失去視力前如何觀看世界？專訪《色度：賈曼計畫》團隊如何打造沉浸VR聲音劇場

以多元電影長短片及XR數位科技單元著稱的高雄電影節，今年集結31部來自國內外AR、VR、體感裝置等作品，可謂是台灣最大的XR沉浸式體驗展，做為2020高雄電影節「XR無限幻境」片單之一的《色度：賈曼計畫》為台灣藝術家、劇場知名導演Baboo Liao （廖俊逞）與C-LAB臺灣聲響實驗室攜手合作，以英國導演德瑞克賈曼（Derek Jarman ）的經典電影《藍》(Blue）為藍本，透過VR與3D Audio技術媒介，探討後同志生活，與人類觀看世界、觀看自我的方式。此次特別專訪導演 Baboo 與製作人林經堯，看看科技媒介如何影響表演與觀眾之間的關係。

Q：請問Baboo從傳統式的劇場表演轉換至沉浸式劇場／聲響的電影，最大的差異性是？

Baboo：劇場是我的核心，所有的訓練、美學上的判斷基準都來自劇場，2017年獲選臺北兩廳院駐館藝術家，開始發覺自己的興趣不只是在劇場，而後在國外經驗到多種類型的展演形式，更加印證了自己在創作上「不只是劇場導演，更可以是藝術家」的想法，不同的媒介都只是創作的素材之一。

之前讀到一本書，書中談論參與式的展演，提到「如果19世紀是劇作家的時代，20世紀是導演的時代，那麼21世紀應該是觀眾的時代。」因此透過VR展演，就必須思考「VR載具到底是什麼？現代人如何透過VR觀看一件事？」。劇場表演綜合了各種領域的藝術創作與感官元素，延伸至這次的VR作品中，也是先從聲音開始，再放進視覺元素，同樣充滿五感感官經驗的調度。

Q：為什麼選擇英國導演賈曼的《藍》作為此次的發想文本？

Baboo：一開始收到C-LAB臺灣聲響實驗室的委託邀請，他們希望有一個可以展演出實驗室49.4顆喇叭的3D Audio音響空間的作品，一個類似廣播劇的創作，似乎不是我的創作取向。

賈曼是70、80年代知名的同志電影導演，創作了很多實驗性的影像，他晚年時罹患了HIV，生命晚期時近乎全盲。當一個電影導演、視覺藝術家無法再依靠自己的視力時，他如何用作品和世界溝通？賈曼的最後一部電影《藍》，就是在這樣的情況下所創作出來的，近80分鐘的影像裡，只有一片藍，觀眾只能仰賴聽覺去感受，電影由演員的口白與各種聲響貫穿，從非常具象到抽象皆有。對應現代人過度依賴視覺，如果從聲音出發，可以帶領觀者前往更抽象的領域，這樣的展演更貼近我想創作的形式，而非只是寫實式的情境廣播劇。

《色度：賈曼計畫》從賈曼的《藍》開始，找到一個新切入點，不僅與賈曼有關，更關於當代同志的生存狀態，同志內部也存在著很多「自我標籤化」問題，對應賈曼年代討論色彩時的天馬行空，而現代人卻只剩下一堆由CMYK、RGB編碼的色票，影片中特意展現出這些顏色編碼，其實就在述說現代人的生活充斥著自我標籤化。

Q：此次運用了3D Audio音響「球形環繞聲技術Ambisonics」，與我們較為熟知的以「聲道」系統如單聲道、立體聲、5.1的差別是？整個製作過程與團隊所面臨了哪些困難？ 

Baboo：聲響實驗室中的49.4顆喇叭可以製造出非常擬真、環場的效果，聲音的方向性非常細膩，但也因此我們一開始有點陷入了技術框架迷思中，好像必須將所有的聲音／音軌都要充滿於整個空間。

創作半年進到場館空間，仍有很多細節需要調整，在聲響並非完全的寫實的前提下，如何進行空間部署？作品取樣70、80年代的聲音，與賈曼對話，例如倫敦的地鐵聲、街頭運動的抗議聲、電子音樂，以及一小段《藍》的口白，此外，還插入馬太受難曲的片段，對比同志的艱困處境，聲音跨幅極大，故如何在3D Audio音響的技術優勢和期望的效果間，尋找平衡點，是最重要的任務。

