隨著2020年到來，一場國際藝術界的重要盛會也將亮相台北，第二屆2020台北當代藝術博覽會，即將於南港展覽館1館（TaiNEX 1）正式登場，為嶄新一年揭開華麗序幕！

第二屆台北當代將繼續為觀眾帶來世界各地頂尖的藝廊，而台北及亞洲最優秀的藝廊也將成為展會焦點。參展的藝廊總共有99家，其中23家在台灣擁有永久展覽空間，將會展出許多本地新晉藝術家的作品，整個展區規劃為五個類別，分別為畫廊精萃展區、新生畫廊計劃、個人展藝展區、藝術沙龍與裝置藝術區。

台北當代藝術博覽會聯合總監任天晉（Magnus Renfrew）表示：「隨著首屆台北當代的取得空前成功，我們樂於見到公眾藝術計劃亦得以自然地蛻變，藉此與台灣藝術圈的菁英交流、合作並分享洞見。我們今年有更強大的參展畫廊名單，豐富的貴賓專屬活動，擴大規模的公眾藝術計劃，展示台北非營利藝術空間的平台計劃，以及城市藝術計劃，合適各年齡層觀眾參與。第二屆台北當代將充分展現台北獨特、朝氣蓬勃及創意澎湃的藝術生態。」 。

5大亮點主題 特色作品搶先看

在眾多展區中，每件作品都值得細細品味，本篇精選部分深具特色、錯過可惜的必看作品！

裝置藝術

前波畫廊 x 艾未未

作品向來帶有批判性與緊扣社會議題的中國藝術家艾未未，活躍於建築、藝術、影像、網路和社會文化評論領域。在他心中，自由自在的表達與行動，就是藝術。此次來自紐約、北京的前波畫廊，將帶來艾未未於2016年所創作的裝置作品《行之道 (雛形A)》（Law of the Journey），啟發於難民乘坐橡皮艇航行的新聞事件，他將難民在危險汪洋上的脆弱處境轉譯呈現，表現政治因素造成的全球性災難。

誠品畫廊 x 豪華朗基工

甫獲總統文化獎的藝術團隊豪華朗機工，此次與誠品畫廊將攜手呈現以「太陽」為主題的三件全新裝置作品，包括《太陽之詩》、《日光域》與《日蝕》。

《太陽之詩》是運用鋁合金、不銹鋼等輕量材質，以1.3萬個零組件與馬達打造而成的動態裝置。其核心由環型機械製造上下波動的循環軌跡，形塑出心曠神怡的太陽形象。整體作品在緩緩起伏的運行之中，彷彿日照輕拂大地，將觀者想像帶往自然，讓空間幻化成風和日麗的草原。它也有如一架時光機，穿越時空帶我們奔赴創世之初，見證天際光芒乍現，淵面黑暗消散的那一刻。此作品最早為台電公司於2016年委託製作，現永久懸掛於台電大樓大廳，而在台北當代藝術博覽會的誠品畫廊展位中，此《太陽之詩》為造型不同且嶄新製作的作品。

在《日光域》中，豪華朗機工蒐羅241只回收玻璃瓶，將之安裝在不鏽鋼與鋁合金的骨架上，改造成以程式控制的夜間太陽。《日光域》所使用的舊瓶子大小不一、形狀各異，有的是藥罐、醬料罐，有的是食品罐、香料罐，皆為生活中的日常容器，配以新的LED和多媒體數位控制介面之後形成長流不息的光點。同時採用科學家、觀測站等蒐集到的太陽聲音，作為光點流動的依據，以視覺的光波傳唱太陽的聲音。在白天《日光域》是靜止的雕塑，蓄勢待發，待夜幕降臨時開始自體發光，從內而外源源不絕地煥發能量，即使在黑暗中也能照亮人心。人類在4000年前即有觀測太陽的記載，《日光域》激起另一種近距離接觸太陽的想像。

第三件作品《日蝕》是從魆黑的異次元中切劃出的視域，一道光景將隨著觀看角度反射出多元的想像維度。在博覽會的公共區中，散發飛揚奇趣未來感的《漫遊—羽》，則用羽毛狀的薄金屬組裝成富有未來感的生物造型，所有動作集合成波浪曲面，讓人聯想到傳說中翱翔天空的神獸，抑或是潮間帶礁岩上的海麒麟。任物換星移、世事更迭，它隨著陣陣暖流湧動，在屬於自己的旅程中漫遊。

