以多元電影長短片及XR數位科技單元著稱的高雄電影節，今年集結31部來自國內外AR、VR、體感裝置等作品，可謂是台灣最大的XR沉浸式體驗展，做為2020高雄電影節「XR無限幻境」片單之一的《色度：賈曼計畫》為台灣藝術家、劇場知名導演Baboo Liao （廖俊逞）與C-LAB臺灣聲響實驗室攜手合作，以英國導演德瑞克賈曼（Derek Jarman ）的經典電影《藍》(Blue）為藍本，透過VR與3D Audio技術媒介，探討後同志生活，與人類觀看世界、觀看自我的方式。此次特別專訪導演 Baboo 與製作人林經堯，看看科技媒介如何影響表演與觀眾之間的關係。

Q：請問Baboo從傳統式的劇場表演轉換至沉浸式劇場／聲響的電影，最大的差異性是？

Baboo：劇場是我的核心，所有的訓練、美學上的判斷基準都來自劇場，2017年獲選臺北兩廳院駐館藝術家，開始發覺自己的興趣不只是在劇場，而後在國外經驗到多種類型的展演形式，更加印證了自己在創作上「不只是劇場導演，更可以是藝術家」的想法，不同的媒介都只是創作的素材之一。

之前讀到一本書，書中談論參與式的展演，提到「如果19世紀是劇作家的時代，20世紀是導演的時代，那麼21世紀應該是觀眾的時代。」因此透過VR展演，就必須思考「VR載具到底是什麼？現代人如何透過VR觀看一件事？」。劇場表演綜合了各種領域的藝術創作與感官元素，延伸至這次的VR作品中，也是先從聲音開始，再放進視覺元素，同樣充滿五感感官經驗的調度。

Q：為什麼選擇英國導演賈曼的《藍》作為此次的發想文本？

Baboo：一開始收到C-LAB臺灣聲響實驗室的委託邀請，他們希望有一個可以展演出實驗室49.4顆喇叭的3D Audio音響空間的作品，一個類似廣播劇的創作，似乎不是我的創作取向。

賈曼是70、80年代知名的同志電影導演，創作了很多實驗性的影像，他晚年時罹患了HIV，生命晚期時近乎全盲。當一個電影導演、視覺藝術家無法再依靠自己的視力時，他如何用作品和世界溝通？賈曼的最後一部電影《藍》，就是在這樣的情況下所創作出來的，近80分鐘的影像裡，只有一片藍，觀眾只能仰賴聽覺去感受，電影由演員的口白與各種聲響貫穿，從非常具象到抽象皆有。對應現代人過度依賴視覺，如果從聲音出發，可以帶領觀者前往更抽象的領域，這樣的展演更貼近我想創作的形式，而非只是寫實式的情境廣播劇。

《色度：賈曼計畫》從賈曼的《藍》開始，找到一個新切入點，不僅與賈曼有關，更關於當代同志的生存狀態，同志內部也存在著很多「自我標籤化」問題，對應賈曼年代討論色彩時的天馬行空，而現代人卻只剩下一堆由CMYK、RGB編碼的色票，影片中特意展現出這些顏色編碼，其實就在述說現代人的生活充斥著自我標籤化。

Q：此次運用了3D Audio音響「球形環繞聲技術Ambisonics」，與我們較為熟知的以「聲道」系統如單聲道、立體聲、5.1的差別是？整個製作過程與團隊所面臨了哪些困難？ 

Baboo：聲響實驗室中的49.4顆喇叭可以製造出非常擬真、環場的效果，聲音的方向性非常細膩，但也因此我們一開始有點陷入了技術框架迷思中，好像必須將所有的聲音／音軌都要充滿於整個空間。

創作半年進到場館空間，仍有很多細節需要調整，在聲響並非完全的寫實的前提下，如何進行空間部署？作品取樣70、80年代的聲音，與賈曼對話，例如倫敦的地鐵聲、街頭運動的抗議聲、電子音樂，以及一小段《藍》的口白，此外，還插入馬太受難曲的片段，對比同志的艱困處境，聲音跨幅極大，故如何在3D Audio音響的技術優勢和期望的效果間，尋找平衡點，是最重要的任務。

林經堯：因為實際上所有的聽覺都是立體的，C-LAB臺灣聲響實驗室和法國IRCAM合作研究，使用的是全3D立體的方式呈現真實或抽象的聲音場景，讓聲音具有空間方向性，形成立體的音場，建構出聲音的不同質地，透過此次的作品，觀眾可以感受到聲音來自四面八方的「攻擊」，音場像是朝著你撞擊而來，和立體的VR影像相結合，打造出前所未有的感官體驗。

