一手建立起的前衛美學雜誌《Interview》，以及權威雜誌《TIME》等名人封面照也於此區展出。有趣的是，安迪沃荷過往曾癡癡著迷的楚門卡波堤（Truman Garcia Capote）登上《Interview》的封面也同樣於展中亮相。另外，本區也特別打造出安迪沃荷著名的裝置藝術作品《Silver Clouds》，用無數個銀色枕頭妝點展間。

最後穿梭一道印著錢、安迪沃荷、瑪麗蓮夢露、太空水果等字樣的走廊後，登場的為「絹版印刷與其他技法」展區，從1960年代便迷戀上絹印技術的安迪沃荷，創作靈感包羅萬象，從人物到水果，甚至美國紙鈔應有盡有。

《美金符號》是安迪沃荷最極致的招牌作品，標誌金錢、藝術以及他自己，他不認為商業跟藝術會產生衝突，「在嬉皮時代大家把工作跟錢視為是不好的，但其實這兩個都是藝術，且能賺錢的商業活動，是最棒的藝術。」，他毫不避諱努力做到這點，「好的藝術就是會賺大錢的藝術」，一生創作不僅發揮普普藝術的複製精神，更將藝術品變成印鈔機，也讓自己成為史上最成功的商業廣告藝術家。

Info｜安迪‧沃荷-普普狂想特展

展覽時間：2019年01月09日(週三)至2019年04月14日(週日) (除夕及初一休館) 

開放時間：平日10:00-18:00 / 假日09:00-18:00 (17:30停止售票與入場)

Text：Ian Liu

via 時藝多媒體

三十五年來，脇阪克二每天早晨都會畫一張明信片，寄給太太。這些明信片不是展覽作品，也不是為了出版而畫，而是在一天開始之前，留給自己的片刻時光。一張小小的紙卡，承載著靈感、生活、情感，也記錄了設計師漫長的創作旅程。隨著一張張投入郵筒，明信片成了寄給家人的信，也成了寄給未來自己的答案。

每天早上，脇阪克二都會畫一張明信片寄給太太溫子。這是他的晨間儀式，三十五年來，一日也不曾中斷。

起因是他四十六歲那年，看到溫子每天都會寫明信片給剛展開住校生活的兒子，於是他決定自己也來挑戰「持之以恆」做一件事。正好，明信片的尺寸與紙質適合天天繪製，而他也喜歡將明信片投入郵筒，讓畫作帶點「社會性」。

第一張明信片的郵戳日期是一九九〇年四月十八日。自那天起，脇阪克二便養成了一套日常習慣：趁著吃完早餐、開始工作前，坐到書桌前畫畫，然後在清晨散步的途中，把畫投進固定的郵筒。這些寄出的明信片，會在隔天或後天送達信箱，再次回到脇阪克二身邊。等溫子欣賞過之後，明信片就會被小心翼翼地收進專用資料夾裡，數量與日俱增。

對脇阪克二而言，面對一張空白明信片，是一段無可替代、用來審視自我的時光。現在有什麼吸引我？我在嚮往什麼？答案往往在畫完之後，看到作品時才呼之欲出，它的功效非常神奇，跟冥想一樣。有時靈感充沛，僅僅五分鐘就能畫好，有時會花兩個小時以上慢慢刻畫，偶爾也會一口氣畫兩、三張。有畫得心滿意足的時候，也有無論如何都不滿意的時候，有時也會偷懶，畫出和前一天幾乎一模一樣的東西。

「我動過很多次放棄當織品設計師的念頭，但我還是堅持繪畫，即使畫不出來也要畫，就算偷懶，也會逼自己多少畫一些東西。就這麼日復一日，某一天，我突然有種世界豁然開朗的感覺。那種感覺，會讓人體會到無限的可能。」

如今，這些明信片的數量已經超過一萬五千張。對脇阪克二來說，它們是每天映照自我的鏡子，是重要的設計靈感來源。對溫子而言，是無可替代的珍寶。同時，它們也是織品設計師脇阪克二獨一無二、持續三十五年不輟的創作記錄。

本文內容節錄自La Vie出版書籍《創作就是做自己：脇阪克二從Marimekko到SOU・SOU的設計思考》

出版日期｜2026/07/02

作者｜脇阪克二

曾在Marimekko擔任設計師，長年與 SOU・SOU 合作，脇阪克二以鮮明且溫柔的圖案風格，成為日本最具代表性的圖案設計師之一。

對脇阪克二而言，圖案不只是設計，更是與生活對話的方式。從京都的街景、四季變化，到旅行途中遇見的風景與人們，他將那些日常裡微小卻深刻的感受，轉化成一塊布、一個紋樣、一種陪伴生活的設計。

本書收錄其多年創作與代表作品，並完整分享他的創作思考、圖案哲學，以及對「設計與生活」的理解。

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在安縵姊妹酒店迦努東京，遇見或站或坐、或朝窗眺望或臨畔休憩的「紙片旅人」——位處東京麻布台之丘的Janu Tokyo，現正呈獻以幽默溫暖風格著稱的法國藝術家Jean Jullien，特別為酒店創作的標誌性等身紙片人《PAPER PEOPLE》系列全新展覽《The GUESTS》。四散館內公共場域和私人空間的10件作品，各憑獨到藝術感、設計感及自然交織其間的童趣感，造就酒店別樣風景，兼伴入住旅客慢享返璞歸真的旅居時光。