林經堯：因為實際上所有的聽覺都是立體的，C-LAB臺灣聲響實驗室和法國IRCAM合作研究，使用的是全3D立體的方式呈現真實或抽象的聲音場景，讓聲音具有空間方向性，形成立體的音場，建構出聲音的不同質地，透過此次的作品，觀眾可以感受到聲音來自四面八方的「攻擊」，音場像是朝著你撞擊而來，和立體的VR影像相結合，打造出前所未有的感官體驗。

當創作概念要落實於技術設備時，藝術團隊與技術團隊之間必定會有需要磨合的部分，如何互相理解彼此的語言，我想這是所有做科技藝術的人都會面臨到的挑戰。

Q：這次《色度：賈曼計畫》是在C-LAB臺灣聲響實驗室的聲音劇場空間中呈現，同時使用VR設備與3D Audio音響兩種媒介，導演如何在這兩者中取捨或是相互交替轉換？

Baboo：一點是聲音的方向性，一般的VR體驗可能只有耳機兩側的聲音，這個作品還多了另一層空間，因此在VR影像的設計上，需要配合耳機與3D Audio音響的多種聲音方向性進行調配，影像的指向性與聲音的指向性必須能彼此呼應。

另一點也是在此次VR創作中最大的實驗────嘗試VR設備工具更多的可能性。我們必須先賦予「戴上VR頭戴型顯示器」一個意義，一般VR體驗空間可能只有椅子和懸吊的VR頭顯裝置，但這件作品從空間就開始營造，故事線是虛構了賈曼臥病在床時，所想像的未來世界裡同志生活的樣貌，因此當你步入純白空間中，即是進入了作品。擺放的枕頭像是醫院病床，戴上VR頭顯像是要進行檢查或治療的儀器。當作品進行至一半時，在VR頭顯的攝影機鏡頭開啟，觀者透過VR設置窺視，再度穿越回到了現場。

Q：可以為還未看過此片的觀眾，介紹一下你心中《色度：賈曼計畫》這個劇場／電影最值得前來觀看之處嗎？

Baboo：去除賈曼及同志的元素，這個作品是在談「現代人類如何接收訊息、如何觀看？」。這件作品不僅是聲音、VR影像，而是VR這個行為本身到底是什麼？是我們想要探討的。現代人同時大量接受各種資訊，但注意力也變得非常短暫，這或許也是VR被發明的原因，因為當你戴上VR頭顯時，等於被強迫接收單一訊息，它呈現的所有場景、聲音、運鏡都是經過設計好的，打包好一次性送到你眼前，如同藝術觀看的Uber Eats。

林經堯：若以劇場的角度來看，它呈現出一種過去前所未有的文本敘事方式，我想以往沒有一個劇場可以將觀眾帶到這麼遠的地方。製作整合了極高度的五感感官體驗，不只是透過VR、3D Audio音響在視覺、聽覺上表現，整體舞台的配置、枕頭的質地觸感，都能誘發出各種精彩的想像，以白話一點的方式來說，這是一部很爽的作品！

《色度：賈曼計畫》

80年代，英國同志電影導演賈曼因愛滋病引發的多種疾病，導致雙眼失明、肉身衰頹，在死亡陰影籠罩下，他開始揣想一個人工科技、百毒不侵的的未來人類，一個生物多樣性的烏托邦，一個賈曼之子的美麗新世界。《色度：賈曼計畫》追尋賈曼生前最後一部電影《藍》的創作足跡，從他罹患愛滋，病毒入侵身體，走向黑暗前夕，勾勒色彩之於同志自我認同、色彩之於個人記憶，以及色彩與酷兒文化的關聯。以聲音劇場的敘事形式，指向當人逐漸失去視力之時，眼睛如何觀看？C-LAB 臺灣聲響實驗室致力於聲響藝術與作曲的創作、研發、教育三大區塊，透過對於聲音的探索來尋求更多聲景與 3D Audio 等沉浸式聲響的可能性，透過本作品之製作與臺南藝術大學合作，也嘗試了更多聲音實驗的可能性。

電影介紹｜https://bit.ly/31hujbT

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採訪整理｜黃阡卉

攝影｜蔡耀徵

圖片提供｜高雄電影節、C-LAB臺灣聲響實驗室

近年來，另一種「異界」逐漸出現在K-Pop MV中。閾限空間（liminal Space）、夢核（dreamcore）與怪核（weirdcore）等視覺美學，以熟悉而陌生的空間、失真的日常物件，構築出屬於數位世代的超現實景觀。ILLIT、aespa、ITZY MV中的異世界究竟如何被創造？專訪幕後推手Bee Park與ahryandchung，一探這股新視覺語言背後的創作思維！