台灣之光

來自倫敦的Richard Saltoun Gallery，將展出一位在國際藝壇名聲顯赫的台灣藝術家─李元佳（1929-1994）。他是台灣抽象畫的前衛開拓者之一，創作範圍包括水墨、油彩、單色繪畫、甚至觀念藝術、攝影。他可以說是最早將「觀念」視為創作的藝術家，以行動拓展了藝術的定義。他在國際藝壇發光發熱，尤其在歐洲擁有極高知名度，不過早期資訊較為封閉，台灣人對他反而不太熟悉。透過本屆台北當代的展出，將可以更認識這位「台灣之光」的前輩藝術家。

台北亞紀畫廊將於2020台北當代，展出陳昭宏未曾在亞洲曝光過的早期油畫作品。陳昭宏80、90年代在紐約紅極一時，特別是以照相寫實主義著稱的「海灘系列」、「浴室系列」、「臥室系列」等，成為最受矚目的經典。本次亞紀畫廊在台北當代將展出其風格迥異的早期作品，帶領大家重新認識這位曾被譽為「紐約三劍客」之一的名家。

香港世界畫廊將展出吳季璁的作品。吳季璁是出生於台北的七年級生藝術家，創作的媒體及素材十分多元，包含攝影、錄像、裝置、繪畫與舞台設計等，擅長把日常生活中平凡的題材，轉換出充滿詩意的想像空間。年紀輕輕就代表台灣在國際藝壇嶄露頭角，也是各大獎項常客。展出的這幅作品，就獲頒2019年首屆「劉國松水墨藝術大獎」。

女力藝術

尊彩藝術中展出資深華人藝術家李重重的作品。執筆創作已半世紀，李重重至今仍活躍於抽象水墨的世界中。她創造了具現代人情感與時代精神的作品，大器的佈局配上拓墨、自動技法的運用，使她的作品在蒼勁中顯得流轉靈動、明亮的色彩在墨色中跳躍穿梭，散發著剛柔並濟的魅力。

日本藝廊Tomio Koyama Gallery帶來在台灣擁有極高知名度日本藝術家蜷川實花的作品。濃烈到極致的色彩運用，已經成為她攝影作品中的招牌標誌，而這些色彩所彰顯的意念，也和顏色ㄧ般繽紛深刻，讓她成為時尚界、甚至娛樂圈，都深受歡迎的女性攝影藝術家。

美國抽象藝術家帕特斯蒂爾（Pat Steir），直接讓顏料傾瀉成為瀑布，帶來舉世震驚的色彩衝擊。厲為閣（Lévy Gorvy）在台北當代藝術博覽會將首次展出藝術家帕特斯蒂爾的個人展位。她的藝術哲學深受道家和佛教的啟發，創作手法上擺脫了對意象和構圖的有意識思索，超越了具象與抽象之間的鴻溝。

流行文化

英國藝術家Julian Opie，是英國當代藝術圈裡最具國際影響力的藝術家之一，製作過許多知名大型公共藝術作品，擁有極為驚人的聲勢。他早從80年代開始就導入電腦繪畫的數位科技來創作，他的極簡都會風，以簡單線條搭配色塊描繪人物，搭配流行文化的滲透力，如今已享譽全球。

石田徹也（Tetsuya Ishida）這位在2005年不幸因為交通事故過世的日本藝術家，儘管英年早逝，作品卻留給世人無窮的省思與迴響。在他的筆下，總把人和日常物件結合，第一眼看到時可以感受一種突兀的趣味，但細細思之，卻可以體會出現代人被物質宰制的哀傷。

郭維國是一位風格鮮明的台灣中生代藝術家，擅長把生活中常見的物件，解構其原本意涵，再加入自己的巧思布局，勾勒出嶄新的詮釋角度。在畫裡他會用隱喻或象徵手法，來表現隱藏於潛意識中的「自我」。原本熟悉的胡迪警長，現在變成這副模樣，反映出了怎樣的潛意識呢？

