失去視力前如何觀看世界？專訪《色度：賈曼計畫》團隊如何打造沉浸VR聲音劇場

以多元電影長短片及XR數位科技單元著稱的高雄電影節，今年集結31部來自國內外AR、VR、體感裝置等作品，可謂是台灣最大的XR沉浸式體驗展，做為2020高雄電影節「XR無限幻境」片單之一的《色度：賈曼計畫》為台灣藝術家、劇場知名導演Baboo Liao （廖俊逞）與C-LAB臺灣聲響實驗室攜手合作，以英國導演德瑞克賈曼（Derek Jarman ）的經典電影《藍》(Blue）為藍本，透過VR與3D Audio技術媒介，探討後同志生活，與人類觀看世界、觀看自我的方式。此次特別專訪導演 Baboo 與製作人林經堯，看看科技媒介如何影響表演與觀眾之間的關係。

Q：請問Baboo從傳統式的劇場表演轉換至沉浸式劇場／聲響的電影，最大的差異性是？

Baboo：劇場是我的核心，所有的訓練、美學上的判斷基準都來自劇場，2017年獲選臺北兩廳院駐館藝術家，開始發覺自己的興趣不只是在劇場，而後在國外經驗到多種類型的展演形式，更加印證了自己在創作上「不只是劇場導演，更可以是藝術家」的想法，不同的媒介都只是創作的素材之一。

之前讀到一本書，書中談論參與式的展演，提到「如果19世紀是劇作家的時代，20世紀是導演的時代，那麼21世紀應該是觀眾的時代。」因此透過VR展演，就必須思考「VR載具到底是什麼？現代人如何透過VR觀看一件事？」。劇場表演綜合了各種領域的藝術創作與感官元素，延伸至這次的VR作品中，也是先從聲音開始，再放進視覺元素，同樣充滿五感感官經驗的調度。

Q：為什麼選擇英國導演賈曼的《藍》作為此次的發想文本？

Baboo：一開始收到C-LAB臺灣聲響實驗室的委託邀請，他們希望有一個可以展演出實驗室49.4顆喇叭的3D Audio音響空間的作品，一個類似廣播劇的創作，似乎不是我的創作取向。

賈曼是70、80年代知名的同志電影導演，創作了很多實驗性的影像，他晚年時罹患了HIV，生命晚期時近乎全盲。當一個電影導演、視覺藝術家無法再依靠自己的視力時，他如何用作品和世界溝通？賈曼的最後一部電影《藍》，就是在這樣的情況下所創作出來的，近80分鐘的影像裡，只有一片藍，觀眾只能仰賴聽覺去感受，電影由演員的口白與各種聲響貫穿，從非常具象到抽象皆有。對應現代人過度依賴視覺，如果從聲音出發，可以帶領觀者前往更抽象的領域，這樣的展演更貼近我想創作的形式，而非只是寫實式的情境廣播劇。

《色度：賈曼計畫》從賈曼的《藍》開始，找到一個新切入點，不僅與賈曼有關，更關於當代同志的生存狀態，同志內部也存在著很多「自我標籤化」問題，對應賈曼年代討論色彩時的天馬行空，而現代人卻只剩下一堆由CMYK、RGB編碼的色票，影片中特意展現出這些顏色編碼，其實就在述說現代人的生活充斥著自我標籤化。

Q：此次運用了3D Audio音響「球形環繞聲技術Ambisonics」，與我們較為熟知的以「聲道」系統如單聲道、立體聲、5.1的差別是？整個製作過程與團隊所面臨了哪些困難？ 

Baboo：聲響實驗室中的49.4顆喇叭可以製造出非常擬真、環場的效果，聲音的方向性非常細膩，但也因此我們一開始有點陷入了技術框架迷思中，好像必須將所有的聲音／音軌都要充滿於整個空間。

創作半年進到場館空間，仍有很多細節需要調整，在聲響並非完全的寫實的前提下，如何進行空間部署？作品取樣70、80年代的聲音，與賈曼對話，例如倫敦的地鐵聲、街頭運動的抗議聲、電子音樂，以及一小段《藍》的口白，此外，還插入馬太受難曲的片段，對比同志的艱困處境，聲音跨幅極大，故如何在3D Audio音響的技術優勢和期望的效果間，尋找平衡點，是最重要的任務。

