後疫情時代該如何紓緩不安忐忑的情緒？不如踏上被譽為台灣最美公路—197縣道，跟著蜿蜒於海岸山脈的道路欣賞花東縱谷風光，也一同感受亮相秘境上的地景藝術創作！ 去年登場的台東《漂鳥197-縱谷大地藝術季》再度回歸，並集新銳壁畫家紀人豪、加拿大籍藝術家葉海地（Heidi Yip）、原民藝術家陳正瑞等6位國內外創作者，帶來全新一年度的《漂鳥197-2020縱谷大地藝術季》地景展覽，看他們如何在美麗縱谷風景中，發揮想像力創造屬於他們與台東縱谷間的情感連結！

身為行政院農委會水土保持局臺東分局主辦的「萬物糧倉大地慶典」計畫之一，縱谷大地藝術季2019年首度開展即獲得熱烈好評，2020年克服疫情問題，將台東自然與風土人情透過更多不同的藝術家之眼，同時結合印度詩聖泰戈爾最動人的《漂鳥集》優美文字，化作一件件雋永的藝術作品。

為了讓民眾對於藝術家創作過程更加了解，率先登場的6件作品，分別分布在池上農會舊穀倉及大坡池周邊，另外4件作品則將自7月到10月之間逐步設置完成，搭配去年分布在197延線的11件藝術作品，將旅客導入沿線村莊，一路從池上延伸到關山，一點一滴構築縱谷風土人文，而襯著風光明媚的夏日景致，更可以感受作品與縱谷所承載的有機生命力，並獲的滿滿療癒能量！

▶回顧首屆《漂鳥197 縱谷大地藝術季》精彩作品

紀人豪《供給與需求》

地點：池上農會超市後方舊穀倉 

「蜜蜂從花中吸取花蜜，離開時向花朵嗡嗡道謝。一身華麗的蝴蝶卻認為應該是花兒要向他道謝。」泰戈爾《漂鳥集》 第127首 

擁有純熟街頭彩繪壁畫技法的台灣壁畫藝術家紀人豪，今年四月造訪池上駐村一個月感受米鄉生命力。田間農人穿過金色稻浪手，以及飄盪在縱谷間的山嵐，自在穿梭的白鷺鷥，都成了這次舊穀倉創作《供給與需求》靈感。

《供給與需求》探究農人的供給與人們需求的平衡關係，紀人豪使用金、銀顏料、水泥漆，將池上農會超市後方舊穀倉牆面彩繪，燕子、花朵、手語等元素組合在一起，藝術家迷戀縱谷之山景猶如燕子般追尋，農夫珍愛農田猶如喜鶴間的浪漫，似鳥似飛翔的手語動作，比喻對未來的期盼。

貝馬丁（Martyn Barratt） 《 生命的反思 》

地點：大坡池山丘 

台灣女婿眼中的池上！來自英國的雕塑藝術家貝馬丁（Martyn Barratt） ，2004年隨妻回台定居，本次在縱谷大地藝術季帶來《 生命的反思 》，希望透過雕塑引起人們對於大坡池跟周邊環境的關注，藉由鏡中反射，看見自己和其他觀者反映，並反思自己在自然中的角色。

葉海地（Heidi Yip）《 溯土Revert to Earth 》 

地點：池上農會超市後方舊穀倉 

「因雨而濕潤的泥土香味緩緩升起，如同一首來自無聲庶民的讚歌。」泰戈爾《漂鳥集》 第310首 

加拿大游牧藝術家的原鄉創作！藝術家葉海地（Heidi Yip）於1978年在香港出生，畢業於多倫多安省藝術與設計學院之後，自己到墨西哥，西藏，戈壁灘，紐約等地旅行且尋找創作靈感，最後到了台灣，激起她無限的創作熱情。

作品《 溯土Revert to Earth 》 以阿美族傳統製陶的方法，經過多重工序燒製700片的陶片，陶片互相敲擊有清脆的聲響，以苧麻線懸掛在舊穀倉內，形成一幅衝擊視覺與聽覺的立體雕塑作品，而圓形陶片則有象徵和諧、融為一體、圓滿之意；在木灰色舊穀倉裡，像是一個時光隧道，更是一場人類對於土地無盡追溯的精神儀式。 

