從老菸廠華麗轉身為文創基地，松山文創園區在今年邁入十週年，十年期間園區內舉辦3,700場展演活動、扶植252個新創品牌進駐展售、共創2,700件創作圓夢計畫，而為回顧3650個日子以來的精彩與繁盛，即日起至2022年1月2日，松菸舉辦「Listen a 松:聽說松山文創園區十年」線上線下展，邀請舊雨新知前來探索十年之間的美好。

首度開放辦公廳舍成為展區，實體線上同步開展

松菸十週年特展結合線上、實體展覽，主視覺邀請藝術家詹雨樹設計，用園區的代表物如古蹟倉庫、松犬和松鴨等，以拼貼手法打造出充滿奇幻風格的松菸。實體展以「聲音地景」為主軸規劃8個展區，並首度以過去廠長辦公室所在的三層樓辦公廳舍為展區之一；同步開展的線上展「奇幻松菸」，從主視覺延伸打造動態網站內容，並結合闖關遊戲，帶觀者回顧松菸十年歷史軌跡。

8大展區亮點一覽！16道地景聲音 X 30件展品回溯松菸十年歷程

1. Listen a 松

位於服務中心的「Listen a 松」，為展覽揭開序幕，大型黑膠唱盤裝置物引領民眾認識展覽論述，在此可索取每日限量主視覺貼紙、隨意拼貼出獨特的展覽酷卡。

2. 專輯收藏室

松菸小賣所的「專輯收藏室」，將園區自辦的活動，包括「松山文創學園祭」、「原創基地節」、「LAB創意實驗室」，以專輯方式呈現，並將歷年活動主視覺作為專輯封面，現場也播放十周年形象影片「十年，成為城市與你的風格連結」，回顧市民和藝文圈的重要記憶。

3. 未來播放室

松菸風格店家作為「未來播放室」展區，設定在未來2039年回顧過往，從十周年專刊「松菸世代：浪擲又浪漫的追夢者」、影片開啟2011年到2021年的研究，匯聚10個過往與園區有密切關係的文創品牌和物件，包括混合基因MixGene、印花樂、鉐葉、蘑菇、有家攝影工作室、花寓、手手企業社、自由人藝術公寓等店家，藉由這些有故事的物件，從未來的角度論述，試圖激起不同的思考視角。

現場還展示13幅由影像工作者汪德範拍攝園區空間照，包括鍋爐房、巴洛克花園、生態池及即將完工的臺北大巨蛋等，搭配上心情標語，讓觀者一窺松菸十年間的變化。

4. 花絮剪輯室

位於辦公廳舍走廊的「花絮剪輯室」沿著走廊窗戶架設10台電視，每一台播放著十年來的代表性影片紀錄，包括從2012年至2019年的「松山文創學園祭」、「原創基地節」、「idea TAIPEI創意工作營」、「松菸Lab新主藝」及「台泰設計交流」等，藉由共16支活動的影像紀錄，與觀者一起歷經十年精采時光。

5. 穿越過去室

辦公廳舍一樓入口特別打造「穿越過去室」，藉由一層層拱形裝置拼貼主視覺元素，並結合夜間光影，作為過去在菸廠時代的入口正大門，門口的小圓環氣派且具流動性，因臺北大巨蛋施工此側的出入口暫時封閉，未來完工後將重新打開入口，藉由穿越時空的意象，連結古蹟建築和外側的施工現況，讓人思考辦公廳舍大門功能轉換的歷程與城市發展的關聯。

6. B面第一首

辦公廳舍樓梯是「B面第一首」展區，首先映入眼簾的是三層樓高、長達1,028公分的垂吊布幕，沿著樓梯蜿蜒而上，細細走讀十年精采大事紀。

7. 聽說現在室

首次以辦公廳舍三樓作為「聽說現在室」展區，在樓梯間將向民眾徵集到的松菸小故事，展示在菱格窗框上，分享最真實的松菸點滴，還有在辦公廳舍走廊以劇場感燈光投射在黑膠唱盤上，只要掃描QR Code，即可聆聽聲音地景藝術家蕭芸安特別設計的松菸之聲「共時記憶」，呼應主視覺拼貼的手法，以採集園區16種聲音組合而成，從腳步聲作為開場，感受到園區的落葉、木棧道、石子路，接著可聽到園區日常聲音，包括清潔人員掃地、挖土等日常勞作，以及巴洛克花園的噴水池和蟲鳴鳥叫聲等，最後以園區熱鬧的展演活動做結尾。

8. 這個聲音室

最後一個展區「這個聲音室」以蕭芸安所採集的16種聲音，展示在園區16個古董級消防栓箱中，分為｢時光記憶｣、｢園區日常｣、｢城市流動｣三大主題。「時光記憶」包括鍋爐房、機械修理廠、辦公廳舍、育嬰房、巴洛克花園及生態景觀池的聲音；「園區日常」包括晨間活動、防疫之聲、風格職人、松菸小賣所和松犬小屋的聲音；「城市流動」則包括文創大街、臺北大巨蛋、菸廠路、553巷商圈及全家松創店。

