2020 ART KAOHSIUNG 高雄藝術博覽會將於11月20日至22日盛大展開，匯聚近40家國內外重量級畫廊，如白石畫廊、尊彩藝術中心、晴山藝術中心與紅野畫廊、新苑藝術等，約800件精選作品，並邀集藝術專業精銳策劃三場論壇，主題囊括原住民藝術的當代觀、疫情之下的藝術轉換－虛擬與實體的藝術展演，以及島嶼與海洋的對話－創造新型態的藝術。

一直以來，博覽會以「東南亞及東北亞藝術交會平台」為起點，長期推展南島藝術，今年國外畫廊與學者受新冠疫情阻擋無法前來高雄，進而促成台灣原住民當代藝術平台、高雄藝術特展區及台灣潮主題特展，不僅展現台灣原住民藝術的藝文深蘊，也介紹台灣本土的街頭潮流藝術正當紅火熱的塗鴉、公仔等新創作品，用藝術溫暖南台灣疫情寒冬。

在國際藝術市場掌舵前進　日本東京白石畫廊

白石畫廊於1967 年在東京銀座創立， 2012 年於輕井澤設立私人美術館「輕井澤新藝術美術館」，緊接著於 2015 年 5 月開設白石畫廊香港新竹坑空間，翌年 2016 年開設香港荷里活道空間，在 2017 年 4 月開設了 台北空間。白石畫廊將日本藝術家引介至國際市場，亦將世界藝術的潮流帶入日本。於駁二藝術特區自行車倉庫展位號B-10所展出的參展藝術家擴及：草間彌生、二川和之、村上隆、奈良美智、陶德・詹姆斯、弗洛倫泰因・霍夫曼、菲利普・考爾伯特、羅納德・溫杜拿、法比歐・莫迪卡、姜淼、金德漢、小松美羽、陳英杰、江上越等共14個藝術家。

聚焦藝術史的開創意義與視覺藝術的社會性觀點　尊彩藝術中心

尊彩藝術中心自1993年創立以來，致力於推廣台灣現當代藝術的學術研究與展覽規劃，並促進國際展覽交流。畫廊主力為推廣台灣20世紀初期，現代藝術史上具有代表性的藝術家，戰後抽象藝術家和當代藝術家，如台灣前輩藝術家陳澄波、廖繼春、楊三郎、陳植棋、李梅樹、陳德旺、金潤作、蒲添生、陳夏雨、楊英風等作品，並定期舉辦大型回顧展與學術研討會，建立其社會公共性的展覽空間，以此奠定私人藝術機構在台灣美術史之重要地位。目前旗下代理的當代藝術家，像是王建文、人嶼、陳依純、黃頤勝、周代焌、游雅蘭等人，著重台灣近代社會民主思潮及多元媒材運用等方式呈現為主軸，再以視覺藝術參與並記錄時下全球觀點同時並行。

晴山藝術中心、紅野畫廊擴展台灣藝術家國際知名度

由晴山藝術中心所代理的台灣藝術家，在歷年全國美展及其他美展都獲得許多最高榮譽。近年來更代理日本著名木雕藝術舟越桂的木雕、素描、版畫，以及優秀木雕家小鉢公史、嶋崎達哉來台展出，並舉辦學術座談會，更積極參加亞洲區的重要藝術博覽會，香港、上海、台北及日本，擴展台灣藝術家國際知名度。紅野畫廊致力於發掘深具潛質的藝術家，其所策劃的每一檔展覽，都是經過嚴謹的篩選機制，堅持提供最優質與原創的藝術家與其作品予觀眾。本次參展藝術家吳熙吉的創作，環繞著以油性蠟筆線條為主的表現方式，線條作為人物及景物的重要起點，暗示著肉體的枷鎖及社會框架，當試圖超脫這種固有限制，也就是禪宗的「明心見性」。

高雄藏家精選新銳藝術家　推廣藝術品收藏

高雄位居南台灣的金融樞紐，也是亞洲海運經濟的重要中心，在地藏家實力不容小覷，因此，高雄藝術博覽會在此長年深耕。本屆高雄藝術博覽會與本地資深藏家們聯手，由林育世先生與黃耀德先生二位專業策展人，透過長期培養的美感與精準的市場眼光，展出新銳藝術家柏巧玲、洪民裕、陳柏源、黃至正、趙璐嘉等數十人的作品。此特展藝術品交流聯誼的方式，建立正確收藏觀念，增進藝術知識涵養，讓高雄藝術市場良善循環。