當創作概念要落實於技術設備時，藝術團隊與技術團隊之間必定會有需要磨合的部分，如何互相理解彼此的語言，我想這是所有做科技藝術的人都會面臨到的挑戰。

Q：這次《色度：賈曼計畫》是在C-LAB臺灣聲響實驗室的聲音劇場空間中呈現，同時使用VR設備與3D Audio音響兩種媒介，導演如何在這兩者中取捨或是相互交替轉換？

Baboo：一點是聲音的方向性，一般的VR體驗可能只有耳機兩側的聲音，這個作品還多了另一層空間，因此在VR影像的設計上，需要配合耳機與3D Audio音響的多種聲音方向性進行調配，影像的指向性與聲音的指向性必須能彼此呼應。

另一點也是在此次VR創作中最大的實驗────嘗試VR設備工具更多的可能性。我們必須先賦予「戴上VR頭戴型顯示器」一個意義，一般VR體驗空間可能只有椅子和懸吊的VR頭顯裝置，但這件作品從空間就開始營造，故事線是虛構了賈曼臥病在床時，所想像的未來世界裡同志生活的樣貌，因此當你步入純白空間中，即是進入了作品。擺放的枕頭像是醫院病床，戴上VR頭顯像是要進行檢查或治療的儀器。當作品進行至一半時，在VR頭顯的攝影機鏡頭開啟，觀者透過VR設置窺視，再度穿越回到了現場。

Q：可以為還未看過此片的觀眾，介紹一下你心中《色度：賈曼計畫》這個劇場／電影最值得前來觀看之處嗎？

Baboo：去除賈曼及同志的元素，這個作品是在談「現代人類如何接收訊息、如何觀看？」。這件作品不僅是聲音、VR影像，而是VR這個行為本身到底是什麼？是我們想要探討的。現代人同時大量接受各種資訊，但注意力也變得非常短暫，這或許也是VR被發明的原因，因為當你戴上VR頭顯時，等於被強迫接收單一訊息，它呈現的所有場景、聲音、運鏡都是經過設計好的，打包好一次性送到你眼前，如同藝術觀看的Uber Eats。

林經堯：若以劇場的角度來看，它呈現出一種過去前所未有的文本敘事方式，我想以往沒有一個劇場可以將觀眾帶到這麼遠的地方。製作整合了極高度的五感感官體驗，不只是透過VR、3D Audio音響在視覺、聽覺上表現，整體舞台的配置、枕頭的質地觸感，都能誘發出各種精彩的想像，以白話一點的方式來說，這是一部很爽的作品！

《色度：賈曼計畫》

80年代，英國同志電影導演賈曼因愛滋病引發的多種疾病，導致雙眼失明、肉身衰頹，在死亡陰影籠罩下，他開始揣想一個人工科技、百毒不侵的的未來人類，一個生物多樣性的烏托邦，一個賈曼之子的美麗新世界。《色度：賈曼計畫》追尋賈曼生前最後一部電影《藍》的創作足跡，從他罹患愛滋，病毒入侵身體，走向黑暗前夕，勾勒色彩之於同志自我認同、色彩之於個人記憶，以及色彩與酷兒文化的關聯。以聲音劇場的敘事形式，指向當人逐漸失去視力之時，眼睛如何觀看？C-LAB 臺灣聲響實驗室致力於聲響藝術與作曲的創作、研發、教育三大區塊，透過對於聲音的探索來尋求更多聲景與 3D Audio 等沉浸式聲響的可能性，透過本作品之製作與臺南藝術大學合作，也嘗試了更多聲音實驗的可能性。

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採訪整理｜黃阡卉

攝影｜蔡耀徵

圖片提供｜高雄電影節、C-LAB臺灣聲響實驗室

《與惡2》結局即將在本週六7月5日揭曉，在台灣這些年拍攝相對大量的社會寫實題材劇集中，《我們與惡的距離》大概堪稱最為成功的案例。而對比首季，經過6年時間洗禮，本季作品又更「不戲劇」了一些，反倒像一只紀錄膠卷般，緩緩將褐色影格鋪展於觀眾眼前；其顯影並不甚清晰，還待世界上所有的「我們」，共為這只載滿生命殘跡的社會膠卷，覆上該有的顏色。

