沿著東北濱海公路出發，搖下車窗感受伴著陽光與鹹鹹海水而來的徐徐涼風，煩躁心情隨著駛離喧鬧城市越漸沉靜，開過無數彎道，隨山丘層疊地形建造而上的水湳洞選煉廠遺構霎時出現眼前，斑駁古建築外觀被蓊鬱綠意覆蓋，搭配陰陽海美景，雙重魔幻效果有如闖進超現實結界般，無不被眼前這片舉世無雙的景緻所震懾。

俗稱十三層遺構的水湳洞選煉廠是日治時期遺留下來的重要建築，1933年興建後曾見證金瓜石採礦業輝煌歷史，然隨著產業沒落，廠房自1987年停止運作，隨之迎來的是數十載滄桑枯寂，不過即便已杳無人煙，可那被滿山綠意簇擁的生機面容，卻也造就出獨特歷史地景。欲讓大家更了解這座宏偉採礦遺跡，接手選煉廠維護管理的台電，在今年中秋節則讓這幢塵封超過30年的遺構，重塑其璀璨面貌，並邀來國際照明藝術大師周鍊，與新銳藝術家何采柔共同合作「點亮十三層遺構」公共藝術，再度重燃山城如黃金般的生命力。

中秋節當晚在現場萬人期盼下，十三層遺構透過漸層向上的90秒燈光照明秀，以溫柔琥珀色光照耀水湳洞。隨後，優人神鼓此次特地創作的《光明海島》磅礡登場，透過火祭祈福、鼓聲、武術、原住民歌聲傳唱及舞蹈等，祭祀金瓜石和水湳洞歷史古老大地，「這部跨越時空關於光的作品，我們稱之為光明海島，因為那一份光明，像所有台灣人信仰中的光明燈一樣，守護著台灣這座海島上所有的子民與自然土地之靈，永遠給台灣祝褔和希望。」。

重現黃金城閃耀

窺探其燦爛發光背後，或許有人會納悶不就只要在建物下方多打幾盞鎂光燈即可，然而若只一味追求會發亮，而未與在地環境、文化和人產生交集，反而顯得突兀且不具美感。為了創造能走入人心的光環境，台電自2017年發起的點亮計畫，特地找來曾為紐約自由女神像、馬來西亞吉隆坡雙子星大樓與北港朝天宮等建物設計照明的燈光大師周鍊操刀，並攜手「一隱照明設計顧問」共同策劃，運用15種、超過360顆建築照明燈為老古蹟妝點。

以《莊子》所述「天地有大美而不言」為此次照明設計理念，一隱照明主持設計師朱文英表示，要靜態地展示選煉廠的雍容壯麗，同時讓人感受大自然與歷史交融出的壯闊之情，團隊在第一時間即將多彩光雕項目捨去，「這裡不是商場或是表演秀，所以一開始就決定不會有五顏六色燈光來呈現，而最終選定的2100K，有如琥珀色的低色溫燈光，最能夠完美烘托遺構本身的質感。」她也進一步解釋，「光本身應該是襯托，而非搶走風采的主角，因此周鍊老師在規劃上，即納入周邊環境考量，讓十三層遺構能夠和鄰近漁村相輔相成。」而從選煉廠窗框透出的微微色光，如煉礦爐火光般的效果，則形塑出當年選煉廠運作時的意象。

不過該如何付諸實踐，則是接在設計之後的最大挑戰，朱文英表示實既多達十八層的遺構結構錯綜複雜，在缺少完整圖面資料，加上未施工前無法進入內部勘查，只能依靠等高線地形圖與空拍圖去模擬，前後就耗時兩年多時間。而等到實際動工，也因獨特地形加上珍貴遺跡限制，所有燈具等施工材料都需人力徒手搬運，施工相當艱辛，不過最終看見作品完工，她也笑說：「團隊一切努力都值得」。

從宏觀到微觀

十三層遺構的宏偉奇觀，同樣也讓參與本次點亮計畫的藝術家何采柔為之震撼：「每一次到訪都還是萬分悸動，遺構廢墟的姿態很超現實也很魔幻，對比十三層的宏觀，最後我選擇以微觀的創作來與這片空間對話。」以英文字母I為作品造型，實際上是取自門縫打開的意象，何采柔在選煉廠旁周邊各自設了四個藝術裝置，白天是現代雕塑，夜晚則幻化為有如通往神秘時空的門縫，像是連結過往與現在，重新看見與感受十三層流轉於此的黃金礦業風華。

琥珀色光、皎潔明月與陰陽海上波光粼粼的水面反射和點點漁燈，這裡是專屬台灣的魔幻時刻。

點亮十三層遺構

地點：新北市瑞芳區水湳洞

時間：晚上6點至9點固定點亮

文／Ian Liu

圖片提供／台電公司

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沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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