親近原住民藝術購藏　原住民當代藝術策展、論壇

臺灣原住民藝術的發展在90年初起至本世紀可說是關鍵時代，新興的原住民藝術家們已經逐漸在臺灣藝壇崛起，創作蔚為風潮且年輕藝術家輩出，尤其是本次現場特別展出的伊誕·巴瓦瓦隆、宜德思‧盧信、峨塞‧達給伐歷等人的創作帶有爆發性的實力。隨著時代文化洪流，傳統原住民藝術的實踐領域逐漸轉變了，過去被民族學者、人類學者、甚或殖民眼光下所蒐集典藏、研究的物質文化脈絡製品，已經漸漸以另一種符號形式取代並轉換到現代展示空間、美術館、藝廊、展會以及藝術市場，吸引現代策展人、藝評家、買家和大眾的眼光。

在現代藝術場域，因應觀者的喜好、消費市場的供需作用等相互動態與流動性，相對的觀看模式以及創作實踐，存在著許多不定性、變換和多元處境。面對於當代原住民藝術創作的觀視和賞析，國立東華大學藝術創意產業學系教授兼系主任、研究所所長萬煜瑤女士將帶著大家重新梳理和分析原住民藝術的位置和方向，從時代發展脈絡、文化意義脈絡、美的意識脈絡，以開啟當代原住民藝術實踐的價值論述，讓大眾對藝術品交易有著全觀的藝術理悟。

藝術界資深人士齊聚　碰撞前所未見的藝術火花

為了由高雄在地藝術發展有重要成就的學者與藝術家們，組成兩場極具重要影響性的學術深度論壇。第一場：疫情之下的藝術轉換－虛擬與實體的藝術展演，主持人為長期深延視覺藝術的高雄市第一社區大學校長張金玉女士，與藝術家林珮淳女士及前駐法台灣文化中心主任連俐俐女士等三位與談人將一起暢談，疫情前後數位藝術的限制與轉機，如何運用於藝術表現，甚至是新思維的突破。第二場：島嶼與海洋的對話－創造新型態的藝術，主持人 國立臺南大學視覺藝術與設計學系副教授洪明爵先生主持，將和與談人有國立臺南大學視覺藝術與設計學系副教授董維琇女士、高雄在地藝術家張新丕先生、蘇信義先生等人探討藝術的多元觀點與未來性，以及高雄港口、城市等意象的創作連結。

2020 ART KAOHSIUNG高雄藝術博覽會

公眾展期｜

11. 20（五）1100 – 1900

11. 21（六）1100 – 1900

11. 22（日）1100 – 1800

展覽地點｜駁二藝術特區自行車倉庫、城市商旅真愛館2樓

資料提供｜ART KAOHSIUNG高雄藝術博覽會

當經典邁向當代，設計語彙也被重新打開。麥卡倫攜手美國平面設計大師 David Carson，為經典雪莉桶與雙雪莉桶系列換上全新包裝，並以此為靈感，打造《雪莉新裝360體驗》沉浸式展覽。《La Vie》邀請設計師顏伯駿進場體驗，從創作者的視角觀看、詮釋與拍攝，記錄設計如何在場域中被感知，也重新打開人們對麥卡倫的閱讀方式。

麥卡倫（The Macallan）自 1824 年創立以來，便以雪莉桶釀酒工藝聞名，攜手美國 Coopers Oak 橡木林場並收購西班牙 Vasyma 製桶廠，打造自家雪莉橡木桶供應鏈，新酒與頂級雪莉橡木桶交融下，酒液逐步發展出細膩而層層遞進的風味表現，形塑出麥卡倫引以為傲的風格標誌。到了今年的麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，這份經典被轉譯為更當代的語言，從 David Carson 操刀的包裝視覺，到延伸出的沉浸展覽空間，品牌首度以「設計」為對話開場，讓人重新感受經典麥卡倫背後的文化溫度與情緒層次。