2019年，《我們與惡的距離》轟動一時，台灣乃至亞洲地區觀眾無不共情，隨角色之間立場的拉鋸而動盪價值判斷。然而這6年間，我們身邊又發生了很多事，卻見得社會議題所具備的和平對話空間，似乎仍顯得稀缺、尖銳而決絕。

2025年，《我們與惡的距離2》全新故事線由隨機縱火、思覺失調症患者殺警兩件重大事故展開，描繪6個家庭中眾多角色之間長達20年、錯綜交疊的人生軌跡。第一季編劇呂蒔媛、導演林君陽及原班團隊紛紛回歸第二季創作，除了領銜主演周渝民、薛仕凌、謝欣穎、楊貴媚、于子育5位外，更集結劉子銓、詹子萱、張軒睿、朱芷瑩、蔡振南、黃迪揚、朱宏章、陸弈靜等老中青實力派演員共同塑造劇中世界觀，帶領觀眾觸摸那些幾乎掉在「社會」這張所謂的安全網邊緣粗糙斷裂地帶，不斷摩擦出的淚水和血漬。

善惡不絕對嗎？

「善惡」這個詞彙的構成，本身即體現其二元性。無論第一、第二季，要說《我們與惡的距離》試圖做到打破或消弭二元對立性，就戲劇作品有限的影響力而言或許太過宏大，更多的是讓觀眾真正看見這些難解的對立——通過將「符號」般的人物、事件和催化因子（包括創傷、疾病、經濟困窘等）組合成為一幀密密麻麻的社會寫實影像，某種程度迫觀眾直視和反思對立。簡而言之，善惡或許絕對，但我們不是非得用善惡來為每件事情立論。

▍劇情架構簡析

跳躍式時間線，多角度交錯敘事

相較第一季，《我們與惡的距離》第二季整體架構更為繁複，在「每兩集一個年代」的跳躍式時間設定上，採多人物、多角度敘事：1、2集落在案件發生的2022年，3、4集倒回各角色生命線逐漸交會的2001年，5、6集邁入10年後的2011年，7、8集又再推進10年，來到2021年新冠疫情籠罩全球的「陰鬱時代」（本篇在此不著墨太多，不過疫情時代「集體禁閉把人逼瘋」這個論點相當有意思）。同時，各集數以不同角色題名，一面揭露該角色身世、一面由其視角觀看世界並側寫劇中他者。

儘管故事量體龐雜，周渝民飾演的主角馬亦森一句「我們以為我們接得住所有人，但其實我們什麼都接不住」便已道盡全劇核心思維；從「接住」一念出發，整部劇集深究小至個人、大至社會，我們擁有何等強度的「網」，能夠涵容受傷的人、受傷後去傷人的人、被受傷的人傷的人⋯⋯，並進一步通過加害與被害的換位思考，叩問這之中是否存在修復與理解的一線生機。

▍背後寓意探討

從政治與社會大題，將微光照進渺小個人的傷痛中

題材上《我們與惡的距離2》既延續首季針對社會議題的辯證，亦愈加著重心理及精神層面的探討。特別的是，多處描繪精神疾病患者發病的場景，導演選擇讓第三人稱（社會共識上的客觀）鏡頭，和藉以魔幻寫實手法詮釋的主觀鏡頭交織出現，盡可能呈現罹病者本人同樣深受折磨、而非全然蓄意攻擊的兩面狀態——心理及精神疾病作為一種「看不見」的病，不發病時甚至可能比感冒還不外顯，也因此自始至終未能被社會完全正視——總有聲音認為是藉口、是軟弱的遁逃。

比起更宏觀的社會議題，本季劇集所聚焦社會中渺小個人的精神撕裂，著實是編劇深厚觀察和描繪功力展現最淋漓盡致之處。關注劇情進展的同時，傾聽個別角色的娓娓道來、拾起角色之間對話流露的種種細緻的悲傷，縱使他們所遭遇的「情境」不見得那麼普世，「情感」上卻皆為旁觀的我們完全能夠映照自身的。或多或少地，大家也不免將劇情與當代社會問題連結，下意識完成了這部劇集冥冥之中交予觀眾來進行的「思辨」最後一環。以下收錄第7段編輯精選台詞，在迎向結局之前，一同回顧《我們與惡的距離2》劇情承載的重要意涵。

※以下內容涉及劇情，請斟酌閱讀※

從7段經典台詞回顧看議題

1.

其實我們人生就是不斷地探索自己需要什麼、搞不清楚自己需要什麼，這些東西都很正常。重點是，不要討厭你自己。

——馬亦森（周渝民飾）

2.

