在攝影界中有一句至理名言是這樣講的「The single most important component of a camera is the twelve inches behind it.」這句話是由曾獲得美國公民最高褒獎「總統自由勳章」的舊金山攝影師Ansel Adams所說，意味一張成功作品的背後，最重要的是相機後面的那顆腦袋。如同每個人都擁有不同的視角，攝影師們也會透過他們的視角詮釋一張照片的呈現。而這些視角在攝影器材日漸進步、傳播逐漸發達的最近，更能透過網路的傳播分享不同攝影師的拍攝視角。

每年都會舉辦攝影比賽、廣邀世界攝影好手參與的索尼世界攝影大獎（Sony World Photography Awards），今年大賽，共有來自世界各地百國攝影師參與，徵件作品達32萬件以上，而在剛揭曉的國家獎（National Awards）項目上，台灣則由吳永森《Intense》、李柏毅《幾何圓舞曲》與郭子楊《冰川模型》分獲冠亞季軍。

以在水中拍攝湖川中紅鮭奮力擺動尾鰭、濺起水花的模樣，吳永森以《Intense》奪下台灣區首獎。加拿大西岸亞當河可謂是鮭魚在洄游繁衍後代生死戲碼的高潮所在，吳永森克服艱難的長時間低溫拍攝環境，捕捉鮭魚勇往直前完成生命延續使命的動人畫面，並以此難得影像獲得評審一致青睞而獲獎。吳永森也表示：「非常榮幸獲得索尼世界攝影大獎的肯定，除了感謝評審之外，更感謝家人鼓勵及好友支持，這個獎項對我來說是最高榮譽！」。

二獎頒發給以作品《幾何圓舞曲》參賽的李柏毅，本身在科技產業工作的李柏毅，認為攝影是表達自我內心的媒介，也屢次在各大攝影比賽中脫穎而出，本次得獎作品以空拍機捕捉印尼Mega Wisata Ocarina Batam的俯瞰角度，展現有趣的幾何圖樣，除了開心能獲得這份肯定，李柏毅也期望未來能將更多不同視角傳遞至全世界。

獲得三獎佳績的風景攝影師郭子揚，則以阿爾卑斯山第二長冰河Gornergrat局部特寫作品《》贏得獎項，以純熟的技巧透過獨特光影線條描繪大自然的局部特寫，獲得評審讚賞；郭子揚指出能獲得本次獎項對其是很大鼓舞，成為未來持續努力創作更好作品的動力。

其他公開賽入圍作品中，可以看到各方好手精銳盡出，構圖上不論是以水平或即視感切點入角，皆能感受到攝影作品所帶來的震撼度。入圍建築類別的南非攝影師Katarzyna Young拍攝新美國駐倫敦大使館外觀，由於建築外觀使用通透玻璃設計，如魚鱗般不規則的帆布鋼塑包覆整棟建築，讓陽光照射時不會產生炫光，對Katarzyna Young來說是一棟簡單而誘人的獨特建築，於是他使用了水平對稱的構圖方式，拍出美國大使館的獨特。

除了Katarzyna Young的作品外，還有印尼攝影師Dhiky Aditya以七彩鬥魚為主角，以黑色底襯為背景，拍出魚群們於水中悠游時，尾鰭絢麗綻放的模樣。日本攝影師Yukihito Ono的入圍作品則是以目前東京台場最吸引人的聲光互動裝置藝術〈呼應燈森林 (Forest of Resonating Lamps)〉，以水平對稱的手法，秀出展場的燈具與四周鏡面的對稱，製造視覺上的豐富感與即視感。

還有科威特攝影師Msaaed Al Gharibah拍攝阿拉伯紅狐，拍攝時恰巧一道陽光落在紅狐的眼睛上，營造狐狸於黑暗中伺機而動、光影掠過兇狠眼神的情景。

2019索尼世界攝影獎的入圍與獲獎作品都將成為在SONY於倫敦薩默塞特府舉辦的《Sony World Photography Awards exhibition》世界攝影展展出。而2019年的獲獎作品已於官網上曝光。

text / Zoe Chen

via / MY MODERN MET、Sony世界攝影大賽

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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