2026年盛夏之際，奢華酒店集團安縵（Aman）姊妹品牌迦努（Janu）奠基本身充滿活力的待客之道，融會當代藝術底蘊和透過藝術建立人與人之間連結的一貫理念，選址迦努東京（Janu Tokyo）推出由國際知名法國藝術家Jean Jullien構劃的《The GUESTS》沉浸式展覽，邀所有入住旅客，以及前來用餐遊覽的各方訪客一同走進承載各樣奇思妙想的創意世界。

\ 藝術家親臨迦努東京，帶頭發掘驚喜瞬間 /

作為Jean Jullien首次進駐酒店空間的藝術展，此次展出的10件作品全為迦努東京量身打造，再啟藝術家備受讚譽的《PAPER PEOPLE》系列新篇。其標誌性的等身尺寸紙片人，將在與常規展場所孕育截然不同氛圍的生活場景中，形塑一趟主打獨特探索感的藝術體驗；進而使不論老少的各年齡層觀者，於即日起至2026年9月30日的展覽期間內，都能在酒店四處邂逅意想不到的趣味角色。

\ 10位紙片旅人四散接待大廳、游泳池、甜點坊等館內各處 /

► 綜覽藝術家Jean Jullien創作背景

1983年生於法國，現居巴黎；求學時期攻讀平面設計專業，擁有中央聖馬丁藝術與設計學院（Central Saint Martins）學士學位，和皇家藝術學院（Royal College of Art）碩士學位。畢業後豐富的藝術實踐經驗則跳脫本業，涵蓋插畫、繪畫、攝影、雕塑、裝置藝術、書籍創作和各類視覺傳達設計等範疇。作品曾於全球多座城市展出，並憑別富個人特色的幽默感、溫暖氣質，以及易引發大眾共鳴的藝術表達手法廣受國際認可。其中尤具代表性的《PAPER PEOPLE》系列，最初於2021年在澀谷著名時尚購物中心PARCO舉辦的展覽中誕生，隨後陸續巡展至法國南特、巴黎及韓國首爾等城市。如今被視作麻布台之丘（Azabudai Hills）這一活力新社區的重要組成部分，迦努東京毫無懸念成為該系列發展的自然延續之處，巧讓作品回歸誕生地東京。

\ 藝術家與韓國設計師Jae Huh共同創立於2016年的服裝暨家飾品牌NouNou /

► 重溫迦努品牌底色＆未來發展目標

自2020年創立以來，迦努旨在發揚和進一步拓寬安縵酒店集團的傳承脈絡。2024年3月，品牌首家酒店於東京麻布台之丘中心正式揭幕，為繁忙城市帶來一處得以讓人重拾內心平衡與平靜，同時促進人與人之間連結的靜謐綠洲。全館設有占地4,000平方公尺（約1,200坪）的康養場域，至今且致力重新定義空間設計與私享服務標準，多透過與國際名廚、康養專家及世界各地藝術家的跨界合作，將品牌理念付諸每一處細節。未來更預定另闢12個全新項目踐行品牌使命，促使對每位旅客而言各有其重要意義的入住時光皆留下久遠回響。

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不懈秉承品牌始終滿懷的藝術熱忱，本案以文化交流為核心，在寬敞別緻的酒店中創造一個個值得發掘的瞬間。被構想為自在置身、自由移動館內的10位旅人，這些色彩繽紛的人偶作品將有9件散布迦努東京的餐飲及社交空間，或長佇Janu Grill餐廳窗邊眺望東京鐵塔、或暫棲Janu康養中心（Janu Wellness Centre）池畔悠然休憩片刻，唯第10件設置於入住旅客活動範圍，專待住客察覺。

酒店現代設計語言襯托10組作品童趣感

談及此次合作，Jean Jullien率先打趣引言，

「10位意想不到的旅人已入住Janu。它們身形扁平而色彩鮮明，似也有些迷失方向。如果你遇見其中一位，請別見外。」

10座等身紙片人全由製作公司AD Japan採派熱克斯玻璃（Pyrex）完成，一來藉該種材料的高度可塑性保留如紙張般細膩的視覺效果，二來讓每只人偶突顯於迦努東京尤富當代感的空間中，為酒店既有設計語言所襯托。對此，Jean Jullien補充道，「此處是安放這些角色的理想場所，因為它們與周圍環境形成鮮明對比——它們脆弱且輕盈，正如匆匆而過的行人。」

藝術展進行期間，迦努東京亦同步推出「Hide and Seek」住宿禮遇，期待旅客進一步探索Jean Jullien的異想世界。入住兩晚即享藝術家特別贈禮、Janu甜點坊（Janu Patisserie）原創聯名曲奇，以及汲取靈感自展覽概念、由Janu Grill餐廳祭出的季節限定多道式晚餐等一系列配套。整體通過專屬體驗傳遞愉悅氣息，即日起至由夏入秋的2026年9月30日前，《The GUESTS》將持續引領旅客找尋酒店空間的全新可能。

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