阿美族三位藝術家的傑出創作

陳正瑞《我要有個家》

地點：大坡池賞鳥屋北方草皮 

「在傍晚的薄暮中，清晨的鳥兒飛進到我靜謐的巢穴裡。」泰戈爾《漂鳥集》 第164首

《我要有個家》是噶瑪蘭族與阿美族藝術家陳正瑞為2020漂鳥197創作的作品，以竹編技法，從主體的視覺，看到後面連綿不絕的小鳥窩，有著看似被包圍的安全與歸屬感，六件鳥巢般的創作安置在大坡池賞鳥屋旁的草地，視線由主體往池面延伸，綿延不絕且造型各異的竹編構造，除了希望能提供鳥類們棲息停留的處所，也象徵人類依附自然而生的安全感及歸屬感。

陳正瑞創作語言總圍繞原住民對土地的歌詠、對自然的崇拜，作品對傳統原住民的祭儀與親族間互動關係，用細膩的描述刻劃，藉由作品的呈現，對母族的濃郁情感，得以轉換成光和熱的能量。

Talaluki志明《何時》

地點：大坡池東側蓮花池畔 

阿美族藝術家Talaluki志明，作品向來以大型公共藝術為主，最擅長鐵塑，也常運用漂流木當作複合媒材，本次帶來的作品《何時》，以漂流木為基礎，打造一位擁有歲月及智慧、坐在池邊垂釣的老人，也邀請來客陪他坐坐。 

拉飛．邵馬(Lafin Sawmah)《拾火 Kalo’orip》

地點：池上萬安村魏家庄稻田 

阿美族青年拉飛．邵馬(Lafin Sawmah)，從未受學院訓練的他，作品卻屢屢受到國外展覽肯定。其作品以木雕為主，但是幾乎見不到傳統原住民的圖騰和語彙，反而是一種更抽象且當代的線條和風格。

本次創作《拾火 Kalo’orip》，Kalo’orip是阿美族語，意指生活的依靠。以「火」為主題，創作出火之意象的巨大木頭雕塑，來呼應生命的起源。人們仰賴著「火」生活，也向「火」學習智慧。在原住民的傳統祭典裡，人們牽起彼此的手圍繞著「火」一起吟唱、一起舞蹈，我們也一起感謝大自然，感謝祖靈。目前作品尚在製作中。

吉田敦《等待 Waiting》

地點：大坡池蓮花池畔旁  

出生於日本群馬縣，來台定居多年的藝術家吉田敦，創作多取材自日常生活中常見的廢棄素材，具有對於土地環境的觀察及省思，並期望藉創作喚醒大眾對於環境的重視。本次作品《等待 Waiting》，以巨人的樣貌坐落在大波池的蓮花池畔旁。巨人來到大坡池，要坐著休息、冥想，從大自然補充營養獲得力量。遊客可以進去巨人體內，觀賞他的骨架，從窗口觀察白鷺鷥、仰望天空。等待、白鷺鷥飛過，等待、雲過來、風吹過的片刻，等待、雲走後的星星、月亮。

林惠理《傾聽 稻影》

地點：台東縣池上鄉錦新二號道路

現任台北花苑藝術總監、美國花藝學院指導教授的林惠理，本次作品《傾聽 稻影》，以稻米作為發想，勾勒出這塊土地的美麗，營造樹屋的氛圍，以木作與金屬結構包覆及延伸，再以手工稻草繩圍繞，透過細膩的工藝手法將增添溫暖的鄉村氣息，不使用侵入性的鑽孔或鋼釘，從底部的木作與金屬結構延伸到頂端及涼亭內部，細緻的草繩編織與溫暖的原木相互襯托，並與眼前綿延的稻田景色呼應。

 阿旦‧達魯札隆&陳勤《AWIDAY TO SIPALAAY 感謝土地！》

來自屏東排灣族的阿旦‧達魯札隆，擅長以木雕、陶塑述說其內心故事，以鐵雕、木雕創作的風格隨性，幾乎不打草稿，大膽粗獷，而作品裡常感受到幽默、逗趣的雙關語彙，透過其獨特的觀察，讓看似平常的漂流木、廢鐵、石頭等自然素材，塑造成動態質樸和純粹原真的生活故事。