國際名家

德國藝廊Sies + Höke，在2020台北當代帶來了喬納森米斯（Jonathan Meese）的個人展區。喬納森・米斯雖然是英德的混血，但卻是在日本長大，因此他的創作中，揉雜著東西方的藝術靈魂。藝術家本人十分戲劇化的個性，在畫作中嶄露無遺，以一種反叛卻又帶著童趣的姿態，展現狂放的社會批判風格，在歐洲掀起狂潮。

韓裔藝術家白南准 (Nam June Paik) 被譽為新媒體藝術之父，早在1963年，就首次把黑白電視機當成藝術素材，並結合自己身為音樂家的音律素養，開啟了影像藝術之先河。韓國的朴榮德畫廊，將在2020台北當代的個人展藝區，呈獻這位開創重要藝術流派的大師足跡。

巴斯蒂安 (BASTIAN) 畫廊展出丹弗拉文（Dan Flavin）這位美國極簡藝術大師的個展。丹・弗拉文被稱為「玩弄光與色的魔術師」，市售的一般螢光燈管，在他手中彷彿有了魔幻的力量，他把「光」當成雕塑品，潑灑顏色徘徊在二維與三維之間，用極簡的布置，挑逗觀者的視覺體驗。

2020台北當代藝術博覽會

日期：2020年1月17至19日（貴賓預展為1月16日）

地點：台北南港展覽館一館４樓（台北市南港區經貿二路1號）

請瀏覽官網獲得更多詳情：www.taipeidangdai.com

via. Taipei Dangdai

美國大都會博物館（The Met）首度來台展出！故宮博物院將於2025年6月至10月呈獻《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》。

本展集結大都會博物館多達81件繪畫及素描珍藏，它們分別來自梵谷、雷諾瓦、馬諦斯、塞尚等38位大師級畫家，帶觀眾一覽19至20世紀中，自現實主義遞嬗至印象派、現代主義等的藝術流變；更特別精選多位知名女性藝術家之作，如印象派名家瑪麗‧卡薩特、貝絲‧莫莉索等，藉此呈現女性在西方現代藝術發展中的崛起與獨特風格。

穿越橫跨一世紀的藝術浪潮

美國大都會博物館被譽為全球四大博物館之一，收藏近200萬件橫跨5000年歷史的珍貴藏品，涵蓋世界各大文明與藝術流派。而故宮本次展覽時區鎖定19至20世紀中，類別涵蓋現實主義、學術繪畫、印象派、後印象派至早期現代主義。印象派的出現，讓畫家們從室內走向戶外、繪畫主題自人物與肖像延伸到自然景致，藉畫筆捕捉光影流動，並影響了後續藝術流派如點描派、野獸派、現代主義等的誕生及演變，留下許多經典佳作。

以人體、肖像、大自然等「畫面主題」劃分5大展區

策展敘事跳脫傳統上以「時序」、「畫派」分類的形式，改以「畫面主題」引導觀眾透過「直覺」展開探索，感受畫中色彩、筆觸及其蘊藏的人文情感，沈浸於作品所營造的氛圍情境。讓我們分別看向5大展區亮點：

▍身體姿態

此區梳理自1860年代起不同藝術家對人體的詮釋，並闡述鉛筆、顏料等不同媒材與技法對裸體描繪的特殊性，看人體如何成為藝術表達的試驗場。

▍肖像與人物

18世紀歐洲迎來工業革命，撼動社會階層與城市風貌，藝術也從國家資助轉向更開放的大眾市場，肖像畫趁勢崛起為中產階級展現財力、地位之物。這一時期，藝術家描繪現代生活中的社交互動，讓親朋好友成為畫中人，賦予肖像更風格化的表現，模糊肖像畫與風俗畫的界限，開啟人物畫的新風貌。

▍徜徉自然

在歐洲各國隨政治與工業革命的推進逐漸轉變之時，藝術家將視野轉向自然風光，以風景為畫作主角，並在其中融入自身獨特視角與繪畫風格，徹底改變19至20世紀初的畫風。

▍城市到鄕村

19與20世紀之交，藝術家們不僅徜徉自然，也探索各地人們的生活方式，及人們與環境的互動，眾多畫作描繪的主角從不斷變化的巴黎城市景觀、塞納河畔及度假勝地享受悠閒時光的漫遊者，再到鄉村小鎮和田園風光。藝術家以現代眼光及創新技巧，各自展開對所處地方的景觀與人群的獨到詮釋。