我只是想跟那兩個孩子說，世界會變好。可是我不知道我可以陪多久，誰可以保證世界會變好。

——簡齊蕙（詹子萱飾）

3.

馬：嘿，你很棒，真的。能夠同時安慰兩個受傷的孩子，一般人很難做到。

簡：我身兼被害人跟加害人的家屬，才可以辦到。

馬：哇你這有點地獄梗。

——馬亦森 x 簡齊蕙

以上3段台詞皆出自因童年創傷而深陷憂鬱的簡齊蕙，至精神科與醫師馬亦森會談時所言。在療癒內部和完善外部並進下，社會安全網才可能增生、擴大，簡齊蕙這個角色正同時承載了這兩部分意義。幼時父親殺了母親和弟弟，唯她逃過一劫獨自存活下來，背負憤怒、悲傷和難言的愧疚，她長得多大便療傷多久，最後成為了一名學校輔導老師，以「被害人暨加害人家屬」微妙的第三種立場，嘗試治癒他人和自己。劇中她與醫師的對話尤有深意，台詞調性雖悲，卻也在絕望的黑暗中點起微小的希望之光。

4.

高：那不管怎麼說，現在總是第一步嘛，之後再慢慢來啊。

馬：你花15年才走一步要修法？真是快得可以啦大哥！

——馬亦森 x 高政光（薛仕凌飾）

馬亦森和高政光作為一對無話不談的「靈魂兄弟」，亦在彼此面對人生關卡時安靜陪伴。表面互嘴，實為激勵對方奮起至關重要的存在。高政光原效力於NGO組織，後進入體制、希望改變體制，卻逐步走進一人之力難有所為的窘境。因此，高政光有許多發牢騷或被發牢騷的你一言我一語都令人發笑，有意無意地撩撥著那本早被翻得邊角捲曲、卻始終未付諸實行的「社會停擺」項目書。稍微有別於敘寫精神疾病議題的慎重和嚴謹，編劇和導演在本劇另一大政治議題上，多以幽默中帶軟刺的台詞安排，以及微誇大的鏡頭語言「復刻」各種社會亂象，既直指現實，又不至於真拆現實的台。

5.

政治是管理眾人之事，而不是一昧地做自己想做的事。

——吳遠海（朱宏章飾）

吳遠海為劇中高政光在校攻讀法律時相當敬重的老師，後成為立法院長並邀請高政光入黨參選立委。兩人在政治之路上因「實現理念的手段」不同而心理上漸行漸遠，此話即出自高政光對老師所下的指導棋表示不理解，老師以大局說服他時所言。吳遠海這個角色以不多的戲份帶出一種「柔和的強烈象徵性」，他行事溫文爾雅，開口有條有理、頭頭是道，讓人不由地想像其人格之崇高，久而久之卻發現一切理想如空談。

6.

改革這種事情沒有辦法一步到位，你得有權力，你才能夠慢慢改變。

——吳遠海

追求權力的路上，是否就已經是一種對體制的妥協？而，真正擁有權力後的改變，又還能是原來所念想的那個改變嗎？《我們與惡的距離2》也透過以高政光和其母高張玉敏（楊貴媚飾）為軸心的政治敘事，對堅持信念抑或屈從現實、孤作清流抑或與眾合汙等抉擇，不斷來回辯證。然而雞生蛋蛋生雞，雖藉政治人物之口，劇中所談的「妥協」這件事遠不止政治。

7.

馬：你覺得政光真的有變嗎？

牛：換位置總是要換腦袋吧，但我覺得政光是一個有理念的人，要變也不會變到哪吧。

——馬亦森 x 牛祐荷（孟耿如飾）

馬亦森與少年保護官牛祐荷因案件相識並結為夫妻（牛祐荷於首集的2022年時空已因縱火案喪命，以上為兩人在2021年時空的對話）。牛祐荷一角是劇中眾多「沒被接住」的例外，也正因曾被至親接住而獲得再去接住他人的力量，角色性格具彈性和面對悲觀事物的正向態度。若將全劇比作物件，有光面和暗面的話，牛祐荷在戲劇結構上可屬光面角色。

戲劇可以是娛樂，可以是軟教育，更可以是某個人的一面鏡子或一個出口。無論大家從《我們與惡的距離2》得到最多的是什麼，製作人林昱伶所言極是：「戲裡的某個角色，某條故事線觸動了你，那可能就是一顆小小的種子，在未來的某個時間點改變了某些事，這樣就夠了。」