八年級生的陳勤在南華大學視覺藝術與設計學系畢業後，大量投入木作創作專業，喜歡將漂流木結合異材質，變化出令人驚奇的造型與效果。兩人此次作品《AWIDAY TO SIPALAAY 感謝土地！》，用山芋葉與土地對話，彎腰的姿態對農人致敬，秉持敬畏與謙卑的心浸入大自然。用鋼琴與土地對話，象徵人們是自然的一部份，並願意時時停下腳步、仔細地聆聽自然所要傳達的訊息！鋼琴上的牛頭，意謂農村與自然的和諧生活與農人的智慧！

巴豪嵐．吉嵐《神奇交會點》

視覺藝術家巴豪嵐．吉嵐，母親是台東大武的排灣族，他醒悟到原住民族母體文化，並不是單純的血緣追朔，而是一種文化的理解與認同。擅於以繪畫與雕塑傳遞原住民的神話與傳說中的精神，呈現大量豐富的想像力與生命力，提出人類為了自身利益而破壞環境的再反思。作品與他性格中強烈的原始內驅力相映成趣，在黑暗怪誕的造型中，有一種幽默與童趣。

《神奇交會點》敘述代表原生態的野豬，與當代時髦的女性相遇，展開真實又奇幻的故事，女孩想捕捉巨獸畫面，牠正是撐起廢墟的吉靈物，從此開始這個驚異的交會點，也是神奇的發想地，就位於慶豐村內大坡路旁的廢棄房舍。

想要來趟東台灣旅遊，不如就安排來台東展開一趟大自然的藝文朝聖之旅，騎著單車徜徉在197公路上，讓泰戈爾與在地柔情的人文情感，為小旅行寫下迷人的詩篇！

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文字整理：Ian Liu

圖片提供：萬物糧倉大地慶典

一間不賣鮮花的花店，竟能巡迴紐約、墨爾本、香港、新加坡等大城市，所到之地皆掀起排隊熱潮，這到底是怎麼一回事？原來這是澳洲當代藝術家Cj Hendry策動的「Flower Shop」藝術計畫，她以絨毛為材質，重新演繹各形各色的花卉，從莖葉到花瓣都細膩還原！

在開花店之前，「色鉛筆」超寫實畫作就引發社群討論

早在「Flower Shop」爆紅之前，Cj Hendry就以高超到得以「掩人耳目」的畫技為藝術迷熟知——閃閃發亮的迪斯可球、揉皺的塑膠袋、黏稠未乾的顏料、輕盈閃著幻彩的泡泡、盤中渾圓美味的魚子醬……，她不靠多樣媒材堆疊創作，就憑「色鉛筆」調色繪出！每道如顏料質地反射的光、彷彿立體物件自帶的影，都靠她巧手創造。看著這些巨幅超寫實畫作，不說還以為是攝影作品。

「Flower Shop」專賣永不凋零的花

近年，Cj Hendry將創作領域從超寫實畫作，拓展至大型藝術裝置和體驗，讓藝術以更可親的方式靠近大眾。2024年，她在紐約首度推出「Flower Market」，販售一系列以織品和泡棉製作而成、永不凋零的絨毛花朵，沒想到活動大受歡迎，最後快閃甚至演變為一間位於紐約SoHo區的永久性花店。其後，Hendry將計畫更名為「Flower Shop」並帶著作品去往世界各地。

為何以花為創作載體？Hendry認為，花是一種「人人都懂的語言」，無論是慶祝、道歉或單純想為日常製造浪漫，人們都會買花；不過可惜的是，鮮花總敵不過枯萎的命運。她想將這件事反轉，藉由永不凋零的花朵，讓心意得以永遠綿延。此外，Hendry希望透過Flower Shop讓人們知道，藝術不一定高冷艱澀，也能是觸手可及、可以輕鬆和親朋好友分享的。

「Flower Shop」8/28登台北微風廣場

巡迴紐約、新加坡、香港和澳洲多座城市後，Flower Shop今年夏天來到台北，8/28起於微風廣場快閃登場。這座露天花店將佈置如溫室，讓人們有造訪花市的實感，現場集結100種絨毛花卉，其中包含7款以台灣花卉為靈感的作品。想為自己或所愛之人挑一束永生花束，別忘了把這行程加上行事曆！