▍水岸風光

工業革命帶動鐵路運輸，人們能以更便捷的方式前往海灘、漁村、港口等各地觀光，藝術家們也踏上旅途，留下許多描繪水景風光的美作，無論在法國各海岸、威尼斯或阿爾及爾等地，都能看到不同藝術家詮釋的畫作紀錄。

票價資訊總整理

《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》規劃3波售票期間，提供各式票組選擇，有興趣者請見下方詳細售票資訊。

《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》

展期｜2025.06.14－10.12

展場｜國立故宮博物院 第二展覽館 一樓特展廳

開放時間｜每日 9:00－17:00（16:30展覽現場停止售票及入場）

 

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▍早鳥票 3/13－3/31

・雙人紀念套票｜$770

內附雙人入場憑證1組、紀念套票1組

請於觀展驗票時出示入場憑證，以兌換紀念套票組

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▍預售票 4/7－6/13

・單人票｜$400

・THE MET 限定零錢包套票｜$499

內附單人入場憑證1個、THE MET限定零錢包1個

請於觀展驗票時出示入場憑證，以兌換限定零錢包

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▍展期票 6/14－10/12

・全票｜$500

・優待票｜$450，6歲以上持有效學生證件者，每證限購一張（碩博士生、社區大學、空中大學及在職進修等恕不適用）

・特惠票｜$250，65歲（含）以上者、持本國或外國身心障礙手冊之陪同者，需出示證件正本，每證限購1張

2025大阪世博盛大進行中，La Vie編輯在4天內密集參觀超過35座展館，繼上篇推薦的5座展館後，此次再推6座！除了分享第一手體驗心得，也分析參觀方式、主題策劃等，探索什麼是能留存心中的展覽。

▸ Better Co-Being

必須在場的「共鳴」體驗

先說結論，「Better Co-Being」是此次我個人綜合排名的第1名。除了在視覺上極美（大推在傍晚或晚上預約），展館的整體性、建築與展覽內容的創新性，都屬高分評價。且在網路可以取得眾多訊息的現在，「Better Co-Being」展館具有「必須在場」的特質，是照片與文字難以完整感受的獨特體驗。

本屆世博會場正中心，座落的並非雄偉建築，而是名為「寂靜之森」的森林，而SANAA設計的「Better Co-Being」也融入其中。這裡的「融入」是意象上的，也是物理上的。呼應「Better Co-Being」展館強調連結、開放的理念，他們打造了一座11公尺高，無牆、無天花板的銀色網格狀罩棚；地面僅用纖細柱體支撐，讓網格如雲朵般飄浮空中。從白天到夜晚，從晴天到雨天，建築將與天色和天氣交織出不同景象。在「Better Co-Being」官網刊登的採訪中，西澤立衛表示：「建築本身就有『占據』空間的特質。從這個意義來看，如果能在空間上表達出『共享』的概念，將是一件非常有趣的事情。」妹島和世則說：「這是一個無法完全控制的空間，我認為這正是有趣之處，人們可以在這裡感受天氣變化，進行互動式的體驗。」

展覽透過感應石頭、作品、觀眾的互動，表達了「共鳴」此一抽象主題。現場採小規模團體導覽，入場前每人會拿到一顆「echorb」石頭感應器，與手機完成連結後，登入體驗網站，將看見包括自己在內的同場觀眾的石頭顏色與位置分布；手握石頭，其震動將自然帶動手往左或右移動。

接著跟隨工作人員引導，依序體驗塩田千春〈言葉の丘〉、宮島達男〈Counter Voice Network〉，以及策展人宮田裕章的〈共鳴の空〉、他和創意團隊EiM共創的〈最大多の最大幸福〉等作品。走在不同路段、靠近不同作品時，將石頭輕輕放在耳邊搖晃，還會聽到不同聲響。最後登場的球體LED裝置，會即時搜集本場觀眾的體驗行為、當下天氣等數據，呈現僅只一次、屬於此時此地的影像。