➣本文選自La Vie 2026／8月號《通往異界》，更多精彩內容請點此

✯ Bee Park ✯ 設計一個超現實世界

「我並不認為現實與想像之間真的存在一條明確的界線。一直以來，我都不斷思考一件事：現實本身或許就是一場夢，而夢，也可能揭示了現實的另一個層次。」身為韓國創意工作室「KALABIKA」的創意總監，Bee Park曾參與BLACKPINK、aespa、ITZY、Hearts2Hearts等多組K-Pop團體的MV創意指導，並曾主導XG專輯《NEW DNA》的創意方向，負責其視覺世界觀，MV與線上宣傳。對她而言，現實與想像並非彼此對立，而是同一段連續經驗中的不同面向；音樂亦是如此，每一首歌都承載著人們生命中的情感、疑問與真實。

也因此，每當開始一個新計畫，Bee總會先花大量時間與唱片公司或藝人訪談，理解音樂真正想傳達的核心，再逐步建立一套屬於作品的創作邏輯。這個世界遵循著什麼樣的法則？角色為什麼會有這樣的行為？空間為什麼會呈現現在的樣貌？甚至每一件道具，又承載著什麼樣的意義？唯有當這些問題都有了答案，才會進一步發展場景、服装、道具等視覺元素。她常把自己的創作方式比喻為電影製作，每一個空間、角色與物件，都應該訴說著同一個故事。「歸根究柢，我並不認為自己只是設計一個世界的人。我更像是在設計一套能夠讓那個世界誕生的條件。」

在aespa〈Armageddon〉MV企劃初期，唱片公司提供了「反烏托邦」（dystopia）、「宇宙恐怖」（cosmic horror）與「超人」（Übermensch）3個關键字。Bee說，當時自己正經歷人生中一段充滿恐懼的時期，因此，她從自身經驗出發，重新思考這些概念背後真正想探討的命題，並逐漸發展出整支MV的哲學核心：「超人，就是我自己。」她意識到，人終究必須面對的並非外在的怪物，而是自己。也因此，她與導演反覆討論，究竟什麼樣的空間與視覺方向，最能承載這套哲學。地下通道、室内游泳池等熟悉的日常場所，也在這樣的思考下，被重新詮釋為帶有反烏托邦氛圍的空間，成為角色内心世界的延伸。

而在ITZY的〈Motto〉（座右銘）MV中，飄浮的梯子、巨大的水母、堆疊的露營車、童話般的城堡等超現物件，其實共同指向同一個命題：人們如何在一次次選擇與反覆驗證中，逐漸找到屬於自己的信念。例如飄浮在空中的梯子，便象征著人們在人生的旅程中不斷尋找平衡，而那座巨大的城堡，則是人們替自己築起的恐懼與限制。「小時候，我們總覺得世界像一座巨大的堡壘，可是當我們長大回頭再看，才發現它更像是童年時親手搭起的小帳篷。」當角色一步步跨越那些看似龐大的障礙，真正超越的，其實始終是自己。「我並不想刻意區分現實與幻想，而是希望創造一个世界，以最清晰、也最美的方式傳達出同一個訊息。」

有趣的是，當外界開始用閾限空間、夢核或怪核等詞彙來形容這些作品時，Bee卻認為，那些名稱只是作品完成後，人們用來理解它的語言，而非創作真正的起點。「我的創作永遠都從同一個問題開始：這個世界，為什麼有存在的必要？」找到答案之後，她才逐步建構出屬於作品的世界觀。至於最後人們將它稱作任何風格，對她而言其實沒有那麼重要；她更希望自己的作品，能讓人們以一種略带陌生的視角，重新觀看自己所認為的「現實」。