即日起至2026年10月3日走進台北當代藝廊TAO ART，從旅美設計師吳季剛和美國畫家羅伯特勞森伯格跨時空、跨領域的靈感交會，看時尚與藝術如何並置一地，激盪出有別於獨立存在時的嶄新火花。本篇3段式詳解兩位各擁深遠脈絡且皆打破傳統框架的創意風格，同場邀你共賞吳季剛揚名國際後首度回台辦展所帶來亮點之作。

坐落內湖辦公大樓內的新型態藝術空間TAO ART，現正進行跨越藝術與時尚邊界的開創性展覽《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》。回推策展緣起至2025年，為紀念美國藝術巨擘羅伯特勞森伯格（Robert Rauschenberg）百年冥誕，享譽國際的台裔加拿大時裝設計師吳季剛（Jason Wu）特別聯手羅伯特勞森伯格基金會（Robert Rauschenberg Foundation），向其生涯創作汲取靈感，以構思自創同名品牌Jason Wu 2026春夏系列《拼貼（Collage）》，同時將羅伯特勞森伯格作為戰後美國藝術先驅對圖像、布料與現成物的激進運用提升至全新維度。

此次展覽除呈現該系列服裝作品外，亦展出來自紐約、包含直接啟發吳季剛設計之重要作品在內的羅伯特勞森伯格基金會私人典藏；利用時尚與藝術的並置，全展不僅回望羅伯特勞森伯格對藝術史的深遠影響，更進一步重繪藝術文化的未來可能樣貌。

#01 解構拼貼宇宙：

當吳式優雅，遇上勞森伯格式叛逆

當年憑藉美國前第一夫人蜜雪兒歐巴馬（Michelle Obama）身穿其設計禮服出席前總統歐巴馬就職典禮一戰成名，吳季剛至今以精緻、優雅且充滿女性力量的現代美學風格聞名於世，並陸續為全球多位最具影響力女性與文化指標人物量身打造衣著。始終視各領域視覺藝術為豐沛靈感泉源的他，諸如曾於原創作品內帶入台灣書法藝術家董陽孜行雲流水的筆墨線條，或在上述與羅伯特勞森伯格基金會共同開發的《拼貼》系列中開展跨界對話，比比皆是實例。

且因投身後者這一別具指標性的合作案，吳季剛深入研究羅伯特勞森伯格的藝術宇宙，尤聚焦發想於1970年代的兩代表性系列《白霜（Hoarfrost）》和《機場套裝（Airport Suite）》，讓作品上大膽展示的拼貼藝術、集合藝術（Assemblage，即「立體」拼貼藝術），以及對布料媒材的創新實驗，巧被轉譯為當代時裝設計語言——並非單純挪用藝術家所作圖像，而是內化他當時對材質的敏銳感知後，透過解構、拼接與堆疊等手段重新詮釋其創作精神。

#02 串聯美術館與伸展台：

審慎考據後，兼行「具體物件移植」與「抽象心法重現」

▶ 先看兩大系列各蘊含哪些獨特技法與元素

1974至1976年誕生的溶劑轉印系列《白霜》，由羅伯特勞森伯格自行發展出的獨特技法創作而成。他首先轉印內容涵蓋政治人物、體育賽事、消費商品、科學圖表及生活片段的報紙和週刊雜誌（如《新聞週刊》、《時代雜誌》等）圖樣至半透明的絲綢和雪紡布料上，再將未經裝框拉平的織品僅以圖釘鬆散地懸掛於牆面，隨周圍氣流飄動。層層疊疊的輕盈效果，使圖像不斷游移清晰與模糊間，構出如從冬日霜窗凝視世界般夢幻而神祕的視覺深度。原本來自大眾媒體的政治或商業符號，也在柔軟氛圍中被轉化為記憶碎片似的溫和存在。而吳季剛除重現轉印質地於《拼貼》系列，更藉布料毛邊自然流露的粗糙感與未完成感，精準呼應原作系列所蘊含的材料精神與詩意狀態。

1974年誕生的紡織版畫系列《機場套裝》，則融匯自帶肌理的材質，凸顯工業符號意象。作為羅伯特勞森伯格的首個凹版印刷企劃，該系列彼時可謂對材料與印刷技術使用邊界有所動搖：他摺疊異質布料，並在其表層和裡層同時進行印刷；如此一來，布料便能在被展開或縫合後，形成極具延展性的影像結構。藝術家且突破繪畫與物件製作的傳統界限，盡把瓶蓋、鈕扣、直尺等日常拾得物直接縫進布料載體，打造兼具繪畫、拼貼與雕塑特徵的作品。這些物件所保留看似平凡的痕跡，卻成作品敘事中不可或缺的元素，映現羅伯特勞森伯格不斷思考藝術與生活之間關係的創作實踐。