林經堯：因為實際上所有的聽覺都是立體的，C-LAB臺灣聲響實驗室和法國IRCAM合作研究，使用的是全3D立體的方式呈現真實或抽象的聲音場景，讓聲音具有空間方向性，形成立體的音場，建構出聲音的不同質地，透過此次的作品，觀眾可以感受到聲音來自四面八方的「攻擊」，音場像是朝著你撞擊而來，和立體的VR影像相結合，打造出前所未有的感官體驗。

當創作概念要落實於技術設備時，藝術團隊與技術團隊之間必定會有需要磨合的部分，如何互相理解彼此的語言，我想這是所有做科技藝術的人都會面臨到的挑戰。

Q：這次《色度：賈曼計畫》是在C-LAB臺灣聲響實驗室的聲音劇場空間中呈現，同時使用VR設備與3D Audio音響兩種媒介，導演如何在這兩者中取捨或是相互交替轉換？

Baboo：一點是聲音的方向性，一般的VR體驗可能只有耳機兩側的聲音，這個作品還多了另一層空間，因此在VR影像的設計上，需要配合耳機與3D Audio音響的多種聲音方向性進行調配，影像的指向性與聲音的指向性必須能彼此呼應。

另一點也是在此次VR創作中最大的實驗────嘗試VR設備工具更多的可能性。我們必須先賦予「戴上VR頭戴型顯示器」一個意義，一般VR體驗空間可能只有椅子和懸吊的VR頭顯裝置，但這件作品從空間就開始營造，故事線是虛構了賈曼臥病在床時，所想像的未來世界裡同志生活的樣貌，因此當你步入純白空間中，即是進入了作品。擺放的枕頭像是醫院病床，戴上VR頭顯像是要進行檢查或治療的儀器。當作品進行至一半時，在VR頭顯的攝影機鏡頭開啟，觀者透過VR設置窺視，再度穿越回到了現場。

Q：可以為還未看過此片的觀眾，介紹一下你心中《色度：賈曼計畫》這個劇場／電影最值得前來觀看之處嗎？

Baboo：去除賈曼及同志的元素，這個作品是在談「現代人類如何接收訊息、如何觀看？」。這件作品不僅是聲音、VR影像，而是VR這個行為本身到底是什麼？是我們想要探討的。現代人同時大量接受各種資訊，但注意力也變得非常短暫，這或許也是VR被發明的原因，因為當你戴上VR頭顯時，等於被強迫接收單一訊息，它呈現的所有場景、聲音、運鏡都是經過設計好的，打包好一次性送到你眼前，如同藝術觀看的Uber Eats。

林經堯：若以劇場的角度來看，它呈現出一種過去前所未有的文本敘事方式，我想以往沒有一個劇場可以將觀眾帶到這麼遠的地方。製作整合了極高度的五感感官體驗，不只是透過VR、3D Audio音響在視覺、聽覺上表現，整體舞台的配置、枕頭的質地觸感，都能誘發出各種精彩的想像，以白話一點的方式來說，這是一部很爽的作品！

《色度：賈曼計畫》

80年代，英國同志電影導演賈曼因愛滋病引發的多種疾病，導致雙眼失明、肉身衰頹，在死亡陰影籠罩下，他開始揣想一個人工科技、百毒不侵的的未來人類，一個生物多樣性的烏托邦，一個賈曼之子的美麗新世界。《色度：賈曼計畫》追尋賈曼生前最後一部電影《藍》的創作足跡，從他罹患愛滋，病毒入侵身體，走向黑暗前夕，勾勒色彩之於同志自我認同、色彩之於個人記憶，以及色彩與酷兒文化的關聯。以聲音劇場的敘事形式，指向當人逐漸失去視力之時，眼睛如何觀看？C-LAB 臺灣聲響實驗室致力於聲響藝術與作曲的創作、研發、教育三大區塊，透過對於聲音的探索來尋求更多聲景與 3D Audio 等沉浸式聲響的可能性，透過本作品之製作與臺南藝術大學合作，也嘗試了更多聲音實驗的可能性。