有趣的是，連結「echorb」與手機的體驗網站，就像是一個「參加過Better Co-Being館的人的社群網站」，你可以上傳照片，也可以看到他人拍攝的照片，彼此分享在世博捕捉到的風景，即便離開展場也能使用。從建築與環境的共享、藝術作品與人的互動，到應用程式將參觀者聯繫在一起，沒有想過「共鳴」可以用展覽的形式訴說，且說得新穎又深刻。

Better Co-Being
需預約。採分批導覽，編輯參觀時間約1小時。
更多資訊可至官方網站查詢

▸ 荷蘭館

一顆發光球體，貫穿建築與展覽

展館的「整體性」是我相當偏好的特質，與其建築、視覺、展覽、吉祥物等各個都很厲害、但欠缺聯動的整體性，我更偏好每個元素都彼此連結，完好地收斂在同一個概念下。「荷蘭館」可謂本屆在「整體性」上做得相當出色的展館，以「球」貫穿建築與展覽，連吉祥物也推出米飛兔抱著大球的限定款（甚至開幕第3天隨即完售）。

荷蘭館講述的主題為「永續」，坦白說在參觀前不抱期待，因為直覺此題很容易淪為說教，或讓看展有種「在上課」的感覺。但實際體驗後，發現它並不是對你說道理，而是讓你「感受」到此議題的重要與迫切性。觀眾在入場前，會拿到一顆白色小球，球上設有感應裝置，只要碰觸牆上的感應點，球就會發亮，牆面也會出現不同的聲光變化。有趣的是，荷蘭館將「使用球的方式」與永續概念連結，例如要啟動牆面的聲光裝置，必須多顆球同時接觸，僅有一顆是無效的，隱喻人類必須攜手合作以迎向未來；當觀眾拿著尺寸比手掌略大的球在展場走動時，勢必會雙手捧著，小心呵護其不掉到地上，這個舉動也象徵了人類得悉心照料地球。

「球」不僅貫串展館視覺，甚至聯動了永續主題。也許就內容、手法等個別項目來說均不是最強，但綜合起來成就了「荷蘭館」深刻的品牌印象。我想即便過了多年再回想起本屆世博，還是會清晰記得「荷蘭館就是那個有著大球」的館。

荷蘭館
需預約，也可現場排隊。採分批導覽，編輯參觀時間約40分鐘。
更多資訊可至官方社群查詢

➥ 延伸思考：引導物件的運用

這裡也想談談「引導物件」的使用方式，包括上述介紹的「荷蘭館」、「Better Co-Being」，本屆許多展館均採物件引導的參觀模式——入場前會發放一個「物件」，該物件會有感應裝置或需與個人手機連結，由它觸發展場內的體驗。例如「德國館」的物件為吉祥物「Circulars」，將其頭部碰觸展場接觸點、再放置耳邊，就會進行悄悄話般的語音導覽；「電力館」也選擇了蛋型吉祥物，透過互動遊戲可讓蛋發光，從中了解各種發電方式。不過物件的運用，無疑是給觀眾多一道的理解門檻與手續，加上世博有來自世界各地的觀眾，語言、文化甚至手機裝置型號都不同。如何讓大家都能夠輕易上手，且具有「加分」效果，實為關鍵。

「Better Co-Being」的「echorb」石頭、「荷蘭館」的球，前者新奇後者直覺，且與展覽內容呼應，均是我覺得在引導物件上使用得很好的展館。不過談白說「Better Co-Being」的使用門檻偏高、手續繁複，必須步步跟著工作人員的解釋，才知道「echorb」怎麼使用、又怎樣跟作品互動；且同行攝影師的手機無法順利連結，現場也找不出解決方法。但因為石頭震動的感覺太微妙，與作品互動的方式也夠有趣，所以仍甘願且開心地學習操作方式。

▸ Future of Life

科技如何真的帶人類前行？

若說世博最初的起源，是展現人類最新發明以展望未來，儘管在現今的意義已有轉變，本屆仍有不少展館保有這分意味。不過也不諱言，有些主打科技和未來的展館，會淪為形式絢麗而內容空洞的展演。但由「人形機器人權威」、大阪大學教授石黑浩策劃的「Future of Life」，將此主題講述得既實際（有諸多研究基礎）又有想像力（開展到千年後的世界），也是我覺得本屆世博在「內容」上十分突出的館，將較嚴肅與複雜的科技議題，轉化為電影般的劇情，不說教且留白得宜。