▶ 再看設計師怎麼將它們轉化到服裝作品上

本展示眾之Jason Wu 2026春夏系列作品〈Cat Paws〉即揉合瓶蓋和鈕扣元素，善用材料肌理的交互作用促成富動態感的視覺節奏；〈Sheephead〉另於構圖上引入與測量、秩序及工業生產相關的直尺工具，讓現成物與印刷表面展開有趣對話。從物件拼貼、層次堆疊到材質轉化，吳季剛對羅伯特勞森伯格縝密的研究工作貫穿設計各階段，藉其材質敏銳度深刻形塑每件服裝從廓形剪裁、布料開發到表面處理的所有細節；最終呈現遂在維持Jason Wu品牌一貫精緻優雅風格的同時，注滿前所未有的實驗精神。

#03 引領觀眾近賞戰後藝術：

三方攜手並置典藏作與現當代新作，吳季剛台灣首展意義非凡

1925年出生、2008年逝世的美國當代藝術家羅伯特勞森伯格，一生傾力顛覆傳統流派對藝術的既定認知，挑戰繪畫的平面性與雕塑的三維界線；以使各式日常拾得物如塑膠、紙板乃至回收品躍然畫布的創作手法著稱，進而於1954至1964年間祭出著名的「融合繪畫（Combines）」、1964年獲威尼斯雙年展國際繪畫大獎。身兼運用絲網印刷和溶劑轉印技術的重要先驅，他亦透過重新拼組大眾媒體影像，反映二戰後由電視主導的資訊時代。設有勞森伯格海外文化交流組織（Rauschenberg Overseas Culture Interchange, ROCI），於冷戰後期率領團隊走訪全球11個國家，蒐集在地材料、與當地工匠合作並舉辦展覽，再再藉由行動證明藝術是一種得以跨越政治分歧的通用語言。

談及本次展覽，吳季剛表示，「我非常興奮能將2026春季系列帶回台灣，並讓觀眾重新認識羅伯特勞森伯格的精彩創作。同時，這也是我的設計作品首次與其靈感來源的原作並置展出，使人能夠更直觀地理解『轉譯』的過程。」甚稱《拼貼》不僅是對羅伯特勞森伯格的致敬，也是他的自我反思——「作為一名移民者，我是如何收集看似分散的文化與視覺參照，並將它們重新編織進我的創作之中。」

羅伯特勞森伯格基金會執行長Courtney J. Martin則說明，羅伯特勞森伯格的創作實踐奠基於創作者面對『藝術可能性』的廣闊理解，「他對紡織材料與現成影像的運用，挑戰了純藝術與日常生活之間的階級藩籬，並為新型態的表達方式開啟空間，至今仍在跨領域創作中持續產生共鳴。」恰如吳季剛與以上可見所有作品的對話，正體現不二創造力與實驗精神，證明羅伯特勞森伯格過去的創作之於今天的藝術家與設計師而言，仍是充滿生命力的源泉。

羅伯特勞森伯格基金會（Robert Rauschenberg Foundation）

立足於羅伯特勞森伯格的傳奇資產，強調其生前信念「藝術家能推動社會變革」，並讚頌創新甚或未經檢驗的全新思考方式，一如羅伯特勞森伯格始終致力在藝術與生活的縫隙中展開行動。

TAO ART

由藏家陳薇捷（Vicky Chen）與父親共同創立於2020年。結合收藏和展示功能的空間，由日本建築大師青木淳以「都市園林」為概念，打造出融合古典、經典與當代藝術的新型態場域，並藉由白立方、茶室、起居室等空間，體現藝術融入日常的可能性，進而以生活化方式將藝術介紹給觀者。一方面支持台灣當代藝術躍上國際，一方面亦將國際資源引入台灣。現透過定期舉辦展覽、座談及交流會，目標成為台灣與國際接軌的平台。

吳季剛台灣首展《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》

• 時間：即日起至2026年10月3日11:00-19:00，每週日、一休館
• 地點：TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）