電影介紹｜https://bit.ly/31hujbT

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採訪整理｜黃阡卉

攝影｜蔡耀徵

圖片提供｜高雄電影節、C-LAB臺灣聲響實驗室

有別於大多電影展會聚焦於新作，每年10月於法國里昂登場的盧米埃電影節（Festival Lumière）著重經典電影修復、歷史影片回顧與致敬電影先驅，場邊舉辦的「經典電影市場展（Marché International du Film Classique，MIFC）」更是全球唯一專注於經典電影發行、修復與策展合作的影視展會。而2026年，台灣獲選為MIFC主題國，以《桂花巷》為首的經典電影將於法國重映！

經典電影重映潮，你也有跟上嗎？

近年，台灣掀起一陣經典電影修復重映潮，從黑幫青春悲歌《少年吔，安啦！》、侯孝賢獲威尼斯金獅獎的鉅作《悲情城市》（1989）、刻畫一代台灣女性命運的《油麻菜籽》（1984），到入選2026「坎城經典」的《魯冰花》（1989），皆令影迷得以藉電影穿越時空，一窺昔日台灣社會面貌。如今存於許多影迷心中、但片源難尋的《桂花巷》（1987），也將以4K修復版形式於2026盧米埃電影節MIFC重映。

台灣新電影重要人物：陳坤厚

1987年上映的《桂花巷》，是台灣導演陳坤厚的代表作之一。陳坤厚的電影之路從攝影起步，他在年少時就跟著舅父賴成英學習攝影。這位舅父的來頭可不小，影壇人稱「賴桑」的賴成英，是台灣電影重要的攝影師與導演，從影40年間曾拿下3座金馬獎最佳攝影獎，2022年更獲金馬59終身成就獎殊榮。

隨舅父習藝多年，陳坤厚在1971年正式升任攝影師，並以《汪洋中的一條船》獲頒金馬獎最佳攝影獎；其後攝而優則導，1979年開始與侯孝賢合作，一人攝影、一人編劇、兩人輪流擔任導演，孵化出以《小畢的故事》（1983）為代表的一系列作品，為台灣新電影共同書寫重要一頁。兩人結束合作關係、踏上尋找自身風格之路後，陳坤厚於1987年推出的《桂花巷》堪稱許多影迷心中難忘的經典。

《桂花巷》拍出傳統父權社會下的女性堅韌和宿命

《桂花巷》以「斷掌即緣薄」此傳統說法為引，串起了漁村之女剔紅（陸小芬飾演）的多舛一生。在傳統父權社會裡，斷掌的女人有著注定一世人孤寡的命，可剔紅不甘被掌紋定義一生，靠著一雙刺繡巧手和三寸金蓮的纏足，如願嫁入桂花巷豪門。然而，她的生活並未從此順遂，反倒遇上丈夫病故、骨肉疏遠重重打擊，獨守深閨的她也面臨著道德的考驗……。

全片於澎湖閩南舊宅取景，配以考究精細的古著，重現日治初期台灣上流社會的生活面貌。演員演技更是電影靈魂，陸小芬從清純少女演到歷經滄桑的孤寂貴婦，用演技將70年時光濃縮於114分鐘片長，道出在封建傳統中成長的女性故事。

此次《桂花巷》於MIFC重映，尤值得一提的是，影片將以台語原版配音放映，原汁原味展現編劇吳念真以道地台語情韻撰寫、典雅中藏機鋒的精彩對白，亦如實還原導演陳坤厚最真實的創作意圖。

從國際論壇、原版海報展看台灣經典電影

在今年的MIFC展會上，官方也與台灣國家影視聽中心攜手合作，展現台灣經典電影長年以來保存、修復與國際推廣工作的成果。其中，「台灣電影原版海報展」將展現台灣影史豐富的視覺識別與美學樣貌；電影工作者齊聚的論壇，則探討電影修復策略、典藏與國際合作實務，領聽眾了解賦予老電影新生命時，所會面臨的技術、歷史、文化等多層面的挑戰。

