專訪／OKAPI何曼瑄談書籍裝禎設計！六面向、五分類 「出發點該回到閱讀本身」

在做了多期與編輯相關的專題後，書籍設計終於登場，這是《點讀華山》一直想要做的專題之一，也是一個既寬廣又狹窄的題目——書籍設計牽涉的面向甚廣，除了與編輯和設計息息相關外，也牽涉到印刷、裝幀、紙質、 特殊加工......等等，是太多細項的總和。OKAPI閱讀生活誌總編輯何曼瑄，試著從不同的角度一步步來理解書籍設計的意義與精髓。

OKAPI 是博客來旗下推廣閱讀的媒體平台，雖附屬於通路，但 OKAPI 的存在跳脫了單純的書籍銷售，以生產高品質的自製內容奠定口碑與影響力，這樣的目標與定位從創站至今都沒有改變過。而其中《書籍好設計》更是從2010年創站之始就設有的單元，累積多年，介紹過將近千本的書籍設計，不但已梳理出清晰的分類與脈絡，更成為一個完整的參考索引與資料庫，是出版業界參考交流的平台，也是讀者想要理解書籍設計的最佳入門管道。

書籍設計的功能是如實地傳達內容

什麼是書籍設計？一本書的完成，從設計交稿到書籍製作完成這段最後一哩路尚有許多決定性因素要注意，從打樣、校色、試做、上機，有多少眉角，還有多少調整空間？「一本書最後到讀者手上的樣子，其實就是眾人溝通結果的總和。」曾經擔任過出版社編輯的曼瑄先說出了結論。確實，一本書的誕生無庸置疑的是眾多人想法的集合，除了作者的創作內容之外，編輯與設計師所思考的都是如何將內容如實而貼切的傳遞到讀者端，除此之外一本書的完成也牽涉到與印刷廠的共同配合，每個環節與各方人馬的立場與出發點不盡相同，而最終發行到市場上、送到讀者手中的絕對是經過多次討論與調整的成果。

回歸到書的本質，書籍設計的存在正是透過設計的手法與操作提供讀者更完善的閱讀體驗。曼瑄提到如實的傳達內容是書籍設計的前提。我們從封面開始認識一本書，一連串的歷程包含了封面設計是不是能夠符合書籍主題與內容，接著可能會有書腰，而書腰的存在是不是提供了額外且重要的輔助訊息，裝訂的方式是否便於翻閱，選擇的字型與行距能否讓閱讀能夠清晰舒適而不吃力，這些都是書籍設計時最基本的考量。舉例來說，設計師與編輯（或作者）常常在字級的大小與版面呈現的美感中拉扯，面對這樣的問題，曼瑄認為，書籍設計的出發點應該回到閱讀本身，這並不是說美感必須捨棄，而是回到溝通，在兩者之間取得最佳平衡。

當然，一切都有例外——有的書籍本身販售的就是設計。 2015年由OKAPI主導策畫的罐裝《他．她．他：個人意見小說ZINE》就是具有顛覆性的嘗試。個人意見首次小說創作《他．她．他》的內容全文刊載於網路上，由聶永真操刀的實體化作品則於台灣設計師週期間限定的實體店鋪販售。易開罐裝的設計配合小說中透過送咖啡講述的三角戀愛情節將文本內容轉化成商品的形式，帶給讀者的不只是故事情節，而是可以讓讀者選擇與投入的設計作品。

完整且有意義的好設計

了解書籍設計的內容與本質後，我們試著更進一步理解何謂「好設計」？目前 OKAPI 每一季度會依「封面、內頁、裝訂、材質、印刷、加工」六個面向檢視書籍，再以「手繪&插畫、實物轉化、解構字符、抽象表現、媒材整合」等五種分類發表入選的書籍好設計。面對每季幾百本的書籍，曼瑄說在篩選好設計時「完整且有意義」是OKAPI 編輯部的首要考量。所謂的完整性包括不論使用何種加工與印刷手法必須排除任何瑕疵產生的可能性；而有意義則是指每一個特殊加工或印刷法是否能呼應內容與閱讀的一致性，而非為了繁複而繁複。企劃庭頨與我們分享，一直以來旅遊類書籍都是以資訊為重，隨著數位化資訊取得快速容易，旅遊書的銷售首當其衝受到影響，但《GOOD EYE 台北挑剔指南》與《台湾日記 Taiwan Diary》跳脫了原本的格局，從企劃開始，透過更為精巧的設計、排版與穿線方式，改變了旅遊書的規格、甚至是讀者群的購買目的，發揮了書籍設計的影響力。曼瑄提到，實體書銷售的萎縮已經是不可逆的事實，但在這樣的環境下，不論是基於成本的考量或是設計的務實面，現在台灣大多數的書籍設計都已經有很精準的掌握，大家能夠理解特殊與繁複並不一定等於好。簡單來說，一個好的設計必須精確的掌握到重點，並且吸引到讀者的目光，儘管好的設計不一定等同於暢銷的保證，但卻能帶給讀者意想不到的驚喜與閱讀樂趣，甚至顛覆了既有的樣態，改變人們的閱讀習慣。