以廣告成名的日本攝影師奥山由之，跨足成為電影導演的首部長片作品《長椅小情歌》日前於2025台北電影節首映，並將於7月18日正式在台上映。廣瀨鈴、仲野太賀、草彅剛、吉岡里帆等10位日本實力派演員全來助陣，共同演繹5首交織城市光景、圍繞著河畔長椅而生的日常詩篇。一系列氛圍感拉滿的絕美劇照已盡顯「攝影師」功力，那麼奥山由之「導演」做得如何？本文為大家詳解全片看點。

日本知名攝影師、廣告導演奥山由之，6月28至30日攜首度執導的劇情長片《長椅小情歌（アット・ザ・ベンチ）》來台宣傳，並登上2025台北電影節進行全台首映，現場座無虛席自不在話下，誠品電影院安可場特別舉辦的「奥山兄弟檔對談」映後活動，更讓奥山由之與其弟、《我心裡的太陽》導演奥山大史，將兩人首次海外電影活動合體獻給台灣粉絲。而奥山由之於29日媒體茶敘中針對此次新片創作過程的娓娓道來，再度引得萬千期待。

相信大家對這位攝影師並不陌生，要不熟悉也無妨，以下將從他轉戰電影的簡歷說起，接續揭露即將在台上映的《長椅小情歌》導演、編劇、攝影及演員表演各方面必知訊息和片場趣聞。

首度跨足電影領域，執導作品《長椅小情歌》、《秒速五公分》兩年連發

1991年生的奥山由之，過去活躍於攝影、廣告與影像創作領域，曾獲「寫真新世紀」優秀賞與講談社攝影賞，憑藉寶礦力水得廣告、米津玄師〈感電〉及星野源〈創造〉等人氣MV為大眾所記憶。始終持以從日常細節中提煉詩意影像的長項，奥山由之至2024年首推劇情長片《長椅小情歌》，延續一貫清透溫潤的視覺風格，更邀音樂人安部勇磨操刀配樂，音畫相得益彰。其整體作品風格在真摯與怪誕之間取得獨特平衡，闢出一條有別於鬼才宮藤官九郎、大師濱口龍介等資深電影人的詩意蹊徑。2025年，亦再因接棒執導新海誠知名動畫《秒速五公分》真人版而備受矚目。

>> 《La Vie》雜誌曾專訪奥山由之，有興趣的讀者歡迎點此閱讀〈奧山由之的魔幻視覺之外！不停解構自我風格的攝影歷程〉全文。

《長椅小情歌》導演、編劇、攝影解析

▍導演觀點：從一張「長椅」展開的溫柔群像電影

《長椅小情歌》集結10位日本當代一線演員，卻罕見地以「物件」為敘事主視角。電影聚焦東京某條河河岸草地上一張不起眼的長椅，並由此開展多人多篇故事——它雖沉默，卻彷彿城市潛意識的收納器，靜靜見證來來去去的人們，承載著未被說出口的牽掛與記憶。

對此奥山由之親揭，其靈感來源於自家附近的一張長椅，「我常常經過那張椅子，幾年來它都默默佇立在那。不是靠近水邊，也不是巴士站，只是突兀地存在於草地中央。沒有人坐，但也沒有人討厭它。像是對城市變遷的一種固執抵抗，它讓我意識到，若不將它留下，或許哪天它就會不見。」早已超越公共設施的存在，這張椅子成為了導演童年記憶與城市記憶的交匯點，也進一步成為他想說故事的起點。

▍劇本架構：全片切分5個篇章，由不同編劇共同創作

為了傳達上述情感，全片由〈那些被剩下的〉、〈不旋轉的壽司〉、〈看守的責任〉、〈最後一場戲〉、〈寂寞會延續〉5段交錯的故事鋪陳，且為不限縮於自身觀點，奥山由之找來不同編劇共同創作，展現長椅作為「城市記憶載體」的多種樣貌；希望透過不同角色與情境，讓觀眾能變換角度重新觀看與理解這張靜默的椅子。從久別重逢的青梅竹馬、為瑣事爭執的情侶、嘗試勸回離家姊姊的妹妹、意圖拆除長椅的神祕公務員，乃至以外星語演繹的奇幻片段，《長椅小情歌》從一個個圍繞這張椅子的瞬間出發，勾畫出一幅幅記憶拼圖。