資料來源｜國家電影及視聽文化中心、台北金馬影展

即使陷落困境，這些孩子仍保有發現美好的能力——「或許在他們眼中，就連腳下的柏油路，都閃閃發光。」日本新銳導演長久允話題之作《炎上》，繼於日舞影展的世界首映引發全場熱議、於台北電影節的搶先上映續寫秒殺紀錄後，預定2026年8月28日正式登陸台灣院線。直搗新宿歌舞伎町絢爛背後真相、既社會寫實又自帶夢幻光影的沉重劇情，將由新生代演員森七菜挑樑詮釋的「東橫少女」角色率觀眾揭開霓虹裡的闇。本篇統整企劃契機、創作手法、故事大綱及選角考量4部分內容，為你搶先解析全片看點。

【60秒預告搶先看】

睽違7年祭長片新作，爭議性題材在日熱映逾兩月

見列第28屆台北電影節「國際新導演競賽」入圍名單的鬼才導演暨編劇長久允（Makoto Nagahisa），曾挾2017年作品《金魚亂倒少女日記》成首位勇奪全球最大獨立製片電影節「日舞影展（Sundance Film Festival）」短片大獎的日本導演，後且憑首部長片《爸媽死了，我卻不想哭》再拿下評審團特別獎刷新日片參展紀錄（該片亦被2019金馬奇幻影展選映），從而深獲國際影壇關注。其創作擅融合流行文化、遊戲美學與黑色幽默，並藉由鮮明影像風格和大膽敘事方式訴說年輕一代的孤獨、創傷與自我認同；至今作品滿懷實驗精神，探索生命、死亡與成長命題，可謂日本新世代導演中備受矚目的一位。

【新作《炎上》抱回2026西雅圖國際影展（SIFF）官方競賽單元評審團特別獎】

如今，睽違7年推出的全新劇情長片《炎上》，初始靈感汲取於2001年轟動日本社會、造成重大傷亡的歌舞伎町縱火案（歌舞伎町大樓火災事故，英文片名即用「Burn，燃燒」一字）。

故事主線勾勒一名少女走向悲劇前的150天軌跡，主創則集結近年以是枝裕和影集《舞伎家的料理人》、李相日電影《國寶》為人熟知的實力女星森七菜（Nana Mori），和通過多部參演作品《First Love初戀》、《我的完美日常》展現極大肢體特色的舞者演員山田葵（Aoi Yamada）等年輕陣容，共同帶領觀眾藉由電影看見新聞報導之外那些終難取得大眾理解的邊緣群體。

長久允新作《炎上》看點#01：企劃契機

► 前後費時5年蹲點田調，願使「不被看見的人生」躍然大銀幕

而真正始動此片創作的重要契機，事實上來自數年前媒體對歌舞伎町「東橫廣場」所聚集青少年的大量報導。當時無論新聞或社群媒體，大都著眼混亂現象本身，鮮少有人追究事件背後人物的人生脈絡。長久允故決定親自前往歌舞伎町，長時間接觸當地年輕人。他笑說，比起自居記者身分進行採訪，他試圖做到和他們像朋友一樣聊天，光開啟諸如「今天做了什麼？」、「幾歲了？」等再普通不過的日常話題，以慢慢建立信任。

然隨田野調查愈加深入，他愈發現孩子們各擁難以想像、或艱難或悲苦的生命故事；有人遭遇家庭暴力、宗教控制，有人長期面對性暴力、毒品或貧窮問題——多半不是主動選擇、而是被迫接受的命運。對此，長久允坦言，「如果我出生在同樣的環境，也許來到歌舞伎町的人，就是我。」與其看完電影後去批判誰，他期待觀眾不如反思，任何一則社會新聞背後，皆可能存在一段從未被看見的人生。