Bee觀察，近年愈來愈多人被這些超現實的視覺語言吸引，背後反映的其實是人們感知現實的方式正在改變。「這些夢境與現實之間的界線、既熟悉又陌生的空間、不安與懷舊的情緒，我並不認為它們是網路文化的產物。我相信，這一直都是人之所以為人的一部分。」當生活不斷穿梭於實體與數位、記憶與演算法之間，現實本身已經比過去更加多層次，也更加複雜。因此，人們逐漸從追尋「再現現實」的影像，轉向能夠表達「現實感受」的視覺語言。在Bee看來，超現實並不是為了逃離現實，而是透過另一種觀看方式，重新理解現實，也成為這個世代表達自身經驗的一種新語言。

Bee Park
韓國創意指導、設計師，現為創意工作室 KALABIKA 創辦人暨創意總監。長期投入品牌識別、 視覺設計與創意統籌，曾參與 BLACKPINK〈GO〉、aespa、 ITZY、Hearts2Hearts、XG、 MEOVV 等團體的 MV 製作。@paak.bee

✯ ahryandchung ✯ 用物件重新發明現實

近年來，從新生代韓國女團ILLIT的〈Magnetis〉，到HYUKOH與落日飛車合作的〈YoungMan〉、Silica Gel等獨立樂團的音樂錄影帶，都能看見一種介於現實與夢境之間的視覺語言：熟悉卻陌生的空間、失真的日常物件，以及淡淡的懷舊感。身兼物件創作雙人組與美術指導，ahryandchung長期投入裝置藝術與展覽計畫，也活躍於音樂錄影帶創作，擅長透過重新組裝日常物件、改變空間秩序，讓現實世界悄悄裂開一道縫。

不過，當愈來愈多人開始用閾限空間、夢核或怪核來形容這股風潮，ahryandchung卻認為，與其說它是一股短暫的流行趨勢，倒不如說是一整個世代共同的網路記憶，正逐漸浮現為新的視覺語言。「我們正好是站在類比與數位交界的一代。」兩人回憶，小時候正值撥接網路開始普及，他們在論壇裡用ASCII Art和特殊符號表達自己，也透過早期的Flash動畫、3D圖像與虛擬遊戲世界建立自己的美感，在低解析度的畫面中，憑著直覺學會自己與畫面中央那個粗糙準星之間的關係。「當時的數位影像因為媒介本身的技術限制，自然形成了一種現實與非現實並存的獨特氛圍。那樣的感受一直留存在我們心中，也持續影響著我們今天觀看世界的方式。」

也因此，比起創造一個全新的幻想世界，ahryandchung更感興趣的，是透過輕輕扭轉日常物件與空間，讓現實與夢境、實體與數位、記憶與當下的界線慢慢變得模糊。這樣的想法，也延伸到ILLIT出道曲〈Magnetic〉的美術設計：未完成的獨角獸拼圖、逐漸變窄的走廊、改變方向的重力，以及沿著牆面奔跑的女孩們，彷彿夢境正悄悄滲入日常生活。兩人透露，整支MV的核心，其實是關於「女孩們留下的痕跡」。看似隨意散落的茶壺、方糖、火柴、玩偶、骰子、厚底鞋等物件，實際上都是她們穿梭於旅館時遺留下的線索。然而，隨著痕跡一次次被覆蓋、抹去，最終連女孩們自己也分不清哪些原本就存在、哪些是自己留下的，現實原有的秩序也隨之瓦解。

對ahryandchung而言，物件本身就承載著敘事的力量。如HYUKOH與落日飛車的合作曲〈Young Man〉中，那座貫穿整支MV的虛構樂器裝置「Synthesizer 🅉」，便是兩人創作方法最好的縮影。「我們研究了許多早期的合成器、電子樂器，以及各種揚聲器的造型。同時，我們也希望它看起來具有當代感，卻又讓人無法判斷它究竟屬於哪個年代。」為了打造這件作品，兩人經常往返二手市場、古物市集，尋找各種用途不明卻充滿魅力的零件，再重新拼組起來。原本毫無關聯的物件，最後竟像樂高積木般自然契合，成為一件既像雕塑、又像樂器的存在。

「如今，智慧型手機早已成為日常不可分割的一部分，我們似乎也自然而然地開始回想，在它們尚未進入生活之前，那個世界究竟是什麼模樣。」在ahryandchung眼裡，當所有資訊都彼此連結、隨手可搜尋、立即被驗證，那些充滿不確定性的瞬間與留白的空間反而變得更加珍貴。「直到今天，每當我們創作時，仍試著透過物件與空間，重新找回當年在網路世界裡感受到的那種心情——那份對未知的好奇與陌生感，以及現實和虛擬能夠自然交融的狀態。」

ahryandchung

由Ahry與Chung組成的韓國藝術雙人組，以拆解、組裝現成物件與各種材料為創作方法，探索物件之間偶然生成的關係。近年活躍於K-Pop MV美術指導、場景設計，並持續跨足裝置藝術與空間創作。@ahryblue、 @antcfk