▍拍攝手法：「隱身式」攝影機一鏡到底

各約15分鐘的5段故事皆一鏡到底拍攝，營造如舞台劇般一氣呵成的觀賞體驗。攝影機全程固定不動，宛如場邊一位默默觀察的第三者，捕捉長椅周遭的人物互動與情感流動。奥山由之也特別舉其中一場廣瀨鈴的戲為例：拍攝當下演員因不小心掉了東西而短暫離開畫面，然劇組選擇保留原構圖，並未追拍補位——這些偶發的錯落與停頓，他認為反是演出中最真實動人的部分，亦讓角色與場景的關係更加自然、更加立體。

希望作品能像「有靠背的椅子」般給人力量

談到是否偏好特定的椅子類型，奥山由之笑說自己特別喜歡有靠背的椅子，「那種被支撐的感覺讓人安心。」並補充表示，自己從小就會觀察家具的「表情」，對物品有深厚情感，這也影響他對創作的想像。他比喻，與其拍出會「推你一把」的作品，他更希望自己的電影像一張有靠背的椅子，能讓人在疲憊時感受到那股默默支持的力量，彷彿輕聲說著：「你已經很努力了。」

坐上電影這張椅子的，無非是各擁不同狀態的觀眾，可能有滿心歡喜的，有悲從中來的，有自信篤定的，也有惴惴不安的——然而當電影的光亮起，該作品在那絕無僅有的一刻、之於椅子裡的觀眾而言，無論是長久的現實映照，抑或短暫的美好遁逃，若真能有股從後背隱隱而來、默默相撐的力量，其重要性之大必將難以計量。導演這看似樸實的話語，所含實為最難能可貴的創作真諦。

堅強演員陣容現身說法

將城市裡的日常光景交織成詩，讓每一個細微的故事得以延續

本片出演者廣瀨鈴、仲野太賀（第一篇及第五篇）、岸井雪乃、岡山天音、荒川良良（第二篇）、今田美櫻、森七菜（第三篇）、草彅剛、吉岡里帆、神木隆之介（第四篇）等一眾實力派演員，紛紛表達了對這次拍攝經歷的感動。主演廣瀨鈴表示，「這是我第一次在拍攝中沒有明顯的『在演戲』的感覺，就像泡在溫熱的澡水中，時光充滿怦然心動。」並大讚拍攝現場幾乎看不到攝影機的自由氛圍。與她搭檔的仲野太賀亦回憶，「奥山導演曾說過，總有一天要在這張椅子上拍電影。當這願望真的實現，且邀請我一同參與，實在太開心了。」

作為第二篇〈不旋轉的壽司〉的演員，岸井雪乃對劇本給出高評價，「蓮見翔老師寫的劇本，看似無關緊要卻又極為深刻，讓我演起來非常過癮。」岡山天音則說，「這是我第一次對導演產生創作上的嫉妒心，完成品讓我對那張椅子產生了深厚的情感。」

由今田美櫻、森七菜詮釋的第三篇〈看守的責任〉，主要描繪姊妹之間的愛恨錯綜。今田美櫻分享，「情緒像風暴一樣傾瀉而出，卻讓人感受到強烈的愛。」森七菜有感而發道，「我開始思考，每一張椅子、每一個球，可能都連結著某個故事與某個人，這部電影讓我想成為那些故事的延續。」

第四篇〈最後一場戲〉由草彅剛、吉岡里帆、神木隆之介共演，草彅剛表達，「這次的拍攝手法，讓我感受到影像創作全新的可能性。」吉岡里帆笑稱，「沒想到會跟草彅先生一起講外星語！這樣的荒唐，可能一輩子就這一次。」神木隆之介感性地說，「能成為導演鏡頭下世界的一部分，是很幸福的事。」

承導演之言：「這是一部集結個人願望與友情的作品。每位工作人員都像球隊隊員一樣，抱著純粹創作的熱情聚集到這張椅子旁，一起完成了這部小小的、卻真誠的電影。」2025年7月18日，《長椅小情歌》上映在即——獨自一人也很好、找到總和你在一起編織日常之詩的夥伴那更好，讓我們走進電影院，欣賞奥山由之攜手10位重量級演員呈獻的東京詩篇。

《長椅小情歌》中文版電影預告

＊更多《長椅小情歌》相關消息可至光年映畫官方臉書、官方IG了解。

＊2025台北電影節現正於台北市中山堂、信義威秀影城、光點華山電影館進行中，頒獎典禮則於7月5日登場，電影迷們務必鎖定。