做為台北市立美術館（北美館）2019年度大展，台灣傳奇當代藝術家于彭回顧展《于彭：行者．天上．人間》終於正式登場，亮相二樓歷史展區的展覽由客座策展人吳超然統籌策劃，歷經五年籌備，展出逾170件作品，其中除藝術家廣為熟知的水墨聯作，亦展出油彩、粉彩、素描等各時期作品與文獻，為近年海內外規模最大之回顧展出！

本名巫坤任的于彭，1955年誕生於臺北外雙溪，就讀高中時受美術老師陳亦耕啟蒙，後報考大學美術系卻未能如願，由此展開歷程獨特的藝術創作生涯。非傳統學院式的養成過程，于彭用自己的方式探索學習，留下許多為人樂道的故事：例如升學失利後，1977至1980年間，于彭在台北新公園（今二二八和平紀念公園）擺攤幫人畫素描，近三年的大量觀察與鍛鍊，為他在人物描摹奠下厚實的基礎，人物主題也成為貫穿于彭各時期創作的重要元素。策展人特別提到，于彭與夫人何醇麗也是在公園擺攤畫像期間結識，流傳為一段佳話。

策展人吳超然將藝術家的創作時期歸納為三階段：早期1980至1997年、中期1998至2004年、晚期2005至2014年。第一個階段，是藝術家從早年的素描水彩啟蒙轉向水墨的探索時期。于彭的水墨學習並非來自家學或師承，藝術家在這段探索時期有意識地向古典水墨學習，從「元四大家」到「清初四僧」的作品都成為于彭臨摹的對象，古典水墨筆意轉化為往後其風格集大成的重要養分。

1997年于彭受好友鄭在東邀請同赴上海，三年遊歷期間飽覽江南名園與山水名勝，旅途所見均成為此時期創作的泉源，如園林山水的構圖堆疊、人物與園林在畫面中交錯，許多于彭的代表性創作元素都在這段期間趨於成熟，策展人故而將1997年定義為于彭創作生涯中關鍵轉折的一年。返台以後，遊歷經驗持續在藝術家的創作與生活中發揮影響，園林符號成為作品畫面中最常出現的構圖背景，而于彭的幼子常被描繪成仙童形象，出現在山石林園構圖之中；于彭風格從實景出發、蔓延堆疊而成的奇幻山水，在中期將近晚期的2000年左右達到高峰。藝術家晚期的創作，作品除了分享藝術家與文士友人聚會的交遊生活，也與他的身體健康狀況息息相關。本次展出2009年作品《噴血點墨成朱菓》以及2014年臨終前所作《病中自畫像》，呈現藝術家生命攸關的重要時刻，藝術家在作品中並不刻意美化或者迴避生死的課題，而選擇以藝術創作面對生命的轉折。

本次展覽參照藝術家的三段時期分野，將展場規劃為八大主題展區，包含：（1）早期素描、粉彩、油畫（2）書法與小品冊頁（3）早期水墨（4）大型水墨連作（5）晚期油畫與水墨（6）晚期素描、粉彩、油畫（7）文獻資料、私人書信與為本展拍攝之紀錄片（8）畫室情境展示區，展出于彭生前所用之家具與文房四寶。八大展區除呈現藝術家各創作時期的代表性風格之外，亦希望透過藝術家生平的回顧與自我書寫，將其獨特的生命歷程與創作精神完整呈現。

藝術家于彭集執著與灑脫於一身的獨特性格，反映在他的作品之中，為世人留下無盡懸想。策展人吳超然強調，本次展出並非企圖突顯于彭的傳奇色彩，而是希望透過脈絡的鋪陳與回顧來真切地認識這位藝術家與他的創作。于彭曾自述，「我的作品是用生命換來的」，本次回顧展試圖呈現藝術家生涯中各時期的生命課題與代表性作品，與世人分享其創作不輟的一生！

于彭：行者．天上．人間

展期：2019 /03/30-2019/06/30

地點：臺北市立美術館 2A, 2B展覽室

via 北美館

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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