文｜葉欣昀　圖片提供｜ahryandchung、KALABIKA　圖片協力｜KALABIKA

有別於大多電影展會聚焦於新作，每年10月於法國里昂登場的盧米埃電影節（Festival Lumière）著重經典電影修復、歷史影片回顧與致敬電影先驅，場邊舉辦的「經典電影市場展（Marché International du Film Classique，MIFC）」更是全球唯一專注於經典電影發行、修復與策展合作的影視展會。而2026年，台灣獲選為MIFC主題國，以《桂花巷》為首的經典電影將於法國重映！

經典電影重映潮，你也有跟上嗎？

近年，台灣掀起一陣經典電影修復重映潮，從黑幫青春悲歌《少年吔，安啦！》、侯孝賢獲威尼斯金獅獎的鉅作《悲情城市》（1989）、刻畫一代台灣女性命運的《油麻菜籽》（1984），到入選2026「坎城經典」的《魯冰花》（1989），皆令影迷得以藉電影穿越時空，一窺昔日台灣社會面貌。如今存於許多影迷心中、但片源難尋的《桂花巷》（1987），也將以4K修復版形式於2026盧米埃電影節MIFC重映。

台灣新電影重要人物：陳坤厚

1987年上映的《桂花巷》，是台灣導演陳坤厚的代表作之一。陳坤厚的電影之路從攝影起步，他在年少時就跟著舅父賴成英學習攝影。這位舅父的來頭可不小，影壇人稱「賴桑」的賴成英，是台灣電影重要的攝影師與導演，從影40年間曾拿下3座金馬獎最佳攝影獎，2022年更獲金馬59終身成就獎殊榮。

隨舅父習藝多年，陳坤厚在1971年正式升任攝影師，並以《汪洋中的一條船》獲頒金馬獎最佳攝影獎；其後攝而優則導，1979年開始與侯孝賢合作，一人攝影、一人編劇、兩人輪流擔任導演，孵化出以《小畢的故事》（1983）為代表的一系列作品，為台灣新電影共同書寫重要一頁。兩人結束合作關係、踏上尋找自身風格之路後，陳坤厚於1987年推出的《桂花巷》堪稱許多影迷心中難忘的經典。

《桂花巷》拍出傳統父權社會下的女性堅韌和宿命

《桂花巷》以「斷掌即緣薄」此傳統說法為引，串起了漁村之女剔紅（陸小芬飾演）的多舛一生。在傳統父權社會裡，斷掌的女人有著注定一世人孤寡的命，可剔紅不甘被掌紋定義一生，靠著一雙刺繡巧手和三寸金蓮的纏足，如願嫁入桂花巷豪門。然而，她的生活並未從此順遂，反倒遇上丈夫病故、骨肉疏遠重重打擊，獨守深閨的她也面臨著道德的考驗……。

全片於澎湖閩南舊宅取景，配以考究精細的古著，重現日治初期台灣上流社會的生活面貌。演員演技更是電影靈魂，陸小芬從清純少女演到歷經滄桑的孤寂貴婦，用演技將70年時光濃縮於114分鐘片長，道出在封建傳統中成長的女性故事。

此次《桂花巷》於MIFC重映，尤值得一提的是，影片將以台語原版配音放映，原汁原味展現編劇吳念真以道地台語情韻撰寫、典雅中藏機鋒的精彩對白，亦如實還原導演陳坤厚最真實的創作意圖。

從國際論壇、原版海報展看台灣經典電影

在今年的MIFC展會上，官方也與台灣國家影視聽中心攜手合作，展現台灣經典電影長年以來保存、修復與國際推廣工作的成果。其中，「台灣電影原版海報展」將展現台灣影史豐富的視覺識別與美學樣貌；電影工作者齊聚的論壇，則探討電影修復策略、典藏與國際合作實務，領聽眾了解賦予老電影新生命時，所會面臨的技術、歷史、文化等多層面的挑戰。

資料來源｜國家電影及視聽文化中心、台北金馬影展