「人們都應閉上雙眼談戀愛。閉上眼、別看，神奇的事就會發生。」安迪沃荷

在正式進入普普藝術大師安迪沃荷（Andy Warhol）的展覽前，不妨先將眼睛閉上，捨去一切雜念，將自身全心置入這位向來不吝於與商業扯上邊的藝術家的奇幻國度裡。這位高喊「商業藝術無分野」概念的普普藝術大帝，在他傳奇卻不算長的創作生涯中，通過絹印手法和不段重複的影像，將人物化成視覺商品，舉凡好萊塢性感女神瑪麗蓮夢露、毛澤東、康寶罐頭、可口可樂甚至2元美鈔等，無一不是他創作的素材，「大量複製」（mass productions）成了他最著名的創作招牌，即使在某些人眼中他始終不入流，卻又不得不承認，安迪沃荷確實為藝術開啟了另一扇門。

相隔十年，精選自其1957年到1986年超過百餘件作品的《安迪‧沃荷-普普狂想特展》，再度重回中正紀念堂，藉由四大展區，包含藝術家肖像、名人肖像、雜誌與音樂專輯封面設計和絹版印刷與其他技法，重現安迪沃荷最豐富完整的經典作品。展覽不以時間線性當作順序編排，交錯的作品呈現反而讓我們得以用另一種觀點重新認識這位20世紀的天才藝數家。

如同安迪沃荷最富盛名的名言「人人都有15分鐘出名的機會」，將其放入標榜奇特的新媒體社群年代，一點都不違和，只不過15分鐘縮短成15秒，現在人人都愛的「自拍」（Selfie），在第一個展區「藝術家肖像」中，我們則見著了各式安迪沃荷的姿態模樣。他將藝術家的面孔以回憶的形式自我規格化，如同貼在產品上的標籤，無限制地自我複製並在他的作品中逐漸變得非個人。像是由德國攝影大事漢斯納姆斯（Hans Namuth）所拍攝的肖像照，其自我形象、姿勢與背景角度皆是他所負責。

緊接著登場的「名人肖像」，是安迪沃荷最備受推崇卻也最遭致批評的一環，1960年代期間，沃荷在他知名的「工廠」創作番玩了無數名人肖像畫，其中最為知名的莫屬《瑪麗蓮‧夢露》絹印系列，安迪沃荷不用素描或繪畫的方式畫下瑪麗蓮夢露的臉，選擇使用絹印版畫技法以及重複再置的形式呈現，鮮豔顏色突顯她的五官特徵－耀眼金髮、緋紅翹唇和碧綠眼影，藉浮誇華麗的色調暗喻好萊塢的奢華。而這幅絹印畫作，也成了人們談起普普藝術最聞名的創作之一。

而展間連續十幅的毛澤東絹印肖像同樣搶眼，作品創作於1972年，當時出任美國總統的尼克森初次造訪中國，進而掀起一股中國熱，為此安迪沃荷使用強烈色彩創作了一系列絹印作品，極具複製性的特色也不免讓人想起毛澤東統治時期，那些被大量製造並貼在四處的官方宣導海報。

隨後來到有著鮮黃牆面的「雜誌與音樂專輯封面設計」展區，在這裡參觀者可以見到安迪沃荷繪畫作品外，與流行文化緊密接觸下所碰撞出的火花，像是《地下絲絨與妮可》專輯展品，即是安迪沃荷跨足音樂領域，簽下地下搖滾樂團「絲絨樂團」（The Velvet Underground）第一張專輯封面，以單一主題「香蕉」作為專輯封面，入選為當年十大專輯封面設計獎。

專輯封面在全白的背景，放上一根以安迪沃荷風格設計的黃色香蕉，充分反映普普藝術與音樂的結合，這根全世界最有名的香蕉頂端旁寫著，「慢慢地剝開看看」，暗指香蕉其實是貼在封面的貼紙，撕開後就看到一根剝了皮的、迷幻的粉紅色香蕉，性暗示滿滿。除了這張讓人害羞的專輯封面外，安迪沃荷也為黛安娜羅絲、滾石樂團等巨星設計封面。

而在雜誌區，由他與英國新聞編輯John Wilcock於1969年一手建立起的前衛美學雜誌《Interview》，以及權威雜誌《TIME》等名人封面照也於此區展出。有趣的是，安迪沃荷過往曾癡癡著迷的楚門卡波堤（Truman Garcia Capote）登上《Interview》的封面也同樣於展中亮相。另外，本區也特別打造出安迪沃荷著名的裝置藝術作品《Silver Clouds》，用無數個銀色枕頭妝點展間。

最後穿梭一道印著錢、安迪沃荷、瑪麗蓮夢露、太空水果等字樣的走廊後，登場的為「絹版印刷與其他技法」展區，從1960年代便迷戀上絹印技術的安迪沃荷，創作靈感包羅萬象，從人物到水果，甚至美國紙鈔應有盡有。

《美金符號》是安迪沃荷最極致的招牌作品，標誌金錢、藝術以及他自己，他不認為商業跟藝術會產生衝突，「在嬉皮時代大家把工作跟錢視為是不好的，但其實這兩個都是藝術，且能賺錢的商業活動，是最棒的藝術。」，他毫不避諱努力做到這點，「好的藝術就是會賺大錢的藝術」，一生創作不僅發揮普普藝術的複製精神，更將藝術品變成印鈔機，也讓自己成為史上最成功的商業廣告藝術家。

Info｜安迪‧沃荷-普普狂想特展

展覽時間：2019年01月09日(週三)至2019年04月14日(週日) (除夕及初一休館) 

開放時間：平日10:00-18:00 / 假日09:00-18:00 (17:30停止售票與入場)

Text：Ian Liu

via 時藝多媒體

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

場次及購票資訊請點此