從書籍設計看到出版市場的趨勢 

OKAPI 好書設計單元自創站以來運行至今，緊緊貼近著出版社場的脈動，曼瑄與我們分享從書籍設計的流變也可以間接觀察到出版市場的趨勢。將時間拉回到 2012 年左右，那時紙本書面臨的挑戰才剛開始，為了彰顯印刷不死與紙本存在的必要性出版市場上很流行各種繁複華麗的特殊加工方式，展現了書籍設計的多樣化與各種可能性。然而，隨者紙書市場的持續萎縮與印刷成本考量，出版社與設計師必須更精確地思考特殊加工的目的性為何。據曼瑄的觀察，這兩三年間台灣書籍設計的水平已經可以看到非常平均的提升，出版社的運作也更加純熟內斂，書籍設計也因此回歸到更本質性的掌握，儘管只使用一個特殊加工也能精確的打中要點，產生畫龍點睛的效果。曼瑄提到，當她國外的友人來台灣逛書店時，都會非常驚訝的表示台灣的書看起來非常好看，甚至自己以前去日本時對於當地的書籍雜誌設計會感到非常吸睛，但近年來那樣的驚艷感受確實不再如此強烈，也許我們在身處的環境中已經習以為常了，但透過不同的角度來看，台灣出版產業在有限的市場與資源之下，設計的能量或許比我們想像中更為成熟豐沛。

認識五種常見的裝訂方式 

1. 平裝本

這是目前最大量被使用的裝訂方式為平裝，這種以自動裝訂機將書冊上背膠後，與書封固定的裝訂方式，也稱為膠裝。近年來為了增加翻閱時的視覺感受與層次，設計師會選擇在膠裝書裝訂完成後加上書衣，利用兩層畫面對比詮釋書本的內容。

2. PUR廣開平裝   

裝訂方式與平裝膠裝本相同，但使用了PUR熱熔膠，使得裝訂處產生彈性，書冊得以展開的角度較大。多用於內頁有跨頁圖素印刷，不希望圖像被裝訂邊截斷，或是書頁較多、需要軟膠書背以方便讀者翻閱的情況。

3. 精裝

利用穿線裝訂、搭配硬殼書封固定的裝訂方式稱為精裝。精裝書依據書背的弧度分為「方背精裝」與「圓背精裝」，另外精裝書的硬殼厚度、軟硬和表面包覆的材質（紙張、皮革或是布料），都是設計師可以依照書籍比例設計的，即便只有些微的差距，都可能會影響翻閱時的體驗和感受。

4. 裸背線裝

同樣是線裝書，不將裝訂處以書封或書殼包覆的裸背裝訂書，通常用於需要「完全攤平」的書籍。由於裝訂處會赤裸裸地被看見，設計師通常會利用裝訂線材顏色和內頁印刷上的細部設計，讓裸背的裝訂處也成為詮釋書籍內容的風景。採取此種裝訂方式時，由於裝訂邊缺乏支撐力，需考量全書用紙的磅數、硬挺度是否能相互支撐。

5. 騎馬釘

低成本、工序簡單的騎馬訂常使用在雜誌、別冊，但騎馬釘僅靠兩到三根針固訂書冊，頁數不宜過多。除了一般「平釘」之外，亦有中間凸起的「歐姆釘」的選項。亦有採取收納數本小冊的方式來設計書籍的做法。

文｜王琬瑜

圖｜林辰鍵、OKAPI

資料提供｜OKAPI

資料來源｜https://okapi.books.com.tw/article/9148

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23