長久允新作《炎上》看點#02：創作手法

► 巧以夢幻鏡頭講述沉重議題，兼抱最大尊重避免消費弱勢之嫌

全片鏡頭鋪排的特別之處還在於，縱使劇情探討性暴力、家庭暴力、宗教控制與藥物濫用等沉重議題，畫面卻搭配的是鮮豔色彩與夢幻光影來構成強烈反差。長久允透露，這般視覺設計巧思完全源於田野調查時的真實感受。許多年輕人會開心分享剛買的新飾品或小東西，那份單純的喜悅讓他意識到，即使生活陷落困境，他們依然保有發現美好事物的能力，「或許在他們眼中，就連腳下的柏油路，都閃閃發光。」因此，他不但刻意避免將電影拍成陰鬱的社會寫實派，更積極運用青春意象、借力於想像手法，揭露這群年輕人身處的某種「既寫實而非寫實」世界。

同時，為防止嚴肅社會議題淪為娛樂話題，《炎上》整體創作上大量結合田調資料，從服裝、美術到樣樣細節，都盡可能還原實際採訪所見；唯觸及主角的夢境與幻想橋段，才交由電影語言自由發揮。長久允強調，他希望作品始終對受訪者保持最大的尊重——不浪漫化，可也不過度渲染悲劇氛圍，僅僅真誠呈現那些真實存在的人生。

長久允新作《炎上》看點#03：故事大綱

► 出身邪教家庭主角，經由成為「東橫少女」過程構建自我意志

劇情講述出身邪教家庭的小林樹理惠（森七菜飾），與妹妹自幼在父母嚴苛教育下長大。姐妹倆每日向神祈禱，希望痛苦的日子結束、恐怖的父親消失。數年後，父親的離世實現了她們的願望，但母親依舊用同樣高壓的方式管教她們。某天，終於忍無可忍的樹理惠留下妹妹，獨自逃離家中。循社群媒體上的一則訊息，她去往聚集無數年輕人的歌舞伎町廣場，並在那裡得到新名字、新手機、新工作與棲身之所。透過與形形色色的人相遇，她開始擁有屬於自己的意志。然而，命運卻朝著意想不到的方向發展⋯⋯。

長久允新作《炎上》看點#04：選角考量

► 實力演員森七菜顛覆過往形象，挑戰出道至今最具突破性角色

首與長久允合作的森七菜，無疑在《炎上》中完成從影以來最為艱鉅的一次演出。她飾演成長於極端信仰環境的少女，不僅背負難以抹滅的家庭創傷，還因口吃而始終無法順利表達內心情感。為忠實詮釋角色，劇組特別邀請口吃者分享親身經驗，引導森七菜深入體察當事人的心理狀態和生活處境；她亦全情投身創作，將自己代入女主角小林樹理惠的人生。

長久允指出，過去森七菜的清新、純真形象深植人心，但他始終認為，其溫柔外表下蘊含一股隨時可能爆發的強大能量，此次選角遂毫不猶豫找她擔綱主演。他除回憶拍攝期間徹底化身角色的森七菜「投入到讓人有點不敢跟她說話」，更難忘開拍第一天，當森七菜飾演的樹理惠初次踏進歌舞伎町廣場，怯生生地說出自己的名字時，他腦中只浮現一句話：「樹理惠，妳終於來到這裡了。」就在那刻，他甚至萌生父母般的情感，並愈發確信，眼前的女孩就是詮釋小林樹理惠一角無可替代的人選。

制度改變社會前，電影能做什麼？

最後回到構思《炎上》的初衷，長久允感性表示，真正改變社會需要的是制度，而電影能做的，是在制度改變前，讓更多人願意去探知至暗角落裡種種不為人知的面向。「新聞報導往往只呈現事件的一部分，但每個人都有屬於自己的故事。」願這部電影一來能成為觀眾重新認識「東橫小孩（トー横キッズ）」的起頭，二來也延續自己一路上關注社會邊緣人物的初心：藝術創作無法立刻把世界變好，卻至少能使大眾稍稍停駐，真情實意地「看見」周遭那些原來便存在、卻從未被理解之人。

——2026年8月28日走進戲院，隨長久允攜手森七菜最新力作《炎上》剝開浮華糖衣，共感霓虹閃爍下的光與闇。

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