從包裝到場域，設計成為對話的路徑

設計師顏伯駿說，「真正的顛覆不是推翻，是讓原本的秩序容納新的語法；真正的敬意，也不是膜拜，是讓傳承有再被閱讀的可能。David Carson 把麥卡倫的典雅與他一貫的直覺性並置，創造出一種介於經典與自由之間的張力區！」而展覽以「3、6、0」為名，分別對應三大酒款（經典雪莉桶、雙雪莉桶、臻彩系列）、六大標柱（最高品質的橡木桶、雪莉酒潤桶工藝、渾然天成的自然酒色、精緻小巧的蒸餾器、麥卡倫莊園與百年傳承的釀酒智慧），層層拆解麥卡倫的文化底蘊，讓觀者用身體進入設計邏輯的邊界。這不只是關於視覺的閱讀，而是關於場域如何讓設計變得立體。

拆解與再閱讀

踏入麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，就像翻開一本逐頁拆解的讀本，設計邏輯在錯落與重構中緩緩展開。入口以象徵雪莉桶紋理的弧形木牆作為開場，引導觀者穿越時間年輪，走入麥卡倫的傳奇時光；緊接著，步入「感官走廊」，幽深的紅光映照著品牌走過兩世紀的重要節點與關鍵人物，走廊盡頭的螢幕，播放著來自赫雷斯的桶匠訪談與雪莉酒介紹，搭配曲面解構符號與牆面上的「瓦德比諾 Valdespino」雪莉酒，讓觀者穿越至雪莉桶誕生的原鄉脈絡。

進入展覽核心，視線被瓶身、照片、圖騰與色塊組構的裝置吸引，一如漫遊 David Carson 拼貼而成的意識流場景；麥卡倫的六大標柱，從百年傳承的釀酒智慧到麥卡倫莊園，在此被重新拆解並串連為動態時間軸，引導觀者參與一場關於橡木、潤桶與陳年的演化歷程。

琥珀色燈束切入瓶型輪廓，讓酒液的層次與情緒感受浮現眼前；而鏡面牆體則轉化為反射與凝視的界面，邀請每個人將自我置入麥卡倫敘事中，成為風味旅程的一部分。「這些空間其實都不是直白翻譯 David Carson 的設計，」顏伯駿說，「它們是把 David Carson 那種打破線性、重組敘事的感覺變成立體的，每一站都是一種推進！」他特別提及場內大量出現的紅色光影與陰影重疊：「紅色不只是裝飾，它其實像是一種引導，讓你走進麥卡倫情緒的內裡。」

與經典重新相遇

顏伯駿說：「麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》是一個開放的命題，而不是一個被定義的結論。

你可以從工藝進入，也可以從感覺進入；從歷史進入，也可以從視覺進入。品牌若能容納多重入口，代表它願意承擔多重解釋。」對他而言，成熟的品牌不怕被讀錯，它只怕失去被閱讀的慾望 —— 而這一次，麥卡倫選擇以全新的方式，重新開啟這場深層對話。

誠如顏伯駿所說，「當觀看被重新訓練，品牌不必提高音量，只需要說對語言。」在展場尾聲，麥卡倫以一連串能「被參與」的設計細節，打開更多與經典重新連結的方式。

於展場來一杯層次豐富、尾韻帶有甜味的雙雪莉桶純飲，或選擇清爽果香的Highball，週末你可以點上由「2025亞洲最佳酒吧」The Public House 與 Maltail打造、以經典麥卡倫雪莉桶風味為靈感的限定特調；玩一場藏有互動攝影驚喜的盲盒遊戲；寄出一封寫滿真摯話語的明信片；現場購買麥卡倫經典酒款，還能享受質感緞帶包裝的儀式感，讓這些互動與走逛片刻，與麥卡倫威士忌一樣，在記憶中慢慢熟成。

基隆美術館2025年度大展《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》，由藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」擔綱策展人，邀集台灣、日本、泰國、英國及法國等10位藝術家，透過經典舊作與全新委託創作交織共28組創作，試圖回應當代最為迫切的提問：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？