每段大約1分鐘，搭配相關的展示意象物，可聽到不同地點的日常聲音紀錄，像是車流聲、施工聲、遊客嬉鬧聲等，不但記憶且留存重要的時光軌跡，也引領每一位聽者，用不同的感知模式認識松菸。

▧ Listen a 松：聽說松山文創園區十年

日期 | 2021年10月22日～2022年1月2日

地點｜服務中心、松菸小賣所、風格店家、辦公廳舍、製菸工廠消防栓箱

備註｜更多展覽資訊請點此

▧ 「奇幻松菸」線上展

資料提供｜松山文創園區

文字整理｜izzie pang

當經典邁向當代，設計語彙也被重新打開。麥卡倫攜手美國平面設計大師 David Carson，為經典雪莉桶與雙雪莉桶系列換上全新包裝，並以此為靈感，打造《雪莉新裝360體驗》沉浸式展覽。《La Vie》邀請設計師顏伯駿進場體驗，從創作者的視角觀看、詮釋與拍攝，記錄設計如何在場域中被感知，也重新打開人們對麥卡倫的閱讀方式。

麥卡倫（The Macallan）自 1824 年創立以來，便以雪莉桶釀酒工藝聞名，攜手美國 Coopers Oak 橡木林場並收購西班牙 Vasyma 製桶廠，打造自家雪莉橡木桶供應鏈，新酒與頂級雪莉橡木桶交融下，酒液逐步發展出細膩而層層遞進的風味表現，形塑出麥卡倫引以為傲的風格標誌。到了今年的麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，這份經典被轉譯為更當代的語言，從 David Carson 操刀的包裝視覺，到延伸出的沉浸展覽空間，品牌首度以「設計」為對話開場，讓人重新感受經典麥卡倫背後的文化溫度與情緒層次。

從包裝到場域，設計成為對話的路徑

設計師顏伯駿說，「真正的顛覆不是推翻，是讓原本的秩序容納新的語法；真正的敬意，也不是膜拜，是讓傳承有再被閱讀的可能。David Carson 把麥卡倫的典雅與他一貫的直覺性並置，創造出一種介於經典與自由之間的張力區！」而展覽以「3、6、0」為名，分別對應三大酒款（經典雪莉桶、雙雪莉桶、臻彩系列）、六大標柱（最高品質的橡木桶、雪莉酒潤桶工藝、渾然天成的自然酒色、精緻小巧的蒸餾器、麥卡倫莊園與百年傳承的釀酒智慧），層層拆解麥卡倫的文化底蘊，讓觀者用身體進入設計邏輯的邊界。這不只是關於視覺的閱讀，而是關於場域如何讓設計變得立體。

拆解與再閱讀

踏入麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，就像翻開一本逐頁拆解的讀本，設計邏輯在錯落與重構中緩緩展開。入口以象徵雪莉桶紋理的弧形木牆作為開場，引導觀者穿越時間年輪，走入麥卡倫的傳奇時光；緊接著，步入「感官走廊」，幽深的紅光映照著品牌走過兩世紀的重要節點與關鍵人物，走廊盡頭的螢幕，播放著來自赫雷斯的桶匠訪談與雪莉酒介紹，搭配曲面解構符號與牆面上的「瓦德比諾 Valdespino」雪莉酒，讓觀者穿越至雪莉桶誕生的原鄉脈絡。

進入展覽核心，視線被瓶身、照片、圖騰與色塊組構的裝置吸引，一如漫遊 David Carson 拼貼而成的意識流場景；麥卡倫的六大標柱，從百年傳承的釀酒智慧到麥卡倫莊園，在此被重新拆解並串連為動態時間軸，引導觀者參與一場關於橡木、潤桶與陳年的演化歷程。

琥珀色燈束切入瓶型輪廓，讓酒液的層次與情緒感受浮現眼前；而鏡面牆體則轉化為反射與凝視的界面，邀請每個人將自我置入麥卡倫敘事中，成為風味旅程的一部分。「這些空間其實都不是直白翻譯 David Carson 的設計，」顏伯駿說，「它們是把 David Carson 那種打破線性、重組敘事的感覺變成立體的，每一站都是一種推進！」他特別提及場內大量出現的紅色光影與陰影重疊：「紅色不只是裝飾，它其實像是一種引導，讓你走進麥卡倫情緒的內裡。」

與經典重新相遇

顏伯駿說：「麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》是一個開放的命題，而不是一個被定義的結論。

你可以從工藝進入，也可以從感覺進入；從歷史進入，也可以從視覺進入。品牌若能容納多重入口，代表它願意承擔多重解釋。」對他而言，成熟的品牌不怕被讀錯，它只怕失去被閱讀的慾望 —— 而這一次，麥卡倫選擇以全新的方式，重新開啟這場深層對話。

誠如顏伯駿所說，「當觀看被重新訓練，品牌不必提高音量，只需要說對語言。」在展場尾聲，麥卡倫以一連串能「被參與」的設計細節，打開更多與經典重新連結的方式。

於展場來一杯層次豐富、尾韻帶有甜味的雙雪莉桶純飲，或選擇清爽果香的Highball，週末你可以點上由「2025亞洲最佳酒吧」The Public House 與 Maltail打造、以經典麥卡倫雪莉桶風味為靈感的限定特調；玩一場藏有互動攝影驚喜的盲盒遊戲；寄出一封寫滿真摯話語的明信片；現場購買麥卡倫經典酒款，還能享受質感緞帶包裝的儀式感，讓這些互動與走逛片刻，與麥卡倫威士忌一樣，在記憶中慢慢熟成。