入場前每人會拿到耳機，可選擇日文或英文、是否顯示字幕。建議可選擇字幕，因「Future of Life」是相當有「劇情」的展覽，角色對白會透過耳機傳送，若一時沒聽清楚可搭配字幕理解。展覽從「猴子」到「女學生」等各式機器人揭開序幕，探究人類在不同時代如何賦予機器「生命」。接著將故事線帶往50年後，並在此拋出「Future of Life」的主線劇情：50年後的世界，人類可以選擇自然死亡，或是將記憶移轉給機器人繼續存活。透過影片裡奶奶的選擇，引發觀眾思考：這個機器人是否還是原本的人？機器人能擁有真的情感嗎？人類是否需要無限地活下去？

懷著這些疑問，下個展間直接將「人機共存」的社會顯示眼前，只見主持人松子Deluxe正和機器人互動，還有已故文學家夏目漱石的機器人、能演奏鋼琴的機器人⋯⋯。之後耳機傳來：「接下來是1,000年後的世界。」迎面出現的是，難以定義是人是機是神的機器人隨音樂舞動，展示了不再受限於身軀與物理的人類樣態。

科技與人性的辯證、人機結合的探究，早已不是新命題，但許多作品會以荒謬、空虛或頹敗的近未來，反諷一味追求革新的人類。但「Future of Life」並沒有走這條路，而是要用科技帶著人性前行。展末亦展示了50年後可能會實現的「近未來技術」，包括與人體結合的機器人和AI、讓生活方式更自由的醫療、更永續的環境與能源技術等等。一如石黑浩在展覽尾聲留給觀眾的訊息：「人類可以設計自己的未來，活出自己想要的生命。」科技能帶人類走到多遠？其實這題不只關乎技術，也關乎人類對自己的生命、情感與需求，有多透澈的理解。

Future of Life
需預約，也可現場排隊。採分批導覽，編輯參觀時間約1小時。
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▸ BLUE OCEAN DOME

一場「水」的純粹展演

如果要說哪件「作品」最印象深刻？我的答案會是「BLUE OCEAN DOME」裡、由創意團隊nomena設計的水循環藝術裝置。「BLUE OCEAN DOME」為由非營利組織ZERI JAPAN策劃的民間展館，由設計師原研哉擔任策展人，將「水」這個主題用純粹且詩意的方式表達。

nomena設計的水循環藝術裝置展示於「圓頂A」，以超疏水塗層的純白盤面為舞台，模擬水從天空降下後，流經曲折地景，最終匯入大海的過程。白色的空間、白色的裝置、透明的水，觀眾進到展間會自然安靜下來，只聽得到玻璃管傾的碰撞聲，以及水流動的潺潺聲響。看著水滴在台面上匯聚，聚集到臨界點後終有一滴流入下個區域⋯⋯，沒有複雜或絢麗的聲光，卻足以引人定睛長時間觀看。在本屆世博眾多展館或現今各大展演中，聲光效果似乎成為了一種標配或趨勢，但此裝置展現了另一條路，把「單純」這件事做到極致與精緻，沒有想過「水」可以這樣被展示與觀看。

由坂茂操刀的「BLUE OCEAN DOME」建築也值得一看，他在記者會上說：「世博的本質應該是實驗未來的場所，如今卻過於追求表面上的獨特性與外觀，鮮少提出結構或技術的創新。」因此他期望透過「BLUE OCEAN DOME」，探索新的建築可能。

展館由3座圓頂組成：「圓頂A」的結構是「竹」，由於傳統竹材的直徑和厚度不均，且會因日光直射而裂開，因此團隊運用最新技術製成竹集成材，輕盈、強韌並易於加工；「圓頂B」則使用「CFRP（碳纖維強化聚合物）」，此材料重量比鐵輕、強度卻更優異，通常被用於航空、汽車等，本次為全球首次將CFRP作為屋頂主要結構，世博結束後也將回收，應用於坂茂參與設計的馬爾地夫海洋度假村開發案；而坂茂聞名的「紙管」則出現在「圓頂C」，此處的紙管不僅用於屋頂，連椅子都由3根紙管組成，讓觀眾直接感受其韌性。