我們所見，真源自我們所選嗎？

在社群媒體演算法驅動下，我們以為自己在選擇觀看，但事實上，我們所見有時並非源自所盼。如今，觀看已是表演、身分再造的一部分，更是個體與群體的角力場。策展人法咪咪表示，展名「WE ARE ME」指向集體與個體的共生與矛盾：在數位影像分享時代，「自我」的樣貌逐漸在群體的凝視中成為「我們」；副標「我（們）到此一遊」則回應大眾文化中「到此即表態」、「觀看即表演」的社群奇觀。

這場展覽就是對上述現象的回應，探索著在影像泛濫、人人都能自稱創作者的時代，藝術被觀看的各式嶄新可能；同時剖析「我」與「我們」的界線，是如何被生成、被消解。再回望展名暗藏的巧思：當「WE」置於鏡面，反射出的既是「ME」，亦是無數被轉譯的身份，暗示著觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。

從兒童純真視角切入主題

首度於台灣美術館機構展出的英國當代藝術家瑞安·甘德（Ryan Gander），是威尼斯雙年展、卡塞爾文件展、雪梨雙年展等國際大展常客。他擅長以幽默視角轉譯日常物件，此次帶來裝置作品《同理心是一種超能力嗎？》，將稚真問句 “Is empathy a superpower?” 印於巨型黑色氣球，並置放於展場通道，迫使觀眾直面這道純真提問。

泰國藝術家納溫·努通（Nawin Nuthong）以融合神話、兒童文化與政治隱喻見長，此次為展覽及基隆城打造新作《4−6位紙鈔上的孩子》，以台灣千元鈔票的隱藏人物為切口，結合基隆在地廟宇觀察，於作品中交織遊戲、童趣與批判性。

科技如何影響人類的情感和行為？

曾獲威尼斯雙年展銀獅獎殊榮的重量級藝術家卡蜜兒·安侯（Camille Henrot），攜成名作《極度疲憊》首度來台展出。這件被視為後網路藝術（Post-Internet Art）始祖的作品，以電腦桌面為舞台，重組網路素材、美國博物館及研究機構組織「史密森學會」典藏，揭示資訊過載如何影響我們的感知與學習知識的方式。

同樣回應科技社會與人類情感行為的關聯，台灣藝術家鄭先喻作品《這可能是你》揭露演算法下的身份幻象，作品不斷輸出演算法生成的個資檔案，擾動個人隱私與真實身分的邊界；日本藝術家山內祥太（Shota Yamauchi）的新作《Being… Us?》，則透過AI光影生成後人類幻影，挑戰對「生命」的既有定義。

日本藝術家YANG02則進一步探索科技時代的社會與倫理議題，他曾透過《永久的暫時性》一作，運用無價值判斷的自動導引車（AGV）將隱蔽幕後的佈展過程公開，藉此反思便利性背後的資本機制。此次則帶來新作《慢速迷你4DW——逃離現代價值觀》，將原先的高速競賽改造成「慢速競賽」，使觀眾體驗「放慢」蘊藏的價值，挑戰現代社會對效率的迷思。

深入感知，將記憶與時間具象化

台灣藝術家陳怡潔以轉化動漫人物的色彩聞名，新作《連合島漫遊》將觀眾最具情感連結的動漫角色，轉化為多格抽象圓盤，呈現網路世代共享記憶的軌跡。

陳松志的《無題-KEE》則讓觀者走在鋪滿銀色亮粉的地毯上——當足跡化為記憶殘留，時間即隨著身體的移動被具象化。

聶永真設計主視覺！以「觀眾凝視白牆」暗喻觀看的多種解讀

本展由聶永真操刀的主視覺設計也值得一看！畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——究竟注視的是藝術，還是透過藝術映射出的自己？展覽也由此發展出一組明信片套卡，觀眾可於展覽中取閱、蒐集；離開展場後，這些明信片將成為展覽的物理延伸，承載著關於「我（們）到此一遊」的某種見證。

《We Are Me－我（們）到此一遊》

展期｜2025.10.30－2026.02.01

開放時間｜週二至週日 9:00－17:00，週一固定休館，國定假日除外

展覽地點｜基隆美術館1樓、M樓（基隆市中正區信一路181號）

參展藝術家｜陳怡潔、陳松志、鄭先喻、瑞安．甘德（Ryan Gander）、卡蜜兒．安侯（Camille Henrot）、謝佑承、納溫．努通、山內翔太（Shota Yamauchi）、yang02（依英文姓氏字母順序）