基隆美術館2025年度大展《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》，由藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」擔綱策展人，邀集台灣、日本、泰國、英國及法國等10位藝術家，透過經典舊作與全新委託創作交織共28組創作，試圖回應當代最為迫切的提問：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？

我們所見，真源自我們所選嗎？

在社群媒體演算法驅動下，我們以為自己在選擇觀看，但事實上，我們所見有時並非源自所盼。如今，觀看已是表演、身分再造的一部分，更是個體與群體的角力場。策展人法咪咪表示，展名「WE ARE ME」指向集體與個體的共生與矛盾：在數位影像分享時代，「自我」的樣貌逐漸在群體的凝視中成為「我們」；副標「我（們）到此一遊」則回應大眾文化中「到此即表態」、「觀看即表演」的社群奇觀。

這場展覽就是對上述現象的回應，探索著在影像泛濫、人人都能自稱創作者的時代，藝術被觀看的各式嶄新可能；同時剖析「我」與「我們」的界線，是如何被生成、被消解。再回望展名暗藏的巧思：當「WE」置於鏡面，反射出的既是「ME」，亦是無數被轉譯的身份，暗示著觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。

從兒童純真視角切入主題

首度於台灣美術館機構展出的英國當代藝術家瑞安·甘德（Ryan Gander），是威尼斯雙年展、卡塞爾文件展、雪梨雙年展等國際大展常客。他擅長以幽默視角轉譯日常物件，此次帶來裝置作品《同理心是一種超能力嗎？》，將稚真問句 “Is empathy a superpower?” 印於巨型黑色氣球，並置放於展場通道，迫使觀眾直面這道純真提問。

泰國藝術家納溫·努通（Nawin Nuthong）以融合神話、兒童文化與政治隱喻見長，此次為展覽及基隆城打造新作《4−6位紙鈔上的孩子》，以台灣千元鈔票的隱藏人物為切口，結合基隆在地廟宇觀察，於作品中交織遊戲、童趣與批判性。

科技如何影響人類的情感和行為？

曾獲威尼斯雙年展銀獅獎殊榮的重量級藝術家卡蜜兒·安侯（Camille Henrot），攜成名作《極度疲憊》首度來台展出。這件被視為後網路藝術（Post-Internet Art）始祖的作品，以電腦桌面為舞台，重組網路素材、美國博物館及研究機構組織「史密森學會」典藏，揭示資訊過載如何影響我們的感知與學習知識的方式。

同樣回應科技社會與人類情感行為的關聯，台灣藝術家鄭先喻作品《這可能是你》揭露演算法下的身份幻象，作品不斷輸出演算法生成的個資檔案，擾動個人隱私與真實身分的邊界；日本藝術家山內祥太（Shota Yamauchi）的新作《Being… Us?》，則透過AI光影生成後人類幻影，挑戰對「生命」的既有定義。

日本藝術家YANG02則進一步探索科技時代的社會與倫理議題，他曾透過《永久的暫時性》一作，運用無價值判斷的自動導引車（AGV）將隱蔽幕後的佈展過程公開，藉此反思便利性背後的資本機制。此次則帶來新作《慢速迷你4DW——逃離現代價值觀》，將原先的高速競賽改造成「慢速競賽」，使觀眾體驗「放慢」蘊藏的價值，挑戰現代社會對效率的迷思。

深入感知，將記憶與時間具象化

台灣藝術家陳怡潔以轉化動漫人物的色彩聞名，新作《連合島漫遊》將觀眾最具情感連結的動漫角色，轉化為多格抽象圓盤，呈現網路世代共享記憶的軌跡。

陳松志的《無題-KEE》則讓觀者走在鋪滿銀色亮粉的地毯上——當足跡化為記憶殘留，時間即隨著身體的移動被具象化。

聶永真設計主視覺！以「觀眾凝視白牆」暗喻觀看的多種解讀

本展由聶永真操刀的主視覺設計也值得一看！畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——究竟注視的是藝術，還是透過藝術映射出的自己？展覽也由此發展出一組明信片套卡，觀眾可於展覽中取閱、蒐集；離開展場後，這些明信片將成為展覽的物理延伸，承載著關於「我（們）到此一遊」的某種見證。

《We Are Me－我（們）到此一遊》

展期｜2025.10.30－2026.02.01

開放時間｜週二至週日 9:00－17:00，週一固定休館，國定假日除外

展覽地點｜基隆美術館1樓、M樓（基隆市中正區信一路181號）

參展藝術家｜陳怡潔、陳松志、鄭先喻、瑞安．甘德（Ryan Gander）、卡蜜兒．安侯（Camille Henrot）、謝佑承、納溫．努通、山內翔太（Shota Yamauchi）、yang02（依英文姓氏字母順序）