BLUE OCEAN DOME
需預約，也可現場排隊。採分批導覽，編輯參觀時間約50分鐘。
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▸ 韓國館

主題包裝下的科技國力

韓國館意外地讓我滿喜歡。其實它原本不在我想參觀的清單上，而是在世博開幕日傍晚，在大屋根廊道下方躲雨時，恰巧看到前方一面巨大的裸視3D牆——瞬間以為是某個世博官方的裝置，但隨即想到近年韓國經常使用此技術，看了一下周圍，確實找到「KOREA」的字樣。不用進到展館，韓國透過外牆就已大力輸出自家螢幕設備與設計實力。

韓國館以「With Hearts」為主題，講述科技與人性間的關係。入場前，觀眾會先依序進入如電話亭般的小錄音間，對著麥克風回答「最重要的東西是什麼？」每位觀眾錄下的聲音，將會在第1個展間轉化為聲光藝術，在全黑場域隨著音樂打下道道光束。第2個展間設有眾多如喇叭般的裝置，只要對其吹氣，上方就會產生泡泡落下（同場加映：瑞士館也有類似手法，但泡泡是由下往上升起）。

最後的第3展間，則播放一段「女高中生與爺爺」的音樂戲劇影片，融合K-Pop的音樂與舞蹈，講述科技如何聯繫情感，以及不隨時間改變的價值。其實各展間均強烈置入科技與娛樂產業等韓國國力，但因為收攏在科技與人性的連結此一主題下，並不會有太生硬或直接的「置入」感，可謂一場好看的展演。

韓國館
現場排隊。採分批導覽，編輯參觀時間約40分鐘。
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➥延伸思考：國家這件事怎麼表現？

國家館打著國家的名義參展，這件事其實很有趣——「國家」的比重要占到多大？要呈現國家的哪些特質或特色（以及怎麼呈現）？又或者再深一層思考，哪些東西能夠代表國家？上述提及到的兩個國家館（荷蘭、韓國），對我來說都是「主題」走在「國家」前面，也是我個人較偏好的國家館形式。這個意思是，它們是運用國家的元素（例如荷蘭的水能源、韓國的科技與娛樂產業），來講述一個主題，「國家」這件事有經過一定程度的轉化與包裝。

相反地，本屆我看到的大多國家館，都是讓「國家本身成為主題」，以博物館式的方式，介紹該國的地理、人文、產業、歷史，或是最新／自豪的科技、品牌、政策等等。雖然也不乏精彩之作，但就我個人而言，仍不免有種說教感。不過在直白介紹國家的國家館中，想特別推薦一個讓我印象深刻的展館：

▸ 巴林館

視覺之外，用觸覺與嗅覺感受巴林

其實在此之前，我並不知道巴林這個國家，但由黎巴嫩建築師Lina Ghotmeh（近年贏得「大英博物館」西翼展廳改造計畫國際競圖，是備受矚目的女建築師）操刀的建築，以3,000根木材製成木船般的展館，外觀就十分搶眼。

展覽內容不外乎介紹這個位於西亞、波斯灣西岸附近的島國，其自然與航海資源。但參觀方式的設計，是先進行一小段的團體導覽，讓觀眾對巴林有基礎認識後，再自由參觀，解說員也清楚交代「展館裡每一項東西都可以摸和聞」。對於用看或聽的方式來接收一國文化，總顯得有點制式，但透過觸覺和嗅覺，意外地讓我更有好奇心地探索。布幔染上的巴林海洋氣味，我到現在都還記得那股怪異酸味。

還有，巴林館商店超、好、逛！除了有許多當地工藝，同行攝影師還在裡面挖到巴林攝影師Ishaq Madan的Zine，照片和印刷品質都在線。另外亦可關注，目前也在開展中的威尼斯建築雙年展，國家館最高榮譽金獅獎就是由巴林館奪下，也讓我更好奇這個過往相對陌生的島國，還擁有什麼樣的創意能量。

巴林館
現場排隊。前段分批導覽、後段自由參觀，編輯參觀時間約半小時。
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_{文｜張以潔　攝影｜蔡耀徴
更多精彩內容請見 La Vie 2025/6月號《2025大阪世博設計攻略》}